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Synopsis : Un serpent guidé par une main parcourt différents espaces. Un serpent guide une main et regarde plusieurs espaces. Plusieurs espaces bougent lentement derrière une « main à la tête de serpent » : le grenier, l`étagère des livres, le studio de montages vidéo, la salle des machines-contrôle? Le nid de serpents (en réalité des câbles non coupés) se cache au c?ur des machines. Le serpent est libéré et chassé à tour de rôles. La vidéo laisse entendre doucement une chanson de sirènes: qué sera sera?

Fabriquant : Francisco RUIZ DE INFANTE enfante@club-internet.fr ? Quelques Links : www.ruizdeinfante.org ? Forme : Fragiles constructions à habiter- dispositifs - parcours expositifs - images fixes et mouvantes - sons - dessins - textes. Ruiz de Infante a exposé au MNCA Reina Sofía de Madrid, à la Kunst-halle de Bonn, au PAC de Milan, au Musée Guggenheim de Bilbao, à l?ARC Musée d?Art Moderne de la Ville de Paris, à la Biennal Site SANTA FE (USA), au Stedelijk Museum d?Amsterdam... Parmi les projets importants on peut signaler ?BlueSky / Laboratorio de laboratoiros? au EFT de Buenos Aires, ?Banquete? au ZKM de Karlshure, ?Zone 1 et 2? au festival Mirages et désirs de Izmir, ?3+4=8 mètres en tout? au CAC Le Plateau de Paris, un complexe parcours d?installations intitulé ?Trembling? au Musée de l?Université de Houston (Blaffer Gallery). L?installation ?Hymnes? (Art Statements / Foire Internationale de Bâle), ?L?âge des serpents? dans l?exposition Vidéo-Topiques au MAMC Strasbourg, ?Black Sky? (Salle La Gallera de Valencia), et les projets ?Tables amplifiées?, FRAC Champagne-Ardenne, ?+Insectes? La Panera de Lleida. Certains de ses films sont visibles dans la collection permanente du Centre Georges Pompidou. ? COMPOSITION Excipients Quelques états éphémères (présent/passé/futur), quelques espaces instables, quelques paradoxes (mammifères aquatiques/mauvaises graines), plusieurs dualités faussement ressemblantes (réel/imaginaire), plusieurs journaux télévisés (ou pas) et d?autres complexes accélérateurs de l?inconscient. Catalogation Artiste hors-format, Ruiz de Infante appartient à une génération dont la sensibilité est marquée par la rencontre et la confrontation des machines audiovisuelles avec les matériaux les plus simples, voire les plus quotidiens. Jongler sans complexes entre la haute technologie et le bricolage d`urgence. Il reconstruit la manière dont fonctionne la mémoire lorsqu?elle nourrit le présent : par saccades pleines d?erreurs d?information, ou comme un torrent d`images qui recommencent sans fin. Tâches de recherche (objectifs, obsessions et terrains d?observation) 1. Retrouver les modes de construction (sans hiérarchies) de l?enfance. 2. Rendre visibles (sans les trahir) quelques lieux cachés. 3. Inventer des situations avec un désordre hautement sophistiqué.... et dessiner leurs cartographies. 4. Regarder fixement la diversité des EAHCI (Espaces et Actes Humains, Complexes et Inefficaces) 5. Tester les limites du dicton : ?on dit ce qu?on fait... on fait ce qu?on dit? 6. Comprendre et relativiser la notion ?d?interdit?... par l?invention de règles pour d?étranges jeux. 7. Construire des écosystèmes (dans lesquels la notion d?intrus, de catastrophe, de transformation et/ou d?évolution sont prises en compte) 8. Montrer, parfois d?une manière très physique, que la vie est une affaire de risques et qu?il faut être en alerte. Tâches d?ordre alchimique 10. Creuser la problématique de l?échelle. 11. Problématiser ?la chose non-finie? 12. Fabriquer les bouillons de culture inflammables qui génèrent des symétries inexactes. 13.Nourrir l?aquarium des idées cancérigènes à polysémie vertigineuse. (Cf. Projet INDEX) ? Co-opérateurs: Ermeline Le Mézo / Pierre Mercier / Christian Sebille / Eléonore Hellio / les BlueSkyers. ? Références: Les beaux mensonges de la tradition orale (enfantine et adulte), les déraillements violents de Nietzsche, le froid/chaud de Bob Wilson et ses organisations sonores, les grimaces de Kantor, les enfants de Kanevski, les aventures contrastées de Courrier International... et aussi les voyages de Tarkovski, Deligny, Savitskaya et Daumal. ? Dans quel cas utiliser ce produit : Quand le désir d?un voyage vers la zone molle devient grand. ? Mises en gardes spéciales : La trajectoire parabolique de ce produit peut produire des vertiges et états métaphoriques délirants.

