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Shed A Light shows us a space where nature is purported to have taken over from humanity. Inspired by global warming, the filmed environment invites us to explore and celebrate ambiguity by being at once intimate and expansive. The video is an ode to diagonal lines, the transcending of limits and the joy of slipping over a fence to discover a wasteland. Or, a now-abandoned but marvelous garden, in which the artist has discovered a forgotten dystopic biological laboratory.

Laure Prouvost was born in 1978 in Croix-Lille, France. She lives and works in London, UK and Antwerp, Belgium. After receiving the Max Mara Prize for Women [2011], Prouvost was the first French artist to win the prestigious Turner Prize for contemporary British artists and/or living in Great Britain. Prouvost was a LUX Associate Artist 2008/9. Upcoming exhibitions include a major touring solo exhibition between Consortium Dijon, MMK Frankfurt and Kunstmuseum Luzern [2016] in addition to solo exhibitions at the Centre for Contemporary Art Laznia, Gdansk; Walker Art Centre, Minneapolis; Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam [2017]; Hangar Biccoca, Milan; FRAC/Consortium, Dijon; and State of Concept, Athens [2016]. 2016 also includes residencies at Bogliasco Foundation, Genoa and at Fahrenheit for FLAX Foundation, Los Angeles. Recent solo exhibitions include A Way To Leak, Lick, Leek at Fahrenheit, Los Angeles [2016]; DER ÖFFENLICHKEIT: Laure Prouvost at Haus Der Kunst, Munich; Dear dirty dark drink drift down deep droll (in der dole) at carlier|gebauer, Berlin; Laure Prouvost: It, Heat, Hit, e-flux, New York; We Will Go Far, Musée départemental d’art contemporain de Rochechouart, Rochechouart; Burrow Me, Rupert, Vilinus; L’écran: Entre ici et Ailleurs, CAPC Musée d’Art Contemporain de Bordeaux, Bordeaux. Other selected solo exhibitions include The Meeting at MOT International, Brussels [2014]; Polpomotorino at Morra Greco Foundation, Naples [2014]; For Forgetting at New Museum, New York [2014]; From Wantee to Some Signs at Extra City Kunsthal, Antwerp [2014]; Laure Prouvost / Adam Chodzko at Tate Britain, London [2013]; Laure Prouvost at The Hepworth, Wakefield [2012].

Ses films sont des montages sensuels créés à partir de situations données. L’artiste développe en parallèle des clips à saynète réalisés de façon directe et spontanée, des oeuvres plus élaborées dans lesquelles elle produit des tissages visuels à partir de coupes franches et précises dans des séquences filmiques au long court. L’habillage, l’ornementation, la prise à partie du spectateur et la mise en difficulté du récit font parties intégrantes de ses créations. Lick In The Past a été réalisé dans le cadre de sa résidence à la Fahrenheit Flax Foundation (Los Angeles).

Laure Prouvost est née à Croix, en France. Elle vit et travaille à Londres. Lauréate du prestigieux Prix Turner en 2013 – la seule Française à l’avoir jamais gagné, s’empresse-t-on en général d’ajouter – Laure Prouvost est devenue l’une des artistes les plus reconnues et les plus en vogue de la scène internationale. Elle a déjà exposé à New-York, Pékin, Athènes, Mexico… et elle travaille officiellement entre Anvers et Londres.

In the system of culture, eternity is perceived as something transcendental and which is beyond human understanding. Circumstances, that devour life, and beings, that are doomed to live, are metaphorically brought together in the ?Eternity?project. A metaphor of Eternity is a little girl who mentally withstands and resists destructive force and always wins a victory over it. This is the Eternity of an absolute and timeless being. The little girl finds herself in a number of deadly circumstances, it gradually turns into existential cycle, her ?life appears to be Eternity, and her death appears to be only an instant?.

The artists work in various genres of contemporary art: video art, experimental films, photography installations and opera theater. Their works were presented at the 51st Venice Biennale, Kunstfilm Biennale (Museum Ludwig, Cologne), Hors Pistes (Centre Pompidou, Paris), Biennial of Moving Images (Saint-Gervais, Geneva) and other notable events. Over twenty films of the art group participated in international festivals and were awarded with: Tiger Award for Short Film (38th International Film Festival Rotterdam), Gran Premio (25th Asolo International Art Film Festival), Best Experimental Film (15th Chilean International Short Film Festival). In 2010 the ?Inspiration? film was a part of ?Orizzonti? program at the 67th Venice International Film Festival and in 2012 the ?Eternity? is invited by Roma International Film Festival to competition program ?Cinema XXI?. ?Three String Quartets For One Video? was a Grand Prix winner of the Kuryokhin Contemporary Art Awards.

Une narration visuelle qui représente simplement la récente histoire d'une nation. Un groupe de jeunes tentent de gravir une montagne, mais se font toujours tirer dessus, ils tombent en roulant mais recommencent toutefois à nouveau, sur le rythme des coups de feu. Un horrible rêve, qui ouvre à l'espérance, à la volonté de vie et de changement représentée par les jeunes.

Depuis 1993, Galina Myznikova et Sergey Provorov ont créé un grand nombre de projets, qui démontrent le large éventail de leurs intérêts artistiques et leur goût pour les expériences créative dans le domaine du cinéma et de l'art contemporain. Il y a parmi ces projets des films expérimentaux invités dans de nombreux festivals internationaux du monde entier, notamment à Rotterdam (Pays-Bas) Oberhausen (Allemagne), Clermont-Ferrand (France), Milan (Italie), Hambourg (Allemagne), Montréal (Canada), Moscou (Russie), Pesaro (Italie), Sao Paulo (Brésil) et bien d?autres. Nombre de leurs films ont remporté des prix et appartiennent à des collections de musées ; leurs installations ont souvent été créées en tant que projets internationaux et présentées lors de biennales, notamment à la Biennale d'Art Contemporain de Moscou, à la Biennale des Jeunes Artistes de Bucarest (Roumanie), à la KunstFilmBiennale de Cologne (Allemagne), à la Biennale de l'Image en Mouvement de Genève (Suisse). En 2005, « Provmyza » de Myznikova et Provorov a représenté la Russie avec le projet novateur « Idiot Wind » à la 51e Biennale de Venise.

Nicolas Provost is a filmmaker and visual artist living and working in Brussels, Belgium. He studied at the Royal Academy of Fine Arts in Gent, Belgium and spent 10 years in Oslo, Norway where he first worked as an illustrator, graphic designer and art director. In the late 1990s he started making video works, which have been screened worldwide and have received awards at many international film festivals. Provost?s work is a reflection on the grammar of cinema, and the relation between visual art and the cinematic experience. Duality plays an important role; his video works often balance between the grotesque and the moving, beauty and cruelty, the emotional and the intellectual. Through the manipulation of time, codes and formal elements, Provost analyses cinematographic and narrative language; new stories are told by shifting and deconstructing existing footage. Sound is also an important element, used for rhythmic support or as an emotional guideline.

