Catalogue > Liste par artiste

Dans une usine de l?archipel des ruines modernes. Deux silhouettes. Masculine et féminine. Dure et soyeuse. Suspendues à leurs ombres. Contemplent le temps qui passe, et sacrifient leurs corps au travail. Fragments d?une journée à leurs côtés

Djamel Kerkar est né à Alger, en Algerie. Il a passé une partie de son enfance a Tunis, et a travaillé a Alger comme animateur et programmateur de cinéclub (Cinéclub chrysalide). Il est diplômé en tant que réalisateur de l?école des arts visuels de Marrakech au Maroc. Il réalise son premier travail en 2012, le court métrage documentaire « Archipel » suivi de « Earth Is Full Of Ghosts » une Fiction librement inspiré du malentendu d?Albert Camus. Il développe plusieurs projets en Algérie

Une nuit, un homme étrange apparaît. Arrivé non loin des côtes, il croise le chemin d’un fantôme, qu’il se décide à suivre.

Nicolas Keroulas est né en 1997.

The Same Room investigates the dual nature of water, both as a destructive and life-giving force. In collaboration with the Deltares Institute, Minne Kersten recorded a self-made filmset of a bedroom in an industrial wave-tank, where it was deliberately flooded with water over three successive days. By inverting the use of the institute’s controlled environment originally intended to prevent flooding, she questions the human desire to control the course of nature. Furthermore, Kersten is interested in the state of paralysis and tranquility that can occur upon a catastrophe, opening up a space for thinking about the end as a transitional state rather than something final. By combining the personal space of a bedroom with the horrors of a flood, the work creates a powerful and emotional image that wavers between clarity and chaos.

Minne Kersten (b. 1993, Utrecht, NL) lives and works between Amsterdam and Paris. She works on installation, video and paintings in which ephemeral occurrences and the construction of reality is explored. Through her architectural environments, she speculates on how buildings can be receptive to stories and traumas by staging situations subjected to chaos, decay and deconstruction. She explores the traces of events left behind and questions them as witnesses to private stories retained by the walls that surround human life. Working across diverse media, she interweaves personal themes such as mourning, loss and memory with the collective domain of fiction, fables and symbols. Her work has been presented in numerous institutions including the CAPC Bordeaux 2024, Glasgow International 2024, Bonnefanten Museum 2023, 16th Lyon Biennale 2022, Stedelijk Museum Schiedam 2022, the Living Art Museum 2022, De Ateliers 2022, Hotel Maria Kapel 2021, among others. In 2022, she won the Volkskrant Visual Arts Audience Award and was nominated for the Royal Award of Modern Painting. She has been selected for residencies at De Ateliers 2018-2020, Triangle Astérides 2023 and Cité Internationale Des Arts 2024. She is represented by Annet Gelink Gallery in Amsterdam.

The work approaches the feeling of searching in a particular sense: searching for something that is already there – and does not need to be found. The point of departure is the well-known Rosenhan experiment, in which eight sane individuals, ‘pseudo-patients’, feigned symptoms to be admitted to psychiatric institutions. As recently shown, the experiment itself was dogged by inconsistencies and anomalies – the pseudo-patients likely never existed in the first place. Through repetition and superimposition, the work explores the liminal space between thinking and perceiving, re-activating the gaps and contradictions that return to haunt a scientific material.

Dag Kewenter is a visual artist, working primarily with installation and film. In 2022, he graduated from the Masters program at Malmö Art Academy with the exhibition Post Sunrise / Post Oracle, for which he received the Edstrandska Grant.

Initié en 2008, The Mapping Journey Project est une série de vidéos en cours qui visent à « cartographier » des voyages clandestins. 3 vidéos ont déjà été tournées à Marseille et Ramallah. Filmées en plan-séquence, ces vidéos s?attachent à la confrontation entre un trajet singulier et la normativité de la cartographie. Mapping Journey # 1 suit le trajet d?un jeune Algérien parti illégalement d?Annaba pour Marseille, en passant par la Sardaigne, Naples, Milan, Nice, et Paris. A Marseille, n?ayant d?autre choix pour survivre que de vendre des cigarettes de contrebande, il songe à s?engager dans la Légion Etrangère dans l?espoir de régulariser sa situation, ou de reprendre la route, mais cette fois-ci pour la Suède.

Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine, née à Casablanca au Maroc, en 1975. Elle vit et travaille à Paris. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle, et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Son travail, essentiellement en vidéo - monobandes et installations - explore les trajets migratoires contemporains et les zones frontalières. En se confrontant à la géographie physique et à la normativité du tracé des frontières, le travail de Bouchra Khalili tente de perturber la cartographie traditionnelle en révélant la complexité des trajets migratoires contemporains, les représentations que ces trajets produisent, et les récits qui les accompagnent. Depuis 2002, son travail a été exposé dans de nombreuses institutions en France et à l?étranger, notamment au Centre Georges Pompidou (Paris), à La Fondation Caixa Forum et au CCCB (Barcelone), au Studio Museum (New York), au Musée National Reina Sofia (Madrid), parmi d?autres. Elle a également participé à plusieurs biennales et triennales, dont La Force de l?Art 01, triennale de l?art contemporain français (Galerie Nationale du Grand Palais), La Triennale de Guangzhou (Chine), La 2nde Biennale de Thessalonique (Grèce), et la Biennale de l?Image en Mouvement (Genève).

Straight Stories est un projet vidéo en cours sur l?errance dans des zones frontalières, où géographie physique et imaginaire sont rendues indiscernables. Ce deuxième volet épouse une double trajectoire. D?un côté, un travelling labyrinthique de douze minutes qui sillonne ce Détroit de la rive Asiatique vers la rive Européenne d?Istanbul. De l?autre, le récit d?une jeune réfugiée Irakienne, qui témoigne de son expérience faite d?attente, et de nécessaires espoirs.

Bouchra Khalili Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine. Elle est née en 1975 à Casablanca. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme. Dans ses travaux, elle installe des fictions minimales induites par des déambulations, des errances invariables, des trajets labyrinthiques. Placé sous le signe du déplacement géographique et mental, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome et Villa Médicis), La Biennale de l?Image en Mouvement (Genève, Switzerland), La Force de l?Art (Galerie Nationale du Grand Palais, Paris), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Documentaire d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs. En 2006, plusieurs programmations monographiques lui sont consacrées, notamment au Brésil : Palacio das Artes (Belo Horizonte) et à l?Instituto de Artes do Para, Bélem (Brésil). Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est la co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle et les arts plastiques à l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Les vidéos de Bouchra Khalili sont distribuées par Heure Exquise! Distribution, et sont disponibles chez Ovni Archives-Centre de Culture Contemporaine (Barcelone).

Cette vidéo est la première partie d`un triptyque sur des expériences d`errance dans des zones frontalière , où géographies physiques et imaginaires sont rendues indiscernables.

Bouchra Khalili est une artiste franco-marocaine. Elle est née à Casablanca en 1975. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme et à une errance labyrinthique. Dans ses vidéos, elle explore les relations plastiques et conceptuelles qu?entretiennent géographies physiques, imaginaires, et mentales. Placé sous le signe du déplacement, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales. Bouchra Khalili a étudié le cinema à la Sorbonne Nouvelle et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d`Arts de Paris-Cergy.

Une déambulation aérienne au-dessus d`une grande ville indéterminée. On y voit un écran de télévision qui diffuse des images publicitaires dans l?espace public, une architecture fortement urbanisée, et un littoral occupé. Parallèlement, des voix échappés d?un film, évoquent des rendez-vous à prendre ou manqués, parlent du cinéma comme utopie, et discutent du « monde comme volonté et représentation ».

De nationalité Française et Marocaine, Bouchra Khalili est née à Casablanca en 1975, et a grandi à Paris, où elle vit et travaille. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome and Villa Médicis), The Biennale of The Moving Image (Genève, Switzerland), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Cinéma d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs (Ministère des Affaires Etrangères). En 2006, plusieurs programmations spéciales lui sont consacrées : Fondation Caixa Forum of Art, Instituto Itau Cultural (Belo Horizonte, Brazil), and Palacio das Artes (Belem, Brazil. Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger.

Vue Panoramique décrit un trajet circulaire entre deux rives de la Méditerranée. On y voit un aller-retour en bateau, le passage lancinant des embarcations, le va-et-vient des passants, et l?attente à proximité du port. On y voit surtout la présence obsédante et diffuse de "l?autre côté", où que l?on soit.

Née en 1975 à Casablanca, au Maroc, Bouchra Khalili vit et travaille à Paris, France. Elle est diplômée en cinéma de la "Sorbonne Nouvelle" et en art de l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy. Depuis 2000, elle produit des bandes vidéo et des installations. Son travail a fait l`objet de nombreuses présentations en France et à l'étranger lors d'expositions et de festivals.