Dans le roman de J. M. Barrie, le personnage de Peter Pan nous enseigne que pour voler, il suffit de penser à des choses merveilleuses. Certaines personnes savent (vraiment ?) que nous avons appris à voler il y a longtemps et que nous volons maintenant très vite. Mais ce que nous avons oublié - ou peut-être même jamais appris - c'est comment descendre lentement, parcourir le paysage et, après une lente décélération, éteindre les moteurs. Champs éventuels n'est pas un essai audiovisuel. Ce n'est pas non plus un projet de science-fiction linéaire avec une esthétique rétro, ou un poème épique. Il contient cependant des caractéristiques de ces trois genres pour nous aider à nous lancer dans l'aventure. Divisée en une série de «vols» et de «simulateurs de vol», l'œuvre est la métaphore d'une société (la nôtre) propulsée vers l’avant à des vitesses toujours croissantes, et qui n'a aucune idée de l'endroit où atterrir (ou si elle le souhaite vraiment). La vidéo progresse le long (et à l'intérieur) de plusieurs lignes narratives où le réel et l'irréel se confondent. Le vol a commencé il y a longtemps et pour en profiter il va falloir se laisser emporter par les courants.

Francisco RUIZ DE INFANTE Vitoria-Gasteiz (Espagne), 1966. Vit et travaille entre Strasbourg et Auberive (Fr). Artiste hors-format, il appartient à une génération dont la sensibilité est marquée par la rencontre et la confrontation des machines audiovisuelles avec les maté­riaux les plus simples, voire les plus quotidiens. Il jongle sans complexes entre la haute technologie et le bricolage d'urgence pour construire ses installations et ses films. Il a exposé d'importants projets au Musée Guggenheim de Bilbao, à l’ARC Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, au MNCA Reina Sofía de Madrid, à la Kunsthalle de Bonn, au PAC de Milan, au Stedelijk Museum d’Amsterdam, à la Ferme du Buisson (Noisiel), à la Biennal Site Santa Fe (USA), au ZKM de Karlsruhe, au musée Artium (Vitoria-Gasteiz), à la Fundación Telefónica de Buenos Aires. Dans le champ de la vidéo, on peut signaler les longs métrages Les Loups (1995) et le tout récent Champs Éventuels (2019) parmi une large production de courts métrages. Plusieurs de ses films peuvent être vus dans la collection du Centre Pompidou à Paris et du Musée Reina Sofía à Madrid, parmi de nombreuses autres collections de musées et de médiathèques internationales. Dans le domaine du spectacle, il collabore avec le chorégraphe Loïc Touzé et le compositeur Christian Sebille. Depuis 2010, il poursuit le développement du cycle de création BlueSky et travaille intensément avec la chorégraphe Olga Mesa, notamment au sein du projet thématique Carmen // Shakespeare. Ces dernières années, Francisco se partage donc entre son activité au sein de la compagnie Hors Champ // Fuera de Campo (en collaboration avec Olga Mesa), la direction de l'enseignement du département Arts Hors-Format / Arts du temps (Haute École des Arts du Rhin, Strasbourg) et sa production plastique et audiovisuelle personnelle.