Provost shot this final part of the `Plot Point Trilogy` in Tokyo. He here presents the man in the street as a film protagonist whose reality lies somewhere between a dream and a nightmare. In these three aesthetic reinterpretations, Provost, using seemingly insignificant raw material, not only moulds mystical spaces that compellingly absorb the viewer, but also masterfully shows that the dream-world called ?cinema? is simply a constructed parallel reality comprising clichés, technical rules and dramaturgical conventions.

Nicolas Provost (° 1969, Belgium) is a visual artist who recently moved back to Belgium after a 10 years? stay in Oslo, Norway. Now he lives and works in Brussels, Belgium. His work is to be seen worldwide on both film- and visual arts platforms. His films have earned a long list of awards and screenings at prestigious festivals as among others The Sundance Film Festival, The San Francisco International Filmfestival, Cinevegas, The International Film Festival Rotterdam, The Viennale, The Locarno Film Festival, The Ann Arbor Film Festival, Clermont-Ferrand, Impakt Film Festival, The Asian International Film Festival (Seoul), ?? The works of Nicolas Provost can be seen as cinematic experiences as much as they are poetic audiovisual paintings. They intend to walk on the fine line between dualities and balance between the grotesque and the moving, beauty and cruelty, the emotional and the intellectual, between cinema and fine arts. Time and again his phantasmagorias provoke both recognition and alienation and succeed in catching our expectations into an unravelling game of mystery and abstraction forcing the viewer to reflect on the fenomenon of the audiovisual. With manipulations of time, codes and form, cinematographic and narrative language is analysed, accents are shifted and new stories are told. Apart from the use of film and visual language, sound is also a constant factor in Provost?s body of work, as a rhythmical spine or an emotional guideline.

Provost utilise le plus souvent des disciplines jumelles de l'art vidéo en tant que référence pour le spectateur, utilisant plus particulièrement ces éléments qui sont les plus gravés dans notre mémoire culturelle collective. Pour "The Diver" ("Le Plongeur"), il a choisi la scène de balcon empruntée au théâtre et immortalisée par Roméo et Juliette, comme lieu de rencontre entre amoureux. Il utilise la musique pour exprimer des émotions trop fortes pour être décrites avec des mots, d'une manière qui évoque les classiques du film. L'atmosphère est determinée par la couleur et la lumière, ce qui rappelle l'art de la peinture. De la danse moderne, il a emprunté la capacité d'exprimer le désir ardent par le moindre changement physique de la posture, du geste ou du regard. Le titre de cette oeuvre, "The Diver" évoque même des associations de la littérature dramatique dans le sens où il paraît difficile à dire, à partir de la vidéo, si le couple se tenant ainsi à deux doigts du bord sur le toit d'un grand building ne fait pas en vérité l'expérience d'un désir inventé. La distance qui les sépare pourrait être bien insupportable pour l'un d'entre eux. Grâce à tous ces ingrédients combinés, Provost atteint un effet exacerbé tel que chaque prise de vue dans cette scène pourrait servir très bien pour la couverture d'une fiction de quatre sous. La musique et les détonations des feux d'artifice en arrière plan s'enflent d'une façon telle que les haut-parleurs s'agitent tandis que l'environnement jouit d'une lumière dramatique. La passion est tout autour et le spectateur partage ce que les deux amoureux doivent ressentir secrètement.

Provost`s 2007 piece `Plot point` used a subtle combination of music, editing and photography to lead the viewer into a subconscious process of establishing and discovering a story. `Stardust` takes this a stage further, manipulating recorded conversations taken from films as well as background music. Provost moves from New York to Las Vegas, filming the public going about their daily business. He then uses these clips of people engaging in conversations, making phone calls, watching a screen or gazing into space, and adds film music and dialogue over the top. Provost is the master of exploiting the associations and reactions learned by the public through years of watching crime and action films and television programmes, using film music to build tension, to induce emotional responses, to alter the nature of what is seen or heard. He also uses parataxis to great effect, presenting two separate and unrelated things together, so that the audience generates links. For example, hearing gunshots while the camera shows only a closed door, we think that the shots have been fired in the room behind the door. Through his understanding of cinematographic language, Provost manipulates the audience into generating narratives and developing characters. As the piece progresses, the plots that must be built become more complex and less believable, exposing the tricks Provost is playing.

Nicolas Provost (b.1969, Belgium) is a filmmaker and visual artist living and working in Brussels, Belgium. His work is a reflection on the grammar of cinema and the relationship between visual art and the cinematic experience. He has also written and directed several short and mid-length fiction films. His work has been broadcast, screened and exhibited worldwide on both visual art platforms and film festivals and have earned a long list of awards and screenings at prestigious festivals including The Sundance Film Festival, The Berlinale, The Viennale, The San Francisco International Filmfestival, Cinevegas, The International Film Festival Rotterdam, and The Locarno Film Festival. Solo exhibitions include The Seattle Art Museum, USA, Musée d!art moderne et contemporain, Strasbourg, France, De Brakke Grond, Amsterdam, Tim Van Laere Gallery, Antwerp, Belgium, C-Space Gallery, Beijing, China, The International Media Art Biennale, Poland, Solar Galeria de Arte Cinematica, Vila do Conde, Portugal.

Dans "Gravity", l`univers rassurant créé par un enchaînement de scènes de baisers est brisé par un effet stroboscopique qui nous perd dans le vertige étourdissant de l?étreinte où, comme souvent dans le cinéma de Nicolas Provost, l`amour devient une bataille passionnée dans laquelle les monstres finissent par être démasqués.