Twenty continuous shots linger over the slums of Dhaka, contrasting a young man`s search for moments of stillness and clarity with the megacity`s constant onslaught of sound and movement. The young man seeks peace on a series of bridges crossing an open sewer while the noises of modern urban life - from radio advertising to religious sermons - babble on without pause.

Abid is one of the most promising independent filmmaker from Bangladesh interested in making experimental films.

In a modern city, a boy is locked up in his room for some time. He insulates himself more and more in his universe ? even speaks with him, hears voices. He creates his own imaginary world. He defies the imperceptible.

Day Fly is based on the hikikomori phenomenon What is Hikikomori ? Hikikomori, which literally means "pulling away, being confined" (i.e., "acute social withdrawal") is a Japanese term to refer to the phenomenon of reclusive adolescents and young adults who have chosen to withdraw from social life, often seeking extreme degrees of isolation and confinement due to various personal and social factors in their lives. The term "hikikomori" refers to both the sociological phenomenon in general and to individuals belonging to this societal group. In the film, the main actor wears a mask, which becomes a character in itself as he moves and plays with different perception. The mask is the means for a transference to occur between model and watcher. The speechless face, staring without emotion, becomes the face of a dweller of another world being watched in our own. such an eerie juxtaposition draws viewers in close to Khazem`s and Park `s silent innocents.

Dans "German Shepherds Need Heroes Too", Roman Selim Khereddine réfléchit à la popularité des bergers allemands et des bergers belges au Maroc. "Hérite-t-on de l'histoire violente de son chien?" demande-t-il, en tenant compte du fait que ces chiens ont été employés pour le travail militaire et policier dès la standardisation de ces races au début du XXe siècle. Cet essai vidéo retrace l'histoire de ces chiens en tant que moyen dans les relations hiérarchiques entre différents groupes humains, c'est-à-dire dans les camps de concentration, les colonies et les manifestations pour les droits civiques. La relation entre l’être humain et l'animal est dépeinte ici comme une relation façonnée principalement par la violence et la domination, tandis que le potentiel de responsabilité du propriétaire et du chien est remis en question. Dans ce cas, "de quelle part de votre histoire violente votre chien hérite-t-il?" Des images trouvées - vidéos téléchargées sur Youtube par des amateurs de chiens marocains, et extraits d'actualité - sont associées à un texte de réflexion, qui apparaît sous la forme de sous-titres. Dans son texte, Khereddine s'inspire de l'histoire coloniale, de la tradition islamique, de la culture populaire et médiatique, ainsi que de ses propres expériences, souvenirs et opinions.

Roman Selim Khereddine (né en 1989) est titulaire d'un Master en Histoire et en arts plastiques. Il vit et travaille à Zurich (Suisse).

SCULPTORS deals with the hardships of a farmer on dry land and those of a taxidermist who wants to stuff a species threatened with extinction. Both men find special solutions to their problems: The farmer places his entire herd of goats in the branches of a tree next to the motorway to attract tourists who want to capture the bizarre image. The taxidermist, on the other hand, makes do with two black bear skins, one of which he bleaches white and then sews together with the second skin to end up with something resembling the black and white fur of a giant panda. In describing these strategies, Khereddine is concerned with the relationship between image and thing, copy and original, imagination and reality, appearance and essence. In both examples examined, the obsession with the repetition of the image, the consumer’s desire to always have everything, and the individual’s urge to stand out from the crowd shines through.

In his work, Roman Selim Khereddine combines academic research and essayistic writing, found footage and his own moving images. His video essays deal with topics such as the popularity of police dogs in North Africa (German Shepherds Need Heroes Too, 2020), two of the most iconic photographs of the 21st century (Falling Man / Hooded Man, 2021), the history of Moroccan workers in Swiss circusses (‘How the Circus got its Moroccans’, 2021), the difficulties of making a taxidermy mount of a Panda (SCULPTORS, 2022) or the trials and tribulations of zookeepers in Palestine (behind a thousand bars no world, 2023). Khereddine holds Master’s degrees in History and Fine Arts. He lives and works between Zurich and Paris.

