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Can we investigate our character, role or self-image by observing everyday phenomena and by looking into and discussing simple esthetic symbols? Can the particular tonality or attribute of a certain nationality be discovered -a sort of national character in sound? Can people’s performances in everyday life be observed in a way that simple actions, which in our memory seem to be real, demonstrate to be the result of misremembering or even completely fictional? On Cycle in 2018 during Sounds of Doubts -Workshop the artists worked with three groups, each one with participants from a different Nordic country: Iceland, Faroe Islands and Greenland. Their behaviour was observed by introducing them to different roles and circumstances, either staged or real. This environment gave them the opportunity to examine how the inception of natural and cultural milieu influence the participants’ experience. During the development of the project, languages and the creative functions of our memory were elaborated with musical and visual means. The video and sound recordings from workshops were used for further analyses and elaborations for the multi-media work: Sounds of Doubts. The interdisciplinary collaboration between the artists constitutes a research project in itself as much as the final piece, where conventional ideas and beliefs about musical composition on the one hand and the aesthetic vision on the other, are reviewed and questioned.

My background lies, besides the field of fine arts in the conservation and restoration of paintings. Engaging with diversified collections and archives since the inception of my career enhanced my will to understand questions of time and space and the human ability to develop differentiated forms of cultures and knowledge. I collaborate with cultural mobility programs both in Europe and Asia, as well as receiving awards and prizes from several institutions: The Nordic Cultural Point, the Icelandic Visual Association alongside the Icelandic Patronage from “Amalie Engilberts Art trust” from The National Gallery of Iceland, and the Reykjavik Art Museum. The award for Postgraduate studies from the Guðmunda Andresdottir Foundation.

Public and private spaces make people develop political and social questions reaching beyond localities, widening questions about their role in the formation of political subjectivity. "Everywhere´s local" intends to examine how conventions about mobility as counter resistance affects identities of individuals and small communities as well as in working places and private locations; how these conventions speak about subjectivity ; their way of quest political and social visibility, and whether actions of reciprocity might be the source of mutual support allowing civilians to activate endurance in the development of social structures. The piece investigates the role of the aesthetic vision within the process of objectification, juxtaposing documents of daily practices where individual actions become the apparatus that institutions use to master control and by doing so reducing civilians as objects. Spaces create distinctive features for subjectivity to be activated where meanings of defiance alongside civil resistance are deepened inside description of subjectivity within differentiation of forms. Where actions are endorsed by connotation and not by their visible value. Interpretation of actions are investigated as potential fields, where their manifestations compared coloured smokes, aim to empower people visibility and at the same time longing to dismiss a system.

education: 1989/9 Institute for Arts and Restoration, Palazzo Spinelli. MA(Diploma) in Painting Conservation and Restoration on wood and canvas, Florence Italy, 1999/02 Academy of Arts, Painting department Bologna, Italy. 2004/06 LHÍ University of Arts, BA in Fine Arts Reykjavík, Iceland. 2006/07 LHÍ University of Arts, MA (I grade) Art Education, Reykjavík, Iceland. 2012/14 Goldsmiths University of London MFA in Fine Art. awards: 2010- 1 Year Research Prize from the Visual Artists Foundation of Iceland 2010- Art Prize from the Guðmunða Andresdottir Cultural Foundation for Postgraduate studies in Art. 2012-“Visual Art Award” Icelandic Prize as the best artist of the year 2012. 2013- 6 Months Research Prize from the Visual Artist foundation of Iceland grants: 2007- Travel Grant from the Icelandic Ministry of Education and Culture, for cultural exchanges between Greenland, Iceland and Foræ Islands. 2010-Travel Grant from MUGGUR, Artist Foundation of Iceland 2011-CIA International Travel grant, from the Centre for Icelandic Art residency/ workshops: 2008 Kangerullussuak Atuarfiat, Nuuk, Greenland. Two weeks workshops with pupils from secondary local schools, deepening questions around issues on memories and cultural connotations. 2008 Silamiut Theatre Nuuk, Greenland/ Theatre rehearsals with students from schools 2010/11 Circle Scandinavo in Rome/ Hosted performances and seminars on the rhetoric of language. group exhibition: 2008 After Urban - University of Pennsylvania in Philadelphia, PA – USA. New Media & Video Festival at the Indiana University Art Gallery, USA. Art & Architecture event at Monkey town in Williamsburg Brooklyn, New York. The law of dialectic at The New Branch “Grassroots’ 2008”, the Icelandic emergent artist Exhibition in Hjalteyri, Iceland. The entropy of landscape /God words Municipal Art Museum of Akureyri. 2009 Communism didn´t happen /Solitude Landscape, Exhibition at the Kulturhaus in Ahrenshoop, North-east Germany. Sometimes they’ll return Exhibition at the Natural History Museum of Kopavogur in Reykjavik, Iceland. ATTITUDE Festival- Centre for Contemporary Public Arts - Bitola, Macedonia. 2010 Anamnesis/ be known to knowledge, at the Árnesinga Art Museum in Hveragerði, Iceland DRA the Dieter Roth Academy in Hjalteyri Iceland 2011 In between ,Hafnaborg Hafnafjörður, Iceland 2012 The painting site Akureyri Municipal Art Museum 2014 Big Screen/Latitude Festival Southwold , Suffolk UK. 2014 6th Cairo Video Festival. Medrar films Cairo, Egypth

Can we investigate our character, role or self-image by observing everyday phenomena and by looking into and discussing simple esthetic symbols? Can the particular tonality or attribute of a certain nationality be discovered -a sort of national character in sound? Can people’s performances in everyday life be observed in a way that simple actions, which in our memory seem to be real, demonstrate to be the result of misremembering or even completely fictional? On Cycle in 2018 during Sounds of Doubts -Workshop the artists worked with three groups, each one with participants from a different Nordic country: Iceland, Faroe Islands and Greenland. Their behaviour was observed by introducing them to different roles and circumstances, either staged or real. This environment gave them the opportunity to examine how the inception of natural and cultural milieu influence the participants’ experience. During the development of the project, languages and the creative functions of our memory were elaborated with musical and visual means. The video and sound recordings from workshops were used for further analyses and elaborations for the multi-media work: Sounds of Doubts. The interdisciplinary collaboration between the artists constitutes a research project in itself as much as the final piece, where conventional ideas and beliefs about musical composition on the one hand and the aesthetic vision on the other, are reviewed and questioned.

My background lies, besides the field of fine arts in the conservation and restoration of paintings. Engaging with diversified collections and archives since the inception of my career enhanced my will to understand questions of time and space and the human ability to develop differentiated forms of cultures and knowledge. I collaborate with cultural mobility programs both in Europe and Asia, as well as receiving awards and prizes from several institutions: The Nordic Cultural Point, the Icelandic Visual Association alongside the Icelandic Patronage from “Amalie Engilberts Art trust” from The National Gallery of Iceland, and the Reykjavik Art Museum. The award for Postgraduate studies from the Guðmunda Andresdottir Foundation.

