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The video is an artist’s momentary personal reaction on the events of August 2022, which took place in Estonia, in Narva, Maria’s home town. Since the war in Ukraine escalated, the removal of Soviet monuments in Estonia became intensively debated topic followed by the government’s decision to demolish any Soviet attributes and monuments from the public spaces. The tank monument in Narva became a stumbling block between the views of different communities within the country. It has especially became symbolic and problematic because it stood right at the border with Russia, on a riverbank of Narva river, facing Estonia. In the final scene the artist stands on that riverbank facing Russia. As Kapajeva grew up on that border, she felt an urge to speak up about the situation with the monument. As the artist states, the video helped her not just to scream out everything what accumulated for the first half a year of the war, but, also, it helped her to regain meaningfulness in her own art practice that she lost since the full invasion of Ukraine by Russia.

Born in the Soviet Union, raised in an independent Estonia and educated in the UK, Maria Kapajeva has found herself in an involuntary position of ‘the other’ everywhere. A position, she has embraced and employs as datum in her artistic practice, leads her to explore a diverse spectrum of cultural identity and gender issues within historical and contemporary contexts. Being originally from a borderland region, border within postcolonial and post-Soviet geopolitical conditions becomes to be the core in her work. She uses various mediums, such as video, photography, textile and installations, to bring to the focus what is often left invisible or stays in peripheral vision. Kapajeva’s works exhibit internationally including some of the solo exhibitions at Estonian National Archive (2013), Estonian Museum of Art KUMU (2022), Finnish Museum of Photography (2021), Lithuanian Gallery of Photography (2020) and Tallinn Art Hall (2020). Her video works were screened at various venues and festivals including Art Viewer (2023, Spain), VAFT: Visual Art Festival (2020, Finland), Luminocity Video Art Festival (2018, Canada), Berlin Feminist Film Week (2017, Germany) and others. Her video work ‘Test Shooting’ received Runner-Up Award at FOKUS Video Art festival (2018, Denmark). Kapajeva is a member of Estonian Artists’ Association.

Dans la vidéo A-05, j?ai travaillé avec les images d?une vidéo amateur prise dans un café, au moment où un kamkaze s?y faisait exploser. J?ai retiré les images qui se trouvaient avant et après l?exposion, ne conservant que le son de la séquence et ne présentant que les secondes cruciales de l?explosion. Comme une lampe s?allumant tout à coup puis s?éteignant dans le noir. Comme un flash.

1977 naissance a athènes 1996-1999 B.A Fine Art Middlesex University. Londres GB 1999-2000 M.A Fine Art Central Saint Martins College of Art and Design Londres GB

Synopsis Figures Dans ?Figures? on assiste à une danse de silhouettes qui évoluent lentement dans un espace dont les repères se perdent dans la brume de sable et de poussière du Sahara mauritanien. Des gamins s?agitent ; ils apparaissent et disparaissent du cadre sans nous dévoiler vraiment la raison de leur présence ou de leur rencontre. Vont-ils quelque part ? s? amusent-ils ? se disputent-ils ? ou jouent-ils tout simplement une pièce de théâtre d?ombres? Jason Karaïndros 2007

Né en 1963 à Athènes, il vit et travaille à Paris. Il a étudié l'art à l'E.N.S.B.A. de Paris dans l'atelier multimédia de Piotr Kowalski et il est également diplômé de l'École du Louvre où il a suivi une formation en histoire de l'art. Jason Karaïndros a obtenu de nombreux prix, bourses et commandes publiques, et plusieurs de ses ?uvres ont été acquises par de importantes institutions (Fond national d'art contemporain, Cité des sciences et de l'industrie, FRAC Haute Normandie). Durant cette dernière décennie, il a réalisé plusieures expositions personnelles et a participé à un grand nombre d'expositions collectives à travers le Monde (Kunstmuseum, Bergen, Norvège ; Reykjavik Art Museum, Island ; Centre d'Art Contemporain, Bunkamura, Tokyo, Japon ; Centre d'Art Contemporain de Sète ; Musée des Arts Décoratifs, Paris ). Plusieurs publications rendent compte de son travail (dont le catalogue personnel " Take Your Time ", Éd. De la Direction des Affaires Culturelles de la Mairie de Paris, textes St. Carrayrou et D. Truco, 2001). Son intérêt pour une pratique artistique prenant largement en compte les domaines de la science et de la technologie l'a amené à travailler avec les techniques multimédias et à enseigner depuis 5 ans à l'École Régionale des Beaux-Arts de Rouen.