Une légende africaine : Voilà quelques années, un étranger apporta une pierre au village. La pierre se trouvait parmi les décombres de la ville verticale. La pierre fut introduite dans l'aquarium de la tribu, aquarium qui étouffait tous les secrets depuis des générations. Depuis ces temps-là, les animaux semblent moins familiers, depuis ces temps-là, n'ont pas cessé de se produire des accélérations dans le temps. (Video appartenant au projet "ecosistemas". Version mono-chaîne d'un spectacle en préparation.) Structuré comme une expérience schizophrénique, la vidéo réussit à évoquer un paysage apocalyptique d'une terre inondée. La bande son crée une sensation d'angoisse qui trois mois après commença à porter ses fruits : une boue de petits organismes informes. La réalité propre au domestique interprétée comme réalités autres, paysages autres, cultures autres. Un voyage imaginaire où l'on s'interroge sur le déplacement , sur la rencontre avec d'autres cultures et d'autres coutumes. Recherchant l'énigme de l'autre dans une reflexion introspective suscitée par les puissances du déplacement. Un lieu exploré sans médiation à travers le signes, les symboles, les vestiges du temps et ses conditions. "Comme si s'en retourner d'un long exil, sans encore avoir voyagé et se retrouver à son retour dans un paysage immobile." Francisco Ruiz de Infante travaille avec la tension de la menace constante explorant les comportements naturels et l'inconscient dans tous leurs effets destructifs et transformateurs, une véritable agitation intérieure. Une structure qui réagit de façon inespéré face à autrui, agitation qui contribue au progrès du système naturel. "La notion d'écosystème dans l'acceptation des sciences naturelles mais aussi en un sens politique et poétique s'enrichit chaque fois que j'observe et entre en dialogue avec un nouveau contexte".

Francesco Ruy est né en 1966 dans la ville de Vitoria-Gasteiz au Pays basque. Actuellement il vit et travaille à Paris, Auberive et Strasbourg où il enseigne à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts depuis 1999. Il obtient un master en beaux-arts à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1992 et une licence en Peinture et Audiovisuel à la Faculté des Beaux-Arts du Pays Basque en 1991. Artiste polyvalent, il prend des cours de cinéma, vidéo, photographies, théâtre, danse et arts plastiques. Il a réalisé des expositions individuelles en Europe, aux Etats-Unis, installations et expositions collectives dans les capitales européennes, ainsi qu' au Mexique et au Brésil et a réalisé des spectacles, performances et interventions publiques. Son travail sur la pellicule a été exposé lors de nombreux festivals dans le monde entier. Depuis 2002 il est co-directeur à l'établissement du "Centre des Rives", un centre d'art contemporain et de documentation en milieu rural en Haute-Marne et depuis 2001, il est co-directeur du Festivals Transmédia de la Chaufferie (ESAD de Strasbourg.)

One man dipped into a pool made him recall his childhood memory and feel that moment.

“TEUN” is my final year project that I`m graduated from King`s Mongkut Institute of Technology Ladkrabang in film and digital media in Thailand.(2016)

Simo RUOHIAINEN nous offre dans son court métrage d`une minute un fantastique spectacle d`une nature déchainé d`eclairs dans le ciel. Cette compilation d`images fortes dans les couleurs sombres de la nuit est accentuée par un montage réussi, ce qui donne l`impréssion d`assister à une danse.

Simo Rouhiainen was born in 1969, and lives and works in Helsinki, Finland. His major artworks are a perfectly balanced mixture of the visual, the musical and the interactive-falling into a slimly populated category of works summed up in one word by Perttu Rastas, Senior Media Curator at the Kiasma Museum of Contemporary Art, as ?stimulationist?.

Words shape our impressions and form our history. In ?Scene Shifts, in six movements? a journey through historical layers of various locations on several continents unfolds. However, it is primarily an intellectual journey. The locations, images, texts and music hold references to a long history of cross-cultural misinterpretations.