Public and private spaces make people develop political and social questions reaching beyond localities, widening questions about their role in the formation of political subjectivity. "Everywhere´s local" intends to examine how conventions about mobility as counter resistance affects identities of individuals and small communities as well as in working places and private locations; how these conventions speak about subjectivity ; their way of quest political and social visibility, and whether actions of reciprocity might be the source of mutual support allowing civilians to activate endurance in the development of social structures. The piece investigates the role of the aesthetic vision within the process of objectification, juxtaposing documents of daily practices where individual actions become the apparatus that institutions use to master control and by doing so reducing civilians as objects. Spaces create distinctive features for subjectivity to be activated where meanings of defiance alongside civil resistance are deepened inside description of subjectivity within differentiation of forms. Where actions are endorsed by connotation and not by their visible value. Interpretation of actions are investigated as potential fields, where their manifestations compared coloured smokes, aim to empower people visibility and at the same time longing to dismiss a system.

education: 1989/9 Institute for Arts and Restoration, Palazzo Spinelli. MA(Diploma) in Painting Conservation and Restoration on wood and canvas, Florence Italy, 1999/02 Academy of Arts, Painting department Bologna, Italy. 2004/06 LHÍ University of Arts, BA in Fine Arts Reykjavík, Iceland. 2006/07 LHÍ University of Arts, MA (I grade) Art Education, Reykjavík, Iceland. 2012/14 Goldsmiths University of London MFA in Fine Art. awards: 2010- 1 Year Research Prize from the Visual Artists Foundation of Iceland 2010- Art Prize from the Guðmunða Andresdottir Cultural Foundation for Postgraduate studies in Art. 2012-“Visual Art Award” Icelandic Prize as the best artist of the year 2012. 2013- 6 Months Research Prize from the Visual Artist foundation of Iceland grants: 2007- Travel Grant from the Icelandic Ministry of Education and Culture, for cultural exchanges between Greenland, Iceland and Foræ Islands. 2010-Travel Grant from MUGGUR, Artist Foundation of Iceland 2011-CIA International Travel grant, from the Centre for Icelandic Art residency/ workshops: 2008 Kangerullussuak Atuarfiat, Nuuk, Greenland. Two weeks workshops with pupils from secondary local schools, deepening questions around issues on memories and cultural connotations. 2008 Silamiut Theatre Nuuk, Greenland/ Theatre rehearsals with students from schools 2010/11 Circle Scandinavo in Rome/ Hosted performances and seminars on the rhetoric of language. group exhibition: 2008 After Urban - University of Pennsylvania in Philadelphia, PA – USA. New Media & Video Festival at the Indiana University Art Gallery, USA. Art & Architecture event at Monkey town in Williamsburg Brooklyn, New York. The law of dialectic at The New Branch “Grassroots’ 2008”, the Icelandic emergent artist Exhibition in Hjalteyri, Iceland. The entropy of landscape /God words Municipal Art Museum of Akureyri. 2009 Communism didn´t happen /Solitude Landscape, Exhibition at the Kulturhaus in Ahrenshoop, North-east Germany. Sometimes they’ll return Exhibition at the Natural History Museum of Kopavogur in Reykjavik, Iceland. ATTITUDE Festival- Centre for Contemporary Public Arts - Bitola, Macedonia. 2010 Anamnesis/ be known to knowledge, at the Árnesinga Art Museum in Hveragerði, Iceland DRA the Dieter Roth Academy in Hjalteyri Iceland 2011 In between ,Hafnaborg Hafnafjörður, Iceland 2012 The painting site Akureyri Municipal Art Museum 2014 Big Screen/Latitude Festival Southwold , Suffolk UK. 2014 6th Cairo Video Festival. Medrar films Cairo, Egypth

What divides us and what keeps us together? Maybe, both questions have the same answer. The body revealing itself to the mind. The mind to the space. The space, a place without walls which its inhabitants can’t get out of. Confinement in a place that seems open. People like the objects of a place. A place as a body they can’t get out of. The body, a group of membranes, the tissue that contains us. The fear that this tissue might not contain us anymore. A giant’s skeleton appears.

He received a grant from the National Fund for Culture and the Arts (FONCA) of Mexico to study at the Sarajevo Film Academy in Bosnia Herzegovina, founded by Hungarian director Béla Tarr. He studied Latin American literature at the Iberoamericana University (UIA, in Spanish). Also, he participated in the Mantarraya film workshop, in Mexico City. He is co-founder of the distribution and production company Salón de Belleza and was selected for the Berlinale Talents-Guadalajara 2019. He is currently studying a master's degree in contemporary art at SOMA, Mexico. He has directed short films, screening in several national and international film festivals in Colombia, Bosnia, Vienna, Argentina, Houston, France, Tijuana, etc. His feature film “Prince of Peace” received the award for best Mexican movie at FICUNAM and had its International premier at FidMarseille where it obtained the special mention of the international competition and special mention of Centre National des Artes Plastiques (CNAP). As well presented in festivals like Viennale, Mar del Plata Film Festival, Márgenes, etc. Also, he works as a contemporary artist and has presented his installations in some independent spaces and in contemporary art museums like Biquini Wax EPS, Queretaro Contemporary Art Museum, Baxter St, NY, Soma, and others.

?No Peace Without War? is a film about Ewa and Piotr Sosnowski, brother and sister, living together since the death of their father. It is meant to be the story of a forgotten world that takes place behind the door of a two-room apartment in Krakow, Poland. Comprehending Ewa and Piotr?s past and present simply through facts is almost impossible. At a certain moment everything falls into a misty and mysterious cloud where real and invented memories become indistinct. The more we get to know them facts become trifling and unsubstantial. The only sure thing is that they live in extreme poverty but they never complain about it. Insight and unique access to this story is made possible through the eyes and understanding of Italian photographer-filmmaker Lorenzo Castore (Mario Giacomelli Prize 2003, Leica European Publisher Award 2005) and the visual approach of experimental documentary filmmaker Adam Cohen. In collaboration with Austrian composer and guitarist Christian Fennesz.

Lorenzo Castore / Director / Biography Lorenzo Castore was born in Florence in 1973. Since today he has worked in Europe (1997 ? 2011), New York (1997 ? 2001), Cuba (2000 ? 2002) and India (1997 ? 2001): he favours long term projects and special collaborations on the most different topics. His main interest is life and memory and their more mysterious and hidden aspects in relation with individual and personal stories and history. His work was published in many magazines such as Le Monde 2, Liberation, Sunday Telegraph, L?Espresso, Amica, Ventiquattro, D, Marie Claire, etc. He won the Mario Giacomelli Price (2003) and the Leica European Publishers? Award (2005) and published two books: Nero (2004) and Paradiso (2006). He?s represented by Agence/Galerie VU?. No Peace without War is his first film. Adam Cohen / Director / Biography Adam Cohen is a New York City born filmmaker and photographer. Working somewhere between film, painting and photography ? the city as a place to explore themes of memory and forgetting, history and entropy. Filmography: Blind Grace (1993), Fire of Time (2000). Christian Fennesz / Composer / Discography Fennesz uses guitar and computer to create shimmering, swirling electronic sound of enormous range and complex musicality. »Imagine the electric guitar severed from cliché and all of its physical limitations, shaping a bold new musical language.« (City Newspaper, USA). His lush and luminant compositions are anything but sterile computer experiments. They resemble sensitive, telescopic recordings of rainforest insect life or natural atmospheric occurrences, an inherent naturalism permeating each piece. Christian Fennesz is published by Touch Music. He lives and works in Vienna and Paris.

"Il tuo paese non existe" est l?enregistrement d?une performance musicale et chantée, réalisée en public à Venise. Se réappropriant tout à la fois du cliché et de la réalité du gondolier, une mezzo soprano chante une sérénade contemporaine, accompagnée d?une trompette et d?une guitare, pendant que la gondole qui l?accueille vogue sur les canaux de la ville. Les paroles de la chanson, écrites par les artistes, se composent de la même phrase, répétée dans différentes langues : « ceci est un message de Libia et Ólafur : votre pays n?existe pas, votre pays n?existe pas ». Les artistes ont collaboré avec la compositrice islandaise Karólína Eiríksdóttir, qui a écrit la partition. La performance et le tournage ont été effectués au début du mois de mai dans différents lieux de la ville, à différents moments de la journée, dans les heures dorées des après-midi de ces jours de printemps. Au final, il s?agit d?un montage de plusieurs versions de la performance, toujours sous fond de la vie quotidienne de la ville, et de la réalité omniprésente du tourisme.

