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This video is an analytical montage of shots extracted from more than 60 films from the Chinese Cultural Revolution period. It exclusively studies the moments of the interpellation of the Ideology (Louis Althusser) which are represented physically by music, words, gazes, gestures and situations found in these films. Strictly speaking, Ecstasy does not lend itself to a specific synopsis, but this does not mean that there is nothing to look at in it. The multiple symbols and meanings extracted from a wide range of shots make up the narratives found in this video: The resemblance of the music in different films, the dramatic gazes with catchlights (like they are absorbed by an overwhelming feeling of great excitement, where the title Ecstasy comes from), the repetition of the words (like “ Mao Zhuxi ”, Chairman Mao), the robotic gestures (raising one’s head, turning around), the faces with tears, the symbolic objects which reincarnate the transmission of ecstasy (like needle, spanner and apple) and the exaggerated film techniques (close-up, zoom in). This video is one of a series of videos and they are not only reexaminations of the cinema of that period but also reflections of history as told through cinema.

Di HU Born in Zhejiang, China. He studied Chinese Literature at Zhejiang University before going on to study cinema at several universities in Paris (Paris 1, Paris 7 and Paris 3). He became a film critic and scholar afterwards and started making video works in 2014. Since then, his works have been screened and exhibited in Stuttgarter Filmwinter, Cairo Video Festival, Dallas Medianale, Athens Digital Arts Festival, Images Contre Nature, Magmart International Videoart Festival, EXiS, Channels Festival, Korean Film Archive and the Australian Center for the Moving Images and Cinémathèque de Toulouse, among others. www.hudi-art.com

This is the video version of Heaven on Fourth. At “Performa 19” Huang Po-Chih used a non-realistic method to interpret an incident that occurred in the Chinese community of Flushing, New York. Heaven on Fourth took place in six performances, three performances per week. The work was expressed through a variety of forms, including installation, text and live performance. He hired actors, writers, bartenders and a masseuse to reconstruct the incident. The entire performance was based on the story of the Chinese woman Song Yang, an undocumented immigrant who engaged in erotic massage: To avoid being arrested by the police for prostitution again, she leapt from her rented fourth-floor apartment and landed heavily on a street lined with restaurants and erotic massage parlors in Flushing, New York. The title of the work (Heaven on Fourth) alludes to this incident, as well as the name of a massage parlor that was later established in the same apartment. Through this title, he directly explored the many contradictions in society today. Heaven on Fourth was not a typical performance. It defied specific categorization, because it had no script, only five texts. Within this structure, Huang Po-Chih and the four writers used words to open up an ambiguous space that accommodated any plot, any imagining or information, enabling an open-ended examination and review of the life of an inconspicuous character, and telling a story of “human fate at its lowest state.” During the process of performance, the actors read the text in a calm and gentle tone, and at each pause in the recitation, the bartender at the bar invited the audience to taste the cocktails. A massage bed was set up above the bar, and an actor randomly asked audience members if they would like to go upstairs for a massage. In this private mezzanine space, the hired masseuse massaged participants silently, while an actor recited the text softly in their ear. For Huang Po-Chih, the purpose of re-editing the incident with texts rather than a script was to provoke a direct reaction from spectators. However, such a manipulation had the potential to alter the real world. The artist did this deliberately in order to create a socially conscious “artwork.” However, works of art differ from acts of social activism, with their appeal to ideas and attitudes of skepticism. The use of an artistic vocabulary makes it easier for the audience to become engaged with a certain scenario.

Huang Po-Chih (1980 born in Taoyuan, lives and works in Taipei, Taiwan) completed his studies at the Taipei National University of the Arts in Taiwan in 2011. His diverse artistic practice revolves around the circumstances and history of his family which enable him to involve in issues like agriculture, manufacturing, production, consumption, etc. Since 2013, exhibitions of his continuous art project "Five Hundred Lemon Trees" have been transformed into a crowd-funding platform allowing the appropriation of artistic resources for developing an agricultural brand, activating fallow farmland, and growing lemon trees for lemon liquor. On the other hand, the project has connected his family members, local farmers, and consumers to make a new social relationship possible. In the same year, he published his first collection of essays "Blue Skin: My Mother’s Story", the story about his mother. In a way, such a brief account of personal history can somehow reflect Taiwan's agricultural economic reform and social change over the past fifty years, which is essentially, a micro-level of observing his own family history and society as a whole in Taiwan. Huang Po-Chin received the grand prize of the Taipei Arts Award in 2013, was nominated HUGO BOSS Asia arts Award in 2015, and received Prudential Eye Awards in 2016. Huang participated in Taipei Biennale in 2014 and 2016 and has been exhibited internationally including the 8th Shenzhen Sculpture Biennale in China in 2014, Performa 19 in New York in 2019, Busan Biennale in Korea in 2020, also many group exhibitions in museums, e.g., the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Seoul, the Rockbund Art Museum in Shanghai, CHAT in Hong Kong, the Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wie (mumok) in Vienna.

Suite à la démolition du quartier Yanji, situé au centre-ville de Canton (Chine) qui devient une zone de chantier entre construction et destruction. Une seule maison reste aujourd`hui visible dans cette vaste zone désaffectée. Celle-ci est désormais source de nombreux récits, merveilleuse, elle détiendrait le secret du monde. Un jeune homme jette des pierres face à cette étendue et tente, de déclencher une vibration du monde, jusqu`à l`épuisement, et une femme observe le lointain avec des jumelles. Un geste ancré dans un rapport de lutte intime, incarné entre le corps et l`architecture, la modernité et la ruine, un geste pour réactiver un lien sensible avec ce qu`il reste du réel.

Photographe et vidéaste indépendant, né en 1980 à Canton (Chine). Zhenqian Huang vit depuis 2004 en France. Après un diplôme à l`Ecole Supérieure d`Art Lorraine d`Epinal et de Metz en 2011, Ensuite, il est passé au post-diplôme à l`Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Lyon. Son projet art vidéo " Village in the city " (2010) a obtenu le premier prix vidéo Grand Est et vidéo "Déshabitation`` (2011) pour le prix mention spéciale du jury au Festival d`Art Vidéo D`Konschtkëscht au Luxembourg. Il a exposé son travail au plusieurs pays, notamment au Centre Pompidou de Metz et Européen média art festival en Allemagne. Il est actuellement en promotion au Fresnoy, Studio national des arts contemporains.

Une maison s'envole et se balade à pieds dans le paysage. Description: une maison implantée à Fontaine-les-Dijon, à la frontière nord entre la ville et la campagne, est soudainement soulevée dans les airs. Transportée par une douzaine de porteurs, dont on peut voir dépasser les pieds, la maison décampe en ligne droite, traverse le lotissement et finit sa course dans la campagne, en disparaissant au-dessus de la ligne d'horizon.

