Catalogue > Liste par artiste

Jouant sur la limite entre documentaire et œuvre vidéo, Strike a pose suit Ariane V., body-buildeuse et Docteur en science de la Vie d’origine belge vivant en Suisse. Durant 9 mois, Maëlle Gross a côtoyé Ariane. Cet investissement dans la durée avait pour but de créer une intimité entre l’artiste et son sujet, afin que ce dernier puisse entrer dans un processus de lâcher prise, gage de confiance. Au moyen d’interviews, de la danse et d’immersion dans le monde du bodybuilding, peu à peu nous nous rendons compte d’un état d’ambïguité du corps. Pousser les limites physiques, se détacher de sa propre enveloppe pour la traiter comme une sculpture. Arrivé au paroxysme de sa métamorphose, la protagoniste devient alors, hors-norme. Hors-norme des critères de beauté stéréotypée du corps genré auxquelles elle est associée. Une invitation à l’introspection subjective dans l’imagerie contrôlée du corps où la limite entre le raisonnable et l’excessif se fait de plus en plus petite au fur et à mesure de la transformation radical qu’Ariane a entrepris sur son corps.

Née le 20 novembre 1988 à Lausanne en Suisse, Maëlle Gross montre très jeune un intérêt particulier pour la photographie et la vidéo. Diplômée en 2013 de la Haute Ecole d’Art et Design de Genève, elle déménage ensuite à Londres et intègre la Goldsmiths University où elle obtient en 2015 son Master of Fine Art avec mention. Son travail a notamment été présenté lors du festival vidéo R4 à Paris, a participé à une performance collective à l’Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres ainsi qu`à la galerie Large Glass à Londres sous le collectif Almosthere. Aujourd’hui, Maëlle Gross vit et travaille entre Londres et Genève.

What happens when a family revisit a house they abandoned sixteen years ago? It wasn’t a decision where Saira & Salim had a choice. Would you be able to relive those delightful memories & conversations without the traumatic ones overpowering your emotions?

Eshwarya is a post graduate film student at National Institute of Design, India. She has studied architecture and believes that film is all about capturing the emotion of a space or creating a subconscious space and how people interact with it.

Miraculous Accident est un film transtemporal qui raconte l’histoire d’amour entre Nadir, un étudiant marocain à l’École de cinéma de ?ód? en 1968, son enseignante de montage, Edyta, de confession juive, et leur relation partagée avec Jarek, le meilleur ami de Nadir et protégé d’Edyta. Nadir fait partie d’un groupe d’étudiants nord-africains envoyés étudier les techniques cinématographiques communistes dans le cadre du soutien du Bloc de l’Est aux luttes anti-impérialistes. Malgré son opposition au sionisme, Edyta est contrainte de quitter la Pologne en raison de la rupture politique entre la Pologne et Israël après la guerre des Six Jours, ou la Naksa (« la Défaite »). En 2024, Nadir retourne à l’école pour réaliser un film après avoir découvert une lettre oubliée qu’Edyta lui avait écrite depuis Haïfa en 1989. Le film pleure la cruauté des nations, capables de faire naître de rares miracles — des amours accidentelles — pour mieux les briser avant qu’ils n’aient le temps de respirer. Inspiré par la vie de l’ancien étudiant marocain, poète et cinéaste Abdelkader Lagtaâ, qui interprète également Nadir dans le film, Miraculous Accident tisse son récit à travers des images originales et des extraits de films d’étudiants des années 1960 réalisés par Lagtaâ et ses camarades.

Assaf Gruber (né à Jérusalem en 1980) est un sculpteur et cinéaste vivant et travaillant à Berlin. La relation dynamique entre les individus et les institutions est au cœur de sa pratique, qui vise à explorer à la fois comment l’orientation politique des établissements hérités impacte la vie des personnes, et comment ces organisations choisissent de représenter et de transmettre les faits ainsi que les artefacts qui les accompagnent. Les biographies absurdes des protagonistes de ses projets révèlent tout autant qu’elles obscurcissent les raisons et les motivations qui conduisent les gens à obéir ou à se rebeller — contre leur monde intérieur ou contre la société dans laquelle ils vivent. Sa photographie, sa sculpture et ses installations placent la matérialité des objets en relation avec des dimensions narratives, créant ainsi des espaces fictionnels où mouvement et non-mouvement fonctionnent comme un médium. Les expositions personnelles de Gruber incluent la Berlinische Galerie, Berlin (2018), et le Muzeum Sztuki, ?ód? (2015). Ses films ont été présentés dans des festivals tels que l’International Film Festival Rotterdam (2023) et FID Marseille (2022). Il a étudié à Cooper Union à New York et est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris ainsi que du Higher Institute of Fine Arts (HISK) à Gand.