Artiste visuel, Nicolas Provost a vécu 10 ans à Oslo. Il vit et travaille actuellement à Bruxelles. Son travail est diffusé dans le monde entier dans des lieux de cinéma et d`arts visuels. Ses oeuvres ont reçu de nombreux prix et sont diffusées dans des festivals prestigieux comme le Festival du Film de Sundance, le Festival International du Film de San Francisco, Cinevagas, le Festival International du Film de Rotterdam, la Viennale, le Festival du Film de Locarno, le Ann Arbor Film Festival, le Festival de Clermont-Ferrand, Impakt Film Festival, The Asian International Film Festival (Séoul). Les oeuvres de Nicolas Provost sont à la fois des tableaux audiovisuels et des expériences cinématiques dans lesquelles il tente de s`accommoder des dualités et de trouver le ton juste entre grotesque et émouvant, beauté et cruauté, émotionnel et intellectuel, cinéma et beaux-arts. Ses fantasmagories provoquent à la fois reconnaissance et aliénation et répondent à retiennent notre attention avec une énigme mystérieuse et abstraite qui nous force à développer une réflexion sur le phénomène de l`audiovisuel. Le langage cinématographique est analysé via des manipulations de temps, de codes et de forme, l`angle d`approche est modifié, de nouvelles histoires sont racontées. Le son est, avec le langage filmique et visuel, une composante essentielle de l`?uvre de Nicolas Provost dont il constitue une charpente rythmique et un guide émotionnel. Dans son oeuvre faite de fragments de films récupérés, Nicolas Provost stimule la mémoire et la perception filmique. Il réalise également des films d`art contemporain. "Exoticore", un moyen métrage de fiction sur le cauchemar de l`intégration d`un immigré en Norvège, était en compétition au Festival du Film de Sundance en 2006. Son film "Papillon d`amour" a reçu de nombreux prix et une Mention Spéciale au Festival du Film de Sundance en 2004. "Induction", une déconstruction cinématique, était en compétition à Sundance en 2007. Il travaille actuellement sur "The Invader", un long-métrage sur le déclin psychologique d`un homme sur fond d`immigration clandestine à Bruxelles. Ce cauchemar poétique sur un thème universel offre une nouvelle fois une réflexion sur la question cinématographique et son impact émotionnel.

Après avoir joué avec les émotions des spectateurs dans "Cinématics", sa précédente exposition, Nicolas Provost nous propose avec "Plot Point" un voyage en apnée. Si le choc sensoriel reste un élément majeur, l`artiste en appelle cette fois à nos capacités de narration. L`intuition est au centre de ces ?uvres que ce soit du point de vue de leur conception ou de la façon dont elles sont investies par les spectateurs. Sans jamais dévoiler leur essence et leur signification, ces films sont autant de puzzles mystérieux qui distillent ça et là des indices et réveillent notre imagination et nos pulsions les plus sombres. Dans "Plot Point", le célèbre univers de la police américaine avec ses sirènes, ses uniformes, ses ambulances et ses rues bondées se transforme rapidement en un décor de cinéma parfait. Le film pose la question des frontières entre réalité et fiction et des codes narratifs au cinéma (tension ascendante, climax, n?ud de l?intrigue). Mais "Plot Point", tout en jouant avec les attentes du spectateur, laisse le mystère entier.

Artiste visuel, Nicolas Provost a vécu 10 ans à Oslo. Il vit et travaille actuellement à Bruxelles. Son travail est diffusé dans le monde entier dans des lieux de cinéma et d`arts visuels. Ses oeuvres ont reçu de nombreux prix et sont diffusées dans des festivals prestigieux comme le Festival du Film de Sundance, le Festival International du Film de San Francisco, Cinevagas, le Festival International du Film de Rotterdam, la Viennale, le Festival du Film de Locarno, le Ann Arbor Film Festival, le Festival de Clermont-Ferrand, Impakt Film Festival, The Asian International Film Festival (Séoul). Les oeuvres de Nicolas Provost sont à la fois des tableaux audiovisuels et des expériences cinématiques dans lesquelles il tente de s`accommoder des dualités et de trouver le ton juste entre grotesque et émouvant, beauté et cruauté, émotionnel et intellectuel, cinéma et beaux-arts. Ses fantasmagories provoquent à la fois reconnaissance et aliénation et répondent à retiennent notre attention avec une énigme mystérieuse et abstraite qui nous force à développer une réflexion sur le phénomène de l`audiovisuel. Le langage cinématographique est analysé via des manipulations de temps, de codes et de forme, l`angle d`approche est modifié, de nouvelles histoires sont racontées. Le son est, avec le langage filmique et visuel, une composante essentielle de l`?uvre de Nicolas Provost dont il constitue une charpente rythmique et un guide émotionnel. Dans son oeuvre faite de fragments de films récupérés, Nicolas Provost stimule la mémoire et la perception filmique. Il réalise également des films d`art contemporain. "Exoticore", un moyen métrage de fiction sur le cauchemar de l`intégration d`un immigré en Norvège, était en compétition au Festival du Film de Sundance en 2006. Son film "Papillon d`amour" a reçu de nombreux prix et une Mention Spéciale au Festival du Film de Sundance en 2004. "Induction", une déconstruction cinématique, était en compétition à Sundance en 2007. Il travaille actuellement sur "The Invader", un long-métrage sur le déclin psychologique d`un homme sur fond d`immigration clandestine à Bruxelles. Ce cauchemar poétique sur un thème universel offre une nouvelle fois une réflexion sur la question cinématographique et son impact émotionnel.

La rencontre inopinée d'un chaman, d'une femme seule et d'un jeune garçon dont les pas vont se croiser et diverger. Après avoir amplifié la souffrance dans "Exoticore" et "Papillon d'amour" et exploré l'inquiétude dans "Oh Dear", Nicolas Provost plonge dans un univers d'anxiété et d'étrangeté, interrogeant notre crainte de l'envahisseur, et nous propulse au coeur d'une nouvelle expérience émotionnelle. Cet artiste, comme son alter égo le chaman, ruse; il travaille une nouvelle fois sur la matière cinématographique et le choc émotionnel qu'elle engendre, mais également sur sa nature illusionniste telle la magie blanche, manipulant la logique temporelle et narrative, avant de nous laisser seuls face au mystère insondable de sa dernière création.

Nicolas Provost, artiste plasticien, s'est récemment installé en Belgique après avoir vécu 10 ans à Oslo, en Norvège. A présent, il vit et travaille à Bruxelles. Ses oeuvres ont été présentées dans le monde entier, dans les espaces consacrés au cinéma comme dans ceux dédiés aux arts plastiques. Ses films "Papillon d'amour", "Bataille", "Oh Dear" et "EXOTICORE" ont été récompensés dans des festivals prestigieux dont le Festival de Cinéma de Sundance, le Festival de Cinéma International de San Francisco, le Festival de Cinéma de Nashville, le Festival de Cinéma de Ann Arbor, Clermont-Ferrand, le Festival Asiatique de Cinéma International, Séoul et le Festival de Cinéma de Vila Do Conde. L'oeuvre de Nicolas Provost oscille entre le cinéma de fiction et les beaux-arts, le grotesque et l'émotion, la beauté et la cruauté, et cherche à avancer sur la frontière étroite de ces dualités. Le temps et ses fantasmagories suscitent à la fois reconnaissance et aliénation et réussissent à mobiliser toute notre attention au sein d'un jeu de mystère et d'abstraction qui agit autant sur nos émotions que sut notre intellect. Par la manipulation du temps et de la forme, Nicolas Provost analyse le langage cinématographique et narratif, déplace les enjeux et raconte de nouvelles histoires. Il explore l'extraordinaire afin de révéler le général. Mise à part l'utilisation du langage filmique et visuel, le son constitue l'élément essentiel de l'?uvre de l'artiste, en tant qu'indicateur de rythme et guide émotionnel. Dans certaines vidéos, la mémoire et la perception filmiques sont stimulées par l'introduction d'extraits de films célèbres d'Akira Kurosawa, d'Igmar Bergman, d'Alain Resnais ou de Russ Meyers. Mais Provost réalise probablement ses films et vidéos en s'inspirant de films obscurs de série B autant que du cinéma contemporain. Provost a récemment écrit, réalisé et produit "EXOTICORE", son premier film de fiction. Déclaration "Je vise à analyser et explorer le phénomène que constitue le cinéma, ses différents composants, son influence et ses conventions. Mon travail est le reflet d'une grammaire du cinéma et de la relation entre les arts plastiques et l'expérience cinématographique."

