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Un récit de voyage vers des lieux créés sous une impulsion utopique et qui défient la surface du monde. Par ordre d'apparition: un palais idéal construit par un facteur après chacune de ses rondes quotidiennes; une maison rouge conçue par un agitateur socialiste; une tour pacifiste érigée contre les mouvements de l'Histoire; un jardin exubérant engendré au féminin; et un joyeux cimetière qui évoque une communauté d'égaux dans la périphérie de l'Europe. Pour nous assurer que nous risquons notre joie pour ceux qui agissent en leur temps.

Sílvia das Fadas est cinéaste, chercheuse, enseignante. Elle s’intéresse aux politiques intrinsèques aux pratiques cinématographiques et au cinéma en tant que moyen d’être ensemble dans une expérience capable d’instaurer une communauté nomade et intranquille.

Dans ce projet, Fake Estates, élaboré dans les années 1973-1974, Gordon Matta-Clark aborde les questions de la propriété, des biens immobiliers, et des espaces urbains. Matta-Clark achète alors quinze parcelles de terrain mises aux enchères par la ville de New-York. Elles sont petites, discontinues, et de taille inutilisable, du type de celles qui sont appelées les ?espaces caniveau?. Matta-Clark a réuni un grand nombre de matériaux d?archive liés à ces propriétés, mais il n?a jamais pu réaliser l?ensemble de son projet artistique, et à sa mort, les lots sont revenus à la ville. Les séquences de cette vidéo ont récemment été redécouvertes. Tournées par Jaime Davidovich, pionnier de l?art vidéo et des débuts de la télévision, elles montrent Matta-Clark dans le quartier des Queens, alors qu?il documente et visite ses parcelles.

Jaime Davidovich est un artiste conceptuel d?origine espagnole. Il vit et travaille à New York. . Auteur de vidéos et d?installations, il a également été un activiste pour la programmation de télévisions locales câblées, gérées par des artistes. Davidovich a été un membre fondateur de Cable SoHo, en 1976, et président du Artists' Television Network en 1978. Il tenait sa propre émission sur le câble, un programme de variété hebdomadaire intitulé The Live! Show, diffusé par la télévision câblée de Manhattan de 1979 à 1984. En prenant l?apparence de son alter ego, le docteur Videovich, Davidovich menait le show, qui présentait des performances d?artistes, des interviews avec des personnalités du monde de l?art, des émissions où les téléspectateurs pouvaient intervenir en direct par téléphone, et même des séquences de télé-achat, lors lesquelles il mettait en vente sa collection d?objets kitsch liés à la télévision.

At the end of 2014 the Ministry of Justice released an announcement stating that from January 2015, “ every prisoner coming into custody will be asked if they have been a member of the armed forces ” and that “ prisons will be given new guidance about helping them during their sentence”. The announcement followed wide debate over the percentage of veterans in prison. Behind these policy contexts there also sits a wider public perception of the identity of the “ veteran ” which exists in tension with the notion of the “ offender ”. The Separate System was collaboratively produced by veterans through workshops at two local prisons with artist Katie Davies. The piece investigates the spaces of the military, custody and “ civilian ” life through the notion of work, an everyday activity that unites these worlds and is familiar to us all. The film communicates what we, as a civilian audience, perhaps do not understand about the unique set of relations, actions and responsibilities held by the people within these spaces. Created through FACT`s Adults Learning Programme, our work within the criminal justice system aims to approach the context of the prison system from a critically engaged position.

Katie Davies is a video artist exploring the construction of identities, their reflections and manipulations. Nationalism, violence and democracy form a central critique for her videos and installations, often focusing upon individuals and communities whose identities are dictated by the state; their agency to self-identify snared between political agendas and Sovereign violence. Katie is a Royal West of England Academician and was nominated for the 2016 Paul Hamlyn Award. She is a Jury member for the International competition, Short Film Festival Oberhausen, 2018 and has exhibited nationally and internationally including FACT Liverpool 2018, Kassel Dokfest, Bratislava International Film Festival and Oberhausen International Film Festival 2017 & 2015, Sarajevo Film Festival 2015, Border Visions, Connecticut, USA 2012 and The Istanbul Biennial 2009. She has contributed to several publications and her writing on practice-led research has been included in US and British publications. Katie is Senior Lecturer in Media & Cultural Production at The University of The West of England.

Inspiré du nom donné par la Texaco à un petit village d’Amazonie, Sour Lake explore les confluences, rencontres et déplacements géographiques, sociaux et imaginaires qui se sont noués depuis le XVIe siècle entre la forêt équatorienne et les Andes colombiennes.

Andrés Dávila est un réalisateur colombien. Il a obtenu en 2013 un master en cinéma et études audiovisuelles à l’Université Sorbonne Nouvelle. Il vit actuellement en Equateur.

Starring a cast of 100 people, Olho da Rua (Out Loud) is divided into eight acts and presents performance propositions in front of the camera as exercises of the gaze. Simple actions are presented, such as looking and admiring oneself in front of a mirror, improvising an assembly and saying messages to the camera, representing a collective party making the public square a great stage, or facing the camera lens that it's the eye of the beholder, whether on the streets or on the movie screen when it's ready. Made in two days at Praça do Hipódromo, in Recife, the film is made up of a cast of homeless people, linked to public shelters and non-governmental initiatives to support the vulnerable population.

