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Robbrecht Desmet
Catalogue : 2022Het open oog | Documentaire | hdv | couleur | 69:0 | Belgique | 2021
Robbrecht Desmet
Het open oog
Documentaire | hdv | couleur | 69:0 | Belgique | 2021
Behind the concrete walls of a former cardboard factory in Brussels, scenographer Jozef Wouters presented the stage performance Underneath Which Rivers Flow in March 2019. Filmmaker Robbrecht Desmet closely followed the creation process of this most anticipated piece of theatre of the Brussels live arts scene. The performance was a collaboration with open art house Globe Aroma and was created with a diverse group of non-professional performer-participants from all corners of the world. It was programmed by Kaaitheater, one of the leading Brussels theatres, Kaaitheater, and premiered during the renowned performance festival Performatik. In May 2019 it was staged again during the international Kunstenfestivaldesarts. The play received a five star review in the Flemish newspaper De Standaard as well as a critical reading in the magazine for culture and criticism Rekto:Verso. The massive warehouse, covering more than a thousand square meters, was to be demolished soon after the group had moved. The very surface that served as its stage is now a public park, welcoming passers-by, young globetrotters, soccer players, dreamers, dealers, thieves, tourists and strollers alike. With a small crew of film professionals and film students, Robbrecht Desmet captured both rehearsals and performances, gradually focussing on the moment of public presentation of the piece rather than on its genesis. Only months later he started to shape his observations into a calm meditation on being a spectator, streetwise institutionalism and the cosmic desire for making art. The film, taking its title (The open eye) from the name ascribed to the wooden grandstand created for the piece, attentively navigates between participation and observation, inside and outside, politics and aesthetics, the public and the private.
Robbrecht Desmet (°1985) lives in Brussels. He studied film and fine arts at Sint Lukas Brussels. His work has been shown at filmfestivals such as BFI London Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Rencontres Internationales, Courtisane Festival, Kurzfilm Festival Hamburg, Brussels Art Film Festival, and in screenings and exhibitions Beyond The Picturesque (S.M.A.K. & Artcinema OFFoff), Documented Now! (de Brakke Grond, Amsterdam), An Evening with Auguste Orts (Beursschouwburg, Brussels). He teaches Film Studies at the film department of the LUCA School of Arts in Brussels. He is currently finishing a PhD in the arts, The World is Really There.
Catalogue : 2015Am Egelsberg | Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 26:0 | Belgique | 2014
Robbrecht Desmet
Am Egelsberg
Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 26:0 | Belgique | 2014
Am Egelsberg is shot in Krefeld, a town in the Ruhr area in Germany. In the rolling landscape around this former industrial city, Robbrecht & Daem architects realized a striking pavilion, a temporary objet d’architecture based on a design for a golf course clubhouse by Mies van der Rohe, dating from 1930, which was never built. The film plays with the idea that the model leads the gaze towards the landscape but by doing so actually looks back at itself. The huge frames, windows without glass, ‘pull’ the landscape ‘inside’. But our gaze is also thrown back ‘inside’, via the textures and drawings in the wooden plates. These plates remind one of the original marble stone plates that Mies had in mind. The walls become screens as ‘masks’, as André Bazin wrote, ‘whose function is no less to hide reality than it is to reveal it’. The spaces in the film, through the device of the model, become extensions of cinematic space, (far) beyond the boundaries of the image. The 360° degree panorama that is at the heart of the film, showing the landscape without the model, unites ‘before’ and ‘after’ in the present. This film tries to be an imaginative, geo-temporal map of the intimate relationship between cinema and architecture.
Robbrecht Desmet (°1985) is a filmmaker. He studied Cinema and Fine Arts at the Sint Lukas College of Art & Design in Brussels. His films are portraits of landscapes, places and spaces that are in one way or another a substantial part of the memory of a specific artwork. His filmmaking is dedicated to a documentation of the life and afterlife of these artworks, their meaning and their history. His work was presented in screenings and exhibitions as Beyond The Picturesque (S.M.A.K. & Artcinema OFFoff), Documented Now! (de Brakke Grond, Amsterdam), Splav Meduze (Centre for Contemporary Art Celje) and filmfestivals like International Filmfestival Hamburg, Festival for Experimental Film in New York, ISELP Festival du Film sur l’Art Brussels and Courtisane Festival, International Film Festival Rotterdam and BFI London Film Festival. He has participated in residency programs such as Capacete Int. in Rio de Janeiro and Sao Paolo (Br), SIC SoundImageCulture workspace and FLACC workspace for visual artists (Genk, Belgium). He is a lecturer Film Studies at LUCA School of Arts in Brussels. Desmet is currently working on a new film under the working title Close Up in collaboration with Brussels based production platform Auguste Orts.
Gabriel Desplanque
Catalogue : 2007Messieurs, | Fiction expérimentale | super8 | couleur | 5:0 | France | 2005
Gabriel Desplanque
Messieurs,
Fiction expérimentale | super8 | couleur | 5:0 | France | 2005
Cette vidéo est une suite de lents panoramiques sur un groupe d`hommes moustachus, la quarantaine, endimanchés dans un lieu historique. Derrière eux des socles vides comme s'ils venaient d'en descendre, ils sont en arc de cercle et fixent la caméra quand elle s`approche d'eux. Au début anodines, les actions qu`ils effectuent deviennent de plus en plus significatives et étranges, usant de lieux communs de symboles psychanalitiques et rythmées par un instrument pour enfant qui bat la mesure, sorte de métronome qui s`emballe. La cadence de la vidéo s'étire entre le défilement du panoramique très lent et le rythme effréné du jouet pour enfant qui crée une sorte d`urgence contrainte. Les accessoires qu'ils utilisent, les déguisements, les rapprochements qui s'opèrent entre les différents protagonistes créent autant de situations qui mettent en danger leur propre matérialité devant la caméra car les acteurs ne semblent pas jouir d'une grande autonomie et sont relégués au rang du pantin exécutant des actions absurdes qui les dépassent. Leurs mouvements forment une chorégraphie du jeu, du désir et de l'étrangeté qui ne peut prendre fin qu'avec la rupture du panoramique, seule garantie de l'équilibre précaire de cette danse.
Né en 1981 à Aix en Provence. Obtient une Licence de Lettres modernes en 2001, DNAP aux Beaux Arts de Toulouse en 2004, DNAP aux Beaux Arts de Paris en 2006, diplômé des Arts décoratifs de Paris section Photographie en 2006. Intéret particulier pour la photographie et la danse contemporaine. Exposition d?un travail photographique au Festival de Langon les ?i magiques?, organisé par Gabriel Bauret, festival de photographie contemporaine, en Septembre 2006. Exposition à la Maison Rouge à l?occasion des diplômes des Arts Décoratifs en Juin 2006. Assistant de l?artiste Catherine Gfeller depuis Mars 2006. Publication d'un article critique dans le Journal des Laboratoires d'Aubervilliers en Décembre 2005. Décor vivant pour le spectacle de Jennifer Lacey et Nadia Lauro mhmmmm au Centre Georges Pompidou en Octobre 2005. Lauréat du concours Voix off du festival d?Arles. Projection de photos du 5 au 10 Juillet 2005. Lauréat du concours Leica "inter-écoles" en Mai 2005. Exposition à Londres en Novembre 2005 Formation aux Laboratoires d?Aubervilliers avec Loïc Touzé et Jan Peters du 22 Août au 2 Septembre 2005.