Libia Castro et Ólafur Ólafsson, respectivement de nationalité espagnole et islandaise, vivent et travaillent actuellement entre Berlin et Rotterdam. Ils se sont rencontrés aux Pays-Bas en 1997, où ils ont débuté leur collaboration artistique. Ils explorent les relations existantes entre l?art, la vie quotidienne, les problématiques sociopolitiques ou liées au croisement des cultures. Ils s?interrogent sur les manières dont la globalisation affecte les cultures locales, transforme les industries nationales, et a mené à une augmentation de la mobilité tout en creusant les injustices sociales. Castro et Ólafsson réalisent leurs projets en lien avec un lieu, une situation donnée, et travaillent souvent en collaboration, que ce soit avec d?autres artistes, des professionnels, des citoyens locaux, des décisionnaires, des activistes, ou avec des immigrants illégaux, qui servent alors de catalyseurs dans des contextes donnés. Ils opèrent par assemblage, par re-présentation, avec des éléments hétérogènes qui viennent déstabiliser une situation donnée, il peut s?agir de conflits spécifiques, ou de groupes sociaux qui passent inaperçus, et ils opèrent ensuite un mouvement de retour vers ces communautés de départ, avec des vidéos documentaires, des performances publiques, de la sculpture, des photographies, des interventions ou des installations multimédias. Castro et Ólafsson ont représenté l?Islande à la 54ème biennale de Venise. Leur travail est également montré dans expositions internationales, des musées, des centres d?art contemporain, des galeries, des biennales. En 2008 ils ont participé à la Manifesta 7. En 2009, ils reçoivent le troisième prix du prestigieux prix d?art hollandais, Prix de Rome, pour leur travail vidéo Lobbyists.

Babel is a video taken with a cellphone camera. A scafolding its being constructed over the roof of some building without any apparent reason. The idea of contemplation its a fundamental principal in my video works , Babel its made from basic video tools, like cell pone cameras and photo digital cameras, the video was editing from this small cuts during a week, showing the process of construction as a methaphore of how the cities and its usuaries grows, get empowerment or loss everything in a second. The title Babel comes from the ancient history of the tower, in many ways big metrópolis and its biggest owners such as: enterprises, coorporations, goverments, and privates are represented trough the idea of high and big towers or construcrions to reflect their power, making this as a global and in some occasions a trendy effect.

Anibal Catalan was born in 1973 in the small Mexican village of Iguala. He attended the School of Architecture at Anahuac University, Mexico City (1993-1997) and earned his MFA from the National School of Painting, Sculpture and Engraving, La Esmeralda, Mexico City (2006). He has had solo exhibitions at Steve Turner Contemporary, Los Angeles (2008); Brasilea Kulturhaus, Switzerland (2006); Gallery 415, San Francisco (2007) and National Center for the Arts, Mexico City (2004). Catalan?s work has also been included in the group exhibitions Qui Vive? at I Moscow International Biennale for Young Art, Moscow Museum of Modern Art (2008); Festival Miden Kalamata, Grecce(2009), Its not Easy ,Exit Art. New York (2008); Draw In 00130 Gallery, Helsinki Finland (2008); VIII Biennial Monterrey FEMSA, San Idelfonso Museum, Mexico City (2007); Shangri L.A. Architecture as a State of Flux, 18th Street Arts Center, Santa Monica CA. (2009) and Mexi-Cali Biennial 09-10, Los Angeles (2009). His works are represented in collections such as: Artists Pension Trust APT (USA), Mexic-Arte Museum (USA), Sayago & Pardon Collection (USA), National Auditórium(MEX)

With 'MSR' we are set amidst the vast emptiness of the Kuwaiti desert where, to a great extent, the landscape has been claimed by two imperious industries, that is, the oil companies and the military machine that protects their interests. As they both make great effort to keep their stealthy activities concealed, the landscape, as we perceived it, is somehow being held hostage in a state of suspense… Located next to the 'Main Supply Route' (the route designated within an area of operations upon which the bulk of traffic flows — hauling beans, bullets and fuel — in support of military operations), we are confronted with a sequence of documentary footage that puts the focus on the travails and tactics of 'survivors', i.e. a pack of stray dogs that dwells within the boundaries of a dystopian world. In order to outlive an enraged desert storm, they seek shelter behind scattered pieces of waste and continuously dig holes in the sand, determined to withstand their antagonistic environment.

Wim Catrysse (°1973 born in Leuven, lives and works in Antwerp) gained a Masters degree in Visual Arts at the Higher Institute St-Lukas, Brussels in 1997. From 1997 to 2000, he followed a post-program course at the Higher Institute for Fine Arts (HISK) in Anvers followed by a one-year course at The Glasgow School of Art. Ever since the late 1990s Catrysse has been surveying the confines of visual constructions in his video installations, taking an architectural structure or the topographical features of a site as his starting point. He translates this investigation into cinematographic works in which the exposing and balancing of elementary forces play an essential role. The result is an accumulation of images that jerk us out of our comfort zone, that convey a physical threat, images that have about them something unheimlich and often unseat the obviousness of our most common perceptions. Moreover, Catrysse`s particular artistic method combines two apparently irreconcilable extremes: impulsiveness, physical directness, intuition and experimentation (almost nothing is worked out in detail beforehand) on the one hand and on the other an acute artistic and technical reasoning that can sometime lead to complex cinematographic image constructions.

Wim Catrysse est né en 1973 à Lovent en Belgique. Il a étudié à l?institut supérieur de Saint-Lukas de Brussel (1993 - 1997) et a obtenu un Master en arts visuels. En 1997 ? 2000, il a suivit le post-programme Higher Institute for Fine Arts (HISK), d?Anvers en Belgique. En 2000-2001, il a suivit le post-programme de la Glasgow School of Art, Glasgow, au Royaume-Uni.Son projet pour 2006-2007 : Künstlerhaus Bethaniën, Berlin, Allemagne.

“ A transfixing look at how Belgian artist filmmaker Wim Catrysse surveys the dynamics of self-constructed, architectural settings or the fictitious characteristics of phenomenal environments ? dissecting subjectivity and thereby also the illusion of control. His films and video installations challenge both participants and viewers in a primordial way through the evocation of vertigo. This precondition of boundaries operates to expose the observer to underlying motives. His artistic approach combines intuition with technical reasoning, which often leads to complex, cinematographic image constructions. ”

Born 1973 in Leuven (BEL) Lives and works in Antwerpen (BEL) Studied at ESA St-Luc Bruxelles (BEL), Higher Institute for Fine Arts, Anvers( BEL) and The Glasgow School of Art (GBR)

"Fog Walking" explore le thème du brouillard et de la nature de son inconsistence. Le brouillard défait la notion d'espace de ces coordonnées géographiques, de son histoire, et du temps. Le film décrit un voyage poétique sur le littoral de Biarritz, dans la baie de Biscay, lieu à caractère dramatique. Le personnage est invisible, mais on est conscient de sa présence grâce au bruit de ses pas. Le film est tourné de nuit et au petit matin, et présente un cycle d'images de vagues agitées rendues de façon abstraite par le brouillard, l'obscurité et les illuminations, les silouhettes d'immeubles et les monuments de la région de Biarritz. C'est là le décor qui a inspiré Igor Stravinsky, qui a vécu à Biarritz de 1921 à 1924. L'oeuvre emprunte sa bande-son à l'ouverture dramatique du ballet de Stravinsky "The Firebird Suite".

Ergin Cavusoglu est né en Bulgarie en 1968. Il a fait ses études à l'école nationale des beaux-arts "Iliya Petrov", à Sofia, dans les années 1980, puis il a obtenu un BA à l'université de Marmara, à Istanbul, et enfin un MA à Goldsmiths, à Londres, où il vit et travaille désormais. Il a représenté la Turquie à la cinquantième biennale de Venise en 2003 et a attiré l'attention d'un large public en 2004 en figurant sur la short list pour le Beck's Futures Prize. Parmi ses récentes expositions: Quintet Without Borders, Haunch of Venison, Zurich, Point of Departure, John Hansard Gallery, Southampton, Entanglement, Dundee Contemporary Arts, Dundee, huitième biennale d'Istanbul, British Art Show 6 et trosième biennale de Berlin. Cavusoglu fait partie des réalisateurs dont la proposition a été sélectionnée pour subvention pour développer le scénario d'un long métrage, sur une initiative du UK Film Council.