Museum depots are places where things are kept out of sight, but also protected from all-too-schematic historical judgments. In his new film, Assaf Gruber continues his ongoing investigation of the backstage areas of art institutions to engage with Neue Galerie Graz’s holdings. In the cage-like space of the repository, we see a naked musician working intensely on a composition. He is inspired by artists who belong to a gray area between modernist aspirations and enthusiasm for Nazism, and whose works combine a taste for the exotic with local patriotism, religious fervor, and eroticism. Our mysterious protagonist tentatively plays a familiar melody. It's a song known to many of us, recognisable from dance floors across Europe - but how many of us have ever bothered to listen to its remarkably rascist and imperialistic lyrics?

Assaf Gruber (b. Jerusalem, 1980) is a sculptor and filmmaker living and working in Berlin. The dynamic relationship between individuals and institutions is at the center of his practice, which aims to explore both how the political orientation of legacy establishments impact the lives of individuals and how these organizations choose to represent and communicate facts and their attendant artifacts. Gruber’s solo exhibitions include the Berlinische Galerie, Berlin (2018) and the Muzeum Sztuki, ?ód? (2015). His films have been featured in festivals including the International Film Festival Rotterdam (2023) and FID Marseille (2022). He studied at Cooper Union in New York and is a graduate of the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris and of the Higher Institute of Fine Arts (HISK) in Ghent. Gruber is currently one of the fellows of the Berlin Artistic Research Grant Programme 2022/23 (gkfd).

Inspired by the children’s book About Two Squares created by El Lisstzky exactly 100 years ago, Transient Witness simultaneously merges and obscures the intimate from the public, in a story where the actions of collecting and stealing function as synonyms and inheritance and loss immerse. It is a fictional story of the transfer of the objects from the private house of avant-garde collector Egidio Marzona in Berlin to their new domicile – the Japanisches Palais, a Rococo building that belongs to the Staatliche Kunstsammlungen Dresden (SKD). The plot is told through the eyes of three main characters: Christina, the manager of the collection; Maurizio, the art mover; and Präsens the collector’s dog. Fiction meets reality: the film takes place on 25 November 2019. On that day, priceless jewelry of immense cultural value was stolen from the Green Vault in Dresden in one of the biggest art heists in history, causing a national shock in Germany. The film unfolds a complex story, navigating between historical facts about the Baroque and the Avant-garde; art and its politics.

Assaf Gruber (b. Jerusalem, 1980) is a sculptor and filmmaker who lives and works in Berlin. The dialectical relationship between the individual and the establishment is at the centre of his work, which explores how political orientations of institutions impact the lives of individuals and how institutions choose to represent and communicate facts and artefacts. Gruber studied at the Cooper Union in New York and is a graduate of the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris and of the Higher Institute of Fine Arts (HISK) in Ghent. His solo exhibitions include the Muzeum Sztuki, ?ód? (2015), the Berlinische Galerie, Berlin (2018), Ujazdowski Castle Center for Contemporary Art, Warsaw (2018), among others. His films have been featured in festivals including the Berlinale Film Festival, FID Marseille (2019), and the International Short Film Festival Oberhausen (2016).

Katharina Gruzei combines a sociopolitical issue and a precise formal concept, which is rare in experimental film. Inspired by the Lumière brothers? first film, La sortie de l?usine Lumière à Lyon, which shows a large number of workers leaving their factory?s gate, Gruzei begins in the interior, in a passageway (made to seem incredibly long by the editing) that emerges from the darkness. More and more of them walk down the dark, flickering hallway. By these scenes the weirdness of the space and the menacing quality of a mass of people who could form a resistance movement becomes increasingly evident. All relevant questions concerning the on-the-job reality experienced by these workers, most of whom are women, can be formulated by means of association: Is it nighttime when they leave the factory? What kind of work do they have to do? What do female laborers earn these days? How long does it take them to get home from this monstrous factory, and when will it be moved to a low-wage country?

born 1983 Studies of Experimental Art and Cultural Studies at the University of the Arts in Linz, Austria. Studies abroad at the Art Department of the Universtiy of California Santa Barbara and at the University of Fine Arts Berlin for Visual Cultural Studies in the class of Katharina Sieverding. Katharina Gruzei works with photography, film, video, installations, media-performances, sound and objects. Working conceptually, she experiments between these disciplines and arrives at an unique crossover language.