In Immaterial, sharp angled stars, magicians? hats and supernatural landscapes transform perpetually into fantastic abstractions. Based entirely on works on paper, IK s manic animation reveals disparate elements thrown together as if they were meant to be. Like a vision emerging from the mist, this dazed mix of enigmatic scenes engages the spectator in a particularly addictive way. The film s aggressively seductive, constantly changing forms can be compared to a succession of suspended dreams. Yannis Saxonis? music (1 film, 22 soundtracks) envelopes into a familiar yet surprisingly improbable environment with its own unique, undefined logic. As well as, it determines and transforms in a mysterious, almost alchemical way, the impact of images, enriching it at the same time with a metaphysical notion; -as if it was all exercised in a cosmic dimension, in 22 different ways.

Irini Karayannopoulou (born 1973 in Thessaloniki) lives and works in Athens, Greece. Her work consists of video animation, painting, drawings and music (that is, of course, when Yannis Saxonis -who composes the music for most of her video works- allows her to. IK is represented by Ileana Tounta Contemporary Art Center and Lola Nikolaou gallery.

For her video BOYS, Irini Karayannopoulou sticks to her Old -Skool- DIY- Drawings- Only- Animation- Method in an attempt to illustrate her own cover version of Sabrina s 80 s hit "Boys". In the video, the heroine,- a little girl with a murderous desire for love- drinks cocktails in a swimming pool, takes her bikini off, rides a crocodile, wets her 18 th century bed, flirts with super hero Joseph Beuys and after all "she`s looking for a good time..."A copy of BOYS was stolen during Athens Artfair, most probably by a group of ultra conservative let`s say art lovers who were extremely shocked by its content.....

Irini Karayannopoulou is a visual artist;she studied Fine Arts in Saint Etienne, France. Her work has been shown in solo shows and major art fairs in Greece, Italy, France, Germany, Sweden, Switzerland, Egypt, USA... She lives and works in Athens and Skopelos island.

Je chante et je crie et je fais ce que je veux dans le paradis de ma chambre. C'est ma chambre. Ces trésors fascinants vont te séduire. C'est ma chambre. Et je veux te faire rentrer.

Irini Karayannopoulou lives and works in Athens, Greece.

SINGLE STREAM takes a close look at the problem of waste, through a visual and sonic exploration of a recycling facility. The title refers to the “single stream” method of recycling in which all types of recyclables are initially gathered together, and sorted later at a specialized facility. With SINGLE STREAM, viewers enter one of the largest of these materials recovery facilities in the US. Inside a cavernous building, a vast machine complex runs like clock-work, sorting a steady stream of glass, metal, paper and plastic carried on conveyor belts criss-crossing the space, dotted with workers in neon vests. The interwoven movements of human and machine produce sounds and images that are overwhelming, but also beautiful, and even revelatory. Blurring the line between observation and abstraction, SINGLE STREAM is a meditation on our society's culture of excess and its consequences.

Paweł Wojtasik (b. 1952, Łódź, Poland) creates poetic reflections on cultures and ecosystems in the form of short films and large-scale installations. His investigations into the overlooked corners of the environment have led him to pig farms, sewage treatment plants, wrecking yards and autopsy rooms. His work has shown in venues such as PS1/MoMA, Reina Sofia Museum, Berlinale and New York Film Festival. www.pawelwojtasik.com/ Toby Lee (b. 1980, Los Angeles) is an artist and scholar based in New York, working across video, installation, drawing and text. She holds a PhD in Anthropology and Film & Visual Studies from Harvard University, and she is Assistant Professor of Cinema Studies at NYU’s Tisch School of the Arts. Ernst Karel (b. 1970, Palo Alto) works between experimental nonfiction sound and electroacoustic music. He composes and performs with location recordings and/or analog electronics, often for multichannel environments. As a Lecturer on Anthropology at Harvard University, he teaches a production course in sonic ethnography. http://ek.klingt.org/