Jonathas de Andrade was born in Maceió, Brazil, in 1982, and studied communications at the Universidade Federal de Pernambuco, Recife. He works with installation, photography, and video to explore constructs of love and the process of urbanization, with particular emphasis on Brazil’s vibrant but often ignored northeast region. De Andrade’s series Love and Happiness in Marriage (Amor e Felicidade no Casamento, 2007) juxtaposes photographic portraits of a young couple with pages from a 1960s psychiatric textbook on love and marriage. What appear to be vintage shots are actually new images of contemporary actors, their treatment and combination framing the popular ideals of romance and family as bourgeois fictions. In 2 in 1 (2 em 1, 2010), diagrams and photographs of carpenters illustrate the process of converting two single beds into a double and also seem to offer functional instruction on how to “make” a couple. Tropical Hangover (Ressaca Tropical, 2009) also employs found material, in this case a salvaged diary that forms the basis for an installation in which a book’s pages are illustrated with original, vintage, and found photographs, offering a reflection on memory, modernity, and urban space. Since 2007, many of de Andrade’s ideas have been developed in collaboration with A Casa como Convém (The House as It Should Be), an artists’ collective that he founded with Cristiano Lenhardt and others in Recife. The group, which focuses on issues around tropical modern architecture, offers a valuable counterpoint to the dominant cultural axis of São Paulo and Rio de Janeiro. One example of the influence of collectivity and local community on de Andrade’s work is The Uprising (O Levante, 2012), for which the artist organized a horse-drawn cart race in the center of Recife. Also inspired by the town is De Andrade’s mural Nostalgia, a Class Sentiment (Nostalgia, Sentimiento de Classe, 2012). This work, constructed from 340 primary-colored geometric fiberglass tiles displayed in a segmented composition, reproduces a tiled panel in a Recife tropical modern house, and is shown opposite a vinyl text that quotes manifestos about modern life composed by two Brazilian architects of the 1960s and ’70s. Some of the tiles interrupt these texts, the suggestion of loss offering pointed comment on the failure of Brazil’s modernist project. De Andrade has had solo exhibitions at Instituto Cultural Itaú, São Paulo (2008); Instituto Cultural Banco Real, Recife (2009); Centro Cultural São Paulo (2010); Kunsthalle Lissabon, Lisbon (2013); and Musée d’art Contemporain de Montréal (2013). He participated in the group exhibitions When Attitudes Became Form Become Attitudes, CCA Wattis Institute for Contemporary Art, San Francisco; and Salvajes: Digesting Europe Piece by Piece, Traneudstillingen Exhibition Space, Copenhagen (both 2012); and EXPO 1: Rio, Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro; Love and Hate to Lygia Clark, Zach?ta National Gallery, Warsaw; HIWAR, Conversations in Amman, Darat al Funun, Amman, Jordan; My Third Land, Frankendael Foundation, Amsterdam; Imagine Brazil, Astrup Fearnley Museet, Oslo; La Bienal 2013: Here is where we jump, El Museo del Barrio, New York; and Moving: Norman Foster on Art, Carré d’Art, Musée d’Art Contemporain, Nîmes (all 2013). He participated in the Mercosul Biennial, Porto Alegre, Brazil (2009); São Paulo Biennial (2010); Sharjah Biennial, United Arab Emirates (2011); Istanbul Biennial (2011); New Museum Triennial: The Ungovernables, New York (2012); and Lyon Biennial (2013). De Andrade lives and works in Recife.

A passing meteorite connects a roaming young woman, a burned-out factory worker and an unemployed young man during a long winter night. A portrait of the night and the people in it.

Yentl De Baets is a Ghent based director and cinematographer. He graduated at the film department of the KASK School of Arts in 2021 with his short experimental fiction film 'Burning Clouds'.

Série d`impromptus en cours d`élaboration, en collaboration avec le Bonhomme Daniel. Quelques trucs et astuces pour mieux supporter la solitude et l`ennui.

Antonin De Bemels naît en 1975 à Bruxelles. Il est diplômé de l?ERG (Ecole de Recherche Graphique) en 1997. Son travail vidéographique est principalement axé sur la représentation du corps en mouvement et sur la relation dynamique entre images et sons. Il a réalisé à ce jour une quinzaine de courts-métrages expérimentaux, montrés dans de nombreux festivals internationaux, principalement en Europe mais aussi aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud (Pérou, Uruguay, Brésil), en Asie (Taiwan, Chine, Corée du Sud) et en Australie. Il développe également son univers visuel à travers des performances audiovisuelles ("veejaying") en Belgique et à l`étranger (Serbie, Pays-Bas, Suisse, Espagne?) et des installations vidéo (participation à des expositions collectives en Belgique, en France, aux Pays-Bas et au Québec). Parallèlement à son travail de création personnel, il collabore régulièrement à des spectacles de danse contemporaine en tant que vidéaste et créateur sonore.

D`un essaim de points lumineux agités de mouvements apparemment désordonnés apparaît la silhouette imprécise d`un corps humain. On ne voit que la tête, les bras, le torse, et les traits du visage ne semblent jamais devoir se fixer. Ce corps partiel effectue une séquence de gestes simples répétés en boucle. Progressivement, le visage prend de plus en plus de place dans l`image, jusqu`à l`envahir complètement. Là, les traits se désorganisent encore plus, des ombres se creusent dans les replis de la peau, les détails s`isolent les uns les autres pour ne plus ressembler qu`à des taches de lumière instables, corpuscules corporels désincarnés?