L`histoire d`un immigrant du Burkina Faso et de sa tentative de s`intégrer dans une culture qui lui est étrangère, la Norvège. "Exoticore" est un film relatant des gens qui essayent de trouver leur place dans le monde. Ce film évoque l`intégration, la solitude et la démence contemporaine. Une sombre journée dans l`exotisme.

Nicolas Provost est un artiste plasticien qui a récemment déménagé en Belgique après être restée dix ans à Oslo, en Norvège. Maintenant, il vit et travaille à Anvers. Son film est présenté sur toute la planète sur des supports filmiques et visuels. Ses films "Papillon d?Amour", "Bataille", "Oh Dear?" et "EXOTICORE" ont été récompensés dans de prestigieux festivals parmis d?autres à The Sundance Film Festival, The San Francisco International Film Festival, The Nashville Film Festival, The Ann Arbor Film Festival, à Clermont-Ferrand, The Asian Interantional Film Fstival, Séoul, et Vila Do Corde Film Festival? Le travail de Nicolas Provost se balance entre la fiction et les beaux-arts, entre le charmant et le choquant, la beauté et la cruauté, et souhaite marcher sur le fil du rasoir de la dualité. Le temps et sa fantasmagorie à nouveau provoquent à la fois reconnaissance et aliénation et réussi à attraper nos attentes dans un jeu d?éffilochage de mystère et l?abstraction qui a un impacte aussi émotionnel qu?intellectuel. Avec des manipulations de temps et de formes, le langage narratif et cinématographique est analysé, les accents sont déplacés et de nouvelles histoires sont racontées. L?extraordinaire est élucidé afin de révéler le tout. Sauf l?utilisation du film et du langage visuel, le son est aussi un facteur dans le corps du travail de Provost, comme une révolution rythmée ou un guide émotionnel. Dans certaines vidéos, la mémoire filmique et la perception sont stimulées par fragments de films classiques de Akira Kurosawa, Igmar Bergman, Alain Resnais ou Russ Meyer. Mais Provost est aussi sensible de faire des vidéos inspirées des films de série B que du cinéma contemporain. Provost à récemment écrit, produit et dirigé "EXOTICORE", son premier film de fiction.

?J?ai utilisé une plainte dans cette performance pour la caméra, la compréhension avec la perte de ma partenaire, Sandra Lahire. Un voyage de deuil inclus une mise en scène pour moi-même et pour la caméra. Le pouvoir hallucinatoire du fantôme de la mémoire est placé avec la nature du matériel basé sur une lentille pour transporter le fantôme. La texture de la peau et de la voix de la personne décédée sont insufflées avec la pixelisation et le grain de la photographie, du film et de la video. SP.??

??Sarah Pucill est une chargée de court expérimentée à la Fine Art Media BA de la University of Westminster. Elle a étudié les arts créatifs à la Manchester Metropolitan University (un BA en 1987), et les beaux-art et média à la Slade School of Art de Londres (doctorat en 1990). Ensuite, elle a fait un MA en théorie visuelle à la University of East London (1997). Son travail photographique et filmique fut montré internationalement dans des musées, des festivals et des galeries. Elle a été nominée pour des récompenses au Norway Women?s Film Festival pour BLACK COMB AND MILK AND GRASS. Son film YOU BE MOTHER a remporté le prix expérimental du Oberhausen Short Film Festival (Germany, 1991) et le prix de l?innovation au Atlanta Short Film Festival (USA, 1995). Le film de Sarah STAGE OR MOURNING a fait une première au London Gay and Lesbian Film Festival 2004 le 29 mars à 20 :40 et le 1er avril à 18 :30 au NFT. Les films de Sarah : Backcomb UK, Mirrored Measure Australia, and You be Mother UK passerons à la télévision l?année prochaine.

Deux filles et un garçon sont pris au piège dans les couloirs d`une école déserte. Une histoire d`amour et de fantômes.

Andreas Bolm is a german filmmaker who studied at the University of Television and Film in Munich. He directed and produced several films that have been screened at many festivals worldwide. Jaba (2006) was presented by Cinéfondation at the Festival de Cannes and won the ?Golden Mikeldi? for best documentary at the Zinebi film festival in Bilbao. In 2009 Andreas attended the Cinéfondation Residence Festival du Cannes, where he developed his film Die Wiedergänger/ The Revenants (2012). The film was premiered in 2013 at the 63th Berlinale, Perspektive deutsches Kino. Noëlle Pujol is a french artist and a filmmaker. Her practice spans documentary films, video installations, photography and drawings. Since 1998 Noëlle had numerous presentations of her work in contemporary art spaces and international film festivals. Her latest work consists in two films, Histoire racontée par Jean Dougnac (2010) and Le Dossier 332 (2012), meant as a two-part piece.

Néo-établis, nous nous sommes clandestinement infiltrés dans l?usine. Comme dans un camp, une prison ou un coffre dont la porte se serait malencontreusement refermée, nous y avons été durant de nombreuses années enfermés (y étions-nous par quelque force contraints ?). De cette profondeur de champ temporelle résulte l?effet de sédimentation des matériaux filmiques (on y mixe du super-8, du 16 mm, de l?Hi8, du VHS, de la DV). Dans ce cimetière de machines ? ce musée imaginaire où ne subsistent que des photographies de « nos ancêtres, les robots » ?, nous nous sommes progressivement métamorphosés en archéologues-amateurs ou, pour faire dans la science-fiction documentaire, en derniers survivants de l?usine (version Solaris plutôt que Planète des singes). Dispersés sur les quelque 6 000 m2 de l?entreprise, les trois protagonistes-zombis de Rien n?a été fait vaquent à leurs micro-occupations (moins STO cependant ? service de travail obligatoire ? que CAT ? centre d?aide par le travail). Héritage fordiste oblige, ils cultivent tous trois le solo, le mono (la monotâche, la monodie, etc.). Il y a Bernard, le relieur qui, avec du kraft, papier machine et musique, raccorde (évocation du défilement des images : il y débobine et rembobine à plusieurs reprises un bruissant rouleau de papier kraft). La maquilleuse, Jacqueline, qui donne le ?la? à la chromie « bleu archives » du film (sa seule parole aussi : elle y égrène le long listing de ses tenues de sortie de l?usine). Ludovic, le gardien des archives, qui fouille et grappille des images publicitaires, des ektachromes, de « girls and machines » (machines d?imprimerie tout à la fois prothétiques et mutilantes). On y usine dur pendant ce long dimanche postindustriel dans ce camp de vacances autogéré. (L.B.)