Juan Desteract
Catalogue : 2023Souviens-toi | Vidéo expérimentale | mov | noir et blanc | 1:31 | France, Argentine | 2022
Juan Desteract
Souviens-toi
Vidéo expérimentale | mov | noir et blanc | 1:31 | France, Argentine | 2022
La persistance d’une image fatidique et le besoin de s'y accrocher impliquent le dédoublement d’un souvenir. Ce dernier se trouve ainsi suspendu entre les multiples versions d’un même évènement, entre les représentations d’un passé et un présent déjà vécu, entre figuration et abstraction, entre mouvement et immobilité, entre film et photographie. Des impressions intrusives d'autres vies se superposent au souvenir, nous exposant ainsi à une réalité surveillée où nous nous demandons qui voit et que voir.
Juan Desteract est né à Saint-Germain-en-Laye (France) en 1997. Il vit actuellement à Buenos Aires, en Argentine. Il a étudié le design graphique à l’Université de Buenos Aires. Il a poursuivi sa formation en photographie et arts visuels au cours de divers séminaires, ateliers et résidences artistiques à Buenos Aires. Parallèlement, il s'est formé en écriture, composition musicale puis en improvisation musicale. A partir de 2021, il participe à des expositions collectives dans des espaces artistiques et des musées d'art contemporain en Argentine, au Chili, Uruguay, Espagne et en France. Son travail associe des disciplines diverses telles que la post-photographie, l'audiovisuel expérimental, le design graphique et l'improvisation musicale, en se focalisant sur certains traits distinctifs du cinéma structurel et du réemploi d’archives. Depuis 2020, Juan travaille dans le domaine du design graphique en tant que Professeur à l’Université de Buenos Aires et en tant que graphiste au Musée d'art moderne de Buenos Aires.
Alexis Destoop
Catalogue : 2021Northern Drift | Doc. expérimental | 4k | couleur | 56:30 | Belgique | 2020
Alexis Destoop
Northern Drift
Doc. expérimental | 4k | couleur | 56:30 | Belgique | 2020
"Northern Drift" se déroule dans la région sauvage, peu peuplée mais habitée, de la frontière entre la Norvège et la Russie, dans le Grand Nord de l’Europe, où vit le peuple autochtone Sami. La région est devenue un site de développement industriel à la fin du XIXe siècle. Il s'agit non seulement d'une région dont le paysage porte encore les traces visibles des conflits du siècle dernier, mais aussi d'une région clé dans l'expansion actuelle vers le Nord, alimentée par l’hypothèse que les changements climatiques feront du Nord un véritable gisement économique inexploité. Fruit d'une recherche de longue durée menée dans l'ombre des protocoles et restrictions entourant la frontière politique, "Northern Drift" prend la forme d'une enquête dont l'objet n'est jamais tout à fait révélé. Réalisé à partir d'expériences personnelles, de témoignages recueillis et d'histoires locales, "Northern Drift" présente un voyage à travers la zone frontalière litigieuse qui sépare la Norvège et la Russie. Ce film, qui explore la persistance des imaginaire frontaliers, est à la fois un carnet de voyage, un document anthropologique et une œuvre de science-fiction rétro-futuriste, mêlant les éléments caractéristiques de ces genres dans une géographie ré-imaginée et une exploration poétique de cette zone labyrinthique, où passé et futur se confondent.
Le travail d'Alexis Destoop explore le fonctionnement de l'image et de la narration, l'expérience du temps, ainsi que les processus d'identification et de mémoire. Sa pratique couvre le champ élargi de la photographie et du cinéma, et est influencée par son expérience dans les arts vivants, ainsi que par ses études en histoire de l'art et en philosophie. Faisant référence aux représentations classiques de l’être humain, ses premières œuvres se concentrent sur la durée et la performativité. Ces dernières années, sa pratique in situ s'est concentrée sur des environnements en transition, où se mêlent écueils écologiques, aspirations économiques, tensions géopolitiques et histoires coloniales. Plutôt que de traiter le paysage comme un objet naturel sublime, il l'aborde comme une construction entièrement humaine - avec ses strates de significations et d’histoires. Ceci explique sa décision de s'intéresser aux zones litigieuses, où les processus et les intérêts mondiaux et locaux se heurtent et s'entremêlent, et où il devient possible de repenser les notions de centre et de périphérie, de soi et de l’autre. Mêlant réalité et fiction, histoire et spéculation, Alexis Destoop propose une cartographie fragmentée et subjective des états transitoires qui constituent notre époque.
Irineu Destourelles
Catalogue : 2015New Words for Mindelo's Urban Creole | Vidéo | hdv | noir et blanc | 10:24 | Cap Vert (Îles du), Cap-Vert | 2014
Irineu Destourelles
New Words for Mindelo's Urban Creole
Vidéo | hdv | noir et blanc | 10:24 | Cap Vert (Îles du), Cap-Vert | 2014
A text-based video that displays neologisms derived from Greek mythology as well as the names of colonial administrators and military officers who are integral to Portuguese colonial history. These words created by Destourelles propose to encapsulate and reflect current ongoing social practices in the city of Mindelo in Cape Verde (a former Portuguese colony in West Africa), since the advent of democracy and globalization in 1990. `New Words for Mindelo`s Urban Creole` explores how established and emerging social practices propelled by globalization are ambivalently acknowledged, struggling to be written into the local creole language as word concepts.
Born in Cape Verde, Irineu Destourelles trained at the Willem de Kooning Academy, Rotterdam and at Central Saint Martins, London. Destourelles makes videos, paintings, photographs and text-based works from found and original material in an attempt to reveal the ambivalence within the montage of personal identity. In particular, his interest in the paradoxical nature of post-colonial and post-imperial identity constructions has drawn him to explore the perpetuation of dominant 19th century desires and fears in contemporary society. His works recirculate these desires and fears in their various guises, highlighting issues of self-loathing and the drive to objectify others by means of images and words. Irineu Destourelles lives and works in Edinburgh.