Séverine Hubard (née en 1977) a étudié les Beaux Arts à l'Ecole des Beaux Arts à Dunkerque et à Nantes. Elle détennait déjà des bourses d'études de l'Aomori Art Center au Japon, de Saint-Jean-Port-Joli, au Québec (Canada), du FRAC du grand EST, à Dijon, et du programme AFAA, à Montréal (Canada). Ses oeuvres ont été présentés au cours d'expositions individuelles au Canada, en France, en Allemagne et aux Pays-Bas et lors de présentations collectives comme à la Biennale Izmir, FRAC Nord-Pas-de-Calais, à Lille, à la Kunst Ambassade, à Rotterdam (Pays-Bas), à l'Aomori Art Center, au Japon, et au Sirus Art Center à Cobh co Cork, en Irlande.

La fée Utopia en 4 temps : ses colères chantées, ses spontanéités et galipettes magiques ponctuées de bruits de manifestation sociales et de musiques mystérieuses. Le fond de l?histoire : « Nous sommes complexes et les apparences sont trompeuses /que savez vous de moi en me regardant ? je pourrais être terroriste, infirmière, astronome ? je te souris, mais tu me dégoûtes? La colère d?être petite et pleine d?espoir face à la fatalité médiocre. Même les fées bleues qui font des bulles peuvent être bourrées, et demain ça ira mieux?.

v.hubert, née en 1970, vit et travaille à Alfortville/Paris représentée par la Galerie Quang Paris "Depuis une dizaine d`années, Véronique Hubert élabore une ?uvre complexe qu`il ne faut pas réduire à l`humour agité qui la traverse. Travaillant dans la multiplication des compétences, sa dispersion contraste avec la rigueur et la constance de son propos. Son ?uvre se dessine dans la superposition de ses expressions ; vidéos, tracts, dessins, photographies et écrits, réalisés depuis 1995. Une connaissance aiguisée de l`histoire de l`art, du cinéma, du milieu médical, de la musique électronique ainsi qu`une curiosité sans limites fournissent à l`artiste un matériau très riche qu`elle déploie dans des constructions fictionnelles, des petites histoires ou saynètes interprétées par des personnages "prétextes" faussement enfantins, aux dérives paranoïaques. " extrait de "la bonne position", France Valliccioni, 2004

Sur le terrain des Dorkel (Une famille de gitan-voyageur), le temps s`écoule comme toujours entre chourav (vol) et braconnage. Rien n`aurait dû changer pour Fred, l`aîné des fils, s`il n`avait rencontré un ange, son ange.

Jean-Charles Hue, né le 22/06/68 à Eaubonne. Je vis et travaille à Paris. Diplômé de l`école d`art de Cergy-Pontoise. C`est à travers divers médium ; objets, écrits et films, que je tente de créer un parcours de vie. C`est principalement celui du monde gitan (Voyageur) qui m`a adopté depuis une dizaine d`années. Mais c`est aussi la tentative de se construire une mémoire qui comme un kaléidoscope renverrait une multitude d`images vécues ou bien désirées. Les images atteignent les bons jours une certaine féerie qui trahit bien un désir naïf de voir s`envoler le morceau de bidoche que nous sommes vers un ailleurs. En cela, mon cousin Fred le gitan m`a donné l`une des plus belles occasions de ma vie de retranscrire dans un film (Un Ange) non pas l`ailleurs, mais la tentative quasi désespérée de l`envol.

Chez les Yéniches, communauté de gens du voyage, le respect des aînés et la ferveur religieuse côtoient indifféremment le vandalisme. Fred Dorkel est l'un d'entre eux : craint et estimé par les siens, il vit du vol de voitures. Une nuit, sa vie bascule : un ange lui apparait. Pour Fred, c'est le signe d'une seconde chance qu'il doit saisir. Il décide de se ranger, mais ce choix va l'opposer à sa famille...

Jean-Charles Hue (né en France en 1968) vit et travaille à Paris. Après des etudes à l'École Nationale d'Arts de Cergy-Pontoise, l'artiste est sélectionné pour la résidence "Villa Medicis Hors-les-murs" à Monterrey au Mexique, où il tourne plusieurs films, dont Carnaval Pitbull qui reçoit le premier prix au festival Loop Barcelona en 2006. En 2009, il retourne au Mexique pour tourner une serie de films. Il a été récompensé par le "Golden award" du festival de film Impakt à Utrecht, le prix Mulhouse 002, et nominé pour le prix Gilles Dusein. Ses films sont souvent projetés dans des programmations et festivals du monde entier (Festival Hors pistes - Centre Pompidou-Paris, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Art Forum - Berlin, festival Courtisane - Gent, Impakt Film Festival - Utrecht...). Jean-Charles Hue a déjà réalisé huit expositions personnelles en France, en Hollande et au Mexique (Ricard Foundation, Galerie Michel Rein, Alliance Française in Mexico, Villa Steinbach of Mulhouse...) et ses travaux ont étés présentés dans de nombreuses expositions collectives.

Aequador est une relation de voyage sans parole: une dystopie équatoriale évoquant les dérives d`un rêve progressiste et moderniste en Amérique latine pendant le XXe siècle. Nous avons imaginé un temps révolu où une idéologie extrémiste se serait lancée à la conquête du territoire amazonien. Le film décrit, sous une forme composite et volontairement fragmentaire, ce présent parallèle où les fausses ruines et reliques d`architectures utopiques en 3D côtoient les constructions vernaculaires et la vie quotidienne d`êtres humains.

Les films de Laura Huertas Millan se situent à la lisière des arts plastiques et du cinéma et mélangent des registres différents, le documentaire, la science fiction ou le fantastique, le détournement d`archives. La question de l`image structure ce travail, souvent à travers des thématiques liées à la violence politique ou sociale. Depuis 2009 elle réalise ainsi une série autour de la notion d?"exotisme", dont « Sin Dejar Huella » (2009), « Voyage En La Terre Autrement Dite » (2011) et « Aequador » (2012). Née en 1983 à Bogota (Colombie), Laura Huertas Millan réside principalement en France depuis 2001. Elle est diplômée avec les félicitations du jury de l`Ecole des Beaux-Arts de Paris et du Fresnoy, Studio national des arts contemporains. Son travail circule dans des festivals internationaux de cinéma (FID Marseille, 25 FPS, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid) ainsi que dans des évènements d`art contemporain, galeries ou musées, en France (Printemps de Septembre à Toulouse, Biennale Mulhouse 010, Galerie Edouard Manet Gennevilliers, LAM Villeneuve d`Asq...) et en Amérique Latine (Ciclo Nuevas Propuestas Alianza Francesa, MAMBO, MAC Santiago de Chile, Université de la Plata Argentine...). En 2012 elle intègre le programme doctoral de PSL (ENSBA, ENS Ulm) où elle développera une enquête filmique sur des "fictions ethnologiques".

Voyage En La Terre Autrement Dite s`inspire des premiers récits d`exploration naturelle et ethnographique produits en Amérique par des Conquistadors, des missionnaires ou des scientifiques. Le film est tourné entièrement dans la Serre Equatoriale de Lille, bâtiment construit en 1970 par Jean-Pierre Secq, sorte de Crystal Palace botanique version béton armé. L`architecture et les plantes de ce lieu fermé sont utilisées comme supports narratifs pour un voyage initiatique, accueillant la parole d`un "explorateur" et ses visions. Le film évoque ainsi la naissance du « Nouveau Monde » et les images qu`il a engendrées.