Language Lesson (2016) intercuts two tracking shots -- a shaky handheld approach to the Yugoslav dictator’s mausoleum, with a smooth following shot of my Yugoslav mother walking through her Canadian apartment corridor, and entering the small living quarters in which she will almost certainly pass the remainder of her days. If she’s not exactly an exile, she’s certainly cut off from her past, her friends, the sites where she grew up and feels most familiar, or so we may imagine just upon hearing her accent, which comes in the form of voiceover, where she gives us a little lesson in speaking Serbian. She says things like, “This is here, this is mine, this is shit, I don’t like this…”, alternating in English, then Serbian (subtitled in French). The thoughts expressed range from neutral, to (perhaps) happy, to disappointed or displeased. As she walks, her thoughts seem to change. Similarly, a change happens on the approach to the mausoleum, which at first appears lavish, in sparkling marble. We don’t know at first where we are, other than in a cemetery, the burial site of someone very esteemed, wealthy, important. After short bursts of the approach, we eventually see the name of Tito, which perhaps causes us to reflect on opulence in a land where there was seldom plenty. The camera drops quickly to the ground, where we apprehend a struggle between a colony of ants, which crawl in and out of the cracks in the marble base of the crypt, each fighting for the corpse of a fly. Notions of sacrifice and fellowship in the common pursuit of attaining a progressive, egalitarian social order, rapidly give way to an each-for-their-own, eat-or-be-eaten state of affairs.

Milutin Gubash est né à Novi Sad (Serbie) et vit à Montréal (Canada) depuis 2005. Il a présenté des expositions au Québec, au Canada, aux États-Unis et en Europe y compris au Musée d’art contemporain (2007) et une rétrospective coproduites par six institutions au travers le Canada (Rodman Hall Art Centre 2011, Carleton University Art Gallery 2012, Kitchener-Waterloo Art Gallery 2012, Southern Alberta Art Gallery 2012, Musée d’art de Joliette 2012 et Fonderie Darling 2013). Sa pratique englobe la photographie, la vidéo et la performance et inclut souvent la participation de sa famille et amis qui incarnent une version d’eux-mêmes dans des feuilletons maison, des réinterprétations historiques et de pièces de théâtre improvisées. Par des moyens simples et des gestes souvent absurdes, Gubash questionne nos suppositions au sujet des récits de nos propres identités, histoires et environnements.

In Vesna At the Monument (2016), a humble middle aged woman appears on the site of a dilapidated, in-the-middle-of-nowhere monument, erected likely in the time when she was youthful and at her most optimistic. The monument was commissioned in order to commemorate the heroic actions of common citizens in their struggle against fascism, and desire to promote and participate in a progressive, utopic state. She shuffles past the monument, and sits to smoke a cigarette. Off screen, a voice is heard, asking her questions such as what is the meaning of this place, this monument, this moment. She does not answer, as though she does not hear the question, even while acknowledging the camera, and the voice itself. It could, one supposes, be the voice of the cameraman or director, a voice in the subject’s own head, perhaps the voice of the monument itself, trying to ascertain the meaning of itself in this day and age. It gets no reply, and eventually (perhaps fed up with the question), she simply leaves, with the interlocutor left in his own uncertainty. The video seems to reject or deny a past, while expressing grave uncertainty to the future.

Milutin Gubash est né à Novi Sad (Serbie) et vit à Montréal (Canada) depuis 2005. Il a présenté des expositions au Québec, au Canada, aux États-Unis et en Europe y compris au Musée d’art contemporain (2007) et une rétrospective coproduites par six institutions au travers le Canada (Rodman Hall Art Centre 2011, Carleton University Art Gallery 2012, Kitchener-Waterloo Art Gallery 2012, Southern Alberta Art Gallery 2012, Musée d’art de Joliette 2012 et Fonderie Darling 2013). Sa pratique englobe la photographie, la vidéo et la performance et inclut souvent la participation de sa famille et amis qui incarnent une version d’eux-mêmes dans des feuilletons maison, des réinterprétations historiques et de pièces de théâtre improvisées. Par des moyens simples et des gestes souvent absurdes, Gubash questionne nos suppositions au sujet des récits de nos propres identités, histoires et environnements.

Portrait expérimental de la ville comme expérience d`elle-même : les images sont trop intenses et parfois le bruit infernal. Indie Lisboa. Festival de Cinema Indépendant de Lisbonne, 2004.