Noëlle Pujol Noëlle Pujol est née en 1972 à Saint-Girons. Elle est diplômée de l?Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et du Studio national des arts contemporains Le Fresnoy, à Tourcoing. Son travail artistique explore les domaines du cinéma documentaire et de l?installation vidéo. Ses films ont été montrés au Festival international du fim documentaire de Marseille, au Festival international du film de Belfort, au Filmmaker Film Festival - Doc11 de Milan, au Festival international de Locarno. En 2008, deux expositions personnelles de l?artiste ont eu lieu à la Galerie du Triangle à Rennes et à l?ERBA de Valence. Le travail de Noëlle Pujol a été montré dans les expositions de groupe Variations, Galerie les filles du Calvaire (Paris, 2007) ; Exposition universelle d?Aïchi, pavillon français (Japon, 2005) ; Ficcions documentals, CaixaForum, Fundacio la Caixa, Barcelone (Espagne, 2004) ; Sportivement vôtre, Domaine départemental de Chamarande (France, 2004) ; From a global world, Galerie Ludovic de Wavrin, Paris, (France, 2003). Elle prépare actuellement son premier long métrage « Elles étaient une fois monmon ». (http://noellepujol.free.fr) Ludovic Burel Ludovic Burel est né à Lille en 1968. Artiste, enseignant, éditeur, il vit et travaille à Grenoble. De 2000 à 2005, il a coas- suré la direction artistique de la revue de culture politique Multitudes. En 2006, il a cofondé les éditions it: (readit.fr). Il a par ailleurs coorganisé au Centre national d?art contemporain de Grenoble, le Magasin, une série d?événements liés à la pratique du son et de la vidéo sur internet, ainsi que de la performance : en 2001, 5 x 55 ; en 2002, bug?nmix (http://bu- gnmix.online.fr) ; en 2003, borderphonics (http://borderphonics.samizdat.net) ; en 2005, Ressources (http://ressources. samizdat.net) ; en 2006, eXecute ; en 2008, Vidéodrama. En 2007, il a coassuré le commissariat de dddaaa, un colloque international et une exposition de design graphique qui ont eu lieu à l?École régionale d?art ainsi qu?au Lux, le CRAC de Valence. En 2008, il a participé aux expositions et événements suivants : Ultramoderne, Centre d?art Passerelle, Brest ; Valeurs croisées, Biennale d?art contemporain, Rennes ; Carte Blanche à Noëlle Pujol & Ludovic Burel, Université Paris VIII, Saint-Denis ; 19e festival international de l?affiche et du graphisme, Chaumont ; Artiste-enseignant ? Une stratégie d?encapsulation, Ecole supérieure d?art de Bourges ; Contrechamp, « L?accès-l?usine », Le Cinématographe, Nantes ; etc.

Deux filles et un garçon sont pris au piège dans les couloirs d`une école déserte. Une histoire d`amour et de fantômes.

Andreas Bolm is a german filmmaker who studied at the University of Television and Film in Munich. He directed and produced several films that have been screened at many festivals worldwide. Jaba (2006) was presented by Cinéfondation at the Festival de Cannes and won the ?Golden Mikeldi? for best documentary at the Zinebi film festival in Bilbao. In 2009 Andreas attended the Cinéfondation Residence Festival du Cannes, where he developed his film Die Wiedergänger/ The Revenants (2012). The film was premiered in 2013 at the 63th Berlinale, Perspektive deutsches Kino. Noëlle Pujol is a french artist and a filmmaker. Her practice spans documentary films, video installations, photography and drawings. Since 1998 Noëlle had numerous presentations of her work in contemporary art spaces and international film festivals. Her latest work consists in two films, Histoire racontée par Jean Dougnac (2010) and Le Dossier 332 (2012), meant as a two-part piece.

Néo-établis, nous nous sommes clandestinement infiltrés dans l?usine. Comme dans un camp, une prison ou un coffre dont la porte se serait malencontreusement refermée, nous y avons été durant de nombreuses années enfermés (y étions-nous par quelque force contraints ?). De cette profondeur de champ temporelle résulte l?effet de sédimentation des matériaux filmiques (on y mixe du super-8, du 16 mm, de l?Hi8, du VHS, de la DV). Dans ce cimetière de machines ? ce musée imaginaire où ne subsistent que des photographies de « nos ancêtres, les robots » ?, nous nous sommes progressivement métamorphosés en archéologues-amateurs ou, pour faire dans la science-fiction documentaire, en derniers survivants de l?usine (version Solaris plutôt que Planète des singes). Dispersés sur les quelque 6 000 m2 de l?entreprise, les trois protagonistes-zombis de Rien n?a été fait vaquent à leurs micro-occupations (moins STO cependant ? service de travail obligatoire ? que CAT ? centre d?aide par le travail). Héritage fordiste oblige, ils cultivent tous trois le solo, le mono (la monotâche, la monodie, etc.). Il y a Bernard, le relieur qui, avec du kraft, papier machine et musique, raccorde (évocation du défilement des images : il y débobine et rembobine à plusieurs reprises un bruissant rouleau de papier kraft). La maquilleuse, Jacqueline, qui donne le ?la? à la chromie « bleu archives » du film (sa seule parole aussi : elle y égrène le long listing de ses tenues de sortie de l?usine). Ludovic, le gardien des archives, qui fouille et grappille des images publicitaires, des ektachromes, de « girls and machines » (machines d?imprimerie tout à la fois prothétiques et mutilantes). On y usine dur pendant ce long dimanche postindustriel dans ce camp de vacances autogéré. (L.B.)