Il existe une manière de percevoir les choses ou de les observer qui n’implique pas les yeux. Quelque chose qui occulte le regard et qui va au-delà de la vision ordinaire. Le projet se déroule en une succession d’expériences filmées dans l’observatoire Camille Flammarion, à Juvisy-sur-Orge. L’idée conductrice du film repose sur les rapports entre la télépathie et l’astronomie, corrélat mystérieux qui hanta jusque la fin de sa vie les recherches du scientifique français Camille Flammarion (1842-1925). The Observatory est une exploration filmique qui fonctionne comme une tentative de réactivation du lieu. Les transmissions de pensées reflètent alors de manière métaphorique la structure du film, mais deviennent aussi au fur et à mesure son langage propre. La caméra enregistre et sonde au-delà du tangible, et le montage ne dépend pas d’un récit au sens strict mais plutôt des relations et des coïncidences qui se sont établies lors du passage de chacun dans cet observatoire. Il s’agit d’abord de faire éprouver à celui qui regarde le film, les tremblements et les incertitudes suscités par l’expérience télépathique, ou encore les vacillements du sentiment de réalité et d’identité qu’elle entraîne. Le spectateur est alors invité à pénétrer dans l’intimité du lieu et des personnages qui l’explorent, au travers de la synchronicité d’évènements qui les dépassent. Le 18 janvier 2016, un groupe composé d’une médium, de scientifiques et d’enquêteurs paranormaux est invité dans un observatoire en banlieue parisienne. Pendant plusieurs jours, ils tentent d’explorer le lieu au travers de leurs aptitudes spécifiques. Ignorant tout de cet observatoire, chacun réactive à sa manière l’histoire de ce lieu. Cet enregistrement vidéo constitue et documente cette expérience.

Vincent Ceraudo (1986, France) vit et travaille à Rotterdam. Son travail met en jeu la perception, la construction du réel, du rationalisme, de la culture et du capitalisme. A partir de divers enregistrements et images, videos, films, installations, photographies et textes, son travail est une tentative de révéler qui pourrais exister en dehors du dispositifs sensoriel humain. Son travail interroge un espace liminal qui existe dans l`écart qui sépare la perception et la réalité dite objective. Vincent a étudié à la Villa Arson à Nice, au Fresnoy Studio National des Arts Contemporains. Il est un résident de De Ateliers à Amsterdam (2016-2018) ainsi qu`un membre de la Skowhegan School of Painting and Sculpture, USA (2016) Son travail a été exposé à l`international comme récemment en 2018 Lo schermo Dell’Arte Film Festival à Florence en Italie, à la Fondazione Antonio Ratti à Como en Italie, à De Ateliers à Amsterdam, à la Station gare des mines à Paris, en 2017 à la faculté des sciences à Turin ( avec the institut of things to come et la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo), à la Maison Européenne de la Photographie à Paris, au centre d`Art de la VIlla Arson à Nice, au Centre Pompidou à Paris, au Skoweghan program space a New York, comme artiste invité au 62 ème Salon de Montrouge, à la cité des Arts à Paris, au Fresnou Studi National des Arts Contemporains, en 2015 au Palais de Tokyo, à la Fabricca Del Vapore à Milan, comme artiste invité de la foire Art-O-Rama à Marseille, à la Fondation Botin à Santander en Espagne, au MUMA Monsah university Museum à Melbourne en Australie. Vincent est finaliste en 2016 du Fresnoy studio collector prize, un lauréat de la bourse des Mécènes du Sud à Marseille en 2015, lauréat de la bourse de la Caza De Velazquez à Madrid, un lauréat du premier prix du show-room à Marseille durant la foire Art-O-rama à Marseille. Son travail fait partie de prestigieuses collections publiques et privées en France, en Italie, en Belgique et aux Pays-Bas.

When the flush of a newborn sun fell first on Eden`s green and gold, Our father Adam sat under the Tree and scratched with a stick in the mold; And the first rude sketch that the world had seen was joy to his mighty heart, Till the Devil whispered behind the leaves: "It`s pretty, but is it Art?" (?) Rudyard Kipling "F for Fake" est une vidéo sur la vérité, le mensonge, la contrefaçon et la condition d'auteur qui concerne à la fois l'art et la vie. Filipa César prend comme point de départ le dernier long-métrage d'Orson Welles et apporte une nouvelle dimension à cette meta-narration en introduisant 5 nouveaux personnages : un avocat, un acteur, un écrivain, un critique d'art et un cochon d'Inde qui jouent leurs propres rôles et incarnent les personnages Elmyr de Hory, Oja Kodar, Orson Welles, Clifford Irving, le cochon d'Inde, Monsieur Hugo, jouant Howard Hughes. Ce film présente un intéressant décalage entre le fond et la forme. Derrière une structure (post-)moderne, "F for Fake" laisse entrevoir un intérêt presque romantique pour le savoir faire et la signature de l'auteur. En s'inspirant des techniques de montage de la télévision, Filipa César présente une réalité qui dépasse les apparences. Ainsi, narration et mode de narration relèvent de niveaux différents. Il est ici question de la relation entre l'acte et l'actant et de l'attitude éthique qui en découle, c'est à dire, la valeur de l'auteur et le crédit chimérique accordé à la totalité symbolique au détriment de la dimension artistique. Pourtant, le montage dénote un monde parfaitement conscient de son appareil médiatique, qui altère la réalité en affichant ses propres outils. Ce monde qui est le nôtre, produit du cinéma et d'autres technologies, ne peut s'empêcher de regarder en arrière avec nostalgie. Il s'agit d'un monde schizophrène qui respecte et moque son héritage culturel, pictural et littéraire, et passe pourtant le plus clair de son temps à le commenter. En utilisant à son tour la vidéo pour commenter un dispositif cinématographique et en reprenant les propres techniques de montage du film, Filipa César pénètre dans l'ère électronique et finit ainsi ce qu'Orson Welles avait commencé. "F for Fake" devient un processus de juxtaposition et d'insertion où le spectateur n'est jamais à l'intérieur ni à l'extérieur du film dans la mesure où intérieur et extérieur sont depuis longtemps devenus de simples points de vue, pôles interchangeables de l'émetteur-récepteur.