En 1961, le cinéaste Robert Gardner a organisé l’expédition Harvard Peabody en Nouvelle-Guinée néerlandaise (aujourd’hui Papouasie occidentale). Financée par le gouvernement colonial néerlandais et des donateurs privés, et composée de plusieurs membres des plus riches familles des États-Unis armés de caméras 16 mm, d’appareils photographiques, de magnétophones à bobines et d’un microphone, l’expédition s’est installée pendant cinq mois dans la vallée de Baliem, parmi les Hubula (également connus sous le nom de Dani). Cette expédition a donné lieu au célèbre film de Robert Gardner, "Dead Birds", à deux livres de photographie; au livre "Under the Mountain Wall", de Peter Matthiessen; et à deux monographies ethnographiques. Michael Rockefeller, membre de la quatrième génération de la famille Rockefeller (propriétaires de la compagnie Standard Oil), était chargé de la photographie et des enregistrements sonores dans et autour de l’univers des Hubulas. "Expedition Content" est une œuvre sonore augmentée, composée à partir de trente-sept heures d’enregistrements sur bande magnétique, documentant l’étrange rencontre entre l’expédition et le peuple hubula. Cette œuvre propose une réflexion sur les complexes interactions historiques entre le développement de l’anthropologie multimodale, la vie des Hubulas, celle de Michael Rockefeller, et le processus colonial toujours en cours en Papouasie occidentale.

Ernst Karel est né en 1970 à Palo Alto (USA). Il produit des œuvres sonores de plusieurs types: musique électroacoustique, œuvres documentaires expérimentales pour installations et performances à plusieurs bandes sonores, postproduction sonore pour films documentaires, et plus particulièrement pour le cinéma d’observation. Ces œuvres sont le plus souvent le résultat de pratiques d’enregistrement de terrain, et de composition à partir de tels enregistrements non manipulés. Dans le cadre du Laboratoire d’Ethnographie Sensorielle de l’Université Harvard, Cambridge (USA), Ernst Karel a travaillé avec de nombreux réalisateurs, enseignant également les techniques d’enregistrement de terrain dans le cadre de séminaires universitaires. Pendant le semestre d’automne de l’année 2019, il était professeur invité au Centre d’Ethnographie Expérimentale de l’Université de Pennsylvanie, Philadelphie (USA). Veronika Kusumaryati est née en 1980 à Bantul (Indonésie). Elle est spécialiste d’anthropologie politique et d’anthropologie des médias, et travaille en Papouasie occidentale. Ses travaux universitaires sont consacrés aux théories et à l’historiographie du colonialisme, de la décolonisation, et du post-colonialisme. Elle est également commissaire d’exposition indépendante et réalisatrice de films documentaires. Ceux-ci ont été projetés dans le cadre du Jakarta International Film Festival(Indonésie); des Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne), et du Festival du Film de Tampere (Finlande). Elle a étudié le cinéma et la théorie des médias à l’Institut des Arts de Jakarta (Indonésie), et a obtenu un doctorat en anthropologie à l’Université Harvard, Cambridge (USA). Elle a été membre du Laboratoire d’Ethnographie Sensorielle de Harvard, Cambridge (USA), et elle est actuellement stagiaire postdoctorale à la Georgetown University Edmund A. Walsh School of Foreign Service, Washington (USA).

Pendant l’inexplicable état d’urgence à Moscou, un jeune homme solitaire essaie de retrouver son chien disparu et de comprendre ce qui se passe vraiment. Finalement, il se retrouve dans un monde parallèle où les morts et les vivants sont inséparables, mais le mot « mort » est strictement interdit.