Jani Ruscica (b.1978) is an artist working with film, video, photography and other media. Ruscica works collaboratively, his interest lies in how one defines one?s location, one?s placement in the world, and how this definition changes ? continuously, if necessary ? according to personal, cultural, representational or even scientific factors. Ruscicas works explore the intersection between cinema, video art, theatre and performance. His recent exhibitions include 6th Liverpool Biennial, 2010, 5th Momentum Biennial, Moss, Norway 2009, ?Life Forms? Bonniers Konsthall, Stockholm, 2009, ?Tracking Traces...? Kiasma, Helsinki as well as screenings in institutions such as Centre Pompidou, Paris, TATE Modern, London and MoMA, New York. His film Evolutions was awarded the main prize at at the prestigious KunstFilm Biennale in Cologne in 2009, in 2010 Ruscica was awarded the AVEK prize for important achievements in audio visual culture. Ruscica is based in Helsinki and was educated at Chelsea College of Art and Design in London and at the Academy of Fine Arts in Helsinki.

Pas une vallée, juste un trou derrière une décharge. Pas de chemin jusqu'à la maison, juste de la boue menant à une misérable cabane. On y manque de tout, sauf d'enfants. C'est ici que vit Madame Sonia ? au beau milieu de cette réalité du peuple Rrom. Elle est forte et intelligente, mais n'arrive pas à s'en sortir. Ce documentaire de Daniela Rusnokova tourné entre 2004 et 2006 est un portrait intime d'une famille vivant dans un camp de gitans à l'Est de la Slovaquie.

Daniela Rusnokova was born 1980 in Bratislava (Slovakia). She studies Documentary at the Academy of Music and Performing Arts in Bratislava. Now she is in 2nd year of the post-graduate programme. Her films were awarded in many European festivals (Austria, Finland, Italy, Germany). Her last film ´Soňa and her Family´ has won many prizes last year. Daniela´s films mainly focus on social issues.

A tone-poem in blue and red by US artist and experimental filmmaker Ben Russell, Against Time is a visually staggering kind of cine diary, shot on various locations between 2019 and 2022. Trying to find a way through the fog of recent years, the piece plays with dissolving images, non-linear montage, modular synthesis, and a variety of looping techniques to reflect on how we experience time as a fragmented phenomenon. It results in hypnotic and beautiful experimental cinema that seems to mirror life in all of its interpersonal intricacies. (Rewire Festival 2023)

Ben Russell (1976) is an American artist, filmmaker and curator whose work lies at the intersection of ethnography and psychedelia. Russell was an exhibiting artist at documenta 14 (2017) and his work has been presented at the Centre Georges Pompidou, the Museum of Modern Art, the Tate Modern, the Museum of Modern Art Chicago, the Venice Film Festival and the Berlinale, among others. He is a recipient of a Guggenheim Fellowship (2008), a FIPRESCI International Critics Prize (IFFR 2010, Gijón 2017), and premiered his second and third feature films at the Locarno Film Festival (2013, 2017). Curatorial projects include Magic Lantern (Providence, USA, 2005-2007), BEN RUSSELL (Chicago, USA, 2009-2011), and Hallucinations (Athens, Greece, 2017). He is currently based in Marseille, France.

“ Modern Props ” joins a pair of actors as they shop for furnishings and objects to decorate their character’s new home. The department store, in which they shop, is in fact a TV and Film props warehouse; the objects are devoid of their original function, existing only to be photographed. As the couple traverses a multitude of environments; ancient Greek, British colonial, medieval, they begin to experience aesthetic disharmony. Conflicts around etymology, authenticity and concepts of perfection abrade at the relationship until eventually our couple breakup.

Approaching film from an art background, Ruaidhri entertains a distinctly humorous view on hyper-real, self-aware constructs, perpetually chasing a notion of authenticity that does not exist. Often disclosing methods of production and combining the sincere with the ironic, Ruaidhri continues to develop conceptually driven, narrative films for gallery and film festival exhibition.