Filipa César Born in Porto 1975 Lives and works in Berlin 1999 Graduated in Fine Arts ? Painting at the Fine Art Faculty, University Lisbon 1996 BA in Fine Arts ? Painting at the Fine Art Faculty, University Porto Grants and Prizes 2007 Fellow Artist, HFF Konrad Wolf, Potsdam 2005 Hauptstadtkulturfonds Berlin, Ringbahn Project 2003-04 Fundação Calouste Gulbenkian Grant, Berlin 2003 União Latina Preis, Lisbon 2002 Pépinières européennes pour jeunes artistes Grant, Bad Ems 2001 Post-Graduation ? DAAD Stipendium, Munique 2000 Young Creators ? Centro Nacional de Cultura Stipendium, Lisbon Solo Exhibitions 2007 Allee der Kosmonauten, Museu Atelier António Duarte, Caldas da Rainha (curated by David Etxeberria) Rapport Raccord, Distrito Cu4tro, Madrid 2006 Filipa César, Mai 36 Galerie, Zurich F for Fake and Ringbahn, Sint-Lukas Gallery, Brussels ( curated by Filip Luycky) 2005 Ringbahn, Serralves Museum, Porto (curated by João Fernandes) Berlin, Noga Gallery of Contemporary Art, Tel Aviv Ringbahn, Küchenstudio, Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin F for Fake, Cristina Guerra Contemporary Art, Lisbon Aura, Galeria Espacio Distrito Cu4tro, Madrid 2004 Transmediterráneo, Centre d?Art Santa Mónica, Barcelona (curated by Miguel von Hafe Pérez) Berlin Zoo, Part 02, Project Space, Karlsplatz ? Kunsthalle Wien, Vienna Menschen Tiere Attraktionen, bergstueblPROJEKTE, Berlin 2003 Product Displacement, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon 2002 Sets for thoughts, Galeria Cristina Guerra, Lisbon Hotel, Emser Arkaden, Bad Ems SlowMotion, Estgad, Caldas da Rainha and Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon Group Shows (selection) 2007 Stream, White Box, New York (curated by João Silvério) Art Summer University, Tate Modern, London (curated by Manuel Saiz) Por Entre as Linhas, Museu das Comunicações, Lisbon ( curated by Isabel Carlos) Shot an go, Isola di San Servolo, Venice (curated by Raffaele Gavarro) In the Eye of the Storm, Kunstmuseum St. Gallen, St. Gallen (curated by Konrad Bitterli) Unversagt, Das Hotel Balzer!, Schloss Balmoral, Bad Ems (curated by Rainer Hofmann) Sines Local, Emmerico Nunes Cultural Center,, Sines (curated by Isabel Silva) 2006 Tales from the Travel Journal Vol. 1 CAC Vilnius (curated by Catherine Hemelryk) Concrete language, CAG, Contemporary Art Gallery, Vancouver ( curated by Christina Ritchie) Urban Spaces, Galerie Dina 4, Munique (curated by Patricia Drück) Das Fest, Residenz der Portugiesischen Botschaft in Berlin (curated by Ana Pinto) Diegesis, Schleswig Holsteinhause, Staatliches Museum Schwerin, 16. Filmkunstfest, Schwerin (curated by Nuno Faria) Sede e Museu da F.C.G: A Arquitectura dos anos 60, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon (curated by Ana Tostões) 2005 Portugal Novo: Artistas de Hoje e amanhã, Pinacoteca, São Paulo (curated by Alexandre Melo) Tableaux Vivants, Museu de Arte Contemporânea Serralves, Porto (curated by Ulrich Loock und Sandra Guimarães) Temporary Import, Artforum, Berlin (curated by Suzanne Titz) In Progress, 58. Internationales Film Festival in Locarno, Locarno Art Unlimited, Basel (curated by Simon Lamunière) Artstars-Shooting Star, ON25, Luxemburg (curated by Diana Baldon) 60th Anniversary of ONU, NUOI, Geneva (curated by Simonetta Luz Afonso) Portugal: Algumas Figuras, Alameda Art Laboratory (LAA), Mexico City (curated by João Pinharanda) 2004 Video Zone, 2nd International Video Art Biennial, Tel Aviv, Israel (curated by Sergio Edelsztein) Believe it or not, Kunstraum Kreuzberg / Künstlerhaus Bethanien, Berlin (curated by C. Burbaum, M. Röhrborn und O. Pietsch) Continental Breakfast, 45 October Salon, Cultural Center, Belgrade (curated by Anda Rottenberg) Close by (Time Space Architecture), Mai 36 Galerie, Zurich Re-Produtores de Sentido, SESC Rio, Rio de Janeiro (curated by Miguel Von Hafe Pérez) Carte Blanche, Théâtre des Salins (curated by Rui Pedro Morais) Video Shop, Intervenciones en la calle Alfonso, Zaragoza (curated by Pilar Cruz and Maribel Perpiñá) True Lies, Kallmann-Museum, Munique (curated by Reinhard Spieler) Arte Contemporânea na Assembleia: César, Queiroz, Sendas, Vasconcelos, Palácio de S. Bento, Lisbon (curated by Simonetta Luz Afonso) SESIÓN CONTINUAD VIDEO, Galería DV, San Sebastián, (curated by Margarita Sanchez) PØRTUGÅL- 30 artists under 40, The Stenersen Museum, Oslo (curated by Pedro Portugal) True Lies, Franz Gertsch Museum, Bern (curated by Reinhard Spieler) Meeting between 2 Collections: Serralves Foundation ? ?La Caixa? Foundation, Caixa Forum, Barcelona 2003 Off Loop`00, Post-Portugal, met. Room, Barcelona (curated by Pilar Cruz and Maribel Perpiñá) Otras alternativas. Novas experiencias visuales en Portugal, MARCO, Vigo (curated by David Barro) Trabalho, Centro de Artes Visuais, Coimbra (curated by Albano da Silva Pereira und Miguel Amado) Poetic Justice, 8. Istanbul Biennial, Yerbaten Cistern, Istanbul (curated by Dan Cameron) União Latina Prize, Culturgest, Lisbon Balmoral in Berlin, Landesvertretung Rheinland-Pfalz, Berlin Cutting Edges, ARCO, Madrid (curated by Miguel von Hafe Pérez) 2002 Video Lounge, Art Basel, Miami Contemporary Art from Portugal, European Central Bank, Frankfurt (curated by Pedro Lapa/ Heike Sutter) Video Zone, 1st International Video Art Biennial, Tel Aviv, Israel (curated by Miguel Wandschneider/ Catarina Campino) Seiten, Antiquariat Gundel Gelbert, Cologne Home Sweet Home, MAN, Nuoro (curated by Chiara Leoni) and then there were nine, Kulturamt in der Fruchthalle, Kaiserslautern (curated by Andrea Edel) Narrando Espaços, Tempo, Histórias?, XXVII Bienal de Arte de Pontevedra, Pontevedra (curated by Maria de Corral) Deutsches Eck, Galerie Václava Spály, Prag (curated by Jiri Suruvka) Expect the world, moi non plus, Sparwasser HQ and Parkhaus, Berlin (curated byAna Pinto) 2001 Voyager ? Experimenta Design, Lisbon (curated by Pedro Gadanho) Situation Zero, Yerba Buena Center for the arts, San Francisco (curated by René de Guzman) Night Visions ? Schnittraum, Ludwig Museum, Cologne (curated by Corinna Schnitt) Biberstein, César, Onofre, Sarmento, Sendas, Toscano, Galeria Cristina Guerra, Lisbon Streetwear, Galeria da Mitra, Lisbon (curated by Fransisco Vaz Fernandes) Milano Europa 2000 ? Anteprima Bovisa, Triennale, Milan , (curated by Alexandre Melo) Voyager-Experimenta Design, Milan, (curated by Pedro Gadanho) Disseminações, Culturgest, Lisbon (curated by Pedro Lapa) Ausgewählte Bibliographie / Bibliography (selection) Edelsztein, Sergio `Filipa César` Ice Cream, edited by Phaidon, 2007 Hemelryk, Catherine "Tales from the Travel Journal Vol. 1" edited by CAC Vilnius, 2006 Faria, Nuno, Diegesis, mit Essays von Antje Weitzel "Two or 3 Thing I know about her"; Nuno Faria "Raccord (on the diegesis project) edited by Fundação Calouste Gulbenkian, 2006 Cesar, Filipa, Ringbahn, essays by João Fernandes "Filipa César?s Video-situations: exception and rule", Ana Pinto "Mind the Gap" und David Gieselmann "Die Berliner Ringbahn" (eng. und port.), edited by Serralves Museum, 2005 César, Filipa, Belgradee Footnotes, mit einem Essay von Simone Homem de Mello (eng.) edited by Revolver, 2004 Spieler, Reinhard, In-between realities, in "True Lies. Lies and other trues in the contemporary photography", edited by Reinhard Spieler und Museum Franz Gertsch, 2004 Rottenberg, Anda, Continental Breakfast, 45th October Art Salon, edited by Cultural Center, Belgradee, 2004 Wandschneider, Miguel, Filipa César, in "Narrando Espacios, Tempos e Histórias... XXVIII Bienal de Arte de Pontevedra", edited by Deputación Provincial de Pontevedra, 2002 Wandschneider, Miguel, 9 Portuguese artists, 18 Video Works, in ?Video Zone, First International Art Biennial, Tel Aviv?, edited by Center for Contemporary Art, Tel Aviv, 2002 Lopes, Diogo, Berlin Zoo, in "Poetic Justice, 8. Istanbul Bienal", edited by Istanbul Foundation for Culture and Arts, 2003 Barro, David, Filipa César, in "Outras Alternativas visuais: Novas experiências visuais em Portugal", edited by Museo de Arte Contemporánea de Vigo, 2003 Silva Pereira, Albano / Amado, Miguel, Trabalho / Work, edited by Centro de Artes Visuais, 2003 Edel, Andrea, Observations from offstage, in "Sets for Thoughts", edited by Filipa César and Künstlerhaus Schloß Balmoral, 2002 Leoni, Chiara, Case: un Catalogo, in ?Casa Dolce Casa?, edited by Museo d?arte provincia di Nuoro, 2001 Lapa, Pedro, Disseminações, edited by Culturgest, 2001 Melo, Alexandre, Filipa César, in ?Milan Europa 2000?, edited by Electa, 2001