Laura Huertas Millán est née à Bogota en 1983. Elle est lauréate en 2001 de la bourse « d?Excellence » de l?A.E.F.E et en 2003 de la bourse « Major » pour des études universitaires en France. Diplômée en 2009 de l?Ecole des Beaux-Arts de Paris (ENSBA) avec les félicitations du jury, elle intègre le Fresnoy en 2010. Ses vidéos ont été programmés dans divers festivals et expositions en France (FID 2010, Biennale Mulhouse 010, Traverse Vidéo 2010, Saison Vidéo 2011, entre autres) et en Amérique Latine (Musée d?Art Contemporain au Chili, Université de la Plata en Argentine, Musée d?Art Moderne de Bogota, Colombie...). Depuis 2009 elle réalise une série de monobandes (art vidéo) autour de la notion d`"exotisme", dont "Sin Dejar Huella" (2009), "Orénoque" (bourse d`Aide à la Création de la ville de Paris, 2010) et "Voyage En La Terre Autrement Dite" (production le Fresnoy, 2011). Elle prépare le dernier volet de cette série, "Los Elegidos", qui sera tourné en Amazonie colombienne en 2012.

Le rituel de fabrication de la poudre de coca verte (appelée "mambe" ou "Jiíbie") dévoile un mythe ancestral de parenté, dont la transmission se fait par tradition orale. Dans la communauté amazonienne Muina Murui, la plante de coca n’est pas un produit de consommation, mais une interlocutrice sacrée, le cœur battant d’un corps collectif.

Laura Huertas Millán est artiste et cinéaste franco-colombienne, sa pratique se situe à l’intersection entre le cinéma, l’art contemporain et la recherche. Sélectionnées dans les grands festivals de cinéma tels que la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Toronto International Film Festival (Canada); le Rotterdam International Film Festival (Pays-Bas); le New York Film Festival (USA) et le festival Cinéma du Réel, Paris (France), ses œuvres ont été primées dans des festivals tels que le Locarno Film Festival (Suisse); le FIDMarseille (France); Doclisboa, Lisbonne (Portugal); Videobrasil, São Paulo (Brésil). Plus de vingt rétrospectives et focus de son travail ont été organisées mondialement, dans des cinémathèques telles que le TIFF Lightbox de Toronto (Canada); la Film Archive de Harvard, Cambridge (USA) ou encore la cinémathèque de Bogota (Colombie), et ainsi que dans des festivals de cinéma majeurs comme celui de Mar del Plata (Argentine), les Rencontres internationales du Documentaire de Montréal (Canada) et le Thessaloniki Documentary Festival, Thessalonique (Grèce). Ses dernières expositions personnelles ont eu lieu au MASP – Museu de Arte de São Paulo (Brésil); à la Maison des Arts de Malakoff (France) et au Musée d’Art Moderne de Medellin (Colombie). Elle a également exposé et projeté ses films dans de nombreuses institutions renommées (Centre Pompidou, Paris (France); Jeu de Paume, Paris (France); Guggenheim Museum, New York (USA); Times Art Berlin (Allemagne)) et dans le cadre de biennales (Liverpool (Royaume-Uni); FRONT Triennial, Cleveland (USA); Videobrasil, São Paulo (Brésil); Videonnale, Bonn (Allemagne)). Ses œuvres font partie de collections privées et publiques (Kadist, San Francisco (USA); CNAP – Centre national des arts Plastiques, Paris (France); Banco de la República de Colombia, Bogota (Colombie); CIFO Collection, Miami (USA); FRAC – Fonds régional d’art contemporain Lorraine, Metz (France), parmi d’autres). Elle détient un doctorat de pratique (programme SACRe), après avoir développé une recherche de pratique cinématographique autour de la "fiction ethnographique" entre l’Université PSL – Paris Sciences et Lettres (France) et le Sensory Ethnography Lab à l’Université de Harvard (USA). Elle travaille régulièrement comme enseignante. Depuis 2019, Laura Huertas Millán et la commissaire Rachael Rakes forment un duo de recherche autour de l’anthropologie critique, les esthétiques et les politiques de la rencontre.

Enemy Blue explores the precarious nature of the video through a narrative on propaganda and ?friendly fire?. The work conflates material from a number of sources, namely, a Committee report made to the United States House of representatives by Edward Hunter, a U.S. governmental investigation ?Misleading Information from the Battlefield: the Tillman and Lynch episodes? and Gerhard Richter?s published notes on political ideology. The work is an attempt to explore the failure of video to articulate politicized historical narratives. Despite the proliferation of digital high definition technologies our access and experience to the wider world is largely mediated through ?poor? images. Hand held camera-phones, telecined archive material, surveillance footage and low-res streams proliferate the political landscape. In an aesthetic anomaly our relationship to these images define a kind of authenticity or participation in the construction of political realities; that despite their lack of information or detail they become imbued with a semblance of truth. In turn the work identifies the use and control of such ?poor? forms as an aspect of political propaganda. While each dialogue offers it?s position in contrast or opposition to a polarized political position, by implication of its subject, it?s meaning is by turns, entirely reversible.

Allan Hughes is an artist from Belfast based in Newcastle Upon Tyne. His video installation work explores the production of remediated histories through the deconstruction of post-production processes. Hughes? works usually proceeds from research into the sites, documents and apparatus of recorded and remediated histories His works examine the precarious position of subjectivity within the constructed narratives of history and the processes of their representation and reception. Hughes unpacks the processes of remediation and establishes a place that privileges listening and the rediscovery of subjective and heterogeneous positions within these narratives. The last year has seen exhibitions of his work at the Belltable Art Centre, Limerick, where he had a solo exhibition and as a part of Temple Bar Gallery?s ?Lights, Camera, Action!?. His work was included in the 2011 Tulca Arts Festival and Rencontres Internationales. In 2010 he was awarded the ACNI Major artist award and in 2009 he was the recipient of a six-month Artist?s Residency Programme at the Irish Museum of Modern Art in Dublin. He has exhibited both nationally and internationally with work shown in the Mediations Biennale in Poznan Poland, UNOACTU in Dresden, the Ormeau Baths Gallery Belfast and the Beursschouwburg in Brussels amongst others.

Allan Hughes lives and works in Belfast, Northern Ireland. He studied at the University of Ulster, Belfast (BA Hons Fine Art, 1996-99 and Master in Fine Art, 2003-05) and has exhibited widely including Spain, Germany, Finland, the US, Taiwan, Russia and Japan. He has received a number of awards and residencies, most recently the Irish Museum of Modern Art Artists Residency Programme in 2009. His work is held in the collection of the University of Ulster.

En 1798, Hölderlin écrit sa première des trois versions d`Empédocle, sa seule pièce de théâtre, un " Trauerspiel ", entre tragédie et requiem. Il a traduit par la suite Antigone et ?dipe de Sophocle. C`est à partir de cette première version que Danièle Huillet a travaillé à une traduction qui est celle du film, et qui a paru aux éditions Ombres. Le découpage, en 147 plans, a été fait par Jean-Marie Straub.

Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

« Le 27 octobre 2005 à Clichy-sous-Bois, trois jeunes garçons affolés, poursuivis par la police, se réfugient dans le périmètre interdit d?un transformateur électrique. Deux vont mourir, brûlés vifs, Bouna et Zyed. Si vous en pleurez encore...

L`histoire d`une jeune fille de Metz.

Jean-Marie Straub naît le 8 janvier 1933 à Metz, où il dirigera un ciné-club de 200 à 700 membres de 1950-51 à 1954-55. A partir de la fin 1940, il est forcé comme tous les Lorrains, de ne plus parler et de n`écrire qu`en allemand. En 1951-52 il est étudiant à l`université de Strasbourg et en 1952-53 et 53-54 à l`université de Nancy. Avec le projet de tourner un film biographique de long-métrage (Chronik der Anna Magdalena Bach), il part en novembre 1954 pour Paris où il rencontre Danièle Huillet. Il écrit quelques articles pour Radio-Cinéma-Télévision, assiste et voit un peu le tournage de La Tour de Nesle de Gance, French Cancan et Eléna et les hommes de Renoir, Le coup du berger de Rivette, Un condamné à mort s`est échappé de Bresson et Une vie d`Astruc. En juin 1958 il quitte la France pour Amsterdam, et finalement pour l`Allemagne, où il entame la même année un voyage de deux ans sur les traces de Jean Sébastien Bach. Il est condamné par contumace à un an de prison par le tribunal militaire de Metz pour s`être refusé d`accomplir son service en Algérie. L`amnistie prescrivant l`extinction des répressions pénales qu`il encourts interviendra en 1971. Jusqu`à la fin de l`année 1969 il habite à Munich. Depuis il vit dans un des faubourgs de Rome. Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

Il y a très peu de personnes pour se représenter la réalité de ce qui n'apparaît dans le langage courant que sous la forme de clichés. Il en va pour eux comme pour ce réserviste autrichien à propos duquel une anecdote du début de la guerre raconte ceci: Passé rapidement et dans l'enthousiasme du bureau au service militaire actif, il se retrouve avec son détachement près d'une forêt d'où des Russes nichés dans les arbres faisaient feu. Indigné, il les enguirlande: "He bien, qu'est-ce que c'est que ça? Qu'est-ce qui vous prend de tirer? Vous ne voyez pas qu'il y a des gens qui passent? Il pourrait arriver le pire ". Il s'était imaginé que la guerre se déroulait comme un sur un terrain d'exercice! Il était enthousiaste parce qu'il n'avait aucune idée de la réalité! Combien de choses néfastes seraient évitées dans la vie, en politique, dans l'art, dans toutes les affaires privées, si chacun pouvait se représenter leurs effets, si le politicien par exemple pouvait se représenter ceux qu'il recommande de tuer, si le chef mesurait l'effet d'un licenciement, l'employé les conséquences d'une négligence. http://www.viennale.at/de/archiv/frame_title.html

Jean-Marie Straub (né en 1933 à Metz) grandit avec la langue française mais est obligé d'apprendre l'allemand sous l'occupation nazie. Il étudie la littérature à Strasbourg et à Nancy, va en 1954 à Paris où il travaille comme assistant pour Jean Renoir, Abel Gance, Alexandre Astruc et Robert Bresson; Il y rencontre celle qui deviendra plus tard sa femme, Danièle Huillet (née en 1936 à Paris). Tous leurs films sont des réalisations communes. Pour échapper à l'incorporation de Straub, c'est-à-dire à une participation à la guerre d'Algérie, le couple part en Allemagne en 1958. C'est là que commence leur travail cinématographique propre, avec les adaptations d'Heinrich Böll Machorka-Muff (1962)et Nicht versöhnt (1965),qui se heurtent, à l'exception d'un petit nombre d'avis favorables comme celui de Jean-Luc Godard, à un rejet massif. Leur manière radicale de procéder est critiquée et qualifiée de "dilettante". Ce n'est qu'avec le film suivant, Chronik der Anna Magdalena Bach (1967)la biographie non conventionnelle d'une musicienne, que l'on commence à considérer sérieusement les créations strictement politiques et matérialistes de Straub/Huillet. Durant les 35 années suivantes, ils partagent leur temps entre l'Italie, la France et l'Allemagne. Ils travaillent de façon conséquente sur de la matière littéraire et musicale: un drame de Corneille peu connu (Othon); une lettre et deux opéras d'Arnold Schönberg (introduction à la musique d'accompagnement pour une scène de film, Moïse et Aron et Du jour au lendemain); des oeuves de Brecht(Geschichtsunterricht, en fr: cours d'histoire), Kafka (Klassenverhältnisse, en fr: rapports de classe)et Hölderlin (la mort d'Empédocle); des textes de Marguerite Duras (En rachâchant) et Elio Vittorini (Sicilia!) ? mais aussi de Gasquet, biographe de Cézanne, comme dans leur dernière oeuvre Une visite au Louvre. La première de ce film en Autriche (1er Octobre) constitue un prélude à la rétrospective. http://www.filmmuseum.at

En 1798, Hölderlin écrit sa première des trois versions d`Empédocle, sa seule pièce de théâtre, un " Trauerspiel ", entre tragédie et requiem. Il a traduit par la suite Antigone et ?dipe de Sophocle. C`est à partir de cette première version que Danièle Huillet a travaillé à une traduction qui est celle du film, et qui a paru aux éditions Ombres. Le découpage, en 147 plans, a été fait par Jean-Marie Straub.

Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

« Le 27 octobre 2005 à Clichy-sous-Bois, trois jeunes garçons affolés, poursuivis par la police, se réfugient dans le périmètre interdit d?un transformateur électrique. Deux vont mourir, brûlés vifs, Bouna et Zyed. Si vous en pleurez encore...

L`histoire d`une jeune fille de Metz.

Jean-Marie Straub naît le 8 janvier 1933 à Metz, où il dirigera un ciné-club de 200 à 700 membres de 1950-51 à 1954-55. A partir de la fin 1940, il est forcé comme tous les Lorrains, de ne plus parler et de n`écrire qu`en allemand. En 1951-52 il est étudiant à l`université de Strasbourg et en 1952-53 et 53-54 à l`université de Nancy. Avec le projet de tourner un film biographique de long-métrage (Chronik der Anna Magdalena Bach), il part en novembre 1954 pour Paris où il rencontre Danièle Huillet. Il écrit quelques articles pour Radio-Cinéma-Télévision, assiste et voit un peu le tournage de La Tour de Nesle de Gance, French Cancan et Eléna et les hommes de Renoir, Le coup du berger de Rivette, Un condamné à mort s`est échappé de Bresson et Une vie d`Astruc. En juin 1958 il quitte la France pour Amsterdam, et finalement pour l`Allemagne, où il entame la même année un voyage de deux ans sur les traces de Jean Sébastien Bach. Il est condamné par contumace à un an de prison par le tribunal militaire de Metz pour s`être refusé d`accomplir son service en Algérie. L`amnistie prescrivant l`extinction des répressions pénales qu`il encourts interviendra en 1971. Jusqu`à la fin de l`année 1969 il habite à Munich. Depuis il vit dans un des faubourgs de Rome. Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