The images of a virgin Argentina, out from a private photographic archive, become present landscape: the river, the forest, the road: everything seems unchanged... except a ruined cotton factory, ghost of the collapse of a model of development imported from Europe, which is now a few teenager`s playground.

Caterina Gueli an italo-argentinean director/editor based in Paris. ?La Fabril? is a work in progress, through which she deepens the research engaged in her precedent two short films : Resistencia (Premio Avanti! Torino Film Festival 2007, Best Soundtrack Genova Film Festival 2008, etc.) and Somewhere (2009). She has participated to the realization of Il Canto dei Nuovi Emigranti (Best Documentary Torino Film Festival 2005) and In Attesa dell`Avvento (Best Short Film - Mostra del Cinema di Venezia 2011 ? Orizzonti) of Felice D`Agostino and Arturo Lavorato.

Roma Talismano, septième volet du Superfictional World Atlas, explore Rome comme talisman moral et esthétique de l’Occident. Au son d’hymnes et d’arias d’opéra, trois animaux allégoriques — la louve, l’aigle et l’agneau — racontent l’incessant recyclage de l’esthétique romaine pour fabriquer une universalité classique artificielle et délavée, de la Renaissance au fascisme jusqu’à aujourd’hui : Roma Talismano, volcan éternel de blancheur visuelle et spirituelle.

Guerreiro do Divino Amor est titulaire d’un master en architecture de l’École d’architecture de Grenoble (France). Depuis vingt ans, sa recherche au long cours, Superfictional World Atlas, explore les mythologies historiques, médiatiques, religieuses et corporatives qui composent l’imaginaire collectif des nations. À partir de fragments du réel, il construit un univers de science-fiction sous forme de films, de publications et d’installations de grande envergure. Il a représenté la Suisse à la Biennale de Venise 2024, a été boursier du programme DAAD Artists-in-Berlin en 2021–2022 et a reçu le PIPA Prize en 2019. En 2022, il a présenté la rétrospective Superfictional Sanctuaries au Centre d’art contemporain de Genève. Son travail a été montré, entre autres, à la Triennale Frestas de Sorocaba (Brésil), à la Bangkok Biennale 2024, au CAC Vilnius (Lituanie) et à la Pinacoteca de São Paulo. Ses films primés ont été projetés dans de nombreuses institutions et festivals, en France et à l’international. Guerreiro do Divino Amor vit et travaille à Rio de Janeiro, au Brésil.

PARAÍSO est une évocation poétique d'un pays et de sa mémoire historique, un portrait intime de la vie contemporaine en Colombie. Le grain doux du Super 8 fait vibrer la réalité d'un pays plongé dans une guerre sans fin.

Felipe Guerrero est né en 1975 en Colombie et vit à Buenos Aires. Il a étudié le montage au Centre Expérimental de Cinématographie de Rome et travaille comme monteur en Europe et en Amérique Latine.

A mission in the middle of the Colombian jungle. Time seems to have stopped. There is something sinister in the air. The ambiance is tense. Hot and humid. A man surrounded by an environment that burns himfrom the inside. Power, poetry, violence. Everything happens in an instant, leaving everyone breathless.

Director and editor Felipe Guerrero was born in Colombia in 1975. His first film Paraíso(2006) received the Mention Spécial for First Films at FIDMarseille. Corta(2012), his second film, premiered in the BrightFuture Section at the Rotterdam FF 2012, and was exhibited in Festivals around the world (FICCICartagena de Indias, BAFICI Buenos Aires, JIFF Jeonju,FIDOCS Santiago de Chile, DISTRITAL México DF, SPLITCroacia, DOKLeipzig, La Habana). As an editor, he worked in films exhibited and awardedinternationally, among them: Los Hongos(2014), La playaDC(2012), El páramo(2011), El vuelco del Cangrejo (2009). In 2011 he founded his own production company Mutokino.

Fragments d'une rencontre avec le musicien américain Loren Connors. Frôler les pulsations du temps, palper la matière, s'attarder sur l'imperceptible fragilité du geste...

Né en 1976 à Saint-Denis, France. Parallèlement à ses recherches sur la texture de l’image, les thèmes développés à travers ses films/photos sont essentiellement liés au Temps, à la mémoire et au fragment.

21 décembre 2015. Les images d’une caméra de surveillance montrent un renard à proximité de la cuve de confinement du réacteur no.2 de la centrale nucléaire de Fukushima..

Né en 1976 à Saint-Denis, France. Parallèlement à ses recherches sur la texture de l’image (qu’elle soit en pellicule, ou numérique) et le son, les thèmes développés à travers ses films sont essentiellement liés au Temps, à la mémoire et au fragment.