TEHRAN PORTRAITS est un journal expérimental, une contemplation sur les détails de cette ville de 14 millions d'habitants. Malgré son image tourmentée, il ne se passe rien de spécial dans le quotidien de cette ville. Présentés en installation ou projetés les uns à la suite des autres, chacun des 5 segments de TEHRAN PORTRAITS offre au spectateur un regard, un aperçu des fissures et des cions de la ville immense. De la place de la Liberté au centres commerciaux huppés du nord de la ville en passant par les centaines de chantiers en cours, le spectateur voyage dans les sons et les images quotidiens de Téhéran, confrontant ainsi ses préjugés aux réalités de la capitale iranienne. En tant qu'installation, les films sont disposés en un pentagone dans lequel entre le spectateur, chaque écran diffusant en boucle un point de vue de la ville. Le lieu est silencieux mais des casques diffusent l'ambiance sonore enregistrée par le réalisateur. Sons, images peuvent être asociés à la guise du spectateur. TEHRAN PORTRAITS peut également être projeté en séquences successives, le son étant alors diffusé en même temps. La projection complète dure environ trente minutes.

Bani Khoshnoudi was born in Tehran. She studied photography and video in Texas and currently lives in Paris. While in the USA, she worked as a director and editor on numerous projects, including experimental short films and documentaries. In France she has worked as artistic director on a number of documentaries, like the "Other Iran" series produced by Article Z in 2002. In 2004 she directed "Transit", for which she received the Grand Jury Prize at the Angers European First Film Festival and which played at many festivals, including Rotterdam, Sao Paulo, and Brooklyn. She also produced and directed the documentary "Shirin Ebadi : a simple lawyer", for ARTE television in 2004. She is currently producing and directing her first feature length documentary film in Iran.

Berlin/Charlottenburg Le jeudi 20 Mars, au lieu de boire mon café du matin, j'ai suivi à la télévision le début de la guerre en Irak en sautant d'une chaîne à l'autre. J'étais à la fois désemparée, impuissante et tétanisée. Les semaines qui ont suivi, j'étais tous les jours devant le téléviseur et je frottais mes pieds l'un contre l'autre jusqu'à les blesser. Comme une personne enchaînée qui ne se résout pas à sa situation, mais ne peut pas non plus la changer. Constamment à la recherche de nouvelles, j'alternais entre les informations en langue allemande, anglaise, française et arabe et je parcourais les journaux en ligne. Je voulais comprendre et me trouvais de nouveau dans cette envie(désir) d'avoir du nouveau, des retransmissions en direct, des discussions contradictoires. Il y avait tout simplement tout, livré à domicile. En tant qu'arabe vivant en Europe, on m'a souvent demandé ce qu'il en était de la situation au proche-orient. Surtout au début de la guerre. A chaque conversation téléphonique, cette question tenait lieu de salutation. Je sentais de la prudence ou coyais entendre de la pitié. Cetains me consolaient avec l'espoir d'un dénouement rapide. Ces attitudes étaient compréhensibles, mais le fait d'en parler continuellement était devenu une torture. Ces discussions récurrentes sur les effets et els conséquences de chaque nouvel événement et le sentiment de devoir en permanence me justifier me démolissaient. Et je me demande combien de temps cette sorte d'occupation va encore durer? Ou plutôt je pose des questions sur le réveil. "Comment te sens-tu?" me demandent-ils tous. Je réponds: "Comme ça!",

Née en 1965 à Damas, Syrie. Etudes à l'université de Damas et à l'université d'arts appliqués de Vienne. Peinture, graphisme, performance vidéo, photographie.

Pour la performance "Flower Carrier", Sonia Khurana a pendant six ans parcouru des villes à travers le monde en tenant une fleur en plastique. Chaque lieu nous est révélé de façon à la fois visuelle et acoustique : par la cacophonie des bruits de la rue quand l'artiste évolue dans la petite ville de Modinagar, par les rues embouteillées de Delhi, par le village vallonné de Rajpur, par les métros bondés de Londres par la frontière Badarur jouxtant Delhi qui est touchée par des problèmes de [sous] développement. Le simple fait de marcher le regard rivé sur la tige d'une fleur [en plastique recyclé] devient bientôt une sorte de rituel personnalisé ; une étude du soi dans un univers urbain se transforme rapidement en une insurrection de ville turbulente?. Il n'y a pas de grande narration. La narration se fait ici dans et à travers l'action, presque comme une forme d'enquête psycho-visuelle.