Il y a très peu de personnes pour se représenter la réalité de ce qui n'apparaît dans le langage courant que sous la forme de clichés. Il en va pour eux comme pour ce réserviste autrichien à propos duquel une anecdote du début de la guerre raconte ceci: Passé rapidement et dans l'enthousiasme du bureau au service militaire actif, il se retrouve avec son détachement près d'une forêt d'où des Russes nichés dans les arbres faisaient feu. Indigné, il les enguirlande: "He bien, qu'est-ce que c'est que ça? Qu'est-ce qui vous prend de tirer? Vous ne voyez pas qu'il y a des gens qui passent? Il pourrait arriver le pire ". Il s'était imaginé que la guerre se déroulait comme un sur un terrain d'exercice! Il était enthousiaste parce qu'il n'avait aucune idée de la réalité! Combien de choses néfastes seraient évitées dans la vie, en politique, dans l'art, dans toutes les affaires privées, si chacun pouvait se représenter leurs effets, si le politicien par exemple pouvait se représenter ceux qu'il recommande de tuer, si le chef mesurait l'effet d'un licenciement, l'employé les conséquences d'une négligence. http://www.viennale.at/de/archiv/frame_title.html

Jean-Marie Straub (né en 1933 à Metz) grandit avec la langue française mais est obligé d'apprendre l'allemand sous l'occupation nazie. Il étudie la littérature à Strasbourg et à Nancy, va en 1954 à Paris où il travaille comme assistant pour Jean Renoir, Abel Gance, Alexandre Astruc et Robert Bresson; Il y rencontre celle qui deviendra plus tard sa femme, Danièle Huillet (née en 1936 à Paris). Tous leurs films sont des réalisations communes. Pour échapper à l'incorporation de Straub, c'est-à-dire à une participation à la guerre d'Algérie, le couple part en Allemagne en 1958. C'est là que commence leur travail cinématographique propre, avec les adaptations d'Heinrich Böll Machorka-Muff (1962)et Nicht versöhnt (1965),qui se heurtent, à l'exception d'un petit nombre d'avis favorables comme celui de Jean-Luc Godard, à un rejet massif. Leur manière radicale de procéder est critiquée et qualifiée de "dilettante". Ce n'est qu'avec le film suivant, Chronik der Anna Magdalena Bach (1967)la biographie non conventionnelle d'une musicienne, que l'on commence à considérer sérieusement les créations strictement politiques et matérialistes de Straub/Huillet. Durant les 35 années suivantes, ils partagent leur temps entre l'Italie, la France et l'Allemagne. Ils travaillent de façon conséquente sur de la matière littéraire et musicale: un drame de Corneille peu connu (Othon); une lettre et deux opéras d'Arnold Schönberg (introduction à la musique d'accompagnement pour une scène de film, Moïse et Aron et Du jour au lendemain); des oeuves de Brecht(Geschichtsunterricht, en fr: cours d'histoire), Kafka (Klassenverhältnisse, en fr: rapports de classe)et Hölderlin (la mort d'Empédocle); des textes de Marguerite Duras (En rachâchant) et Elio Vittorini (Sicilia!) ? mais aussi de Gasquet, biographe de Cézanne, comme dans leur dernière oeuvre Une visite au Louvre. La première de ce film en Autriche (1er Octobre) constitue un prélude à la rétrospective. http://www.filmmuseum.at

En 1798, Hölderlin écrit sa première des trois versions d`Empédocle, sa seule pièce de théâtre, un " Trauerspiel ", entre tragédie et requiem. Il a traduit par la suite Antigone et ?dipe de Sophocle. C`est à partir de cette première version que Danièle Huillet a travaillé à une traduction qui est celle du film, et qui a paru aux éditions Ombres. Le découpage, en 147 plans, a été fait par Jean-Marie Straub.

Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

« Le 27 octobre 2005 à Clichy-sous-Bois, trois jeunes garçons affolés, poursuivis par la police, se réfugient dans le périmètre interdit d?un transformateur électrique. Deux vont mourir, brûlés vifs, Bouna et Zyed. Si vous en pleurez encore...

L`histoire d`une jeune fille de Metz.

Jean-Marie Straub naît le 8 janvier 1933 à Metz, où il dirigera un ciné-club de 200 à 700 membres de 1950-51 à 1954-55. A partir de la fin 1940, il est forcé comme tous les Lorrains, de ne plus parler et de n`écrire qu`en allemand. En 1951-52 il est étudiant à l`université de Strasbourg et en 1952-53 et 53-54 à l`université de Nancy. Avec le projet de tourner un film biographique de long-métrage (Chronik der Anna Magdalena Bach), il part en novembre 1954 pour Paris où il rencontre Danièle Huillet. Il écrit quelques articles pour Radio-Cinéma-Télévision, assiste et voit un peu le tournage de La Tour de Nesle de Gance, French Cancan et Eléna et les hommes de Renoir, Le coup du berger de Rivette, Un condamné à mort s`est échappé de Bresson et Une vie d`Astruc. En juin 1958 il quitte la France pour Amsterdam, et finalement pour l`Allemagne, où il entame la même année un voyage de deux ans sur les traces de Jean Sébastien Bach. Il est condamné par contumace à un an de prison par le tribunal militaire de Metz pour s`être refusé d`accomplir son service en Algérie. L`amnistie prescrivant l`extinction des répressions pénales qu`il encourts interviendra en 1971. Jusqu`à la fin de l`année 1969 il habite à Munich. Depuis il vit dans un des faubourgs de Rome. Danièle Huillet est née à Paris le 1 mai 1936. Elle grandit à la campagne, à La Queue-les-Yvelines. Vers 1948 elle retourne à Paris, poursuivre ses études au Lycée Jules Ferry. Elle se prépare pour l`IDHEC, mais refuse lors du concours d`entrée d`analyser le film Manèges de Yves Allégret, qu`elle qualifie comme indigne d`un examen.