Des années après le début de l'exploitation minière, une ville autrefois rude et tranquille change radicalement. Koi, 22 ans, rentre chez lui pour la première fois depuis son départ pour l'université, avec une otite. Il rejoint sa mère, Tonet, pour attendre son père, aucun d’eux ne sachant si ce dernier pourra rentrer vivant à la maison après un accident dans le tunnel d'extraction. Alors que Koi renoue avec sa ville natale en lent dépérissement, il est confronté à la possibilité de perdre son père et son audition. En partie fiction, en partie expérience artistique, et brouillant volontairement la frontière entre les deux, "Here, Here" est une étude visuelle libre sur les paysages et les terrains, naturels et autres.

Joanne Cesario a grandi dans la province de Batangas (Philippines) et a déménagé dans le Grand Manille (Philippines) pour suivre des études de cinéma à l'université des Philippines. Aussi bien ses expériences d'enfance que ses engagements politiques ont profondément façonné ses convictions et sa sensibilité. Depuis 2013, elle travaille dans le domaine du cinéma, de l’édition, et de la photographie. Elle mêle des histoires personnelles et collectives à propos du travail, l'identité féminine, et des lieux et paysages en constante évolution. En 2020, son premier court métrage professionnel, "Here, Here", a été sélectionné pour la compétition Pardi di domani du Festival du film de Locarno (Suisse), et a reçu le Prix spécial du jury lors de la 68e édition des FAMAS – Filipino Academy of Movies Arts and Science Awards, aux Philippines.

"Au début était le tissage, et la transmission de son fonctionnement, une malédiction de la mortalité". Ainsi s'achève "Quantum Creole" par ces mots fabuleux du tisserand, Zé Interpretador. Alors que la technologie des cartes perforées, inventée à l’origine pour la production textile, fut fondamentale pour le développement de l’ordinateur, le code binaire est lui-même plus proche de l'acte ancien du tissage que de celui de l'écriture. "Quantum Creole" est un documentaire expérimental basé sur une recherche collective autour de la créolisation, ses forces historiques, ontologiques et culturelles. En se référant à la plus petite entité de toute interaction - quantum - le film utilise différentes formes d'images pour lire le potentiel subversif du tissage comme code créole. Les Créoles d'Afrique de l'Ouest tissaient des messages de résistance socio-politique dans les tissus, contrant ainsi les technologies et les langues des Colons. Alors que le nouveau visage de la colonisation se manifeste aujourd'hui sous la forme d'une image digitale, mise à jour de l'idée d'une terra nullius sous la forme d'une zone de libre échange ultra-libérale dans les îles Bijagos, celle-ci indique aussi la continuité de la violence qui a surgit il y a plusieurs siècles avec la création de postes du commerce des esclaves à ce même endroit, alors connue sous le nom des rivières guinéennes et du Cap Vert.

Filipa César est artiste et réalisatrice. Elle explore les dimensions fictionnelles du documentaire, les frontières poreuses entre le cinéma et sa réception, la politique et la poétique de l’image en mouvement. Sa pratique s’empare des médias comme des moyens d’étendre et d’exposer des contre-récits de résistance à l’historicisme. Depuis 2011, elle explore les origines du cinéma du Mouvement de libération africain en Guinée-Bissau, comme laboratoire d’une résistance aux épistémologies dominantes. En 2017, "Spell Reel", son premier film-essai de format long-métrage, est présenté en première mondiale dans la section Forum de la 67e Berlinale, Berlin (Allemagne). Ses travaux ont notamment été exposés et projetés à la 29e Biennale de São Paulo (Brésil) [2010]; à Manifesta 8, Cartagena (Espagne) [2010]; à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne) [2011-2015]; au Jeu de Paume, Paris (France) [2012]; à la Kunstwerke, Berlin (Allemagne) [2013]; à Meeting Points 7 [2013-2014]; à la NBK – Neuer Berliner Kunstverein, Berlin (Allemagne) [2014]; au Hordaland Art Center, Bergen (Norvège) [2014]; à SAAVY Contemporary, Berlin (Allemagne) [2014-2015]; à Futura, Prague (République Tchèque) [2015]; à Khiasma, Paris (France) [2011, 2013 et 2015]; au Tensta Konsthall, Spanga (Suède) [2015]; au Mumok – Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienne (Autriche) [2016]; à la 8e Biennale Contour, Malines (Belgique); à Gasworks, Londres (Royaume-Uni) et au MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA) [2017].

Transmission from the Liberated Zones prend comme point de départ le concept de « Zones Libérées », terme utilisé pour décrire les territoires de la Guinée-Bissau arrachés à la domination portugaise et gérés, pendant les 11 ans de la guerre de libération (1963-1974), par des militants de la Guerilla du Parti Africain pour l’Indépendance de la Guinée et du Cap-vert (PAIGC). Les témoins du film sont tous suédois et ont en commun d’avoir visité cette zone au début des années 70. Il s’agit du diplomate Folker Löfgren, de la cinéaste Lennart Malmer, de la cinéaste et psychologue Ingela Romare et de la femme politique Birgitta Dahl. Pour agencer documents et témoignages, aller et venir du passé au présent, Filipa César met en scène un jeune narrateur dont le corps et la voix deviennent les outils d’un voyage temporel.

Filipa César est une artiste et réalisatrice dont le travail explore la porosité entre les frontières de l’image en mouvement et sa réception, les dimensions fictionnelles du documentaire et l’économie, la politique et la poétique, inhérents au cinéma comme praxis. Une large partie des films expérimentaux de Filipa César se concentrent sur les spectres de la résistance dans l’Histoire géo-politique du Portugal, en questionnant les mécanismes de production de l’Histoire et proposent des espaces performatifs d’une approche subjective au savoir. Depuis 2011, Filipa César entreprend des recherches sur les origines du cinéma en Guinée-Bissau, son imaginaire et son potentiel, au travers d’une recherche collective initiée dans le projet Luta ca caba inda (La lutte n’est pas encore terminée). Elle a également participé aux projets de recherche Living Archive (20111-2013) et Visionary Archive (2012-2013) organisés par l’Arsenal - Institute for Film and Video Art - à Berlin.

Dans ce film-essai qui fait partie d`un projet de recherche en cours, "People are the mountain", l`artiste portugaise Filipa César revisite le travail de l`agronome guinéen Amilcar Cabral, de l`étude de l`érosion du sol de la région portugaise de l`Alentejo jusqu`à son engagement comme l`un des leaders du Mouvement Africain de Libération. A ce chemin de pensée se mêle la documentation du site d`une mine d`or expérimentale, gérée aujourd`hui par une compagnie canadienne et située dans la même zone qu`étudia Cabral à l`époque. Le film explore les définitions présentes et passées du sol comme une zone de dépôt de la mémoire, de la trace et de l`exploitation.