Né en 1975 à Bruxelles. Diplômé de l?ERG (Ecole de Recherche Graphique) en 1997. Son travail vidéographique est principalement axé sur la représentation du corps en mouvement et sur la relation dynamique entre images et sons. Il a réalisé à ce jour une douzaine de courts-métrages expérimentaux, montrés dans de nombreux festivals internationaux, principalement en Europe mais aussi aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud (Pérou, Uruguay, Brésil), en Asie (Taiwan, Chine, Corée du Sud) et en Australie. Parallèlement à son travail de création personnel, il collabore régulièrement à des spectacles de danse contemporaine en tant que vidéaste mais aussi comme créateur sonore. Il prépare actuellement un court-métrage de fiction qui devrait voir le jour fin 2005.

Série d`impromptus en cours d`élaboration, en collaboration avec le Bonhomme Daniel. Quelques trucs et astuces pour mieux supporter la solitude et l`ennui.

Antonin De Bemels naît en 1975 à Bruxelles. Il est diplômé de l?ERG (Ecole de Recherche Graphique) en 1997. Son travail vidéographique est principalement axé sur la représentation du corps en mouvement et sur la relation dynamique entre images et sons. Il a réalisé à ce jour une quinzaine de courts-métrages expérimentaux, montrés dans de nombreux festivals internationaux, principalement en Europe mais aussi aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud (Pérou, Uruguay, Brésil), en Asie (Taiwan, Chine, Corée du Sud) et en Australie. Il développe également son univers visuel à travers des performances audiovisuelles ("veejaying") en Belgique et à l`étranger (Serbie, Pays-Bas, Suisse, Espagne?) et des installations vidéo (participation à des expositions collectives en Belgique, en France, aux Pays-Bas et au Québec). Parallèlement à son travail de création personnel, il collabore régulièrement à des spectacles de danse contemporaine en tant que vidéaste et créateur sonore.

D`un essaim de points lumineux agités de mouvements apparemment désordonnés apparaît la silhouette imprécise d`un corps humain. On ne voit que la tête, les bras, le torse, et les traits du visage ne semblent jamais devoir se fixer. Ce corps partiel effectue une séquence de gestes simples répétés en boucle. Progressivement, le visage prend de plus en plus de place dans l`image, jusqu`à l`envahir complètement. Là, les traits se désorganisent encore plus, des ombres se creusent dans les replis de la peau, les détails s`isolent les uns les autres pour ne plus ressembler qu`à des taches de lumière instables, corpuscules corporels désincarnés?

Né en 1975 à Bruxelles. Diplômé de l?ERG (Ecole de Recherche Graphique) en 1997. Son travail vidéographique est principalement axé sur la représentation du corps en mouvement et sur la relation dynamique entre images et sons. Il a réalisé à ce jour une douzaine de courts-métrages expérimentaux, montrés dans de nombreux festivals internationaux, principalement en Europe mais aussi aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud (Pérou, Uruguay, Brésil), en Asie (Taiwan, Chine, Corée du Sud) et en Australie. Parallèlement à son travail de création personnel, il collabore régulièrement à des spectacles de danse contemporaine en tant que vidéaste mais aussi comme créateur sonore. Il prépare actuellement un court-métrage de fiction qui devrait voir le jour fin 2005.

Un homme avance, accompagné d?un rythme incessant et fascinant, on le voit de profile sur un fond noir. Ses jambes et ses bras ne sont pas dans le champ, comme si la caméra parvenait aussi à pénétrer ses motivations intérieures, chaque mouvement est fragmenté, répété et multiplié. Chaque pensée, chaque souvenir, chaque hésitation qu?il a à propos du fait qu?il soit en train de marcher et chaque impulsion qu?il a envers le fait qu?il soit en train de marcher est intégré à sa foulée. Cela devrait le rendre fou mais il semble être inconscient de toute cette excitation. Lorsque la caméra zoom lentement sur son visage, on peut voir ses lèvres bouger mais les mots s?évaporent et ne laissent plus que des moitiés de syllabes qui ne veulent plus rien dire une fois répétées et multipliées. La marche continue ainsi que les tapotements et les tic tac de la bande son, et presque imperceptiblement on se rend compte qu?il n?a en fait effectué qu?un quart de tour.

Antonin de Bemels est né en 1975 à Bruxelles et a étudié dans la section Communication Visuelle et Narration de la ERG (Ecole de Recherche Graphique). Son travail a été exposé dans le monde entier et a reçu différents prix. Il collabore fréquemment avec des musiciens et beaucoup de ses travaux peuvent être classé dans une catégorie qu?il appelle ?clip musicaux non commerciaux?. Du point de vue de la forme, le travail de de Bemels repose énormément sur différentes techniques de montage qui vont de la manipulation directe de film super 8 au ?scrubbing?, une technique numérique qui peut être décrite comme l?équivalent vidéo du scratch. De Bemels effectue le montage d?images de corps ou de parties du corps, d?objets trouvés et de différents décors naturels ou architecturaux et la façon dont ils sont éclairés fait souvent penser à des tableaux de Caravage. Les images sont montées selon des schémas rythmiques et accélérés dont la vitesse est synchronisée avec la bande son. Cette technique aliène les objets et les actions du quotidien en les entravant et en les rendant abstraits, ce qui met en lumières le processus de la perception sensorielle à travers laquelle le sujet incarné découvre le monde matériel.

Trois personnages, trois corps, trois trajectoires: Piéton marche dans la ville, Pensée se disperse, Pantin sort tout doucement de son immobilité? Comment trouver sa place dans la réalité qui nous entoure? Certains s`y fraient un chemin, d`autres se mélangent à elle, d`autres encore trouvent un moyen de s`en échapper? Le mouvement est la clé de tout.