Il y a très peu de personnes pour se représenter la réalité de ce qui n'apparaît dans le langage courant que sous la forme de clichés. Il en va pour eux comme pour ce réserviste autrichien à propos duquel une anecdote du début de la guerre raconte ceci: Passé rapidement et dans l'enthousiasme du bureau au service militaire actif, il se retrouve avec son détachement près d'une forêt d'où des Russes nichés dans les arbres faisaient feu. Indigné, il les enguirlande: "He bien, qu'est-ce que c'est que ça? Qu'est-ce qui vous prend de tirer? Vous ne voyez pas qu'il y a des gens qui passent? Il pourrait arriver le pire ". Il s'était imaginé que la guerre se déroulait comme un sur un terrain d'exercice! Il était enthousiaste parce qu'il n'avait aucune idée de la réalité! Combien de choses néfastes seraient évitées dans la vie, en politique, dans l'art, dans toutes les affaires privées, si chacun pouvait se représenter leurs effets, si le politicien par exemple pouvait se représenter ceux qu'il recommande de tuer, si le chef mesurait l'effet d'un licenciement, l'employé les conséquences d'une négligence. http://www.viennale.at/de/archiv/frame_title.html

Jean-Marie Straub (né en 1933 à Metz) grandit avec la langue française mais est obligé d'apprendre l'allemand sous l'occupation nazie. Il étudie la littérature à Strasbourg et à Nancy, va en 1954 à Paris où il travaille comme assistant pour Jean Renoir, Abel Gance, Alexandre Astruc et Robert Bresson; Il y rencontre celle qui deviendra plus tard sa femme, Danièle Huillet (née en 1936 à Paris). Tous leurs films sont des réalisations communes. Pour échapper à l'incorporation de Straub, c'est-à-dire à une participation à la guerre d'Algérie, le couple part en Allemagne en 1958. C'est là que commence leur travail cinématographique propre, avec les adaptations d'Heinrich Böll Machorka-Muff (1962)et Nicht versöhnt (1965),qui se heurtent, à l'exception d'un petit nombre d'avis favorables comme celui de Jean-Luc Godard, à un rejet massif. Leur manière radicale de procéder est critiquée et qualifiée de "dilettante". Ce n'est qu'avec le film suivant, Chronik der Anna Magdalena Bach (1967)la biographie non conventionnelle d'une musicienne, que l'on commence à considérer sérieusement les créations strictement politiques et matérialistes de Straub/Huillet. Durant les 35 années suivantes, ils partagent leur temps entre l'Italie, la France et l'Allemagne. Ils travaillent de façon conséquente sur de la matière littéraire et musicale: un drame de Corneille peu connu (Othon); une lettre et deux opéras d'Arnold Schönberg (introduction à la musique d'accompagnement pour une scène de film, Moïse et Aron et Du jour au lendemain); des oeuves de Brecht(Geschichtsunterricht, en fr: cours d'histoire), Kafka (Klassenverhältnisse, en fr: rapports de classe)et Hölderlin (la mort d'Empédocle); des textes de Marguerite Duras (En rachâchant) et Elio Vittorini (Sicilia!) ? mais aussi de Gasquet, biographe de Cézanne, comme dans leur dernière oeuvre Une visite au Louvre. La première de ce film en Autriche (1er Octobre) constitue un prélude à la rétrospective. http://www.filmmuseum.at

Dans ce film, un homme rencontre une femme pour dîner avec elle. Une atmosphère étrange entoure la scène. Une femme entre dans l?appartement d?un homme, l?homme prend son manteau et ils s?assoient tous deux aux bords d?une table à manger. Une atmosphère réservée est présente jusqu?à la fin, quand la femme révèle son vrai visage.

Miina Hujala est une vidéaste et artiste médias qui se concentre sur la réalisation d?images en mouvement, en explorant les diverses possibilités de ce médium. Elle étudie actuellement à l?Université des Arts et du Design de Helsinki (Finlande) où elle prépare un Master. Elle a réalisé plusieurs vidéos courts-métrages durant la période 2003-2007 et deux films dont notamment « Le dîner » (2007), sa dernière réalisation. Dans le cadre de sa profession, elle s?intéresse également à la théorie et la structure de l?image en mouvement, pas uniquement en tant que manière cinématographique et statique de rendre visibles les choses et les idées mais aussi comme processus intérieur caché que nous lisons et qui interprète la réalité.

Navigating Images is an interactive project. It simulates dropping objects that fall on a moving body. The dropping object is represented by dots. There are three shapes for the dots : the rectangle with round corners, circle and triangle. The object dropping can be further subdivided into two modes : a ?real mode? and a ?grid mode?. The real mode simulates natural falling, without taking acceleration into account. The grid mode simulates a digital effect in which each dot falls in a predefined grid position. The movement of the body is detected by the difference between colour in the background image and the colour in the current image that is captured from a web cam or camera. The detection of the objects is affected by the colour system, such as hue, saturation and brightness of the image. Once an object (human body) is detected, a colour - fading effect can be applied to the detected object. The program also supports sound in real mode. When a loud sound is detected, the radius of the dots will be larger. Based on the above different functions, we have created a control panel for different and multiple combinations of situations. For this installation, we need a camera, a PC and a video projector. Real-time moving images of the audience will be captured by the camera. The date of the motion will be directly transferred to the PC and the specific images will be generated by computer programming that is composed of the computer language C++.

Since 1998, Hung Keung has been interested in the area of entertainment/narration in interactive space, a subject that is related to her on-going research activities in School of Design, Hong Kong Polytechnic University. Her new media research project CDROM and interactive projects ?human beings and moving images? (1998-2001), which mainly focused on discovering the limitations of human beings such as in seeing, walking, talking, listening, kissing, releasing energy, laughing, eating, growing, and so forth. She is also been trying to provide another new/alternative meaning and experience to the audience through interactivities and moving images. In this CDROM project, Hung Keung studies the possibilities of the new meanings/definitions between the relationship of human beings and digital movements in an interactive activities/environment. "Talking, Walking, Seeing" is part of her research in the theory of exploring how are the possibilities between human beings and moving images. Is there any new experience for use to understand any layers behind the original ?meaning?. What is our original meaning of "Talking", "Walking" and "Seeing" ? Will there be any new experience to interpret it in a way of using the multimedia and interactive concept?

Space Liquid, mon dernier projet de recherche dans lequel j?essaie de créer une interface numérique comme une plate-forme pour représenter et capturer des images en mouvements en temps réel, est dessinée en forme de rideau. Ce projet mime l?effet visuel de quelque chose derrière un rideau et créé un effet de bombage sur le rideau. L?effet est similaire à celui présenté dans les films d?horreur d?un visage de fantôme sur un rideau. Le programme utilise un appareillage d?entrée vidéo comme une caméra vidéo et une webcam pour capturer une séquence image en temps réel, calculant le contour des objets en mouvements dans l?image et les faisait apparaître sur l?environnement virtuel du rideau en 3D. L?environnement, l?espace en 3D peut être positionné en panorama, en zoom et rotation en plus de la possibilité d?action interactive.