Filipa César est née au Portugal en 1975 ; elle vit et travaille à Berlin. Elle a étudié à la Faculté des Arts de Porto et de Lisbonne, à l’Académie des Arts de Munich et a obtenu le Master Art in Context de l’Université des Arts de Berlin (2007). Son travail interroge la relation poreuse entre l’image animée et sa réception publique. Intéressée aux aspects fictionnels du documentaire, et motivée par un désir de pointer le politique derrière l’image animée, l’artiste se situe entre le storytelling, la chronique, le documentaire et le film expérimental. Ses films – F for Fake (2005), Rapport (2007), Le Passeur (2008), The Four Chambered Heart (2009), et Memograma (2010) – ont été présentés à la 8e Biennale d’Istanbul, 2003 ; à la Kunsthalle Wien, 2004 ; au Serralves Museum, 2005 ; au Festival International du Film de Locarno, 2005 ; à la CAG- Contemporary Art Gallery, Vancouver, 2006 ; à la Tate Modern, 2007 ; au St. Gallen Museum, 2007 ; au SF MOMA, San Francisco 2009 ; à la 1ère Biennale d’Architecture de Venise, à la 29e Biennale de São Paulo et à Manifesta 8, Cartagena.

One on One is a documentary video piece based on a site in New Malden, London which is shared by a South Korean food market and a group of North Korean defectors. At this site there is a small office for establishing the exile government of North Korea. It shows an ironic situation where an unexpanded democracy movement coexists with busy distributive trucks and people try to be their apolitical selves, then, this is a video about how capitalism surround their radical life. It focusses on their dream of establishing a government in exile whilst pursuing a day to day business distributing food. The film is composed of separate fragments and micro-narratives that function as a kind of bait. This open narrative is intended to lead the audience into creating their own sense of story.

Jeamin Cha was born in Republic of Korea in 1986, and studied fine art at Korean National University of Arts (BA) from 2005 to 2010. She also studied video at Chelsea College of Art and Design (MA), London. She researches the delicate conflict in significance between the individual and the social, visualising it in dramatic format. Her primary medium is video, she is making moving image works about the social and political dissension. She currently lives and works in Seoul.

It is not about a question but a balloon is composed of installation and video. Throughout the work, the artist focuses on making a way of experience to unforget and evokes the details of what happened during the summer of 1989 through Su-Kyung Lim?s narration. She participated in the recording after correcting the wrong statements of the articles. The script is corrected by Sukyung Lim?s testimony. As a result, the narration of the video transmits mixed tenses: the past, the present and the future were arranged for the incident in 1989. In order to withdraw the fixed trust from the recorded history, one should have one?s own belief in incidents from the past through personal experiences. Hence it was concentrated to make a way of experience. This video is only to show a little incident against the propaganda heading somewhere with a timer attached to it. - Su-Kyung Lim went to Pyongyang when she was twenty-one. In order to participate in the 13th annual World Student Celebration, she traveled secretly on June 30,1989 without South Korean governments? knowledge. After the visiting North Korea, she was put in the prison due to violating the National Security Law.

Jeamin Cha was born in Republic of Korea in 1986, and studied fine art at Korean National University of Arts (BA) from 2005 to 2010. She also studied video at Chelsea College of Art and Design (MA), London. She researches the delicate conflict in significance between the individual and the social, visualising it in dramatic format. Her primary medium is video, she is making moving image works about the social and political dissension. She currently lives and works in London.

Née à Tours en 1978, elle s`engage dans des études artistiques à l`Ecole supérieure des Beaux Arts de Tours, puis à l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg où elle valide un diplôme de communication évènementielle, option scénographie qui se poursuivra par un post-diplôme à l`atelier numérique.

Pitou, jeune fille issue d`un quartier très populaire de Douala au Cameroun, suscite le respect et l`étonnement après avoir été reconnue meilleure joueuse dans un tournoi de football masculin. Symbole d`espoir pour tout un quartier, Pitou voudrait devenir une star mondiale du football.

Née à Tours en 1978, elle s`engage dans des études artistiques à l`Ecole supérieure des Beaux Arts de Tours, puis à l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg où elle valide un diplôme de communication évènementielle, option scénographie qui se poursuivra par un post-diplôme à l`atelier numérique.

Un chant d’oiseaux nous, ouvrant sur une forêt verdoyante un jour de pluie. Une langue de brume s’insinue lentement dans l’image et s’enroule autour des arbres. Des silhouettes humaines la traversent, paisibles malgré les flammes qui lèchent leurs vêtements. Ces âmes errantes fuient-elles quelque catastrophe urbaine ou font-elles partie du bestiaire de créatures merveilleuses peuplant les forêts ? Sont-elles des messagers de l’Apocalypse ou des martyrs, après un geste ultime de protestation ? Le cheval qui les observe sans broncher, tapis dans les fougères, se contente de renforcer l’inquiétante tranquillité de la scène sans donner de réponse. Julie Chaffort connaît bien ce sentiment, pour avoir tourné dans les forêts nombre de ses vidéos, la figure animale y étant quasi omniprésente. Pour l’artiste, le cheval est le « témoin privilégié de quelque chose que l’on arrive plus à percevoir en tant qu’humain ». Un témoin dans une partition tragi-comique nous menant d’un univers « intemporel » et obscur propre aux contes.

Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les plans fixent les branches ; ils convoquent les tableaux de l’école de Barbizon où les bruns apparaissent comme chargés de bitume et les lumières s’accrochent aux pâtes colorées. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des Beaux-Arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste en Suède, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à New-York. Elle expose en France et à l’international. Ses œuvres font parties de collections nationales et privées Julie Chaffort est née en 1982. Elle vit à Bordeaux et travaille partout.

"L’odeur des fauves en nous". L’oeuvre s’inscrit dans la démarche assurément poétique de Julie Chaffort qui imagine et fabrique des situations relevant de l’instant magique. Les ingrédients sont le vivant, le chant, la musique, la visibilisation de corps contraints à une trop grande discrétion. Au coeur de ces situations aussi fascinantes que troublantes, Julie Chaffort filme les relations qui existent entre les terrestres (l’ensemble des êtres vivants, sans hiérarchie), les éléments (eau, terre, air et feu), les voix, les sons et les musiques qui prolongent les corps. Le chant des oiseaux, la voix d’une humaine, la puissance d’une chorale, le râle du vent. Les animaux (humain.es compris.es) interagissent avec ferveur et tendresse avec les arbres, la neige, les rivières, les sols. Pensées comme des scènes refuges où les corps existent librement, exultent et s’expriment, les oeuvres réveillent des émotions et des sentiments profondément inscrits dans nos chairs terrestres : l’attention, l’inquiétude, l’écoute, l’amour, la perte, la sensibilité, l’absence, la jouissance, la vulnérabilité ou encore le réconfort. Un ensemble d’états qui nous attache les un.es aux autres et qui rythme les cycles d’une longue métamorphose commune aux êtres visibles et invisibles qui peuplent le vivant.

Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School. Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. En 2013, Julie Chaffort expose au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière, le film « Hot-Dog », moyen-métrage qu’elle y a réalisé la même année en résidence. L’année suivante, elle présente sa première exposition personnelle « Jour Blanc » au Centre Clark de Montréal, avec des installations vidéos et sonores créées in situ. En 2015 lors de sa résidence à Pollen à Monflanquin, elle réalise le moyen-métrage « La barque silencieuse » ; ce film, « aussi facétieux qu’émouvant, aussi déroutant que respectueux de tout ce qui s’offre à voir et à entendre » pour Jean-Pierre Rehm, est sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition Jeune création 66ème édition et remporte deux prix indépendants, avec deux expositions à la clé, l’une pour la Progress Gallery, « Entre chiens et loups », et l’autre pour la galerie du Pavillon à Pantin, « Les cowboys », sélectionné également au FID 2017. Julie Chaffort remporte en 2015 le prix Bullukian et crée « Somnambules », une exposition personnelle présentée à la fondation. L’artiste a été lauréate du prix « Talents Contemporains » 2015 de la fondation François Schneider pour l’oeuvre « Montagnes Noires » et obtient la même année, le prix Mezzanine Sud et expose au Musée des Abattoirs de Toulouse. Le film « La barque silencieuse » entre en 2017 dans la collection du FRAC Aquitaine ainsi que la vidéo « Nostalgia » dans celle du FRAC Occitanie Toulouse. En 2018, Julie Chaffort est lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier-Sète et obtient en 2019 la bourse de soutien à la création du CNAP pour l’élaboration de son projet vidéo « PRINTEMPS » dont une exposition monographie du même titre est présentée à l’ancien palais épiscopal des musées de Béziers avec le soutien de Mécènes du Sud Montpellier-Sète en 2020. Son dernier film « Légendes » a fait partie de la compétition officielle française et la compétition CNAP du FIDMarseille 2020.