Lili Reynaud Dewar
Catalogue : 2017TGMFS | Doc. expérimental | 4k | couleur | 36:0 | France, USA | 2016
Lili Reynaud Dewar
TGMFS
Doc. expérimental | 4k | couleur | 36:0 | France, USA | 2016
Juchés sur un tabouret démesurément haut, des performeurs de stand-up comedy racontent des récits liés aux dents. À leurs pieds, imperturbable, une femme cyborg déclame le Manifeste Cyborg de Donna Haraway tandis qu’un musicien associe mélodies, noisemusic et sons issus de la préparation du projet conçu par Lili Reynaud Dewar. C’est la contre-culture américaine que l’artiste française convoque sur le plateau, et les luttes raciales, sociales et féministes s’entremêlent au fil des interventions des performeurs. Les images tournées à Memphis évoquent en creux la grève des éboueurs de 1968 (Sanitation Strike) et l’assassinat de Martin Luther King. Elles documentent aussi la conception des grillz pour les performeurs. Signe de revendication pour les rappeurs, incarnation de la résistance ou des inégalités sociales dans un pays au système de santé inique, les dents sont au cœur du projet et de l’espace scénographique. Les déchets qui emplissent les poubelles-dents racontent le processus collectif de maturation de la performance. Cette proposition joue des échelles et des formes en un va-et-vient entre les interventions performées, les images rapportées des États-Unis et les détails sculpturaux – jusqu’aux grillz arborés par les récitants. Lauréate du Prix Ricard pour l’art contemporain en 2013, Lili Reynaud Dewar développe une œuvre protéiforme reconnue sur la scène internationale. Son nouveau projet, DGMFS, s’inscrit dans le cadre du programme New Settings #6 de la Fondation d’entreprise Hermès qui en a soutenu la production et la diffusion au Théâtre Nanterre-Amandiers.
Le travail de Lili Reynaud-Dewar a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles entre autres au New Museum à New York, à l’Index Fondation for Contemporary Arts à Stockholm, au Consortium de Dijon, au 21er Raum — Belvedere à Vienne, à Outpost à Norwich, au Magasin — Centre National d’Art Contemporain de Grenoble, à la kunsthalle Basel, à la Fondation Calder à New York (performance), à la Serpentine Cinema à Londres (performance), au FRAC Champagne-Ardenne à Reims. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives au Centre Pompidou, à la Fondation d’entreprise Ricard, au Palais de Tokyo et au Plateau à Paris, au CAPC de Bordeaux, au CAFAM à Pékin, au Logan Center for the Arts à Chicago, à la Kunsthalle Fribourg, à la Generali Foundation et au MAK à Vienne, au Witte de With à Rotterdam, dans le cadre de la Biennale de Lyon 2013 et de la 5ème Biennale de Berlin. Lili Reynaud-Dewar est lauréate du 15ème prix Fondation d’entreprise Ricard.
Bertrand Dezoteux
Catalogue : 2023Endymion | Animation | hdv | couleur | 16:25 | France | 2021
Bertrand Dezoteux
Endymion
Animation | hdv | couleur | 16:25 | France | 2021
Endymion est un space opera intime et synthétique. On y rencontre, modélisés en 3D, Mamilou (ma grand-mère), Salvadam Dalire, un toréador à jambes d’asperges auquel un croissant tient lieu de cache-sexe (c’est mon père qui lui prête sa voix), plus un cochon qui se sent devenir « ?de plus en plus bête ?» (que j'interprète). Propulsés dans une sorte de Volvo P1800 interstellaire, ces trois-là devisent de questions métaphysiques et terre-à-terre, se renvoyant la balle avec un léger décalage. Assez vite, on comprend que cette conversation est un montage de propos enregistrés dans des cadres différents. Si le résultat paraît comique et absurde par ses inadéquations, il fonctionne aussi comme machine divinatoire : chaque phrase est comme une voie à explorer selon les préoccupations personnelles de la spectatrice ou du spectateur.
Bertrand Dezoteux (né en 1982) réalise des films d’animation où différentes histoires et généalogies technologiques se juxtaposent et s’entrechoquent, dans des paysages très variés : de territoires ruraux du Pays Basque à de possibles exoplanètes, peuplées de créatures de synthèse, humaines, animales ou hybrides. Son travail a été régulièrement présenté en France au Palais de Tokyo, Centre Pompidou et Fonds Régionaux d’art contemporain. À l’international, Bertrand Dezoteux a participé à Frieze Projects (Londres), Transmediale (Berlin), Artissima XYZ (Turin). En 2015, il est lauréat du prix Audi talents pour le projet En attendant Mars, mené en collaboration avec le Centre National d’Études Spatiales. En 2021, il est le commissaire invité de l’exposition inaugurale de la Fondation Pernod Ricard, pour laquelle il réunit 13 artistes de différentes générations et horizons. En 2022, il investit la HAB Galerie à Nantes avec l’exposition personnelle Mémoires d’un touriste, une vision acide des relations entre art et industrie des loisirs.
Arnaud Dezoteux
Catalogue : 2023Grandeur Nature | Doc. expérimental | 4k | couleur | 36:39 | France | 2022
Arnaud Dezoteux
Grandeur Nature
Doc. expérimental | 4k | couleur | 36:39 | France | 2022
Dans la vie de tous les jours, Clémence est chercheuse en philosophie. Mais pendant le jeu de rôle médiéval fantastique des Légendes d’Hyborée, elle incarne la chroniqueuse Nuria Delorme, venue des terres lointaines d’Aquilonie. Équipée d’un micro, devenu bâton de parole le temps du jeu, elle parcourt l'immensité des terres d’Hyborées à la rencontre des centaines d’autres personnages qui peuplent ce monde imaginaire. Elle les questionne sur ce qu'ils vivent ou ressentent, ce qu’ils comprennent d’une action souvent trop éclatée pour faire sens individuellement. La chroniqueuse s’y prendra à plusieurs reprises.
Arnaud Dezoteux (1987) vit et travaille à Paris. Il est diplômé en 2011 des Beaux-Arts de Paris et participe l’année suivante à l’exposition Géographies Nomades avec la vidéo “G-COACH”, qui mêle improvisation et coaching de séduction dans une ambiance de télé-réalité. Ses projets, qui ont tous en commun d’utiliser le studio d’incrustation sur fond vert comme le lieu d’une confrontation atypique avec les acteurs, ont été montrés à la Loop Art Fair de Barcelone, la Nuit Blanche Video de Londres, le Musée Làzaro Galdiano à Madrid, le Confort Moderne à Poitiers, la Fondation Lafayette et le Palais de Tokyo à Paris, la galerie 221A à Vancouver ou la galerie Forde à Genève. En 2016, il conçoit une exposition personnelle à la galerie Edouard Manet à Gennevilliers intitulée «Brise fraîche au-dessus des montagnes», consacrée à l’acteur Keanu Reeves. En 2017, il achève «Miroir de Haute-Valnia», une épopée à la frontière du documentaire et de la Fantasy, tournée dans plusieurs centres d’art et présentée pour la première fois au Centre Pompidou. En 2019, il part au Nouveau-Mexique et entame un projet de reenactment de la vie de Billy the Kid, si toutefois ce dernier était un adolescent au XXIème siècle Les films de Arnaud Dezoteux ont été projetés en 2019 au Cinéma Spoutnik de Genève, au Festival Côté Court, Ciné 104 de Pantin, au Drive-In Theater, Tinflats à Los Angeles, au Forum des Images pour la Nuit Blanche 2017 (en collaboration avec Treize) et Hors-Pistes Production au Centre Pompidou, ainsi que pour les 25 ans de D.C.A au Palais de Tokyo à Paris. Parmi ses dernières expositions personnelles figurent : 2018, Braquage Therapy, Forde, Genève / 2016, Sous le Soleil du Neubourg, Musée d’Art et d’Histoire d’Evreux, Evreux / 2016, L’oeil du Drone, Lycée Gilbert Martin, Le Neubourg / 2016, Brise fraîche au-dessus des montagnes, Galerie Edouard Manet, Gennevilliers / 2015, Vers le sous-bois des Aurores, Les Bains Douches, Alençon, Paris / 2013, Loop Art Fair, Hôtel Las Ramblas, Barcelone / 2012, LA TACTILIA , Galerie Bendana-Pinel, Paris.