Hung Keung est un artiste média, chercheur de 35 ans. Il habite à Hong Kong. Il est né en 1970 en Chine où il réside depuis 1973. Il habite avec sa mère et sa s?ur depuis 1982. L?artiste à fait un BA dans le département des Beaux Arts de l?Université de Hong Kong et en 199 a remporté le Most Promising Artsit Award de Hong Kong. Il a ensuite suivit un master en art, film et vidéo au Central Saint Martin?s College of Art and Design de Londres puis a travaillé en tant que producteur TV et consultant esthétique dans l même ville. Depuis 1998, il enseigne à la School of Design de Hong Kong Polytechnic University. Il a aussi fait en 1998 une ?uvre video en 16m ?I love my country?s sky? pour lequel il a reçut le prestigieux BBC British Short Film Festival ?Best Short Ambient Video Awad? et le ?Best of EMAF? au European Media Art Festival en Allemagne. Il fut aussi récompensé par un Gold Award et un Special Award video ainsi qu?un Distingusshed Award au Festival du court métrage indépendant de Hong Kong. En 2001, avec projet DCrom ?douloureux? , il a remporté le" Winner of the Prize of Excellence " au Hong Kong Art Biennial 2001, le " Second Prize " du Computer Graphics International 2001 , le " Special Mention Interactive CDROM Award " à E-PHOS - 3rd International of Film & New Media on Art en Grèce, et reçu une Honorable Mention (new media) au 7th International Festival of New Film in Croatia. En 2002, il reçu à sa grande surprise le prix d?honneur "President`s Awards for Outstanding Performance/Achievement", à la Hong Kong Polytechnic University. Ses travaux vidéos ont été exposés internationalement comme à Londres, en Norvège en Italie, Crotie, Hongrie, Espagne, Amsterdam, Hannover, Dresden, en Grèce, Australie, Tokyo, Taiwan, Singapour, en Thaïlande, en Inde, en Corée du Sud, au Canada, à Chicago, New York etc. Il fut ensuite chercheur invité au ( ZKM ) Zentrum FY?Nr Kunst und Medientechnlology ( Le centre des arts et des technologies média ), à Karlsruhe, Allemagne (2001 - 2002), reçu la bourse DAAD DEUTSCHER AKADEMISCHER AUSTAUSCHDIENSTZKM (2001)puis professeur invité au Department of Interactive Media in Designskolen Kolding, Denmark (2002) En 2004, il a fait la dernière vidéo numérique pour l?exposition du 10ème anniversaire MSF-HK10th , projection et exposition, invité par Médecins Sans Frontières. En 2005, il trouva "innov+media lab", principalement axé sur le design integer, la recherché, le developpement logiciel et l?application. En 2006, avec ACC Fellowship, il preparera une residence au Center for New Media, Berkley & NY, etc. Pour le moment, Hung est doctorant à Z-note du Planetary Collegium (CAiiA-STAR), à HGKZ, University of Applied Sciences and Art School of Art and Design, Institute Cultural Studies in Art, Media and Design en Suisse et la School of Computing, Communications and Electronics, University de Plymouth, Royaume Uni. Il aime aussi le thé vert et la randonnée et est tout spécialement intéressé par la recherche des nouveaux medias et la lecture.

The project ?Time Liquid? consists of 3D software equipped with the latest Microsoft DirectX technology which was developed by HUNG Keung with his Innov+media Lab in 2004 to the present. Users (members of the audience and players) interact with the software by controlling a joystick. While the users are playing with the joystick, a video signal can be acquired through a broad range of input sources, including web-cams and movie files. A series of ?sliced images? chopped from the video input are controlled by a joystick. The controls of the digital moving images include different functions such as spin rotation, global rotation, forward marching and so forth. The joystick is created not only to control moving images, but also to control the 3D view-port. The operation of this joystick includes panning, zooming, and rotating. In addition to interactive playing ability, the software can store the contents of the screen into a movie file for later investigation. To date, three different versions of Time Liquid have been developed : a one-player version, two-players version, and four-players version.

Since 1998, Hung Keung has been interested in the area of entertainment/narration in interactive space, a subject that is related to her on-going research activities in School of Design, Hong Kong Polytechnic University. Her new media research project CDROM and interactive projects ?human beings and moving images? (1998-2001), which mainly focused on discovering the limitations of human beings such as in seeing, walking, talking, listening, kissing, releasing energy, laughing, eating, growing, and so forth. She is also been trying to provide another new/alternative meaning and experience to the audience through interactivities and moving images. In this CDROM project, Hung Keung studies the possibilities of the new meanings/definitions between the relationship of human beings and digital movements in an interactive activities/environment. "Talking, Walking, Seeing" is part of her research in the theory of exploring how are the possibilities between human beings and moving images. Is there any new experience for use to understand any layers behind the original ?meaning?. What is our original meaning of "Talking", "Walking" and "Seeing" ? Will there be any new experience to interpret it in a way of using the multimedia and interactive concept?

"Closing your eyes" est un film documentaire sur trois villes palestiniennes en train de mourir, un film sur trois formes d?enfermement et d?étouffement : la révolte à Naplouse, la résignation à Hébron, la disparition à Qalqilyah. "Closing your eyes" recueille des témoignages d'une tristesse sans fond qui montrent l'errance solitaire imposée à ces hommes. Surtout ne plus rien entendre, mettre en veille toutes les sensations. Ne plus éprouver la douleur, la peur, la violence. Ne plus écouter les tirs et les cris incessants. "Closing your eyes" ou comment il est donné de voir et d' entendre dans les rues de trois villes, entre l?obscurité et la lumière, entre l?intérieur et l?extérieur, entre la vie et la mort, entre le visible et l?invisible. "Closing your eyes", parce que face à nous, derrière les murs, se distille une souffrance sourde, un calvaire sans fin d?hommes et de femmes que l?on prive de tout droit, comme s?il n?y avait plus un peuple, des êtres humains, mais un fléau qu?il faut contenir à tout prix.

Après des études d?Histoire et d?Histoire de l?Art à Strasbourg, Robin Hunzinger commence des études de Cinéma à Jussieu avec Jean Douchet, Jean Rouch et Bernard Cuau. Quand la guerre en Bosnie débuta, Hunziger fut encouragé afin de partir à Sarajevo, ce qu?il fut en février 1993. Il ne ramènera aucune image de la ville en Etat de siège mais reviendra avec un désir profond d?apprendre le métier de documentariste. C?est en 1996, toujours à Sarajevo, alors qu?il écrit son mémoire de DEA en Sciences de l?information sur le discours narratif du journal télévisé sur la guerre en Bosnie, qu?il rencontre le producteur Bruno Florentin avec qui il écrit un film sur la ville de Gorazde. « Gorazde, Psychogéographie d?une frontière » sera le premier film de Robin Hunzinger, soutenu par l?UNESCO et le"Documenty Fund de Soros Institut" de New-York. Il aborde certaines thématiques qu?on retrouvera dans tous ses films qui vont suivre : la guerre, la frontière, la mémoire, la nature, l?homme face à l?impensable. Parallèlement à son travail de documentariste, Robin Hunzinger est l?auteur de documentaires radiophoniques pour "France Culture" et "Arte-radio.com". Il est directeur de publication de la Revue des Ressources, un magazine sur l'échange entre le mot et l?image.