Mr. Jocotot, a philosophy and ethics professor, has just collected final exams from his students and, unlike most other days, decides to take a taxi home. As he turns onto Avenida Progreso, a prominent street in Mexico City, he will come up against corruption and his ignorance will teach him a lesson.

Mauricio Guillén was born in México city in 1971. He studied at Parsons School in Paris, The Cooper Union in New York City and The Royal College of Art in London England. He currently lives in Frankfurt Germany where last summer, as part of an exhibition of his work, he presented the film AVENIDA PROGRESO at MMK (Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main).

SOAP is a film in seven episodes following the infiltration attempts of a cluster of left-wing people in right-wing social networks. The tactic chosen by the group is the creation of a YouTube channel aimed at teenagers employing the apparently conservative language of religious devotion and self help through prayer. SOAP asks questions such as can a coalition of artists, writers and activists avoid tripping over their own assumptions and privileges to form something persuasive? Is the white left dead? Or rather, have the forms of appeal and address relied upon by the intellectual Lefts ceased to be effective? Is there a way out of the internal bickering and accusations - that continue to hamper political movements? In episode 'six and a half', Camila narrates the previous episodes, reflecting on the project's aims and fractures from the perspective of a post election moment in which the Left was re-elected to the presidency in Brazil.

Tamar Guimarães (b. Belo Horizonte, BR, lives and works in Copenhagen and Berlin) is an artist working with film and installation. Her work has been included at the 33rd, 31st and the 29th São Paulo Biennial; the Belgian Pavilion at the 56th Venice Biennial; the International Exhibition at the 55th Venice Biennial; the LACMA - Los Angeles County Museum of Art (USA); Baltimore Museum of Art (USA); 11th Sharjah Biennial (UAE); the Banff Centre, Alberta (CA); the Guggenheim Museum, NY (USA); the SculptureCenter (NY/USA); the 7th Gwangju Biennial (SK); the 3rd Guanghzhou Triennial (CN); Frac/Le Plateau, Paris (FR); CAC Synagogue de Delme (FR). Her moving image work has been screened at the Les Rencontres Internationales (2014, 2021, 2022); Berlinale Forum Expanded (2019); Blackout, International Film Festival Rotterdam (2019); VIDEONALE, Bonn (2018); Anthology Film Archive, New York (2016); CPH:DOX (2013 and 2007); Images Film Festival and Experimental Media Congress, Toronto, Canada (2010); Architektur-Visionen # 1-6, Metropolis Kino, Hamburg (2015); TRAMWAY art film biennial, Glasgow (2012); Viennale Film Festival, Vienna (2011); and Oberhausen Film Festival (2009). Guimarães’ work is represented in the collections of the Tate Modern (UK); the Solomon Guggenheim Foundation, N.Y. (USA); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (ES); Kadist Foundation (SF); Frac Lorraine (FR) among others.

"Soap" est un film en quatre épisodes, dans lequel un groupe de citadins de gauche isolés imagine comment créer une telenovela, un soap, pour infiltrer l'extrême droite conspiratrice, dans le Brésil de Bolsonaro. Une coalition de militants, d'artistes et d'écrivains peut-elle éviter de se prendre les pieds dans ses propres préjugés et privilèges, pour créer quelque chose de convaincant? Peuvent-ils unir leurs forces pour battre un système populiste à son propre jeu? "Soap" est une collaboration entre Tamar Guimarães, Luisa Cavanagh et Rusi Millán Pastori. Il a été filmé à Berlin et São Paulo pendant le premier confinement du Covid19, en 2020.