Bertrand Dezoteux
Catalogue : 2018Picasso Land | Animation | hdv | couleur | 11:6 | France | 2015
Bertrand Dezoteux
Picasso Land
Animation | hdv | couleur | 11:6 | France | 2015
Ce projet a pour origine le célèbre ballet Parade (1917), dont les costumes et décors avaient été créés par Picasso, sur un texte de Cocteau, musique de Satie, et chorégraphie de Massine. En 1980, ce monument de l’avant-garde européenne est adapté à la télévision par Jean-Christophe Averty, réalisateur héritier du surréalisme, et pionnier de la technique d’incrustation (chroma key) en France. Picasso Land tente de perpétuer cet esprit d’avant garde en proposant un troisième opus, en 3D. Décors et personnages ont été modélisés à partir de peintures et sculptures de Picasso, formant un petit peuple hétéroclite et dansant. Pour mettre en action ces corps singuliers, leur donner vie, une chorégraphie a été créée en collaboration avec le danseur Yaïr Barelli. Il a développé un vocabulaire de gestes, de pas et d’attitudes qui furent numérisés puis injectés dans les personnages. Cette relecture de l’oeuvre de Picasso dévoile un “ Pays “, qui se construirait d’oeuvre en oeuvre, qui aurait ses propres moeurs, sa culture, son territoire.
Bertrand Dezoteux. Né en 1982, formé au Fresnoy Studio national des arts contemporains, il développe sa pratique autour de nouvelles formes audiovisuelles. À la frontière du documentaire, de la fiction et de la science-fiction, ses films s’inspirent des logiciels de modélisation 3D, pour créer des objets visuels hybrides. Il réalise ainsi “ Le Corso ” en 2008, “ L`Histoire de France en 3D ” en 2012, “ Animal Glisse ” en 2015, “ Picasso Land ” en 2016 ou encore "Super-règne" en 2017. Présenté en France et à l’étranger, le travail de B. Dezoteux interroge notre rapport aux autres, au travail ou au quotidien, notre imaginaire du futur et notre désir d’ailleurs. En 2015, il est lauréat du prix Audi talents awards pour le projet “ En attendant Mars ”, mené en collaboration avec l`Observatoire de l`espace du CNES (Centre national d`études spatiales). En 2017, l’artiste a été exposé au Palais de Tokyo (Paris) et à la Station (Nice), ses films ont été montrés au New York Film Festival et au Toronto International Film Festival. En mars 2018, il est programmé au théâtre des Amandiers (Nanterre) ; en avril, la galerie Édouard Manet (Gennevilliers) lui consacre une exposition personnelle.
Catalogue : 2009Le Corso | Animation | 0 | couleur | 14:0 | France | 2008
Bertrand Dezoteux
Le Corso
Animation | 0 | couleur | 14:0 | France | 2008
Au départ de ce projet, il y a l?envie de faire une vidéo rurale, sans anthropomorphisme, qui se placerait du point de vue d?un animal. Ce postulat est évidemment vain (les animaux ne font pas de vidéo, encore moins de 3D), et le film prend les allures d?un documentaire sur un troupeau d?animaux. La caméra semble être tenue par un amateur qui tant bien que mal, tente de suivre la course survoltée des créatures impassibles. Leur race est indistincte et les caractères sont empruntés à différentes espèces (bovidés, félins, insectes). Malgré tout, ces bêtes semblent obéir à toutes sortes de règles, de mimétismes et de rituels bien identifiables. Certains d?entre eux renvoient directement à une intelligence primitive (se mettre en cercle et tourner), voire à des évènements liés à un passé proche (la maladie de Creutzfeldt-Jakob).
Né le 22 février 1982 à Bayonne (64), Bertrand Dezoteux est un jeune artiste basque qui n?a cessé dès lors de s?éloigner de sa terre natale. Il s?exile à Angoulême pour étudier la narration graphique entre 2001 et 2003, puis migre en 2004 à Pusan, en Corée du Sud, où il apprend les exigences et la rigueur de la peinture Coréenne. Enfin, il achève sa scolarité à Strasbourg pour passer son DNSEP en juin 2006. En 2003, il participe à la création du collectif Caligrayk !, dont la vocation initiale était la conception et la production d?un magazine interactif, et dont les objectifs actuels restent opaques. En 2006, il collabore avec l?artiste Plamen Dejanoff, qui lui commande cinq collages et une vidéo pour son exposition au MuMok de Vienne. L?un des collages a mystérieusement disparu en septembre 2006, lors de l?exposition de l?artiste bulgare à la Chaufferie, galerie des arts décoratifs de Strasbourg. Aciennement étudiant au Fresnoy, Studio national des arts contemporains, il s?improvise anthropologue, et observe avec soin les m?urs de l?homo numéricus.
Catalogue : 2008Roubaix 3000 | Fiction | | couleur | 9:0 | France | 2007
Bertrand Dezoteux
Roubaix 3000
Fiction | | couleur | 9:0 | France | 2007
Roubaix 3000 est un film de famille d?anticipation politique. Je suis descendu dans le Sud avec un magnétophone pour enregistrer mes proches. J?ai récolté là-bas beaucoup de voix et dès mon retour dans le Nord, je les ai entendues des heures durant. J?ai tenté d?adopter une écoute flottante, et de sélectionner les éléments paraboliques, ceux qui semblaient au premier abord anodins, mais qui au final dessinaient une géopolitique familiale. Il apparaît alors une structure où les générations cohabitent et évoluent avec leurs préoccupations et leurs langages singuliers. Le montage fut mon outil d?écriture. J?élaborai un scénario par l?agencement des paroles, l?assemblage des phonèmes, le chevauchement des interjections. Il m?importe que les voix ne soient pas jouées, qu?elles soient spontanées, rythmées, que les dialogues ne soient pas écrits pour être interprétés. Il y a deux forces qui luttent dans ce système de conception : les voix d?un côté sont souveraines et indomptables, obéissant aux lois de leurs propriétaires. De l?autre côté, les acteurs, tous Roubaisiens et amateurs, tentent par le play-back de jouer leur partition, de donner corps à ces paroles qui ne sont pas les leurs. Ces deux expressions se rassemblent lors du tournage, à Roubaix, où l?architecture est riche en collages, en assemblages, en greffes, en citations antiques.