‘The physical coastline becomes a metaphor for a ruptured piece of skin barely holding together a volatile state of being ready to explode.’ – Sohrab Hura The most recent film The Coast was filmed in the dark of the night during religious festivities in a sea side village in South India where millions of people throng to participate in religious festivities to celebrate Kali, the mytholoigical Goddess of death and destruction, for a week every year. These devotees transform into mythical creatures, celestial beings and even characters from every day life and enter a frenzied state of trance in that celebration after which they are carried to the sea in a state of exhaustion to wash off those masquerades. This film stretches the end of the book and the photographic installation also titled The Coast (Large Gallery I). The margin between land and water becomes a point of release beyond which characters experience fear, surprise, anger, sadness, trust, anticipation, excitement, contempt but also rapture. In this sequel to The Head & The Bird (Large Gallery I), Hura uses the metaphor of the washing away of the masquerade as a hope for the removal of the different masks that society wears to commit and justify their actions. Many of his later works have looked at the mask as a metaphor to make social and political comments. Here he looks at the masks worn by society where as in Snow (Bel étage) the mask is his own - the mask of denial. In this film we begin with seeing groups of people going into the sea almost as if to conquer the waves that crash upon them. At the same time frenzied rituals are at play on land. A drone like hypnotic sound oscillates between the ears of the audience. During the festivities Hura had met a musician playing the Urumi – a traditional percussion drum in Tamil Nadu – whose skin heads are made of buffalo skin. To be able to listen to the sound of skin, the artist had asked if he could record the musician rubbing the drum stick against the taut skin instead of beating it. The tense fight with the sea eventually gives way to a more gentle embracing of the sea. In the film the sea holds hope of a more optimistic future – one that is led not by male protagonists. The continuous crashing of the waves on land makes the edges and tipping points more blurry making visible that the overlaps of land and water and other intersectionalities are always in flux. The sea asks for a different kind of osmosis and transformation, the sea asks for embracing and not colliding.

Sohrab Hura (b.1981) is a photographer and filmmaker. His work lies at the intersection of Film, Photographs, Sound and Text. By constantly experimenting with form and using a journal like approach, many of his works attempt to question a constantly shifting world and his own place within it. Some of his recent solo and group exhibitions include Spill (Huis Marseille voor Fotografie, 2021)The Coast (Liverpool Biennial 2021), Videonale (Kunstmuseum Bonn 2021, 2019), Spill (Experimenter, India 2020), Companion Pieces: New Photography (The Museum of Modern Art, New York 2020), Homelands: Art from Bangladesh, India, and Pakistan (Kettle’s Yard, 2019), The Levee: A photographer in the American South (Cincinnati Art Museum, 2019). His films have been widely shown in international film festivals. The Coast (2020) premiered at Berlinale 2021 while Bittersweet (2019) was awarded the Principal Prize of the International Jury at the 66th International Short Film Festival Oberhausen 2020. The Lost Head & The Bird (2017) had previously won the NRW Award at the 64th International Short Film Festival Oberhausen 2018. Sohrab Hura has self-published five books under the imprint UGLY DOG. His book The Coast (2019) won The Aperture - Paris Photo PhotoBook of the Year Award 2019 and Look It’s Getting Sunny Outside!!! was shortlisted for the same award in 2018. The exhibition Growing Like A Tree (2021) opened in January 2021 at Ishara Art Foundation marking his inaugural curatorial project. The second iteration of this curated exhibition titled Static In The Air opened at Ishara Art Foundation, Dubai over six slow transformations in September 2021. In 2022 Hura will be the focus of a profile at Oberhausen International Short Film Festival for his films that lie at the intersection of the still and moving images. His work can be found in the permanent collections of MoMA (New York), Ishara Art Foundation, Cincinnati Art Museum and other private and public collections. Hura lives and works in New Delhi, India.

Spectacle éclectique / ici à Karawaci / des arbres verts s´animent dans la brise / autour de Taman Paris / un endroit familial! / passez des jours sans incidents / dans le vieux Taman Ingles / ou écoutez l´appel du vieux Muezzin / en espagnol Taman // Oh comme j´aimerais / retourner à Karawaci! (Vues parnoramiques composées d´une aire résidentielle très stylée, près de Jakarta, et qui inclut des scènes iconiques d´une vie mondialisée)

Olivier Husain étudie les Beaux-Arts à l´Université Baroda, en Inde, de 1990 à 1991, puis le film de 92 à 95 à HfG Offenbach, Allemagne, avant de terminer ses études par de l´art média en 1998. Depuis lors il a réalisé de nombreux courts-métrages et vidéos qui ont été projetés internationalement lors de festivals et d´expositions, et qui lui ont permis de remporter plusieurs prix, dont le Meilleur Court-Métrage Allemand en 2003, En collaboration avec Michel Klöfkkorn, il fonde Husain Klöfkorn Musikvideos en 1996, produisant des clips pour des artistes internationaux, et animant des ateliers à Jakarta, Bangkok et Almaty. Avec Klaus Richter et Sergej Jensen, il forme Da Group en 1997. Da Group organise des spectacles, des installations et des performances; il a réalisé une émission radio mensuelle qui a duré jusqu´en 2004.

Un homme, une femme dans un paysage hivernal. Les deux seuls, dans un extérieur vaste, l'un court entre deux arbres, l'autre tourne sur elle-même. Il n'y a pas d`explication à leurs gestes, mais dans leurs mouvements, dans leur présence et dans leur fatigue il y a quelque chose de simple, de vraie, qui nous touche.

Hanna Husberg est née en 1981 à Kangasala, Finlande. Elle a fait des études d?arts appliqués et les Beaux-Arts à Milan et à Paris (ESAA Duperré et ENSBA). Elle réalise des installations et des vidéos, et a participé à des expositions collectives en France et en Asie. Son travail explore la relation entre l?individu et le monde l'enveloppant

A living room. A place where the private space of a flat is on public display. Using memory, supposition and measurable architectural elements, the space of the living room is continuously constructed and reconstructed, and the action grows into an interpretation of past, present and possible events and relationships.

Ana Husman’s practice disassembles the structures and textures of cinematic elements through film, installation, books, sound, image and text. Husman experiments with the possibilities of animation, documentary and fictional cinematic methods, and the possibilities of the recorded voice and its articulation. Her working process questions and plays with the positions of the amateur and the professional subject of performativity, the medium itself, and the structures that dictate and produce patterns of behavior. She is a lecturer at the Department of Animation and New Media at the Academy of Fine Art in Zagreb and co-founder of the documentary film organization RESTART where she has been holding film education programs for children and young people for many years. Her works have been shown at festivals and exhibitions including: Gwangju Biennale, October Salon Belgrade, Medienturm Gallery Graz, Ludwig Museum of Contemporary Arts Budapest, International Film Festival Rotterdam, DOK Leipzig.

As Jean-Luc Nancy says, our pleasure in views, scents, and sounds has been a political issue since the birth of Europe. The idea of landscape has nothing in common with the idea of unspoiled nature. Landscapes are formed through planned deforestation, afforestation, and controlled planting. These processes are influenced by economic, health care, and other policies, documented in the systematic and taxonomic terminology of the land registry. By mapping the island flora and recording the resistance of the vegetation to the wind, as well as the resulting sounds of friction, I document the sound signals that reflect the changes, fashions and economic conditions of a particular location. These cultivation policies return to our houses and apartments like the wind, creating a complex feedback loop between the interior and exterior spaces.

Ana Husman (1977) studied multimedia and art education department graduating in 2002 from the Academy of Fine Arts Zagreb where she now works at the Department for animated film and new media. She exhibits regularly at solo and group exhibitions, and her films have been screened at many international film festivals and received a number of awards.