S o n i a K h u r a n a abridged bio: Sonia Khurana?s studies in art include an M.A. in 1999 at the Royal College of Art, London, earllier art education in Delhi, a short course at the Film and Television institute in Pune, and in 2002, a 2-year Research residency at the Rijksakademie in Amsterdam. All of the above was pursued through sholarships and Awards, including the coveted INLAKS Award, in 1997. She now lives and works in New Delhi. « My art practice embraces areas in-between video, photography, elements of performance, text, drawing and installation. In my work I often makes psycho-sexual enquiries into two main areas of experience: interiority, or embodied experience, and the dynamics of identity. Recent body of work focuses on the poetics of inner experience mostly through performance-based videos that are often visually simple and understated Through deleberately poetic intimations, I strive to explore and re-define the space of the political. » During and beyond November 2007, Sonia?s works are currently showing at : ?Public places Private Spaces? - Newark Museum, ? Horn Please? - Kunstmuseum Bern, ? Tiger by the tail ? - Rose Museum, Boston, ?India-Art Now? Spazio Oberdan, Milan, Film Festival Roma, Rome, ?Performa 2007? ? Gallery Elga Wimmer, New York and ?Global Feminisms? - Davis Museum, Wellselly.

LES OUBLIES DE CASSIS « La carrière Fontblanche", l`un des derniers bidonvilles de France en bordure de Cassis. Un village sans nom, sans enfants ni femmes, qui abrite des Tunisiens venus dans les années 1970, contrat en main, pour construire les villas de la cité balnéaire. En octobre 2005, le village improvisé et insalubre où ils habitent depuis 35 ans est détruit, pour être remplacé par une résidence sociale. Le documentaire de Sonia Kichah raconte la mémoire et les histoires individuelles de certains de ces hommes. Des hommes fragilisés par des années d`exil, de sacrifices, d`abnégation de leur vie pour subvenir aux besoins de leurs familles restées au pays. Au milieu de cet amoncellement de cahutes de fortunes, la vie se rythme autour des repères sociaux et culturels reconstruits à l`identique du village natal. La perspective du nouvel habitat est pour eux un deuxième déracinement. Une violence diffuse, qui met à mal le ciment qui les maintient debout et met en lumière l`ambivalence du relogement, la reconstruction d`une nouvelle vie. C`est l`histoire de ces hommes, oubliés depuis 40 ans au milieu d`une carrière de calcaire, suspendu dans un espace temps qui n`appartient qu`à eux. L`histoire d`une intégration et d`un nouvel exil...

Sonia Kichah a fait ses études à Paris et obtint en 1998, un DEA de cinéma à la Sorbonne. Après avoir été assistante à la réalisation dans " Frantz Fanon" de Cheick Djemai, elle passe en 2002 derrière la caméra pour signer son 1er court métrage "Feu Vert". Puis, elle assiste de nouveau Cheick Djemai en 2002 sur le film "La Mémoire retrouvée". Elle réalise son premier documentaire "Identités voilées" en 2005. En 2007, elle obtient une bourse de la Francophonie pour la réalisation d?un court métrage, la veuve, la tante et l?enfant ». Elle réalise en 2008 son deuxième documentaire «  Les oubliés de Cassis ».

A BODY POLITIC CLOSE UP Public Hearing is the verbatim re-performance of a rural American town meeting from a transcript downloaded as publicly available information. Shot entirely in cinematic close-up on black-and-white 16mm film, a cast of actors and non-actors read between the lines in an ironic debate over a Wal-Mart store expansion.

James N. Kienitz Wilkins (b. 1983, USA) is a filmmaker and artist living in Brooklyn. He is the recipient of numerous grants and periodic awards for various projects of specific and/or universal proportions. He is a graduate of the Cooper Union School of Art in New York City.

In the 1860s and 70s the so-called Molly Maguire assassinations rocked Pennsylvania’s anthracite region and made national headlines. A Vague Dread Seems to Silence the Tongue attempts to conjure the specter of violence that emerged out of the racial animus and labor struggles of the Civil War in the present day, setting the bloody events of the late 19th century against the contemporary landscape of a fading coal economy.

Edward Kihn’s work ranges across documentary and experimental cinema, photography and installation, and focuses on entanglements of politics, technology and labor--especially as they reflect and shape the particularities of place. He has received awards and fellowships from organizations such as NYFA and the Whitney Independent Study program and his work has been shown at venues such as Ji.Hlava, CPH:DOX, MSPIFF, Mimesis, Arquiteturas, Artists Space and others. He teaches Film Studies and media production at CUNY and UCSD.

Jean-Luc Godard shot a film in Germany 28 years ago. A young female director retraces his steps through Germany. She is 28 years old and searches for answers about her german identity and the art of filmmaking. Godards Film is a film about ghosts and history. Does she become a ghost in her own film?