Depuis 2015, Alexandra Karelina travaille comme réalisatrice de documentaires et de films expérimentaux. Ses films ont été sélectionné à des festivals de films internationaux : IFFR, ISFF Oberhausen, Image Forum Tokyo, Le Guess who ?, MIEFF etc. Ses films ont été primés : How to behave au LUFF 2018 (Suisse) et Bobok au NHIIDFF 2021 (Russie). Elle vit et travaille actuellement à Nancy, en France.

"The film is about asylum seekers who are leaving in Gabcikovo refugee camp in Slovakia and their every day life, which is passing unused. The most of them are there more than three years, but still did not get asylum. The only contact is phone, by what they can contact with the world of out side. Phone, which makes them happy or angry. Phone, which gives them a new hope. Film is trying to show relationship between refugees and phone and place where they are already there. I choose this place, maybe for this reason that the Gabcikovo refugee camp is a very special place for me too. 3 years ago, I came there and I spent there several months of my life, which were full of sorrows. By this film, I have tried at least to speak with myself and believe it that we did not born because of world, the world created because of us."

Sarah Karimi was born in 1981 in Kabul. In 2004, she enters at The Academy of Music and Performing Arts(major documentary 1997-2000) and takes course of camera 1998-1999, course of singing 1999-2000 and Creative writing.

Une photographie et l'histoire qui se cache derrière.

Sahraa Karimi est une jeune réalisatrice afghane née à Kaboul en 1981 et vivant en Slovaquie. Elle émigre en Iran à l'âge de 15 ans puis part pour la Slovaquie cinq ans plus tard et y obtient le droit d'asile. Elle a suivi des cours de Slovaque pour passer l'examen d'entrée à l'université et est actuellement étudiante en Master d'Art à l'Academy of Music and Performing Arts, Film and TV Faculty (FTF V?MU) de Bratislava. (Slovaquie). Elle tient l'un des rôles principaux dans ?Daughters of the Sun? (1999, Mariam Shahriar), premier prix aux festivals du film de Montréal et de Bratislava, dans ?White Dream? (2000, Hamid Jebeli), et dans ?Who is Sahraa??(2002, Hossein Fazeli). Elle a elle-même réalisé plusieurs courts métrages et documentaires récompensés dans de nombreux festivals à travers le monde. Sahraa Karimi travaille actuellement sur son premier long-métrage ?AFGHAN WOMEN BEHIND THE WHEEL? '("Des afghanes au volant"). A travers plusieurs portraits de femmes afghanes apprennant à conduire, ce documentaire tourné à Kaboul témoigne de la place de la femme dans la société afghane et entend démontrer le désir de la femme afghane d'être active, utile et bénéfique à la société.

Simona est une voleuse solitaire. Elle a perdu son petit ami dans un accident de voiture. Le film montre une courte période de sa vie entre le 20 et le 21 Mars pendant laquelle elle a accidentellement volé une partie de l'intimité de quelqu'un.

Sahraa Karimi est une jeune réalisatrice afghane née à Kaboul en 1981 et vivant en Slovaquie. Elle émigre en Iran à l'âge de 15 ans puis part pour la Slovaquie cinq ans plus tard et y obtient le droit d'asile. Elle a suivi des cours de Slovaque pour passer l'examen d'entrée à l'université et est actuellement étudiante en Master d'Art à l'Academy of Music and Performing Arts, Film and TV Faculty (FTF V?MU) de Bratislava. (Slovaquie). Elle tient l'un des rôles principaux dans ?Daughters of the Sun? (1999, Mariam Shahriar), premier prix aux festivals du film de Montréal et de Bratislava, dans ?White Dream? (2000, Hamid Jebeli), et dans ?Who is Sahraa??(2002, Hossein Fazeli). Elle a elle-même réalisé plusieurs courts métrages et documentaires récompensés dans de nombreux festivals à travers le monde. Sahraa Karimi travaille actuellement sur son premier long-métrage ?AFGHAN WOMEN BEHIND THE WHEEL? '("Des afghanes au volant"). A travers plusieurs portraits de femmes afghanes apprennant à conduire, ce documentaire tourné à Kaboul témoigne de la place de la femme dans la société afghane et entend démontrer le désir de la femme afghane d'être active, utile et bénéfique à la société.