Né le 22 février 1982 à Bayonne (64), Bertrand Dezoteux est un jeune artiste basque qui n?a cessé dès lors de s?éloigner de sa terre natale. Il s?exile à Angoulême pour étudier la narration graphique entre 2001 et 2003, puis migre en 2004 à Pusan, en Corée du Sud, où il apprend les exigences et la rigueur de la peinture Coréenne. Enfin, il achève sa scolarité à Strasbourg pour passer son DNSEP en juin 2006. En ce moment étudiant au Fresnoy, il vit et travaille à Roubaix, où il a réalisé le projet « Roubaix 3000 » (www.roubaix3000.com).
Caroline Déodat
Catalogue : 2023Sous le ciel des fétiches | Doc. expérimental | 0 | couleur | 16:53 | France, Maurice (Île) | 2023
Caroline Déodat
Sous le ciel des fétiches
Doc. expérimental | 0 | couleur | 16:53 | France, Maurice (Île) | 2023
Sous le ciel des fétiches répond à la difficulté de montrer l’ubiquité des archives coloniales dans l’histoire du séga mauricien. Née pendant la colonisation et l’esclavage au sein de communautés de fugitif.ves, cette pratique de danse et de poésie chantée survit aujourd’hui principalement sur les scènes touristiques des hôtels. Travaillant la relation d’emprise avec le passé colonial, le film réinvestit les spectres d’un regard qui hante. Comment projeter – littéralement faire sortir de soi – le récit de nos agresseurs ?
Caroline Déodat est artiste et chercheure. Docteure en anthropologie de l'EHESS, elle a été formée à l'École des Beaux-Arts de Lyon dans le cadre du post-diplôme Art. Par le biais de films et d'installations, elle explore les dimensions spectrales de l'image en mouvement dans une circulation entre fiction et ethnographie. De ses obsessions pour les processus d'archivage et d'aliénation, l'histoire et les mythes de la violence, elle exhume des récits par la convocation de mémoires hantologiques, d'archives en différé et d'images orales. Son travail a été montré au Musée Reina Sofía à Madrid, dans les Résonances de la Biennale d'art contemporain de Lyon, à la Fondation Sandretto Re Rebaudengo à Turin, et prochainement au Salon de Montrouge, au Ji.hlava International Documentary Film Festival à Prague, au Magasin à Grenoble et à l'IFAN à Dakar.
Bertram Dhellemmes, Ines BIRKHAN
Catalogue : 2007Klang zur Stille zum Klang | Fiction expérimentale | dv | couleur | 64:0 | France, Autriche | 2005
Bertram Dhellemmes, Ines BIRKHAN
Klang zur Stille zum Klang
Fiction expérimentale | dv | couleur | 64:0 | France, Autriche | 2005
In "Klang zur Stille zum Klang" ? a composite storytelling video installation ? are superimposed the meeting of the she-Krampus (a legendary character from the Austrian Alps), the new inhabitants of the mountains, and the tribulations of Tchumuki, a rebel employee of the silence factory...
Choreographer, dancer, and writer, Ines Birkhan, and stage and video director, musician, and art critic Bertram Dhellemmes, have collaborated on several projects since 2002 and are currently co-directing the Berlin-based performance company Real Dance Super Sentai. Being both multimedia artists, their collaboration has led them to the field of multimedia, with a predilection for the exploration of alternative narrative, on stage or in videos. Amongst their recent works are: "den kreisrunden Todengwalzer tanzen", which so far consists of three forms of an on-going project; a video installation, a dance performance, and a book by Ines Bikhan - released in Peter Lang Verlag, March 2007.
Ra Di Martino
Catalogue : 2017Authentic News of Invisible Things | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 5:30 | Italie | 2014
Ra Di Martino
Authentic News of Invisible Things
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 5:30 | Italie | 2014
Authentic News of Invisible Things explores mechanisms of pretence and make-believe by focusing on military camouflage. Camouflage was first used at the end of the nineteenth century to help prevent armies from being detected by enemy forces. Colours and materials are used to conceal uniforms, vehicles and equipment and make them look like something else. Camouflage also extends to the construction of mock military equipment to confuse and deceive the enemy, generating a situation of alert. Examples of this include dummy tanks constructed using wooden structures or panels of chipboard, and then painted or decorated. Used already in the Second World War and to a lesser extent in WWI, these are still widespread: in the 1990s fibreglass models produced by an Italian company were successfully deployed in the Gulf War. Iveco Defence Vehicle (Iveco DV), part of the Fiat Group, headquartered in Bolzano, makes vehicles for military and civil defence purposes. The company receives orders directly from the Ministry of Defence to produce these vehicles and the production process and all related information is therefore covered by the Official Secrets Act. However once these vehicles are decommissioned they are no longer regarded as classified and can be used by the film industry, for marketing, entertainment and by private individuals. Indeed there are numerous collectors and theme parks in possession of working vehicles, also from foreign armies, that can be hired or tried out to get a taste of military life. It is therefore easy for the film industry to get hold of functioning, but unarmed vehicles, for use in battle scenes. The situation is therefore paradoxically subverted: real tanks enter the world of make-believe, while mock-ups are deployed in real-life conflict situations. Authentic News of Invisible Things sits on the dividing line between fact and fiction, with documentary-style scenes and a theatrical re-enactment. With the support of historic photographs and film footage from public and private collections, the video becomes a sort of short journey through the paradoxes of both history and contemporary life. One of the two key scenes of the video, which mingles performance art and cinema, has been shot in the historic city centre of Bolzano. A real-life, working tank drives through the city centre in broad daylight, with no prior warning to stage a paradox. Various cameramen hidden among the public filmed the action and people`s reactions. The other scene is a recreation of an archive photograph of a group of French civilians gathered around a wooden dummy tank made by the Germans and abandoned in Lille, the 20th of October 1918.
Rä di Martino (Rome, 1975) studied in London where she’s graduated with an MFA at the Slade School of Art and after spending a few years in New York she moved back to Italy. Her practice explores the passage of time, as well as the discrepancies that differentiate epic narratives from lived experiences. Her films have been shown at the Venice film Festival, Locarno film festival and Torino International Film Festivals amongst other and in Istitutions and museums such as: Moma-PS1, NY; Tate Modern, London; MCA Chicago; Museion, Bozen; Palazzo Grassi, Venice; Artists Space, New York. In 2014/15 she has participated to the Venice Film festival 2014, winning the SIAE award and Gillo Pontecorvo award, and a Nastro d’argento for best docufilm.
Catalogue : 2010August 2008 | Art vidéo | dv | couleur | 5:0 | Italie, USA | 2009
Ra Di Martino
August 2008
Art vidéo | dv | couleur | 5:0 | Italie, USA | 2009
Two actors create a sort of tableau-vivant; a frozen moment from what seems a movie from the 50`s. Suddenly they start singing the news (all from August 2008 headlines) in a minimalistic chorus.