Circle A departs from a heavily edited conversation between five strangers in an art bookshop. Their discussion circulates around the term 'Anarchy', including its abstraction and how the word functions in both an imaginary and a real way. It is cut alongside footage from the Las Fallas festival, Valencia, a five-day celebration of fire and pyrotechnics as well as interjections from the late author, social theorist and orator Murray Bookchin, who coined the term ‘Lifestyle Anarchism’. Threaded throughout the film are hundreds of newspaper clippings from an open archive. The soundtrack of drums, pops and explosions fall in and out of syncopation, providing driving rhythm and moments of rupture. Circle A inserts Anarchy as an aspirational conceit both on micro and macro level into the language of the everyday spectator. If Anarchy is affirmed as a response to order, the film puts full emphasis on the word ‘response’. In other words, the work is a thought experiment on how to begin to undo a system.

Eoghan Ryan (b. 1987, Dublin, IRE) is based between Brussels, Amsterdam and Dublin. He works across moving image, installation, performance, puppetry and collage. His process engages collective and personal trauma, power dynamics, double speak, acting and reacting to play out disintegrations of mediated language. This often involves confusing and dismantling notions of ‘European’ states of identity, ranging from nation states and states of being to the cultivation of provisional culture, in art as much as bacteria. Recent and selected shows, performances and screenings have taken place at The Complex (IE), Edith Russ Haus(DE), Centrale Fies (IT), ICA London (UK), Busan Biennale (KR) IFFR, Rotterdam (NL), Visio (IT) Foundation Pernot Ricard (FR) Kunstervein Freiburg (DE) South London Gallery (UK) Serralves Museum (PR) and IMMA (IE). He is currently developing a new project for EVA biennale 2025(IE)

ANTIDATAMINING est un projet de recherche basé sur la récupération, via internet, de données boursières et financières, ainsi que de nombreux indices socio-économiques. Ces données sont archivées et classées, puis sont ensuite soumises au traitement des algorithmes propres au Data Mining. Elles sont ensuite visualisées, au sein d`environnements audiovisuels écrits, nourris et actualisés en temps réel. Le projet vise à faire émerger et à prédire des phénomènes de déséquilibres socio-économiques, et tente de mettre en place une cartographie générale du déséquilibre. www.antidatamining.net

RYbN : Collectif artistique pluridisciplinaire, basé à Paris (2000) spécialisé dans la réalisations d?installations, de performances et d?interfaces faisant autant référence aux systèmes codifiés de la représentation artistique (peinture, architecture, contre-cultures) qu?aux phénomènes humains et physiques (géopolitique, socio-économie, perception sensorielle, systèmes cognitifs). Leur axe de recherche : la construction d?une ?sémantique de la convergence?, via le couplage, le détournement et la perversion des outils d?écriture et de formalisation liés aux technologies des communications, de l?information et du sensoriel - réseaux, flux de données, olfaction, captation, surveillance, audiovisuel, interaction, temps-réel. www.rybn.org

The End is unreadable titles created by a neural network and endlessly running on a black screen. The project is part of a series of works in which the authors experiment with symbols generated by StyleGAN and other networks. The artists train neural networks on letters of different alphabets, and the language they create is immersed in the context of familiar forms: manifestos, posters, and now titles. These projects continue the tradition of experiments in text and visual media started by Russian Futurists who used abstruse language in poetry (Alexei Kruchenykh, Velimir Khlebnikov, etc.) and Moscow Conceptualists with their interest in poetic experiences (Lev Rubinstein, Dmitry Prigov, Andrei Monastyrsky, etc.). In The End it is impossible to read the text created by the neural network, but the appearance of symbols, their sequence and general layout allow us to perceive a set of meaningless signs as the closing credits of a movie. It is important that in movies we rather recognize titles by their appearance than by their content. The credits are the final part of any movie, but usually no one reads them. The irony is that in The End project there are only credits, here they are a work in their own right, impossible to read. Nor is it possible to wait for it to end.