Antonin De Bemels est né en 1975 à Bruxelles. Diplômé de l?ERG (Ecole de Recherche Graphique) en 1997. Son travail vidéographique est principalement axé sur la représentation du corps en mouvement et sur la relation dynamique entre images et sons. Il a réalisé à ce jour une quinzaine de courts-métrages expérimentaux, montrés dans de nombreux festivals internationaux, principalement en Europe mais aussi aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud (Pérou, Uruguay, Brésil), en Asie (Taiwan, Chine, Corée du Sud) et en Australie. Parallèlement à son travail de création personnel, il collabore régulièrement à des spectacles de danse contemporaine en tant que vidéaste mais aussi comme créateur sonore.

Le film de Manon de Boer "Presto, Perfect Sound" montre le compositeur et violoniste George van Dam, jouant la sonate de Béla Bartok "Presto". De Boer a filmé et enregistré George van Dam jouant six fois le morceau en entier. Dans le but d'accomplir la parfaite bande-son, elle a donné à George van Dam les six enregistrements et lui a demandé de reconstruire le morceau de Bartok pour en faire un objet sonore parfait. Ensuite, de Boer a synchronisé l'image filmée avec cette bande-son. Ainsi, les sauts d'image coïncident avec les pauses dans la musique. En permettant à la séquence audio de dicter l'image à l'écran, de Boer inverse la prédominance traditionnelle de l'image sur le son au cinéma. Le film est une méditation sur la relation entre son et image. Il offre une réflexion intense sur un moment de concentration créative. Enregistré au Studio 4 de Flagey à Bruxelles le 13 août 2006, commandé par LUX et Frieze Projects, avec l'aide de Arts Council England et du programme Culture 2000 de l'Union Européenne. Frieze Projects en association avec Cartier.

Manon de Boer (Inde) vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Elle réalise des films, des vidéos, des installations, des publications et enseigne à KASK. Elle fait partie de la plate-forme de production-distribution Auguste Orts. Le travail de Manon de Boer tourne autour du portrait et de la mémoire. L'image et le récit biographique sont souvent séparés pour questionner la nature du portait, pour celui qui est dépeint comme pour le spectateur. Parmi ses récentes expositions: "Don Quijote?, Witte de With, Rotterdam, (2006), ?Documentary Creations?, Kunstmuseum, Lucerne (2005) et ?Nederland niet Nederland?, Van Abbemuseum, Eindhoven (2004). Son film "Sylvia Kristel" (2003) a été montré au festival international du film de Rotterdam et a reçu le prix Georges de Beauregard à Marseille en 2004. "Resonating Surface" (2005) a obtenu le prix Marseille Espérance au Festival International du Documentaire à Marseille (2006) et le prix du meilleur film expérimental au festival Curtas Metragens Vila do Conde, au Portugal. Ce film est actuellement montré à la biennale de Venise.

Des hurlements de mort ouvrent "Resonating Surfaces" sur un écran blanc et écorché. C'est sur ce support d'images où aucune image n'est visible que les deux voix féminines (extrait de l'opéra d'Alban Berg "Lulu et Wozzeck") produisent une vibration corporelle, une vibration pure qui exprime la vie et qui est succédée par le silence et un écran noir. L'obscurité laisse peu à peu la place à des images de Sao Paulo, glissements à la surface de la ville fuyante, accompagnant les corps en rythme et les portraits de quelques individus. En même temps, se font entendre une voix chantante, des paroles et des souvenirs, de sorte que le son possède son propre espace mental, qui ne dérive jamais de celui occupé par l'image. La voix d'un individu commence à raconter une histoire et devient autant langage que texte, tandis que, dans un rythme à contretemps, l'image glisse vers le portrait de cet individu. Alors que grandit la gloire personnelle de Suely Rolnik, la voix vient au premier plan et l'image disparaît dans des prises sombres de cette femme et des prises lumineuses de Paris. Ces sous-expositions et sur-expositions permettent de donner plus d'espace à cette voix, à sa présence physique et aux images qu'elle évoque. "Resonating Surfaces" est un triple portrait, celui d'une ville, d'une femme et d'une attitude par rapport à la vie. Car l'histoire personnelle de Rolnik, psychanalyste brésilienne vivant à Sao Paulo, implique la dictature brésilienne des années 60 ainsi que le climat intellectuel parisien entourant Deleuze et Guattari dans les années 70. Le film entremêle différents thèmes: l'autre et la relation à l'altérité, la connexion entre corps et pouvoir, la voix et, enfin, les micropolitiques du désir et de la résistance.

Manon de Boer (Inde) vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Elle réalise des films, des vidéos, des installations, des publications et enseigne à KASK. Elle fait partie de la plate-forme de production-distribution Auguste Orts. Le travail de Manon de Boer tourne autour du portrait et de la mémoire. L'image et le récit biographique sont souvent séparés pour questionner la nature du portait, pour celui qui est dépeint comme pour le spectateur. Parmi ses récentes expositions: "Don Quijote?, Witte de With, Rotterdam, (2006), ?Documentary Creations?, Kunstmuseum, Lucerne (2005) et ?Nederland niet Nederland?, Van Abbemuseum, Eindhoven (2004). Son film "Sylvia Kristel" (2003) a été montré au festival international du film de Rotterdam et a reçu le prix Georges de Beauregard à Marseille en 2004. "Resonating Surface" (2005) a obtenu le prix Marseille Espérance au Festival International du Documentaire à Marseille (2006) et le prix du meilleur film expérimental au festival Curtas Metragens Vila do Conde, au Portugal. Ce film est actuellement montré à la biennale de Venise.