There are worlds out there they never told you about, 2017 is a video that is part of a larger body of work under the same title. While rightfully addressing tragic stories of migration through water, the work viewed collectively through drawings and new media is also about reimagining freedom through the imagination and creation of fantastic worlds. Worlds that are less about occupying physical space but more about cultivating ways that one can be free in a place where home and freedom remain elusive.

Jackie Karuti is an artist based in Nairobi. Her practice is largely experimental and employs the use of new media through drawings, video, installations and performance art. Her work is founded on ideas around knowledge production & accessibility as well as the depths of possibility enabled by radical imagination. Karuti is the 2017 recipient of the Young Artist Award at the Cape Town Art Fair, an alumna of the Gasworks residency program in London as well as Asìko, a roaming Pan African art school designed to redress the frequently outdated or non-existent artistic and curatorial curricula at tertiary institutions across Africa. In 2017 she was shortlisted for the residency program at The Rijksakademie. Karuti has participated in several exhibitions & residencies, both locally & abroad as well as multidisciplinary projects such as curating the Out Film Festival-Nairobi (2016-2018). In 2017 she established the online platform, I’ve Been Working on Some MAGIC which seeks to engage Nairobi based visual artists in critical writing, collective curatorial projects as well as sharing audiovisual material. In 2018 Karuti’s work will debut at the 13th edition of the Dak’Art Biennial in Dakar, Senegal.

Constitué en 1994, réorganisé en 2000, le Centre E-Media (EMC) se concentre sur la recherche, l'enseignement et la promotion de la culture numérique et de l'art en Estonie. L'EMC est ouvert aux étudiants pour qu'ils acquièrent des compétences dans le multimédia et l'information, ainsi que des compétences dans la réalisation de projets d'étude. Le centre offre la possibilité de créer différents projets avec les techniques des médias numériques, organise le prêt d'équipement et des conférences à l'Académie des Arts d'Estonie. Le programme du Master en Multimédia Interactif (IMM) est disponible depuis l'année académique 2000/2001. Le MA de deux ans est organisé en modules pour offrir des compétences théoriques et pratiques en média numériques. Les études sont menées sous forme de conférences et ateliers traditionnels, aussi bien que sous forme de séminaires/conférences en ligne sollicitant des spécialistes et conférenciers internationaux. Outre la dimension enseignement, le EMC accueille régulièrement de plus petits événements : ateliers spéciaux, cours et symposium permettant aux étudiants, aux artistes, ainsi qu'à un large public de maîtriser des techniques essentielles. Le centre invite des enseignants et des spécialistes d'horizons internationaux à dialoguer avec des étudiants, artistes, enseignants locaux afin de stimuler les discussions et les échanges de nouvelles idées. Le centre participe à différents projets, différentes recherches, résidences d'artiste et réseaux de coopération. Le centre a collaboré avec Hypermédia Research Center de l'Université de Westminster à Londres, l' Electronic Music Studio de l'Académie de musique d' Estonie, le Centre d'Art Contemporain, le Musée d'Art d'Estonie ou m-Cult d' Helsinki ( en 2004, le Centre co-accueillait avec m-Cult ISEA2004) pour n'en citer que quelques-uns. Actuellement le EMC est un membre actif de TMC (Tallinn Media Cluster) et NICE network ( en 2003 NICE a offert un fond commun pour les initiatives de la nouvelle culture média dans la région baltique avec des projets associés comme RAM (Re-Approaching New Media), une série d'ateliers et de conférences. De plus, le Centre E-Media s'est impliqué dans des programmes d'artistes en résidence comme NIFCA et Map XXL.

Dagmar Kase obtient un BA en scénographie en 2001 à l'Académie des Arts d'Estonie (EEA), un MA en Multimédia Interactif en 2004 et étudie la Théorie de la Culture depuis 2005 à l'Estonian Institute of Humanities à l'Université de Tallinn. Elle est membre de l'Association des Artistes Estoniens et de l'Union des Artistes Media Estoniens. Elle dirige le Centre E-Media à l'Académie des Arts d'Estonie. Elle travaille plus particulièrement avec la vidéo, la photographie, le texte, le son et les installations interactives. Ses travaux traitent de notre société contemporaine qui est un organe global joueur qui fonctionne comme une totalité d'éléments et dont les questions centrales sont le temps, l'espace et le lieu, la mémoire et l'idendité. Elle pense qu'il est important de méditer sur le monde qui nous entoure et de s'y impliquer plus profondément pour saisir l'importance des choses et des événements simples. Elle combine la théorie et la pratique afin de créer des travaux interdisciplinaires.