Rä di Martino est née à Rome en 1975 ; elle vit à Londres depuis 1997 où elle a été soutenu un MFA à la Slade School of Art. En 2005, elle s?est installée à New York. Elle travaille avec le film et la vidéo et elle a participé à de nombreux festival internationaux de film. Depuis 2005, elle a beaucoup exposé. Ses expositions sont notamment : Media Art Festival Friesland 07 ; Dallas Video Festival 07 ; Unclassifiable @ Malmö Film Festival 07 ; Pesaro Film Festival 07 ; Trieste Film Festival 07 ; Kassel Documentary Film&Video Fest 08 ; Turin Gay&Lesbian Film Festival 08 ; Manifesta 7, 2008 ; ?Italics? au Palazzo Grassi et à la Quadriennale in Rome, Galleria Maze, Turin, PS1, NY; the Busan Biennale en Corée, the Turin Triennale T1, MACRO, Rome, Montevideo/Times; Based Arts, Amsterdam. Her films and videos have been shown in many festivals around the world including: KunstFilmBiennale, Cologne & Munich 09; Impakt Video Art Festival, Utrecht 09; EMAF, Osnabrueck European Video Art Festival, Allemagne 09. En 2009, elle aussi montré son travail dans des expositions solos à la Monitor Gallery, Rome; la CAV Foundation, le Coimbra Portugal, et à Vilnius for Artscape, Vilnius Cultural Capital of Europe, ainsi qu?à la Vartaj Gallery.
Catalogue : 2009The Red Shoes | Art vidéo | 16mm | couleur | 4:0 | Italie | 2007
Ra Di Martino
The Red Shoes
Art vidéo | 16mm | couleur | 4:0 | Italie | 2007
La vidéo rappelle une histoire et ressemble à quelque chose ? une vague de mémoire ou de rêve ? venant de quelque part. Le film semble faire partie d'un long-métrage, peut-être un que nous avons vu, mais dont on ne peut plus vraiment se souvenir le nom. Il peut être vu comme une séquence trouvée, une fausse séquence trouvée.
Rä di Martino est né à Rome en 1975. Elle a vécu à Londres à partir de 1997 où elle s?est diplômée avec un MFA (Master of Fine Arts) de la Slade School of Art et un BA du Chelsea College of Art. En 2005, elle s'installe à New York avec une bourse de Université de Columbia et de l?Institut Culturel Italien. Son travail se concentre sur le cinéma et la vidéo et elle a participé à de nombreux festivals de film internationaux. En Février, elle a fait l?objet d?une exposition individuelle à la Galleria Maze de Turin (Italie) et a participé à l'exposition « Senso Unico » au PS1 au début de l?année. Ses ?uvres ont également été exposées aux Biennale de Busan en Corée, Triennale T1 de Turin, MACRO de Rome (Italie), Artists Space de New York (USA), et Transmediale de Berlin (Allemagne), entre autres. Elle a obtenu des résidences auprès d?Art Omi en 2006, d?Artists in The Market Place (Bronx Museum) en 2007-2008, et de Fondazione Ratti en 2005.
Alessio Di Zio
Catalogue : 2013Fanteria Cavalleggeri | Doc. expérimental | | couleur | 24:0 | Italie | 2011
Alessio Di Zio
Fanteria Cavalleggeri
Doc. expérimental | | couleur | 24:0 | Italie | 2011
A documentary on the recreational circles that appeared in the interwar period in a provincial town. The film observes what happens and everything that surrounds a group made up entirely of senior citizens who are absolutely determined to enjoy themselves. The settings evoke memories of a past that may have never actually existed, with common and recurring aesthetics in which wartime images frequently play a part, and locations steeped in visual images that are perhaps slightly stereotyped.
Alessio Di Zio is graduated from high school. He produced "Far Away", "Casimiro's Tales", "The Park", "The Pleasure", "Infantry Cavalry", "Swinging Horsese", "Roberto Pellegrinaggio", "2.15". A group of portraits of people, landscapes and circumstances from his birthpalce. His short films have screend in many film festivals and exhibitions including l'Arcipelago Film Festival, Venice Film Festival, Minneapolis Film Festival, Circuito Off, Monfilmfest, Premio Marzocco and CinemAvvenire, receiving several awards. Working with musical band Micro b, he made the videoclip "Euforica", which was the winner at the Sottodiciotto (under eighteen) Film Festival in Turin.
Francisco Dias
Catalogue : 2023Litoral | Fiction | 4k | couleur | 13:9 | Portugal | 2023
Francisco Dias
Litoral
Fiction | 4k | couleur | 13:9 | Portugal | 2023
One winter night, the sea threatens once again the tower block where two neighbours live. The next day, their children come to prompt them to leave everything behind.
Francisco Dias was born in 1999 in Porto, Portugal. In 2019, he lived and studied in Norway. In 2020, he completed the Bachelor's in Sound and Image and in 2023 the Master's in Cinema at Universidade Católica Portuguesa, having obtained scholarships for both courses. Rooted in his culture and personal experiences, his films focus on coming of age, human relationships and landscape. "I Don't Like 5 PM", winner of the Take One! competition at Curtas Vila do Conde International Film Festival, and "Coast" stand out in his filmography.
Miguel Dias, --
Ruben Diaz, Cristina Dominguez
Sebastian Diaz Morales
Catalogue : 2006The man with the bag | Fiction | dv | couleur | 39:10 | Argentine | 2004
Sebastian Diaz Morales
The man with the bag
Fiction | dv | couleur | 39:10 | Argentine | 2004
"A man is running like crazy through the desolate landscape of Patagonia. Chased by the wind and unseen assailants he keeps losing things from his luggage. The spectator finds himself somewhere between the man and his assailants, sharing his anxiety and paranoia. Is the spectator the persecutor or is he, like the man, being chased himself? And what?s with the peculiar ?split screen? that makes the ?vanishing point? manifest itself so quite literally? "
"Sebastian Diaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and now lives and works between Amsterdam and Buenos Aires. He attended the Universidad del Cine de Antin in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001, and did a residency at La Fresnoy in Roubain, France from 2003-2004. He has had solo exhibitions in the USA, Mexico, and numerous cities in Europe, and his work has been supported by a number of grants and awards. Diaz Morales uses a number of different formal strategies to create his videos, ranging from the digital manipulation of appropriated news clips to lengthy, film-like narrative works made from footage filmed by filmself. Diaz Morales explores the relationship between large-scale socio-political power dynamics and individual action in works which create a sense of uneasiness for the viewer. His films are often somewhat surreal, establishing a tension between a depicted social reality and its representation in a visually abstract or fantasy-inflected way. Throughout his works, multiple forms of dependence are explored, including dependent relationships between people, the environment, and social structures."