Le film de Manon de Boer "Presto, Perfect Sound" montre le compositeur et violoniste George van Dam, jouant la sonate de Béla Bartok "Presto". De Boer a filmé et enregistré George van Dam jouant six fois le morceau en entier. Dans le but d'accomplir la parfaite bande-son, elle a donné à George van Dam les six enregistrements et lui a demandé de reconstruire le morceau de Bartok pour en faire un objet sonore parfait. Ensuite, de Boer a synchronisé l'image filmée avec cette bande-son. Ainsi, les sauts d'image coïncident avec les pauses dans la musique. En permettant à la séquence audio de dicter l'image à l'écran, de Boer inverse la prédominance traditionnelle de l'image sur le son au cinéma. Le film est une méditation sur la relation entre son et image. Il offre une réflexion intense sur un moment de concentration créative. Enregistré au Studio 4 de Flagey à Bruxelles le 13 août 2006, commandé par LUX et Frieze Projects, avec l'aide de Arts Council England et du programme Culture 2000 de l'Union Européenne. Frieze Projects en association avec Cartier.

Manon de Boer (Inde) vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Elle réalise des films, des vidéos, des installations, des publications et enseigne à KASK. Elle fait partie de la plate-forme de production-distribution Auguste Orts. Le travail de Manon de Boer tourne autour du portrait et de la mémoire. L'image et le récit biographique sont souvent séparés pour questionner la nature du portait, pour celui qui est dépeint comme pour le spectateur. Parmi ses récentes expositions: "Don Quijote?, Witte de With, Rotterdam, (2006), ?Documentary Creations?, Kunstmuseum, Lucerne (2005) et ?Nederland niet Nederland?, Van Abbemuseum, Eindhoven (2004). Son film "Sylvia Kristel" (2003) a été montré au festival international du film de Rotterdam et a reçu le prix Georges de Beauregard à Marseille en 2004. "Resonating Surface" (2005) a obtenu le prix Marseille Espérance au Festival International du Documentaire à Marseille (2006) et le prix du meilleur film expérimental au festival Curtas Metragens Vila do Conde, au Portugal. Ce film est actuellement montré à la biennale de Venise.

Des hurlements de mort ouvrent "Resonating Surfaces" sur un écran blanc et écorché. C'est sur ce support d'images où aucune image n'est visible que les deux voix féminines (extrait de l'opéra d'Alban Berg "Lulu et Wozzeck") produisent une vibration corporelle, une vibration pure qui exprime la vie et qui est succédée par le silence et un écran noir. L'obscurité laisse peu à peu la place à des images de Sao Paulo, glissements à la surface de la ville fuyante, accompagnant les corps en rythme et les portraits de quelques individus. En même temps, se font entendre une voix chantante, des paroles et des souvenirs, de sorte que le son possède son propre espace mental, qui ne dérive jamais de celui occupé par l'image. La voix d'un individu commence à raconter une histoire et devient autant langage que texte, tandis que, dans un rythme à contretemps, l'image glisse vers le portrait de cet individu. Alors que grandit la gloire personnelle de Suely Rolnik, la voix vient au premier plan et l'image disparaît dans des prises sombres de cette femme et des prises lumineuses de Paris. Ces sous-expositions et sur-expositions permettent de donner plus d'espace à cette voix, à sa présence physique et aux images qu'elle évoque. "Resonating Surfaces" est un triple portrait, celui d'une ville, d'une femme et d'une attitude par rapport à la vie. Car l'histoire personnelle de Rolnik, psychanalyste brésilienne vivant à Sao Paulo, implique la dictature brésilienne des années 60 ainsi que le climat intellectuel parisien entourant Deleuze et Guattari dans les années 70. Le film entremêle différents thèmes: l'autre et la relation à l'altérité, la connexion entre corps et pouvoir, la voix et, enfin, les micropolitiques du désir et de la résistance.

Manon de Boer (Inde) vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Elle réalise des films, des vidéos, des installations, des publications et enseigne à KASK. Elle fait partie de la plate-forme de production-distribution Auguste Orts. Le travail de Manon de Boer tourne autour du portrait et de la mémoire. L'image et le récit biographique sont souvent séparés pour questionner la nature du portait, pour celui qui est dépeint comme pour le spectateur. Parmi ses récentes expositions: "Don Quijote?, Witte de With, Rotterdam, (2006), ?Documentary Creations?, Kunstmuseum, Lucerne (2005) et ?Nederland niet Nederland?, Van Abbemuseum, Eindhoven (2004). Son film "Sylvia Kristel" (2003) a été montré au festival international du film de Rotterdam et a reçu le prix Georges de Beauregard à Marseille en 2004. "Resonating Surface" (2005) a obtenu le prix Marseille Espérance au Festival International du Documentaire à Marseille (2006) et le prix du meilleur film expérimental au festival Curtas Metragens Vila do Conde, au Portugal. Ce film est actuellement montré à la biennale de Venise.

China at Work is an observational video portraying Chinese factory workers. Filmed in the periphery of Shanghai it shows detail of individuality within the Chinese wirtschaftswunder. Quote: ?By doing the same thing the whole day one can only daydream.? The distorted but hopeful soundtrack consist and refers to classical Chinese music. There is no desire to make a strong statement or point out an opinion with this short film. It is more so an attempt to briefly put on a stage the individual within the masses. In a philosophical way it weavers around desire.