Noëlle Pujol Noëlle Pujol est née en 1972 à Saint-Girons. Elle est diplômée de l?Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et du Studio national des arts contemporains Le Fresnoy, à Tourcoing. Son travail artistique explore les domaines du cinéma documentaire et de l?installation vidéo. Ses films ont été montrés au Festival international du fim documentaire de Marseille, au Festival international du film de Belfort, au Filmmaker Film Festival - Doc11 de Milan, au Festival international de Locarno. En 2008, deux expositions personnelles de l?artiste ont eu lieu à la Galerie du Triangle à Rennes et à l?ERBA de Valence. Le travail de Noëlle Pujol a été montré dans les expositions de groupe Variations, Galerie les filles du Calvaire (Paris, 2007) ; Exposition universelle d?Aïchi, pavillon français (Japon, 2005) ; Ficcions documentals, CaixaForum, Fundacio la Caixa, Barcelone (Espagne, 2004) ; Sportivement vôtre, Domaine départemental de Chamarande (France, 2004) ; From a global world, Galerie Ludovic de Wavrin, Paris, (France, 2003). Elle prépare actuellement son premier long métrage « Elles étaient une fois monmon ». (http://noellepujol.free.fr) Ludovic Burel Ludovic Burel est né à Lille en 1968. Artiste, enseignant, éditeur, il vit et travaille à Grenoble. De 2000 à 2005, il a coas- suré la direction artistique de la revue de culture politique Multitudes. En 2006, il a cofondé les éditions it: (readit.fr). Il a par ailleurs coorganisé au Centre national d?art contemporain de Grenoble, le Magasin, une série d?événements liés à la pratique du son et de la vidéo sur internet, ainsi que de la performance : en 2001, 5 x 55 ; en 2002, bug?nmix (http://bu- gnmix.online.fr) ; en 2003, borderphonics (http://borderphonics.samizdat.net) ; en 2005, Ressources (http://ressources. samizdat.net) ; en 2006, eXecute ; en 2008, Vidéodrama. En 2007, il a coassuré le commissariat de dddaaa, un colloque international et une exposition de design graphique qui ont eu lieu à l?École régionale d?art ainsi qu?au Lux, le CRAC de Valence. En 2008, il a participé aux expositions et événements suivants : Ultramoderne, Centre d?art Passerelle, Brest ; Valeurs croisées, Biennale d?art contemporain, Rennes ; Carte Blanche à Noëlle Pujol & Ludovic Burel, Université Paris VIII, Saint-Denis ; 19e festival international de l?affiche et du graphisme, Chaumont ; Artiste-enseignant ? Une stratégie d?encapsulation, Ecole supérieure d?art de Bourges ; Contrechamp, « L?accès-l?usine », Le Cinématographe, Nantes ; etc.

"Queer Landscapes | Segues from Endless" est un portrait expérimental d’une personne en transition. À travers leurs recherches, les différents personnages et voix du film forment un essai à plusieurs. Cette trame de rêve éveillé prend la forme d’un chœur d'identités opprimées, qui deviennent révolutionnaires et libres. L'essence de ce film repose sur la communauté informelle de performeurs de différents milieux sociaux, identités de genre, nationalités et statuts migratoires (Chili, France, Mexique, Pologne, Ukraine). La combinaison de leurs histoires personnelles avec des fragments d'œuvres littéraires, de films, d’autobiographies et de rêves crée une structure en mosaïque, qui s’inscrit dans le genre de l'abstraction queer.

Wojciech Pus est artiste. Il travaille dans divers domaines artistiques: le cinéma, le théâtre, les arts visuels et l’opéra. Dans son travail, il combine l'esthétique du cinéma expérimental avec des éléments d'installation lumineuse et vidéo, leur conférant un caractère filmique. Il a développé un style original et reconnaissable, faisant largement référence au rythme, au mouvement et au temps, qu’il analyse au moyen du film. Il confronte le spectateur à des représentations abstraites ayant un potentiel narratif, construites par le montage et la musique. Ses œuvres sont à la limite de deux réalités - la réalité tangible et celle créée par la visualité du film.

A queer poem about gender transformations, hallucinogenic desires, and uncanny relationships. It’s past dawn, in an apartment inhabited by several figures. They are frozen in time, frozen in the movements they were making. They look at each other, caress each other, sleep, masturbate with VR helmets on their faces. In one magical moment, they come to life and start a languidly intoxicating party. In Wojciech Pu?’s essayistic 360° film, we follow several people of different genders and ethnic identities as they navigate a path through night, life, desire, and futility. Fragments of their stories are only fleetingly revealed in poetic speeches that resemble a verbal symphony rather than a narrative. The director builds the experience on hallucinogenic light work and uncomfortable camera movements. Will this party ever end, or have we found ourselves trapped with the characters in a labyrinth of existence that has no end?

Wojciech Pu? - filmmaker and artist. They work with moving images and sound. Their films/installations/live acts have been screened / exhibited / shown at Warsaw’s Museum of Modern Art, Haus der Kulturen der Welt in Berlin (Rencontres Internationales Paris/Berlin), ICA in London, Museé du Louvre in Paris (Rencontres Internationales Paris/Berlin), Foksal Gallery in Warsaw, Art Museum in Lodz, Urban Glass in New York, A:D: Curatorial in Berlin, Spike Art Magazine / Yvonne Lambert in Berlin and Exchange Gallery in Lodz. Professor at the Cinematography Department in Lodz Film School, Poland.

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Joakim Pusenius (b. 1984) graduated (BFA & MFA) from Finnish School of Fine Arts in 2014. Before the arts school Pusenius studied in University of Helsinki theoretical philosophy, aesthetics and tv- and media studies (BA). Pusenius works mainly with moving image. In his artistic practise he is focusing on the means of the audiovisual medium by developing new ways of using camera and storytelling. He is interested in film making without a strict sense of storyline or the arch of drama. More likely he is interested in the dichotomy of the cinema: The possibility of cinemas metaphysical otherness and its capability of immersion. Eternal recurrence, existential solitude and disconnection by the modern technology are common themes in Pusenius` works. Last year Pusenius was working in Le Fresnoy - Studio National des arts Contemporains producing his most recent film work "Reste pour la nuit".

La vie isolée d'un jeune homme et d'une jeune femme (joués par les réalisateurs) est interrompue par l'irruption d'une jeune fille dans la pièce cachée de leur cabane délabrée. Comme un esprit venant annoncer la mort, elle joue une musique obsédante sur son violon. Incapables d'entrer dans la pièce mystérieuse, le couple est de plus en plus intrigué et frustré par sa présence. Quand la femme commence à sentir les forces de la gravité, l'homme doit se décider à entendre les appels de la jeune fille et dire adieu à celle qu'il aime.