Andrey Rylov is a new media artist who works in a field of sound sculptures and installations using materials from hardware stores and DIY electronics. He performs with experimental music, creates video works using neural networks, as well. Andrey Rylov is a graduate of the New Media Laboratory, participant of multiple collective exhibitions and festivals: NUR festival (Kazan, 2021), Prepared Surroundings festival (Moscow, 2020 and 2021), Blazar fair (Moscow, 2021), Morpho festival (St. Petersburg, 2021), Adaf.gr (Greece, 2019), Ars Electronica (Austria, 2019), Pixels festival (Yekaterinburg, 2019). Maxim Mezentsev is a graphic designer, visual artist and VJ from Izhevsk, Russia. He works with interfaces, fonts, animation and makes video for experimental theater. He constantly collaborates with the Center for Contemporary Dramaturgy and Directing in Izhevsk, Russia. Maxim Mezentsev participated at the Pixels festival (Yekaterinburg, 2019), Intervals festival (Nizhny Novgorod, 2019 and 2021), Night of Light festival (Gatchina, 2019), Adaf (Athens, 2020), METAXIS festival (St. Petersburg, Nizhny Novgorod, Yerevan, 2022).

Yoshiro Ishihara (1915–1977), who burst upon the scene of Japanese modern poetry in the mid-1950s, is now remembered as a “poet of silence.” He said “A poem is an impulse to resist writing.” This film is an attempt to seek out the landscape from his poem.

Animator. Born in Ibaraki, Japan, 1986. Graduated from Ibaraki University, College of Education, 2009. Tokyo University of the Arts, Graduate school of Film and New Media, Department of Animation, 2011. Awarded the Fellowship of Overseas Study Program for Artists by the Agency for Cultural Affairs, Japanese Government, 2015.

À l'approche de son 35e anniversaire, un cinéaste se rend à Louxor, où les échos de son passé tourmenté se mêlent aux dures réalités du monde présent. Au cœur de la beauté intemporelle de la ville antique, il affronte les murmures implacables de ses démons, cherchant un éclat d'espoir.

Remy Ryumugabe est un cinéaste, producteur et artiste visuel rwandais primé, dont le travail audiovisuel et photographique a été présenté dans des festivals et galeries internationaux prestigieux, notamment Internationale Kurzfilmtage Winterthur, Uppsala International Short Film Festival, Fribourg International Film Festival, Oberhausen International Short Film Festival, Galerie Imane Farès, Museum Hilversum, Goethe-Institut Kigali, Indiba Arts Gallery, Kigali Center for Photography, et Het Nieuwe Instituut, entre autres. Ses œuvres ont reçu de nombreuses distinctions, dont la mention spéciale à la 41e édition de l’Uppsala International Short Film Festival, le Prix du Meilleur Film Expérimental à la 15e édition du Festival Internacional de Cine Africano de Argentina, le Prix du Meilleur Réalisateur d’un Court Métrage Documentaire à la 8e édition de l’Urusaro International Women Film Festival, ainsi que le Young African Filmmakers’ Award lors de la 29e édition de l’Afrika Filmfestival de Louvain. En tant que producteur, il a travaillé sur des films salués par la critique, tels que Imuhira (sélectionné à Locarno et au BFI London Film Festival), ainsi que le long métrage Minimals in the Titanic World, qu’il a produit et présenté en première mondiale au Forum de la 75e Berlinale. Il développe également plusieurs projets photographiques, installations artistiques et longs métrages, soutenus par des plateformes de développement de renom telles que Ouaga Producers Lab, Takmil, Yaoundé Film Lab et le Moulin d’Andé. Il est cofondateur de KIRURI MFN, une société de production indépendante basée à Kigali. Il est également le co-initiateur et curateur du 250 Film Experiment Cine-Club, un ciné-club basé à Kigali, au Rwanda.