A small village in the beautiful mountains of southern Siberia. A family living out of the way, not accepted by the society. They have their own secrets. Step by step, we get involved in their mysterious world. Strong characters, complicated relationships, and an uncovered story in the background. No fiction. Real world, no matter how surrealistic it appears to be. Real people. Real life. Real story.

La Villa Empain était une passion, une vision, un plan, un foyer, une œuvre d'art. C'est un rêve sincère qui a été abandonné. Aujourd'hui, elle ressemble à ce qu'elle était dans les années 1930, mais elle est devenue une autre entité, supportée par le même fondement. La Villa Empain existe entre le passé et le présent: des œuvres d'art contemporain au sein d'une unique œuvre Art Déco et Bauhaus. C'est une architecture humble et durable. C'est une dichotomie entre manoir privé et espace public. C'est une conversation entre l'histoire d'une famille et le rêve d'un architecte, entre le carnet de voyage d'un père et la performance d'un artiste, une rencontre entre l'eau et la pierre, le fusain et le papier, la lumière et le film. Béton, marbre, brique et acier: peu de choses créées par la main de l'homme semblent aussi stables, aussi immuables qu'un bâtiment. Pourtant, la vie d'une structure n'est ni fixe, ni intemporelle. Dépassant leurs objectifs initiaux, les bâtiments sont contraints de s'adapter à chaque nouvelle époque. Pour survivre, ils doivent se métamorphoser. L'atmosphère de "Villa Empain" est étrange et pleine de merveilles. La caméra effleure délicatement les textures, comme pour entrevoir les instants dont elles ont été témoins. Il y a un secret à dévoiler, mais comme tout bon secret, il nous échappe, insaisissable, nous ne pourrons jamais le comprendre. Ce court-métrage expérimental tente de découvrir une chose sur laquelle nous ne pouvons mettre le doigt. Alors, nous mettons nos doigts sur le bois, l'eau, le marbre, et nous sentons.

Mon intérêt pour les transformations personnelles et politiques m'a conduite à obtenir une licence en psychologie et en relations internationales, avant d'être diplômée à Doc Nomads, une école de cinéma itinérante basée à Lisbonne (Portugal), Budapest (Hongrie) et Bruxelles (Belgique). Tout au long de ma carrière, j'ai travaillé comme directrice de production et assistante réalisatrice dans le domaine du documentaire, de la fiction et de la publicité, et j'ai eu la chance que ces projets m'emmènent dans des endroits inspirants en Afrique, en Australie, aux États-Unis et en Europe. Mon travail est influencé par les environnements fragiles et par les personnes qui en sont à l’origine. En m'inspirant de l'idée de la psychogéographie, je cherche des traces, à l’aide de films analogiques pour documenter et explorer les transformations intérieures et extérieures.

A unique blend of Bauhaus and Art Déco, the marvellous Villa Empain has had many different lives since it opened in 1934. A story of survival. ____ VILLA EMPAIN draws a mental map of a space, as it goes through time. Concrete marble, brick and steel: little else made by human hands seems as stable, as immutable, as a building. Yet the life of any structure is neither fixed nor timeless. Outliving their original contexts and purposes, buildings are forced to adapt to each succeeding age. To survive, they must become shapeshifters. VILLA EMPAIN compares the life of Louis Empain and his creation. It bears witness to how a fixed idea, an architect’s dream, has disappeared in favour of a living architecture. The work is activated.