Tamar Guimarães est née à Belo Horizonte (Brésil) en 1967. Elle vit et travaille à Berlin (Allemagne). Elle est artiste visuelle, travaillant le film et d'autres formes de médias basés sur le temps. Elle collabore souvent avec des acteurs et des non-acteurs dans des films semi-fictionnels qui explorent les dynamiques sociopolitiques résiduelles ou contemporaines, ainsi que des problématiques dans l'art, l'architecture et les institutions qui les présentent. Son travail a été présenté aux 29e, 31e et 33e Biennales de São Paulo (Brésil); à la 56e Biennale de Venise (Italie) [Pavillon belge]; à la 55e Biennale de Venise (Italie); au LACMA – Los Angeles County Museum of Art (USA); au Guggenheim Museum, New York (USA); au SculptureCenter, New York (USA); à la Renaissance Society, Chicago (USA); à la 7e Biennale de Gwangju (Corée du Sud); au Frac - Le Plateau, Paris (France); et au Centre d’art contemporain - Synagogue de Delme (France). Parmi ses expositions individuelles, citons le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (Espagne), et le Jeu de Paume - Satellite, Paris (France). Luisa Cavanagh est née en 1979 à Buenos Aires (Argentine). Elle est artiste visuelle, coloriste et directrice de la photographie. Elle a étudié la cinématographie à la Escuela Nacional de Realización y Experimentacioón Cinematográfica, Buenos Aires (Argentine). Intéressée par le travail collaboratif, elle a rejoint le "Grupo Mexa", afin de développer le film/performance "Cancionero Terminal 10Mg". Elle est co-fondatrice de Eterno work in progress, un ciné-club géré par des artistes qui explore les possibilités de l’exposition de cinéma, de la musique en direct et des images en mouvement. Rusi Millán Pastori est né en 1976 en Argentine. Il est écrivain, réalisateur et directeur de la photographie. Des scénarios politiques réels constituent le dénominateur commun de son travail, sous la forme de chroniques combinant différents personnages et situations. Il a étudié la réalisation à la Escuela Nacional de Realización y Experimentación Cinematográfica, Buenos Aires (Argentine). Il a réalisé des courts et moyens métrages qui ont été présentés dans divers festivals, notamment au BAFICI – Festival international du cinéma indépendant de Buenos Aires (Argentine) et à la 41e Mostra de São Paulo (Brésil).

SOAP, 2020-ongoing, imagines what it would take to create a soap opera with which to infiltrate, and influence, the conspiratorial far right in Bolsonaro’s Brazil. A group of idealistic left-wing intellectuals join forces to play a populist system at its own game. Through the initial five episodes, the heroes struggle to chart a course through their own ideas and ideologies by way of quotidian dramas and veiled intrigues. But how can this small group of artists, writers and activists overcome the struggle of principles, their internal bickering and the absurdities of their own privilege to create something that resonates and has real impact with their target audience? IN Episode 5, ‘MOSES AND MONOTHEISM’, concepts clash ferociously, hand puppets scream and pray, renowned Genocide Scholars are accosted and conspiracies bleed across borders. Meanwhile, as the left-wing infiltrators struggle to make sense of their own intentions, entertaining the idea of creating a YouTube series aimed at the evangelic Brazilians, the Querdenkers (a movement that fuses protesters against Covid measures with the far-right scene thriving on a sense of crisis and apocalypse) move through plague-time Berlin like a danse macabre.

Tamar Guimarães (b. Belo Horizonte, BR, lives and works in Copenhagen and Berlin) is a visual artist working with film and other forms of time based media. She often works with actors alongside non- actors in semi-fictional films. Recent solo exhibitions include Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Jeu de Paume Satellite, Paris; Gasworks, London and the IMA Institute of Modern Art, Brisbane. Guimarães’ works have been included at the 33rd, 31st and the 29th São Paulo Biennial; the Belgian Pavilion at the 56th Venice Biennial; the International Exhibition at the 55th Venice Biennial; at the LACMA - Los Angeles County Museum of Art (USA); Baltimore Museum of Art (USA); the 11th Sharjah Biennial (UAE); the Banff Centre, Alberta (CA); Malmö Museum (SE); the Guggenheim Museum, NY (USA); the SculptureCenter (NY/USA); the 7th Gwangju Biennial (SK); the 3rd Guanghzhou Triennial (CN); the Jumex museum, Mexico (MX); Frac/Le Plateau, Paris (FR); CAC Synagogue de Delme (FR) and at the Haus der Kulturen der Welt, Berlin (DE). Her work has been screened at the Berlinale Forum Expanded (2019); Blackout, International Film Festival Rotterdam (2019); VIDEONALE, Bonn (2018); Anthology Film Archive, New York (2016); CPH:DOX (2013 and 2007); Images Film Festival and Experimental Media Congress, Toronto, Canada (2010); Architektur-Visionen # 1-6, Metropolis Kino, Hamburg (2015); Les Rencontres Internationales, Paris and Berlin (2014); TRAMWAY art film biennial, Glasgow (2012); Viennale Film Festival, Vienna (2011); and Oberhausen Film Festival (2009) among others. Guimarães’ work is represented in the collections of the Tate Modern (UK); the Solomon Guggenheim Foundation, N.Y. (USA); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (ES); Kadist Foundation (SF); Inhotim (BR); Frac Lorraine (FR); Guandong Museum (CN) and Cisneros Fontan- als Art Foundation (USA). She was awarded the 2018 Faena Prize for the Arts, Faena Art, Buenos Aires, Argentina; the 2014 Edstrandska Foundation Prize, Malmö, Sweden; the 2012 Cisneros Fontanals Art Foundation Grants and Commissions Prize, Miami, USA; was the receiver of a three-year work grant from the Danish Arts Council and was nominated for the 2018 Prize The Future of Europe, Leipzig, Germany.