Jan de Bruin ( Delft, 1977) graduated in 2002 from the film department at the Dutch art-school St. Joost in Breda. After his graduation he devoted himself to making personal short documentary videos. In 2003 through 2005 with the support of the Dutch Foundation for Visual Arts he committed himself to the ?In America? project. Via this documentary project the artist tried to find a truth behind the (cinematographic) clichés of the USA. These clichés established themselves in his youth via media culture that did not have their origin in Europe. The short video Calling 911 (6:21min.) made in 2004 is one of the results of the above-described project. Shot in Los Angeles in November of 2003 it tells the story of a rescue operation of eventual mythical proportions. An example of the idea that ? reality ? does not exist but is a constant continuation of narrative. Nowadays de Bruin travels mostly around Europe with camera to film the unseen theatre of reality. To point out the unavoidable narrative. Via these short films de Bruin creates a psychological mirror on everyday life. Usually he records people in urban situations, engaged in interaction with each other. Hereby exploring the boundaries between film and art, as well as reality and fiction but since these are clichés; making foremost an effort to show us ourselves. This may be even a revolt against post-modernism.

Calling 911 : ce film tourné à Los Angeles parle de l´Organisation secrète de Resque, aux États-Unis. Il illustre l´idée que la réalité n´existe pas aux États-Unis, mais qu´elle n´est qu´une narration contée en continu.

Jan de Bruin (Delft, 1977) est diplômé de l´école d´art St. Joost de Breda (2002, Pays Bas). Après son diplôme il se consacre à de courts documentaires personnels. De 2003 à 2005 il se plonge dans le projet "The America", avec le soutien de la Fondation hollandaise pour les Arts Visuels. Actuellement il voyage dans toute l´Europe avec sa caméra pour filmer le théâtre jamais vu de la réalité. Il a tourné ses dernières oeuvres, Waiting for Felipe (7min), à Milan, Italie, en septembre 2005,et No Fire (7min), à Hambourg, Allemagne, en juin 2006.

Au milieu du bruit de la circulation, une jeune femme est debout dans un coin, c?est encore une petite fille et elle n?a ni manteau ni sac. Son visage et la manière dont elle se tient laissent panser qu?elle est triste et abattue, ce qui la fait paraître encore plus renfermé sur elle-même. Une nouvelle réalité s?est approchée de trop près ; la réalité de la rue est maintenant à années lumières d?elle. L?homme qui lui parle, dont on pense d?abord qu?il est là pour la secourir, est en fait la raison pour laquelle elle est dans une situation difficile. De petits gestes, de plus grands gestes ? à l?exception de quelques mots, on ne peut pas les comprendre, mais il est clair qu?il se disputent, et pas seulement : c?est la fin (?vas-y, appelle le 911). Elle n?a qu?à composer trois chiffres. Une oscillation soudaine de la caméra qui nous permet de voir une plus grande partie de la rue, et le son de la musique qui commence donnent a l?incident une nouvelle dimension : un événement enregistré devient une tragédie. Que s?est-il passé ? Qui était cet homme ? A qui est-elle en train de parler ? Que dit-elle entre ses sanglots violents et ses profondes inspirations pour tenter de reprendre son souffle ? Lorsque la police arrive, elle continue de parler parce que la voix au téléphone lui paraît plus proche de celui qui l?a laissé là toute seule que deux hommes habillés en bleu ; on dirait qu?elle les remarque à peine. Entre temps, les pompiers sont également arrivés, suivis d?une ambulance. Une équipe entière de sauveteurs se rassemble autour d?elle. Finalement, elle entre dans l?ambulance de son plein grès, en titubant. Un plan, une prise unique contient toute une histoire, résume un long-métrage en entier.

Jan de Bruin est né en 1977 à Delft, aux Pays Bas et il vit et travail à Rotterdam. De 1996 à 2002, il a étudié au département audiovisuel de l?Académie des Beaux-arts St. Joost à Breda. En ce qui concerne ses films, c?est lui qui a les idées, il en est le réalisateur, le cameraman et le monteur. ?Calling 911? a été montré lors de nombreux festivals européens aux Pays Bas, en Italie, en Belgique, en Allemagne, e Suisse et en France. Depuis 1999, il travail sur plusieurs autres courts-métrages, comme par exemple un film composé d?images trouvées appelé ?Lost Angels? en 2000 ou ?No Fire?, un documentaire en un plan qui date de 2006.

La manière dont on traverse, une fois seulement, l?espace d?une piscine publique nous rappelle la vie, de la naissance à la mort.

João Viana est né en 1966 en Angola. Il a obtenu un diplôme de droit à l?université de Coimbra et a étudié le cinéma à Oporto. Il a travaillé dans les domaines de la réalisation, de la production et a également écrit des scénarios. Il a travaillé avec de Oliveira, Rocha, César Monteiro, Seixas Santos et Biett. Iana est née en 1971 en Allemagne. Elle a été directement influencée par Antonio Reis et a étudié à l?école de cinéma de Lisbon où elle a obtenu un diplôme e cinématographie. Elle a travaillé avec Serra, de Almeida, Lancelin et Filac.

Une des pops stars les plus importantes revient sur le devant de la scène pour porter un toast à quelques uns des hommes politiques les plus important de notre époque.

José Maças de Carvalho est né en 1960 à Anadia au Portugal. Il a obtenu un diplôme en littérature à l?université de Coimbra Depuis le début des années 90, il travaille sur la photographie et il a commencé à travailler sur la vidéo en 2000. Il a fait des expositions au Portugal, à Macao, en France, en Espagne, en Hollande, en Slovaquie, au Brésil et dans d?autres pays. Il a également organisé plusieurs expositions.

In the Summer of 2020, at the height of the Black Lives Matter protests in her country, Helga Davis wrote a text that voices her pain, her despair and also her hopes for the future. After collaborating on Helga Humming (2019) and One (2020), the text became the starting point for a new film and a first work co-signed by Helga Davis and Anouk De Clercq. OK scrutinises the relations between Black and White while searching for the essence of collaboration and caring about the other.