Katharina Kastner is an Austrian filmmaker working in Vienna and Brussels. She studied directing at TISCH School of the Arts in NYC and LUCA, Brussels. Her experimental short film about a museum of contemporary art, VILLA EMPAIN, builds upon the concept of psychogeography and draws a mental map of a space as it goes through time. Katharina Kastner’s films combine documentary, essayistic and experimental elements. She is interested in fragile environments and the people behind these, using the camera to explore inner and outer transformations. Time and memory are recurring themes in her work.

A woman visits a prison in the village of Márianosztra (Hungary) to find out more about the ongoing production of barbed wire by the inmates of the institution for various European border fences. Subsequently, she engages in a research about those women who were imprisoned there for being communists and antifascists between 1920 and 1944 at a time when it was run by nuns as a place to "re-discipline" the sentenced person through labor and prayer. The voice of a ghost belonging to a female political prisoner follows her as she is trying to connect past and present through gestures of mourning.

Eszter Katalin (born 1991, Budapest) is an artist based in Vienna. She has recently finished her master`s degree in Critical Studies at the Academy of Fine Arts in Vienna (2015-2018). In her works she focuses on the tensions between political struggles and their representation within a so-called critical artistic practice, departing frequently, but not solely, from Hungary’s social context as marked through its politics of memory and exclusion. Her latest works include her film MEGSZAKÍTÁS* Civil Aktivizmus Magyarországon (MEGSZAKÍTÁS* Civil Activism in Hungary, video in four parts, 76 min, 2017), Versammlung (Coming together, audio piece, 9 min, 2017) and Mária Vörösben (Mary in Red, video, 28:39 min, 2018).

In Breu (Pitch black), the recorded images present, in a non-linear montage, the semi-artisanal paving process of a rectangle arbitrarily drawn in the middle of a vacant lawn. The soundtrack brings a circular text that overflows in modal adverbial adjuncts (mainly right and wrong),without defining any clear object, the text builds the speech in an endless cycle, onto which the ideas of progress and evolution cannot be applied.

JULIA KATER | 1980 ‘ Paris, France Lives and works in Sao Paulo, Brazil. Graduated in Photography from the School of Advertising and Marketing - ESPM (Sao Paulo - Brazil). The research of the artist Julia Kater is guided in the elaboration of a body of work that can treat it from its visual improbability. Whether by the collage brought about by different overlaid photographic prints, which announces a watchful sky ‘ despite its invisible character ‘ or by videos that bring about the rearrangement of a set of actions and phrases, each work in its own way prioritizes the elaboration of bodies from everyday scenes that suggest simultaneous shared experiences with the persistent memory together with its struggle with forgetfulness, its ally and the cause of the gradual loss of a large part of the truths. Kater regularly participates in exhibitions in Brazil and abroad, in countries like France, USA, Belgium and Portugal.

La masculinité patriarcale semble pousser son dernier souffle au soleil. L'histoire de la relation glaciale entre un père et son fils. Leur lien, rongé par l'indifférence, se désagrège complètement.

Vytautas Katkus est né en 1991 à Vilnius, en Lituanie. Il a obtenu une licence en cinéma à la Lithuanian Academy of Music and Theatre. Il travaille comme directeur de la photographie pour des films et des projets d'art vidéo. Il a remporté le prix du meilleur jeune directeur de la photographie décerné par la Lithuanian Association of Cinematographers en 2014 et 2015. Depuis 2016, il est membre de la Lithuanian Association of Cinematographers. "Kolektyviniai sodai (Community Gardens)", son premier film court, a été sélectionné pour la 58e Semaine de la Critique, Cannes (France).

C'est de façon rythmée que se révèlent les variations que les habitants d'un lotissement ont apportées au modèle standardisé de leur maison. La caméra ouvre, sur l'organisation schématique des bâtiments, un espace de pluralité et de constante variabilité. Les transformations de la surface architecturale apparaissent par oscillations. Le concret danse - sur la piste de l'abstrait.

Timo Katz est né en 1977 à Siegen. De 1999 à 2006 il étudie la photographie et le design de films à l'Ecole Supérieure de Bielefeld et obtient son diplôme de designer en Février 2006. Il vit à Bielefeld et travaille sur des projets de films expérimentaux ainsi que sur des commandes.