Sebastian Diaz Morales
Catalogue : 2016Suspension | Vidéo | hdv | couleur | 12:0 | Argentine, Pays-Bas | 2015
Sebastian Diaz Morales
Suspension
Vidéo | hdv | couleur | 12:0 | Argentine, Pays-Bas | 2015
The mind was dreaming. The world was its dream. Jorge Luis Borges It is in the nature of men to be absorbed by the future as if magnetized by timeless gravity, falling deeper and deeper into their own humanity. And if in Walter Benjamin’s angelus novus we picture his gaze of horror, shaken and frightened by what he sees as he gazes upon the past, the man in his fall evinces unperturbed passivity towards the future. As in a dream state, through that suspended fall the man’s mind is a container holding past, present and future in a single consciousness. It is in this construction, as in a dream, in his mind, where man envisions and shapes the world. Out there, there may be no more than void, and the fall may be eternal. Perhaps this is the reason why we recurrently dream about falling. Perhaps falling isn’t a dream at all—perhaps falling is what’s real.
Sebastian Diaz Morales was born in the Patagonian region of Argentina, in 1975 and studied both in Argentina at the Universidad del cine de Antín and at the Rijksakademie in Amsterdam. Morales’s video work blurs fiction and documentary genres and has been screened extensively at film festivals as well as in a gallery context. With its spliced footage and stills and jumbled observations, his work follows the tradition of Latin-American narrative film. Morales plays with the structure of narrative within his work, typically documenting and constructing journeys that explore social and political concerns. His work has been exhibited widely at many prominent venues—such as the Tate Modern, London; Centre Pompidou; Stedelijk Museum and De Appel, Amsterdam; Art in General, New York City; Ludwin Museum, Budapest; Bienale Sao Pablo; Biennale of Sydney; Miro Foundation, Barcelona; MUDAM, Luxemburg; and the Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon—and is the permanent collections of the Centre Pompidou; Tate Modern; Fundacion Jumex, Mexico; Sandretto Foundation, Torino; Sammlung-Goetz, Munich; and the Fundacion de Arte Moderna, Museo Berardo, Lisbon. In 2009 he was awarded with a Guggenheim Fellowship.
Sebastian Diaz Morales
Catalogue : 2020Talk with Dust | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 16:0 | Argentine | 2019
Sebastian Diaz Morales
Talk with Dust
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 16:0 | Argentine | 2019
The serie Talk with Dust is composed of 8 video works and explores the idea of the fantastic or extraordinary. This fantastic is not the one that interrupts the ordinary course of things but rather that which is at once strange and present, at the same time its contradiction and its confirmation. The protagonist of a last sequence is a dog. Wandering through a semi deserted landscape, it encounters different situations that leads him to question what he sees, understands or knows. The sequence never completes a narrative. It is also fragmented into parts, which seem disconnected from a story. Therefore the script also pictures only fragments of what could be the entire movie or narrative.
Sebastian Diaz Morales (Comodoro Rivadavia, Argentina, 1975) studied both in Argentina and at the Rijksakademie in Amsterdam. Morales’s video work blurs fiction and documentary genres and has been screened extensively at in museum, gallery and festival context and his work has been supported by a number of grants and awards including the Guggenheim Fellowship in 2009. With its spliced footage and stills and jumbled observations, his work follows the tradition of Latin-American narrative film. Morales plays with the structure of narrative within his work, typically documenting and constructing journeys that explore social and political concerns.
Catalogue : 2019Multiverse | Vidéo | hdv | couleur | 10:0 | Argentine, Pays-Bas | 2018
Sebastian Diaz Morales
Multiverse
Vidéo | hdv | couleur | 10:0 | Argentine, Pays-Bas | 2018
1-channel video / 2k format / 10min / 2018 Soundscore Berend Dubbe & Gwendolyn Thomas / Photography Niels Boon / Special effects Arjan van Drunen / Production Bart van Dam Produced with financial support of the Mondriaan Fonds The multiverse (or metaverse) is a hypothetical group of multiple universes including the universe in which humans live. Together, these universes comprise everything that exists: the entirety of space, time, matter, energy, the physical laws and the constants that describe them. The different universes within the multiverse are called the "parallel universes", "other universes", or "alternative universes". #3 Multiverse is part of a series of videos which are ultimately sequences of a whole. Both a concept and a blurred narrative. The latter is not explicitly delineated in the course of the series but it is intuited. The sequences generate, rather than a narrative, a concept. All these sequences are thought to be shown on separate screens. In large and small shapes, vertically and horizontally they spread into one or various spaces in different combinations resembling an aleatory puzzle which ultimately takes a more clear and narrative shape in one last sequence/installation. The serie Talk with Dust is composed of 8 video works and explores the idea of the fantastic or extraordinary. This fantastic is not the one that interrupts the ordinary course of things but rather that which is at once strange and present, at the same time its contradiction and its confirmation. For something to be fantastic, it is not enough to be different from the real: also (and above all) it is necessary to mix inexplicably with the real thing. In more philosophical terms we can say that the fantastic is not the other of the same but its alteration: not the contradiction of the real, but its subversion. That is why the cinematic condition of the fantastic, which on the other hand can serve as an exact definition, is not at all in the production of real or supernatural beings, but in the fact that they affect what is recognized as real and natural through a contagion of the other who comes to seize the same in person. The feat made by the fantastic cinema does not consist only in this visible manifestation of the real as another. These are duplicated, in fact, and apparently paradoxically, by the work of an invocation of the Real as such, considered in its effective and singular existence; and in a way that is in itself quite strange. 1 The effects on this and the rest of the works had been recreated entirely on stage without the use of postproduction editing. 1 Clement Rosset, El Objeto Singular, Editorial Sexto Piso, 2007
Sebastián DÃaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and lives and works in Amsterdam. He attended the Universidad del Cine de AntÃn in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001, and Le Fresnoy Studio des Arts Contemporains in Roubaix, France from 2003-2004. His work has been exhibited widely, including solo shows and presentations at Venice Biennale; Tate Modern, London; Center Pompidou, Paris; Miro Fundation, Barcelona; Stedelijk Museum Bureau Amsterdam; CAC, Vilnius; Le Fresnoy, Roubaix, France; Museum für Gegenwartskunst Siegen, Germany and group shows at De Appel, Amsterdam; Art in General, NY; Ludwin Museum Budapest, Bienale Sao Pablo; Biennale of Sydney; MUDAM, Luxemburg; Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon. His work is represented in numerous collections, including Center Pompidou, Paris; Tate modern, London; Fundacion Jumex, Mexico; Sandretto Foundation, Torino; Sammlung-Goetz, Munich; Fundacion de Arte Moderna, Museo Berardo, Lisboa; Kadist Foundation, San Francisco. He was a recipient of the Guggenheim Fellowship in 2009
Catalogue : 2018Pasajes IV | Vidéo | mov | couleur | 25:0 | Argentine | 2017
Sebastian Diaz Morales
Pasajes IV
Vidéo | mov | couleur | 25:0 | Argentine | 2017
In Pasajes IV the idea follows the same narrative, concept and structure as in the other videos from the series. In the previous three Pasajes video works a formula repeats on different backdrops: a character unites places through gateways, doors, stairs and roads which are otherwise spatially disconnected from each other. This is the geography of a story expressed in an alteration of normalcy. In this formulation of Pasajes IV, the video explores the landscape of Patagonia. Crisscrossing this territory in search for differences within the landscape, a character as a guide, unites different territories disconnected in their geography, as essential pieces of a puzzle to understand this region’s present topography and history.