Nicholas Pye est né à Torquay, en Angleterre, en 1976. Il vit et travaille à Toronto, au Canda, où il enseigne au College of Art and Design d'Ontario. Comme musicien, Nicholas a enregistré quatre albums pour lesquels il a fait des tournées dans les années 90. Se tournant vers l'art, il a passé un Master of Fine Arts à la Concordia University en 2005. Il poursuit une pratique artistique intense, en collaboration avec son épouse Sheila, dans les domaines de la représentation, du cinéma et de la photographie grand format. Leur travail a été montré dans des galleries d'art à travers le monde, des musées, des festivals de film, et a été récemment acquis par le Smithsonian?s Institute?s Hirshhorn Museum. En 2008, ils vont participer à une résidence de six mois en Autriche, ainsi qu'à de nombreuses expositions. Filmographie ?Loudly, Death Unties? HD, 11:00, co-réalisateur/scénariste ?A Life of Errors? Super16mm, 12:00, 2006, co-réalisateur/scénariste Toronto International Film Festival, Locarno International Film Festival ?Untitled? 16mm, 7 installation loop Locarno International Film Festival ?The Paper Wall? Super16mm, 11:00, 2004, co-réalisateur/scénariste Lauréat: meilleur film expérimental, Worldwide Short Film Festival Lauréat: European Media Arts Festival Sheila Pye est née Hamilton, Ontario, en 1978. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo au College of Art and Design d'Ontario. Elle a obtenu un diplôme en production de film à la Concordia University de Montréal et a effectué une résidence au Canadian Film Centre. Elle a écrit, réalisé et produit sept courts métrages et prépare actuellement son premier long métrage, "The Young Arsonists". Son travail a récemment été selectionné au festival de Cannes. Elle enseigne au College of Art and Design d'Ontario.

Dans un trois-pièces décrépit, deux amants, interprétés par les réalisateurs du film, cessent de s'aimer et se montrent amers l'un envers l'autre. Ils sont indifférents l'un envers l'autre. Dans le théatre de leur sommeil, ils cherchent à se blesser l'un l'autre et cette série de jeux enfantins va inévitablement trop loin. Leur manque de confiance grandissant, ces somnambules deviennent habiles à déconstruire l'amour.

SHEILA PYE est née en 1978 près d'Hamilton, en Ontario. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario, où elle a obtenu son diplôme et remporté la meilleure bourse pour des études de troisième cycle. Elle a fini sa Maîtrise des Beaux-Arts (MFA) dans la production de film à l'Université Concordia de Montréal. Elle travaille et vit actuellement à Toronto, où elle est résidente au "Canadian Film Centre" dans le Laboratoire du Réalisateur. Elle a écrit, dirigé et produit 8 court-métrages et travaille actuellement à l'élaboration de son premier long-métrage "The Young Arsonists". Son oeuvre a été exposée internationalement dans des galeries d'art, musées et festivals de film. Elle a été prestataire de nombreux prix pour sa réalisation de film et son art-visuel. Sheila entretient aussi une activité artistique active qui vient compléter son intérêt pour la performance, le cinéma, et les photos grand-format. Ses prochaines expositions en solo sont prévues pour New York, Chicago, Los Angeles et Naples. Sheila a été invitée à participer aux Rencontres Internationales Paris/Berlin et a été récemment pré-sélectionnée afin d'assister au Festival de Cannes de Résidence en 2006. NICHOLAS PYE est né en 1976 à Torquay, en Angleterre. Il vit et travaille à Toronto. Nicholas a récemment été diplômé pour sa Maitrise des Beaux-Arts à l'Université Concordia et l'École de Cinéma Mel Hoppenheim, et a reçu son diplôme d'études de premier cycle à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario au printemps 2002. Jusqu'ici son oeuvre a principalement été de nature photographique, mais il collabore souvent avec sa femme Sheila Pye sur des court-métrages et des travaux vidéos. Nicholas a fait de nombreuses expositions en solo à Toronto, Montréal, Miami, New York et Chicago. Pendant qu'il étudiait encore à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario (OCAD) il reçut plusieurs prix pour sa photographie contemporaine et son cinéma. Nicholas enseigne acteullement les arts de l'image à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario.

Mis en boite dans deux chambres néanmoins séparées par une fine cloison de papier, un frère et une s?ur communiquent leurs désirs. Etonnant, provocateur et laissant perplexe, le duo est irrespirable à regarder au fur et à mesure qu'ils deviennent de plus en plus dépendant l'un de l'autre. Ils ont des besoins réciproque pour effectuer les actions physiques même les plus basiques comme respirer. "Sheila et Nicholas Pye explorent un type de rencontre différent dans leur film irritant (parfois hilarant) découvrant les vulnérabilités de l'interdépendance émotionnelle. Sarah Milroy, The Globe and Mais, This Week, Samedi 5 Juin 2003. Page M8.

SHEILA PYE est née près de Hamilton, dans l'Ontario en 1978. Elle a étudié la photographie, la peinture et la vidéo à l'Ontario College of Art and Design où elle fut diplômée et reçue la bourse maximum pour le 2ème cycle. Elle a fini son MFA en production de film à la Concordia Univeristy de Montréal. Elle vit et travaille actuellement à Toronto où elle est résidente Centre canadien du Film dans le laboratoire des directeurs. Elle a écrit, dirigé, produit, édité et structuré 5 courts métrages et est en train de développer son premier film en collaboration. Son travail a été exposé internationalement dans des galeries d'arts, des musées et des festivals. Elle a reçu de nombreuses récompenses pour son travail académique, la réalisation de films et son art visuel. Elle continue aussi une pratique artistique, souvent en collaboration avec son mari Nicholas, qui intègre leurs intérêts communs dans les spectacles, les films et des photographies à grand format. NICHOLAS PYE est né à Torquay en Finlande en 1976Il travaille et vit à Toronto. Il vient de finir son master de beaux-arts à Concordia Universities Mel Hoppenheim school of cinema et a reçut sa licence en beaux-arts à l'Ontario College of Arts an Design a printemps 2002. Jusqu'à maintenant son travail était plutôt de nature photographique mais il a souvent collaboré sur des courts métrages et travaux vidéos avec sa femme, Sheila Pye. Nicholas a fait de nombreuses expositions en galeries à Toronto, Montréal, Montréal, Miami, New York et Chicago. Tant qu'il était étudiant à OCAD et Concordia, il a reçu de nombreuses récompenses pour ses photographies et son cinéma contemporain. Nicholas enseigne pour le moment l'image artistique à l'Ontario College of Art and Design.

La vie isolée d'un jeune homme et d'une jeune femme (joués par les réalisateurs) est interrompue par l'irruption d'une jeune fille dans la pièce cachée de leur cabane délabrée. Comme un esprit venant annoncer la mort, elle joue une musique obsédante sur son violon. Incapables d'entrer dans la pièce mystérieuse, le couple est de plus en plus intrigué et frustré par sa présence. Quand la femme commence à sentir les forces de la gravité, l'homme doit se décider à entendre les appels de la jeune fille et dire adieu à celle qu'il aime.