An old and wise woman sitting by the lake, reflecting on existence.

Remy Ryumugabe is an award-winning Rwandan filmmaker/ visual artist. His works, including /???RI/, Melpomene, Mnemosyne, From Here to There among others, have been selected and screened/ exhibited around the world like the Internationale Kurzfilmtage Winterthur, Uppsala international short film festival, Fribourg international film festival, International Kansk Video Festival, WNDX festival of the moving image, BIDEODROMO International Experimental Film and Video Festival, Africa in Motion Film Festival, Short Short Story Film Festival, Galerie Imane Farés, Museum Hilversum, Het Nieuwe Instituut among others and his two short films (“From Here to There” one that he wrote and directed and “Muzunga” that he produced) had their world-premieres in the International Competition of the 68th International Short Film Festival Oberhausen and From Here to There went on to be screened at more international film festivals like 41st Uppsala international short film festival where It received the Jury Special Mention, 15th Festival Internacional de Cine Africano de Argentina where It won Best Experimental film. His recent short documentary film “Each of her scars has a story” has been selected for the international short documentary of 26th edition of the Film Festival ÉCRANS NOIRS, 15th Festival Internacional de Cine Africano de Argentina and 8th Mashariki African Film festival. As a producer, he’s attached to different projects (in development or post-production) that have been participating in different labs or workshops around the world like Ouaga Producers Lab, Takmil the post-production workshop of Carthage International Film Festival, Yaounde Film Lab, Résidence d'écriture de Moulin d’Andé among others. He’s the co-founder of KIRURI MFN, an independent production company based in Kigali. He is also the co-initiator and curator of 250 Film Experiment Cine-Club, a cine-club based in Kigali, Rwanda.

Le projet video de Malwina Rzonca, "And can you do it like this ?" (Et pouvez-vous le faire comme ceci ?), marque une continuité avec les ideés que l'on trouve dans sa série de tableaux du même nom. Il dévelppoe le thème de la gymnastique rythmique, ses aspects psychologiques et esthétiques en tant qu'expression de l'émanation de l'esprit humain et du phénomène d'existence. le film est constitué de deux parties qui prennent toutes deux la forme d'un collage expressif. Dans la première partie, on suit les jeunes filles lors d'une démonstration devant un public et les arbitres pendant une compétiton individuelle. La deuxième partie montre les préparations en coulisse, les répétitions laborieuses des exercices et des étirements rigoureux. L'impact d'un regard déterminé, les mouvements precis et les sourires, le travail acharné et la douleur, les contrastes esthétiques se mélangeant dans la grande marmite du kitsch : est-ce une fable ou simplement le vie réelle ? Malwina Rzonca a pris les photographies lors du Second Tournoi International de Gymnastique Krystyna Gieorgiew à Cracovie en 2005.

Malwina Rzonca est une artiste polonaise des arts visuels et de performance. Elle vit et travaille à Cracovie. Elle a étudié à l'Académie des beaux-arts de Cracovie dans le département peinture de 1994 à 1999 et elle y a également obtenu son diplôme. De 1991 à 1998, elle a étudié la danse au Studio de Danse Expérimentale "EST" à Cracovie. Elle réalise des tableaux, des vidéos, des photographies, des actions, des performances scéniques et des performances prévues pour des lieux précis. Toutes ses oeuvres sont basées sur un concept clair et une expression visuelle forte. Elle a obtenu une distinction en 2006 à la Biennale des jeunes artistes "The Fish Eye 4" en Pologne. En 2003, elle a obtenu le troisième prix à la Compétition Internationale des Projets Chorégraphiques Originaux (Internatonal Original Dance Project Competition) et le prix Jarmila Jerabkova à Prague en République Tchèque. Et enfin en 1999, elle été le prix des Présentations Internationales des Formes Chorégraphiques Contemporaine de Kalisz '99 (International Presentations of Contemporary Dance Forms Kalisz '99) en Polgne.