Anouk De Clercq explores the potential of audiovisual language to create possible worlds. Her recent work is based on the utopian idea of ‘radical empathy’. Her work has been shown in Tate Modern, Centre Pompidou, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, MAXXI, Centre d’Art Contemporain Genève, BOZAR, International Film Festival Rotterdam, Berlinale, Ars Electronica, among others. She has received several awards, including the Illy Prize at Art Brussels in 2005 and a Prix Ars Electronica Honorary Mention in 2014. Anouk De Clercq is affiliated to the School of Arts University College Ghent as a visiting professor. She is a founding member of Auguste Orts and initiator of Monokino. Anouk De Clercq is the author of Where is Cinema, published by Archive Books. Helga Davis is a New York-based multidisciplinary artist who works as an actress, singer, writer and composer, as well as a radio and podcast host. Helga Davis performed as a principle actor in the 25th-anniversary international revival of Robert Wilson and Philip Glass's opera Einstein on the Beach. Davis' music career has included a stint in the rock band Women in Love, in the 1990s. More recently, Davis has starred in operas and theater pieces internationally, including Robert Wilson's The Temptation of St. Anthony, libretto and score by Bernice Johnson Reagon; Octavia E. Butler's Parable Of The Sower, Milton by Katie Pearl and Lisa Damour; The Blue Planet, a multimedia theater piece, by Peter Greenaway and Saskia Boddeke; and Soho Rep's Jomama Jones, Radiate. Davis hosts the "Helga" podcast, live events for New Sounds and WQXR-FM's Q2 Music.

An architect talks about the city he has built. Gradually we realise that the city is imaginary. His account is an attempt to give his ideas a fixed shape. This, in a nutshell, is the story of Thing. Screened at a very large scale, Thing, is an architectural universe that ceaselessly reveals its own virtuality for it exists only as a nebula of points wherein the camera, or actually, the point of view, wanders. Indeed, the technology used in Thing does not allow talking about a camera since it is made of 3D scans of urban spaces. Instead, we could talk about a point of view, a gaze, or even a body (that wanders). Thereby, a tension is generated between the mechanical register of space and its embodied perception. A tension or overlap between two sensing interfaces: the scanner and the body, without any need to determine whether there is a desire to reproduce the mode of sensing of the latter through the technology of the former. Unlike other works in which the animation is for the artist an occasion to create spaces without memory (precisely because animation does not capture anything), in Thing, the virtual universe does have a memory; the scanner does capture. The same memory that a body has or that is required in the learning of perception. Calling it Thing is a resistance to provide connotation beyond the signalling of a paradoxical –for it is virtual– materiality. Notwithstanding the nuances between authors and periods, the word "thing" in philosophical and psychoanalytic traditions has often been used to refer to the inaccessible, a stronghold of inexplicable emptiness on which meaning is built. Thing, is a film that is built from a text that progressively describes, creates, or builds a space. The dot and the word become thereby, parallel compositional elements. (Anna Manubens)

Anouk De Clercq studied piano in Ghent and film at the Sint Lukas Brussels University College of Art and Design. Her works explore the audiovisual potential of computer language to create possible worlds, many of which have a strongly architectonic character. She has received several awards, including the Illy Prize at Art Brussels in 2005 and a Prix Ars Electronica Honorary Mention in 2014. Her work has been shown in Tate Modern, Centre Pompidou, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, MAXXI, Centre d’Art Contemporain Genève, International Film Festival Rotterdam, Ars Electronica, among others. Anouk De Clercq is affiliated to the School of Arts University College Ghent as an artistic researcher.

Ce court métrage évoque le Gesamthof / A lesbian garden, un projet art-nature situé à Anvers, entre les murs d’un ancien monastère. Dans ce document audiovisuel inscrit dans le temps, nous suivons une visite guidée menée par Eline De Clercq, la force motrice du jardin. Celui-ci sert de point d’entrée pour aborder des thèmes variés : le colonialisme dans la botanique, l’ambiguïté des noms, les attentes sociales pesant sur les femmes et la quête d’une identité lesbienne. Ce jardin s’inspire des écrits d’écoféministes et d’autres autrices telles que Donna Haraway, Robin Wall Kimmerer, Jamaica Kincaid, Virginia Woolf et bien d’autres. La collaboration entre les deux artistes, Anne et Eline, a débuté au Gesamthof, où elles se sont rencontrées pour la première fois, et se poursuit aujourd’hui dans divers jardins.

Anne Reijniers (1992, Belgique) est une cinéaste basée à Anvers. Sa pratique collaborative interroge l’histoire coloniale, l’occupation de l’espace public et l’éthique du « faire ensemble ». Anne est titulaire d’un Master en arts audiovisuels de la LUCA School of Arts à Bruxelles et du KASK à Gand. Ses films réalisés en collaboration au sein du Collectif Faire-Part ont été présentés dans de nombreux festivals et expositions, en Belgique et à l’international. Avec le film Faire-part, elle a remporté plusieurs prix, notamment au Festival international du documentaire de Montréal, au Congo International Film Festival et au Brussels Art Film Festival. Eline De Clercq (1979, Belgique) vit et travaille à Anvers, où son atelier jouxte le jardin du monastère dans lequel elle a pris soin du Gesamthof de 2019 à 2025. Formée à la peinture, elle étend sa pratique à d’autres médiums tels que le jardinage, le film, l’écriture ou la céramique. Elle aime collaborer avec d’autres artistes et organise souvent des événements communautaires, comme le Homesick Tea Gathering. Plusieurs de ses projets abordent des thématiques antiracistes et anti-misogynes, avec une attention particulière aux réalités intersectionnelles. Depuis 2022, elle travaille comme chercheuse artistique à la Royal Academy of Fine Arts Antwerp.