Sebastián Díaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and now lives and works in Amsterdam, The Netherlands. He attended the Universidad del Cine de Antin in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001 and Le Fresnoy Studio des arts contemporains in Roubaix, France from 2003-2004. He has had solo exhibitions in the USA, Mexico, and numerous cities in Europe, and his work has been supported by a number of grants and awards. Díaz Morales uses a number of different formal strategies to create his videos, ranging from the digital manipulation of appropriated news clips to lengthy, film-like narrative works made from footage filmed by himself. Díaz Morales explores the relationship between large-scale socio-political power dynamics and individual action in works which create a sense of uneasiness for the viewer. His films are often somewhat surreal, establishing a tension between a depicted social reality and its representation in a visually abstract or fantasy-inflected way. Throughout his works, multiple forms of dependence are explored, including dependent relationships between people, the environment, and social structures.
Catalogue : 2017The Lost Object | Vidéo | hdv | couleur | 13:29 | Argentine, Pays-Bas | 2016
Sebastian Diaz Morales
The Lost Object
Vidéo | hdv | couleur | 13:29 | Argentine, Pays-Bas | 2016
The Lost Object is the final video in a trilogy that examines the complex mechanisms of how we perceive the constructed nature of reality?and how this construction is performed, both in the realm our imagination and the one of film. As curator Cuauhtémoc Medina notes in a recent monograph dedicated to Diaz Morale’s work, the artist approaches film as a “factory of simulacra” a conceptual thread that carries throughout his trilogy, which began with Insight (2012) and was followed by Suspension (2014). A slow, steady shot travels into the set of The Lost Object, accompanied by the din of a whirring film reel that seems to methodically introduce the viewer into a world of artifice: a soundstage containing the set of a curiously dated, yet nonetheless anonymous room. The scenario slowly begins to unravel, disarticulating both the language and apparatus of filmmaking. Following Jean Baudrillard?s notion that the world has disappeared behind its own representation and therefore its impossible to return to it, The Lost Object proposes a new world in which fiction and reality merge into one single element. In this universe, fiction is autonomous and auto-generates itself.
Sebastiàn Díaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and lives and works in Amsterdam. He attended the Universidad del Cine de Antón in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001, and Le Fresnoy Studio des Arts Contemporains in Roubaix, France from 2003-2004. His work has been exhibited widely, including solo shows and presentations at Tate Modern, London; Center Pompidou, Paris; Miro Fundation, Barcelona; Stedelijk Museum Bureau Amsterdam; CAC, Vilnius; Le Fresnoy, Roubaix, France; Museum für Gegenwartskunst Siegen, Germany and group shows at De Appel, Amsterdam; Art in General, NY; Ludwin Museum Budapest, Bienale Sao Pablo; Biennale of Sydney; MUDAM, Luxemburg; Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon. His work is represented in numerous collections, including Center Pompidou, Paris; Tate modern, London; Fundacion Jumex, Mexico; Sandretto Foundation, Torino; Sammlung-Goetz, Munich; Fundacion de Arte Moderna, Museo Berardo, Lisboa; Kadist Foundation, San Francisco. He was a recipient of the Guggenheim Fellowship in 2009
Sebastian Diaz Morales
Catalogue : 2015Insight | Vidéo | hdv | couleur | 11:31 | Argentine | 2012
Sebastian Diaz Morales
Insight
Vidéo | hdv | couleur | 11:31 | Argentine | 2012
Insight is the total abstraction. A carefully assembled film-crew appears like a tableau vivant facing the viewer. Then suddenly, they shatter- an analogy of breaking through the surface to expose the simulation - a mirror slowly explodes into a thousand pieces. Filmed in beautifully rendered high definition Insight is a tribute to the camera obscuras of old mingled with a critical spirit directed towards the mass media today. Regarded as a phenomenon brought about by a world lacking distinction between real and simulacra, Diaz Morales borrows media industry tactics to expose and undermine. Revealing rather than concealing his methods allows for a moment of realisation to occur. As the pieces of glass crumble into tiny galaxies, context is deconstructed and the universalising tendency of Diaz Morales' practise literally portrayed. With timeless grace the artist contemplates the nature of existence. (text Nathalie Levi) We look at a film crew; the film crew is watching us. Cinema as a mirror of reality that becomes fiction. Or is it vice versa? A world with a mirror image, one that can be accessed by crossing the mirror’s surface. Indeed, within the realm of fiction, mirrors provide characters and readers alike with a gateway to a different world. Interaction with that new environment, be it purely fantastic or disturbingly didactic, pushes one to expand one’s horizons and reconsider the concept of a real world.
Teresa Maria Diaz Nerio
Catalogue : 2008Hommage à Sara Bartman | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 5:0 | Dominicaine (Rép.), Pays-Bas | 2007
Teresa Maria Diaz Nerio
Hommage à Sara Bartman
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 5:0 | Dominicaine (Rép.), Pays-Bas | 2007
Sara Bartman, plus connue sous le nom de Venus Hottentot, était une femme sud-africaine Khoisan qui fut ramenée en Angleterre pour être exhibé en 1810. Ses génitales et son derrière étaient bien au delà de la compréhension que les européens avaient d'un corps humain à cette époque, compréhension basée seulement sur leurs corps. Elle fut considérée comme un animal et exposée comme un objet. Après sa mort, ses génitales et son cerveau, tout comme un model de cire de son corps et son squelette furent exposés dans un musée Parisien. Cette performance est le résultat d'une investigation sur les corps de noirs dans le spectacle et comment le fait d'être noir était un acte en soi. Le fait de porter son corps comme une peau était une manière de me déguiser mais aussi de devenir moi à travers l'autre. La raison pour laquelle Sara Bartman est devenu cette icône pour le peuple africain en Afrique et dans la diaspora mais aussi pour le peuple européen, est une réaction contre le viol scientifique et voyeuriste mais aussi légitime et documenté de son corps. La verticalité des sculptures et monuments qui glorifient les actes héroïque de l'homme n?est maintenant que le simple corps d'une femme africaine, silencieuse, droit, éveillé.
Née à Santo Domingo, République Dominicaine, le 9 Avril 1982, vivant à Amsterdam et faisant un Master en Fine Arts à la Dutch Art Institute à Enschede, Hollande. Je finis mes études de la Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam oû je fit mes derniers travaux, tous des performances, Hommage à Sara Bartman 2007, Throne of Gold 2007, Trujillo's Island 2007, Trujillo, 2006.