Children of the Jiu Valley are familiar with roads. Theirs but especially those of the adults. Roads through the tunnel, the mountains or the Valley. All the roads seem made to leave as well as to return. The parents of these children, once the inhabitants of an old industrial area of Romania, take now long roads to reach the West, wherever they may find work. They return too seldomly. They send money. Their children are a lot like orphans. Many of them experience depression. Some choose to take the fatal road to Paradise or Hell. Maybe with the hope of coming back to a kinder vale.

ALEXANDRA GULEA (1970, Bucuresti, Romania), graduated in 1997 at ENSBA in Paris. She studied documentary film at Munich Film School and since 1999 directed Documentary Films: “Anonymous”- 11`, 2000 International competition Kurzfilmtage Oberhausen, Prize fff bayern, Munich Documentary FF, Minority Prize Mediawave, Hungary . “God plays Sax, the Devil Violin” 45`, 2004, German Short Film Prize, Golden Key, Kassel, Best Student Film, Molodist, Ukraine, DAAD Prize, Germany, Prix du Film Long, Les Ecrans Documentaires, France, Mention Henry Langlois, Poitiers. IFF Rotterdam, Cinema du Reel Paris, IDFF München, IDAFF Leipzig, IKF Oberhausen, MoMA. “Today I was Young and Pretty” 52`, 2008, Festival dei Popoli, Firenze, Italy , Cronograf, Moldova, IFF Györ, Ungary, TIFF, Romania, MNAC, Romania, Institut Culturel Francais, Romania. Short films : « Wooden Boy » 10’, 2017, Rencontres Internationales Paris - Berlin, IKF Oberhausen. « Valea Jiului - Notes » 13’, 2018, Bucharest Experimental FF, Astra Sibiu, Prize for the Best German Film, IKF Oberhausen. As Fiction films she directed and edited: “The fourth wall"- 17`, 2001 with Werner Schroeter, IKF Oberhausen. “Hacker”, 5 x 52 min. TV-fiction, 2003. She wrote, directed and co-edited her first feature “Matei Child Miner” 2013 Nominated for the “Big Screen Award” IFF Rotterdam, Premio “Lino Micciché”, “Young Critics Award” at Pesaro IFF Italy. Prize at Regiofun IFF, Katowice, Poland. Cinema Jove Valencia IFF Spain, Zlin IFF Czech Republic, TIFF Romania, Anonimul Romania, FF Edu, Evreux, France. IWFF, Köln. Werkstatt Kino, München.

C’est au bout du conte que la sympathique poupée Pinocchio, se transformait en homme après avoir renoncé à faire des bêtises et s’être conformé au bon sens de rigueur. D’abord il s’était réjoui de cette récompense. Mais un beau jour, Pinocchio vit une multitude d’animaux empaillés dans un musée. Des êtres du passe, mais qui en même temps représentent bien plus que ce qu’elles étaient. Plus libres que lui, Pinocchio, libres de peupler son imagination. Mais le garçon en bois réalisa cela bien plus tard, quand, à l’âge adulte, il se rappela ses larmes en rentrant du musée, où, loups et ours l’attendaient le regard fixé sur lui.

Alexandra Gulea Vit et travaille entre la France, l’Allemagne et la Roumanie 1970 - née à Bucarest, Roumanie FORMATION 1988 - Lycée des Beaux-Arts “ N. TONITZA” – Bucarest, Roumanie Baccalauréat « arts plastiques » 1990 - Académie Nationale d’Art – Bucarest, Roumanie 1992/1993 - Ecole Régionale des Beaux-Arts - Rouen 1993/1997 - Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) - Paris Diplômé avec les Félicitations du Jury (Atelier J.M Alberola) 1999/2012 – Etudes Film Documentaire, Hochschule für Fernsehen und Film (HFF) - München, Allemagne Diplôme

Children of the Jiu Valley are familiar with roads. Theirs but especially those of the adults. Roads through the tunnel, the mountains or the Valley. All the roads seem made to leave as well as to return. The parents of these children, once the inhabitants of an old industrial area of Romania, take now long roads to reach the West, wherever they may find work. They return too seldomly. They send money. Their children are a lot like orphans. Many of them experience depression. Some choose to take the fatal road to Paradise or Hell. Maybe with the hope of coming back to a kinder vale.