Benevolence is a film art installation in the form of a flicker film. The subject is the depiction of relationships between men and women in film. The work analyses and reveals the various forms of sexism, particularly benevolent sexism. The movement of the film unfolds like a love scene: starting with a seemingly innocent chase, it progresses into violence and ultimately culminates in an overwhelming display of love and submission. The film constructs a choreography using the mise-en-scène typical of classic Hollywood films from the 40s and 50s. Shots are divided into segments of 7 frames and interwoven with one another, creating a choreography of movement, a dance. By doing this, the film reveals the conventions in the ways men and women interact with each other in physical space. In doing so, the film not only questions the normative framework of that time but also challenges the cinematic conventions of today, as many of them are still in use.

Karel De Cock, born in 1982, works and lives in Brussels. He studied Audiovisual Arts at the Sint-Lukas Institute. In his film and photography work, he often reflects on the weight of social conformity. His practice is heavily grounded in research, drawing from popular culture, film, and media history. His photography takes a sociological approach, incorporating an observational element in an urban context. His central goal is to bring visibility to the unseen, emphasizing the extraordinary within the ordinary rather than seeking out exceptions. His work has been featured internationally in several exhibitions and museums, including, House Of World Cultures, Transmediale, Berlin; European Media Arts Festival, Osnabrueck; Centre Pompidou, Rencontres Internationales, France; Europalia Arts Festival, Belgium; Beirut Art Center, Lebanon; Museum M, Belgium and Courtisane, Belgium.

?Accepting The Image? portrays the way New York City women, their dreams and their lifestyles are represented in the media and in reality. The film questions this dual relationship between both worlds by sketching the portraits of Alynn, Lindsey and Holly, three young women who recently moved to the city. Filled with certain dreams and expectations, they each tell us what New York means to them and what their motivations were to go live there. As it appears, their incentives seem to blend with the image of the city as it is depicted in their favourite movies and television series. Some of the girls try to live up to the fiction, while others have already been confronted with a somewhat different reality. An observing camera sketches a feminine image of the streets of New York. The girls` story provides a direct comment to this and offers a critical perspective on the way young women in general identify with this and their idols representing it. ?Accepting The Image? questions the adoration of certain media and its consequences.

Karel De Cock °1982: Lives in Brussels and studied Audiovisual arts at the Sint-Lukas Institute in Brussels. In 2008 he received his Bachelor degree with his film ?Resonance? (2008). The film has been selected by various festivals e.g. Rencontres Internationales (FR), Transmediale 09 festival (DE) and Migrating Forms (New York Underground Film Festival). In 2009 he was selected for an exchange program with Beijing where he shot ?A Beijing Tale?, which was shown at Europalia China and The Beijing Student Film Festival. He graduated in the master department in 2010 with the film ?Accepting The Image? for which he spend 3 and a half months in New York City. His films are character based and situate themselves in the search and recovery of identity and relations. He has a background in the traditional fiction genre but since Resonance he finds himself crossing the borders of both fiction and documentary. He finished his studies as a bachelor in the fiction department with guidance from Patrice Toye and graduated in the master department of documentary with guidance from Herman Asselberghs & Rob Rombout

Unheard Silence is a meditation on the role of women in the western genre. I came to realize that I related this subject matter to an image of The Searchers that was imprinted on my memory. So I decided to use this image hoping it would trigger a similar memory and communicate this subject to others as well. We stand together with a woman. Waiting and staring into the empty desert. Not knowing if the men will return or not.

Karel De Cock °1982: Lives in Brussels and studies Audiovisual arts at the Sint-Lukas Hogeschool in Brussels. In 2008 he received his Bachelor diploma with his film Resonance (2008). The film has been selected by various festivals e.g. Rencontres Internationales (FR), Transmediale 09 festival (DE) and Migrating Forms (New York Underground Film Festival). His films are character based and situate themselves in the search and recover of identity and relations. He has a background in the traditional fiction genre but since Resonance he finds himself crossing the borders of both fiction and documentary. Right now he finishes his studies in the master department of documentary with guidance from Herman Asselberghs, Rob Rombout and Ronnie Ramirez

Il y a John, un homme d'affaires de la Louisiane, François le banquier de Londres, et Antoine un trader suisse. Ensemble, ils réfléchissent sur leur carrière, sur les choix qu?ils ont fait et sur ceux qu?ils n?ont pas faits. Les choix qui ont fait leur succès, et fait d?eux ce qu?ils sont aujourd?hui. Alors que nous commençons à les connaître un peu, nous commençons également à connaître quelqu'un d'autre. Quelqu'un qui a peut-être été moins chanceux dans sa carrière. Ou peut-être voyons-nous le vrai visage de la réussite.

Karel De Cock est un cinéaste qui vit et étudie à Bruxelles (Belgique). À l?origine, il a une formation en conception graphique, mais il a très vite développé un intérêt pour le cinéma. Le fondement de ses films se trouve toujours dans la psyché des personnages. Pour chaque nouveau film, le défi principal est de trouver une nouvelle façon de faire passer la narration, et d?inventer un moyen de combiner de façon harmonieuse le contenu et la forme. Grâce à sa formation graphique, il combine les conventions de communication à travers les images fixes, avec celles du film traditionnel. De cette façon, il élargit les conventions cinématographiques traditionnelles et explore de nouveaux moyens de communication.