Nicholas Pye est né à Torquay, en Angleterre, en 1976. Il vit et travaille à Toronto, au Canda, où il enseigne au College of Art and Design d'Ontario. Comme musicien, Nicholas a enregistré quatre albums pour lesquels il a fait des tournées dans les années 90. Se tournant vers l'art, il a passé un Master of Fine Arts à la Concordia University en 2005. Il poursuit une pratique artistique intense, en collaboration avec son épouse Sheila, dans les domaines de la représentation, du cinéma et de la photographie grand format. Leur travail a été montré dans des galleries d'art à travers le monde, des musées, des festivals de film, et a été récemment acquis par le Smithsonian?s Institute?s Hirshhorn Museum. En 2008, ils vont participer à une résidence de six mois en Autriche, ainsi qu'à de nombreuses expositions. Filmographie ?Loudly, Death Unties? HD, 11:00, co-réalisateur/scénariste ?A Life of Errors? Super16mm, 12:00, 2006, co-réalisateur/scénariste Toronto International Film Festival, Locarno International Film Festival ?Untitled? 16mm, 7 installation loop Locarno International Film Festival ?The Paper Wall? Super16mm, 11:00, 2004, co-réalisateur/scénariste Lauréat: meilleur film expérimental, Worldwide Short Film Festival Lauréat: European Media Arts Festival Sheila Pye est née Hamilton, Ontario, en 1978. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo au College of Art and Design d'Ontario. Elle a obtenu un diplôme en production de film à la Concordia University de Montréal et a effectué une résidence au Canadian Film Centre. Elle a écrit, réalisé et produit sept courts métrages et prépare actuellement son premier long métrage, "The Young Arsonists". Son travail a récemment été selectionné au festival de Cannes. Elle enseigne au College of Art and Design d'Ontario.

Dans un trois-pièces décrépit, deux amants, interprétés par les réalisateurs du film, cessent de s'aimer et se montrent amers l'un envers l'autre. Ils sont indifférents l'un envers l'autre. Dans le théatre de leur sommeil, ils cherchent à se blesser l'un l'autre et cette série de jeux enfantins va inévitablement trop loin. Leur manque de confiance grandissant, ces somnambules deviennent habiles à déconstruire l'amour.

SHEILA PYE est née en 1978 près d'Hamilton, en Ontario. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario, où elle a obtenu son diplôme et remporté la meilleure bourse pour des études de troisième cycle. Elle a fini sa Maîtrise des Beaux-Arts (MFA) dans la production de film à l'Université Concordia de Montréal. Elle travaille et vit actuellement à Toronto, où elle est résidente au "Canadian Film Centre" dans le Laboratoire du Réalisateur. Elle a écrit, dirigé et produit 8 court-métrages et travaille actuellement à l'élaboration de son premier long-métrage "The Young Arsonists". Son oeuvre a été exposée internationalement dans des galeries d'art, musées et festivals de film. Elle a été prestataire de nombreux prix pour sa réalisation de film et son art-visuel. Sheila entretient aussi une activité artistique active qui vient compléter son intérêt pour la performance, le cinéma, et les photos grand-format. Ses prochaines expositions en solo sont prévues pour New York, Chicago, Los Angeles et Naples. Sheila a été invitée à participer aux Rencontres Internationales Paris/Berlin et a été récemment pré-sélectionnée afin d'assister au Festival de Cannes de Résidence en 2006. NICHOLAS PYE est né en 1976 à Torquay, en Angleterre. Il vit et travaille à Toronto. Nicholas a récemment été diplômé pour sa Maitrise des Beaux-Arts à l'Université Concordia et l'École de Cinéma Mel Hoppenheim, et a reçu son diplôme d'études de premier cycle à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario au printemps 2002. Jusqu'ici son oeuvre a principalement été de nature photographique, mais il collabore souvent avec sa femme Sheila Pye sur des court-métrages et des travaux vidéos. Nicholas a fait de nombreuses expositions en solo à Toronto, Montréal, Miami, New York et Chicago. Pendant qu'il étudiait encore à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario (OCAD) il reçut plusieurs prix pour sa photographie contemporaine et son cinéma. Nicholas enseigne acteullement les arts de l'image à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario.

Mis en boite dans deux chambres néanmoins séparées par une fine cloison de papier, un frère et une s?ur communiquent leurs désirs. Etonnant, provocateur et laissant perplexe, le duo est irrespirable à regarder au fur et à mesure qu'ils deviennent de plus en plus dépendant l'un de l'autre. Ils ont des besoins réciproque pour effectuer les actions physiques même les plus basiques comme respirer. "Sheila et Nicholas Pye explorent un type de rencontre différent dans leur film irritant (parfois hilarant) découvrant les vulnérabilités de l'interdépendance émotionnelle. Sarah Milroy, The Globe and Mais, This Week, Samedi 5 Juin 2003. Page M8.

SHEILA PYE est née près de Hamilton, dans l'Ontario en 1978. Elle a étudié la photographie, la peinture et la vidéo à l'Ontario College of Art and Design où elle fut diplômée et reçue la bourse maximum pour le 2ème cycle. Elle a fini son MFA en production de film à la Concordia Univeristy de Montréal. Elle vit et travaille actuellement à Toronto où elle est résidente Centre canadien du Film dans le laboratoire des directeurs. Elle a écrit, dirigé, produit, édité et structuré 5 courts métrages et est en train de développer son premier film en collaboration. Son travail a été exposé internationalement dans des galeries d'arts, des musées et des festivals. Elle a reçu de nombreuses récompenses pour son travail académique, la réalisation de films et son art visuel. Elle continue aussi une pratique artistique, souvent en collaboration avec son mari Nicholas, qui intègre leurs intérêts communs dans les spectacles, les films et des photographies à grand format. NICHOLAS PYE est né à Torquay en Finlande en 1976Il travaille et vit à Toronto. Il vient de finir son master de beaux-arts à Concordia Universities Mel Hoppenheim school of cinema et a reçut sa licence en beaux-arts à l'Ontario College of Arts an Design a printemps 2002. Jusqu'à maintenant son travail était plutôt de nature photographique mais il a souvent collaboré sur des courts métrages et travaux vidéos avec sa femme, Sheila Pye. Nicholas a fait de nombreuses expositions en galeries à Toronto, Montréal, Montréal, Miami, New York et Chicago. Tant qu'il était étudiant à OCAD et Concordia, il a reçu de nombreuses récompenses pour ses photographies et son cinéma contemporain. Nicholas enseigne pour le moment l'image artistique à l'Ontario College of Art and Design.