ALEXANDRA GULEA (1970, Bucuresti, Romania), graduated in 1997 at ENSBA in Paris. She studied documentary film at Munich Film School and since 1999 directed Documentary Films: “Anonymous”- 11`, 2000 International competition Kurzfilmtage Oberhausen, Prize fff bayern, Munich Documentary FF, Minority Prize Mediawave, Hungary . “God plays Sax, the Devil Violin” 45`, 2004, German Short Film Prize, Golden Key, Kassel, Best Student Film, Molodist, Ukraine, DAAD Prize, Germany, Prix du Film Long, Les Ecrans Documentaires, France, Mention Henry Langlois, Poitiers. IFF Rotterdam, Cinema du Reel Paris, IDFF München, IDAFF Leipzig, IKF Oberhausen, MoMA. “Today I was Young and Pretty” 52`, 2008, Festival dei Popoli, Firenze, Italy , Cronograf, Moldova, IFF Györ, Ungary, TIFF, Romania, MNAC, Romania, Institut Culturel Francais, Romania. Short films : « Wooden Boy » 10’, 2017, Rencontres Internationales Paris - Berlin, IKF Oberhausen. « Valea Jiului - Notes » 13’, 2018, Bucharest Experimental FF, Astra Sibiu, Prize for the Best German Film, IKF Oberhausen. As Fiction films she directed and edited: “The fourth wall"- 17`, 2001 with Werner Schroeter, IKF Oberhausen. “Hacker”, 5 x 52 min. TV-fiction, 2003. She wrote, directed and co-edited her first feature “Matei Child Miner” 2013 Nominated for the “Big Screen Award” IFF Rotterdam, Premio “Lino Micciché”, “Young Critics Award” at Pesaro IFF Italy. Prize at Regiofun IFF, Katowice, Poland. Cinema Jove Valencia IFF Spain, Zlin IFF Czech Republic, TIFF Romania, Anonimul Romania, FF Edu, Evreux, France. IWFF, Köln. Werkstatt Kino, München.

C’est au bout du conte que la sympathique poupée Pinocchio, se transformait en homme après avoir renoncé à faire des bêtises et s’être conformé au bon sens de rigueur. D’abord il s’était réjoui de cette récompense. Mais un beau jour, Pinocchio vit une multitude d’animaux empaillés dans un musée. Des êtres du passe, mais qui en même temps représentent bien plus que ce qu’elles étaient. Plus libres que lui, Pinocchio, libres de peupler son imagination. Mais le garçon en bois réalisa cela bien plus tard, quand, à l’âge adulte, il se rappela ses larmes en rentrant du musée, où, loups et ours l’attendaient le regard fixé sur lui.

Alexandra Gulea Vit et travaille entre la France, l’Allemagne et la Roumanie 1970 - née à Bucarest, Roumanie FORMATION 1988 - Lycée des Beaux-Arts “ N. TONITZA” – Bucarest, Roumanie Baccalauréat « arts plastiques » 1990 - Académie Nationale d’Art – Bucarest, Roumanie 1992/1993 - Ecole Régionale des Beaux-Arts - Rouen 1993/1997 - Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) - Paris Diplômé avec les Félicitations du Jury (Atelier J.M Alberola) 1999/2012 – Etudes Film Documentaire, Hochschule für Fernsehen und Film (HFF) - München, Allemagne Diplôme

Ce film a été tourné pendant une période où j'ai vécue et travaillé à Berlin. La tour désaffectée où le film a été réalisé, a eu une vie antérieure du temps de la RDA où elle abritait un centre administratif de services sociaux. Le film suit les mouvements de plaques en plastique que j'ai suspendues en haut des fenêtres au dernier étage de l'immeuble. La légèreté des feuilles en plastique fait que ses mouvements, générés par le vent subissent un fort ralentissement. Le jour du tournage, j'ai mis en place une station de radio pirate afin de diffuser une bande-son que j'avais enregistrée dans la cage d'escalier. Celle-ci se caractérise par un multiplexe sonore de rythmes et de bruits acoustiques de l'immeuble. Ces sons sont mixés par ordinateur et diffusés depuis un émetteur du haut d'un immeuble.

Stephen Gunning est né en 1974 à Limerick (Ireland) 1992/1995 - Limerick College of art and Design. 1998/2000 - National College of Art and Design, Dublin. 2001/03 - MFA Virtual Realities, NCAD, Dublin