Une trentaine de personnes qui ne se connaissent pas acceptent de voyager ensemble pendant 5 jours et de tourner dans un film sans scénario préétabli. Chacun tiendra son propre rôle, vêtu de costumes choisi par la réalisatrice. Portraits de familles, blagues, danse, roller, chants se dévoilent aux spectateurs sous le regard d’un cheval tranquille et bienveillant.

Oeuvrant dans les champs du cinéma et de l’art contemporain, Julie Chaffort s’intéresse tout particulièrement à l’immensité et à la vacuité des territoires naturels, à leur aspect désertique et délaissé ; ses films et vidéos sont habités par une certaine lenteur, invitant à l’écoute et à la contemplation, mais jouant aussi sur les registres de l’absurde, de la chute, de la surprise et du décalage. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School. En 2013, elle expose au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière Hot-Dog, moyen-métrage qu’elle y a réalisé la même année en résidence. L’année suivante, elle présente sa première exposition personnelle Jour Blanc au Centre Clark de Montréal, avec des installations vidéos et sonores créées in situ. En résidence à Pollen à Monflanquin 2015, elle réalise le moyen-métrage La barque silencieuse ; ce film, "aussi facétieux qu’émouvant, aussi déroutant que respectueux de tout ce qui s’offre à voir et à entendre" pour Jean- Pierre Rehm, est sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition “Jeune création 66ème édition” et remporte deux prix indépendants, avec deux expositions à la clé, l’une pour la Progress Gallery, Entre chiens et loups, et l’autre pour la galerie du Pavillon à Pantin, Les cowboys (également selectionné au FID en 2017). Julie Chaffort remporte aussi en 2015 le prix Bullukian et crée Somnambules, une exposition personnelle présentée à la fondation. L’artiste a été lauréate du prix "Talents Contemporains" 2015 de la fondation François Schneider pour l’oeuvre Montagnes Noires et obtient la même année, le prix Mezzanine Sud et expose au Musée des Abattoirs de Toulouse. Le film La barque silencieuse entre en 2017 dans la collection du FRAC Aquitaine et la vidéo Nostalgia dans celle du FRAC Occitanie Toulouse. Julie Chaffort vient d’être lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier-Sète. et d’obtenir une bourse à la création du CNAP pour la réalisation de son projet vidéo PRINTEMPS.

HUNT_ Figurant. Personne chargée de tenir un emploi secondaire, généralement muet, et, le plus souvent, dans un groupe tenant le même rôle. Par analogie Personne qui, dans la société, tient un rôle dont l’importance n’est qu’apparente et non effective. Ce qui caractérise le plus le travail de Julie Chaffort, c’est le refus des figurants. Même ceux qui nous tournent le dos, ceux qui marchent trop loin pour que l’on distingue leurs traits ou ceux qui se dissimulent derrière les fougères, ceux qui apparaissent masqués ou ceux qui conservent le silence, tous ceux-là sont des personnages et non des figurants. Et même le buisson aux reflets roux, qui rampe sous la pluie. C’est toute la grâce du film de Julie Chaffort de nous rappeler que chaque détail est signifiant : les frottements que les gants des boxeurs produisent quand ils s’entraînent à ne pas prendre de coups, le rythme doux des gouttes de pluie dans les arbres de la forêt, les gestes de goéland dans les violents rouleaux océaniques pour continuer à résister. "Hunt" est un film réalisé avec des jeunes en situation de rupture et des habitants du pays basque.

Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. La vacuité des territoires impose à l’artiste des images qu’elle fait naître de façon sensible, voire irraisonnée. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Aussi l’artiste réussit-elle l’exploit de ramener le sujet humain au même niveau que le paysage dans lequel il se trouve ; changeants et imprévisibles, l’un comme l’autre communiquent au-delà du langage, à l’aide de signes pluriels et non autoritaires que les films nous invitent à recomposer. Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste, et de Werner Herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à New-York. En 2015, elle réalise le moyen-métrage La barque silencieuse, sélectionné en 2016 en compétition française et premier film au FID Marseille. Il est également projeté à la galerie Thaddaeus Ropac à Paris Pantin lors de l’exposition Jeune création 66ème édition et remporte deux prix indépendants. Julie Chaffort obtient en 2015 le prix Bullukian, puis le prix «Talents Contemporains 2015 » de la fondation François Schneider. Elle obtient l’année suivante le prix Mezzanine Sud et en 2018, elle est lauréate du prix Mécènes du Sud Montpellier/Sète.

Hot-Dog est composé de tableaux teintés d`étrangeté, de surréalisme et de scènes absurdes qui se répètent et reflètent un monde décadent et jubilatoire. Vassivière, son paysage hivernal et les rives lunaires du lac se sont naturellement imposés comme toile de fond pour écrire ce film. Hot-Dog, met en scène des situations incongrues où les personnages se confrontent à la nature et à l?artifice. Le film nous invite à suivre les déambulations d?Ignatius, personnage qui pousse un chariot à hot-dog sur les rives du lac transfigurées. La brume épaisse et la neige laissent planer une ambiance mystérieuse voire mélancolique qui nous fait perdre tout repère. Le paysage devient alors source de contemplation et de danger, théâtre d?un songe, voire d?une hallucination.

Diplômée de l?Ecole des Beaux-Arts de Bordeaux en 2006, Julie Chaffort s?est consacrée à la pratique cinématographique dès la fin de ses études. Elle a écrit, réalisé, produit, monté et diffusé Some Sunny Days et Wild is the Wind, deux longs-métrages de fiction, avant de suivre et d?obtenir en 2010 le Werner Herzog`s Rogue Film School Diploma à New-York. Elle travaille ensuite avec le réalisateur Roy Andersson à Stockholm, puis est sélectionnée en tant que cinéaste au Centre International d`Art et du Paysage sur l`île de Vassivière où elle réalise son nouveau film Hot-Dog. Son travail, orienté vers le cinéma, comprend également une dimension plastique où se mêlent installations et performances ; sa dernière oeuvre ?BANG !?, est une installation monumentale composée d?une trentaine de pianos effondrés les uns sur les autres, scène de désolation spectaculaire, presque burlesque.

This film is about birds and dreams. Birds dream is shot using stop-motion technique, and its ‘actors’ are bird models handcrafted by the artist. Its concept derives from the artist’s own live performance the Sparrow and the Raven (2012). Story: A new-born sparrow entered a strange world. When curiously idling in this world, the sparrow found a young raven with which it began to explore the place together. They encountered all sorts of strange birds and mysterious geometric shapes of different colours. Their encounters have made them bewilder and fantasise, soon their body start to change as well…

Born in 1985, Chai Mi currently lives and works in Beijing as an artist. Chai Mi’s fine art practice involves a range of media, including painting, paper-craft, video and live performance. Her works have been shown at many art museums, cultural organizations, film festival and music festival nationally and internationally.

The film aims to interrogate double-sided effects of how cinema itself has changed and developed through time, and how it affected both workers in film productions and its audiences along its journey.

Chanasorn Chaikitiporn is a filmmaker and moving image artist. Who is interested in exploring and interrogate socio-political histories of Thailand with questions of culture, political thought, identity and personal historical memory in perspective and relation to the semi-coloniality. In combining fiction film and documentary film genre, he investigates on archival, found footages and declassified documents. Chaikitiporn is a member of Rapid Eye Movement (REM), a experimental film and media screening in Bangkok, Thailand