*Born 1990 in Southern Germany. Studied Scenography and Exhibition Design at the University of Arts and Design in Karlsruhe. One year visiting student at the Städelschule in Frankfurt am Main in the class of Douglas Gordon. Since 2013 studies documentary film at the University of Film and Television in Munich.

We react to the multitude of images of the world - of the world we live in. This work explores the effects of synchronizing intent, delivery and objectification. The artwork is named after the arena where the tournaments take place, Er Meydani, Place for (brave) Men. This three channel video installation attempts to create a hyper-gaze by coordinating, directing, forcing together the many components that constructed the atmosphere of the arena. My attempt is to intensify the relationship between the observed and the observer. The power of the gaze is empowering. The situation that I construct rises to a lesser extent from a desire to dominate. It is born from the empathic valence of the images of he who surrenders. It is a theater of the momentary defeated, of the broken wrestler.

Ezgi Kilincaslan was born in 1973, Besni-Turkey. She received a degree in art and pedagogic at Marmara University, Istanbul. She lives in Berlin and graduated as "Meister Schüler" from the University of the Arts (UdK) with Prof. Katharina Sieverding. While initially formed as a painter, she is now experimenting with a variety of mediums including photography, video and installation - exploring and questioning matters of power, related with patriarchy and gender. Her films have been shown at various film festivals amongst which the International Film Festival Oberhausen, the International Film Festival of Rotterdam and the Center for Contemporary Art, Geneva.

Land of Dreams title is a translation of a much loved Finnish tango ‘Satumaa’, which Heidi Kilpeläinen sang during her two Tango Therapy performance tours at Refugee Centres and war invalids and their widows homes in Finland (2017/2018). On this tour Kilpeläinen also invited the participants to sing back to her, in their own languages. The performances were filmed and edited into a 3-channel video installation and a shorter, single channel video. Songs and encounters with people from Iraq, Yemen, Syria, Afganistan, Somalia and Eritrea – to mention a few – combine with accounts of Finnish war invalids and widows talking about their experiences of the war between Russia and Finland during the second World War. Tango Therapy is a performance in which artist Heidi Kilpeläinen sings to one person at a time, sitting on opposite chairs, while rest of the audience listens and follows the performance. Anyone from the audience is welcome to sit on the chair as it becomes free. It is an intimate and personal performance of songs, mainly of Finnish tangos, with no technology or amplification. The focus in the performance is on the human presence and eye contact. Understanding Finnish language is not necessary, it is the melody and the sentiment which communicate beyond the boundaries of language.

Heidi Kilpeläinen (HK119) explores crossovers between visual art and music merging their boundaries in 'total works of art' and creating combinations of video, installation art and performance. Her work is equally inspired by the contemporary world and its technological fascinations, as well as the ancient, mythological forms that run through collective memory. She produces works of aesthetic interest with a critical eye on our social environment, reflecting on our human Heidi Kilpeläinen (HK119) explores crossovers between visual art and music merging their boundaries in 'total works of art' and creating combinations of video, installation art and performance. Her work is equally inspired by the contemporary world and its technological fascinations, as well as the ancient, mythological forms that run through collective memory. She produces works of aesthetic interest with a critical eye on our social environment, reflecting on our human condition within it. In recent years she has focused her attention to understanding the effects of transgenerational trauma and transformation as alchemical process. Kilpeläinen has widely exhibited and performed in galleries and prestigious institutions, with a rich record of participations in shows and festivals, such as Rajatila gallery, Tampere (2021) Od Arts Festival, Somerset (2021) Kiasma, Museum of Contemporary Art, Helsinki (2019 / 2005) Kajaani Art Museum, Kajaani (2019) Tate Modern / Tate Exchange, London (2018) Camden Arts Centre, London (2016) Beaconsfield Gallery, London (2016/2015) Performa 07, New York (2007) and New Contemporaries, London / Liverpool (2004). She has also released 3 albums under the title HK119 (One Little Indian Records, 2005 - 2013)  and has performed internationally in music venues, galleries and museums such as Tate Gallery, Victoria & Albert Museum, ICA, Casa da Musica and Kiasma. 

Situé approximativement dans la Corée des années 30, "Vaudeville" est un poème visuel sur le désespoir, l'errance et la perte d'identité culturelle.

Chansoo Kim a étudié l'animation à la Faculté D'Animations et Arts Numériques à l'Université de Californie du Sud, et il a produit des courts-métrages animés en utilisant diverses techniques, du dessin à la main au procédé de stop-motion (image par image) et de CGI (images de synthèse). Ses films, "Woman in the Attic" et "Floating" ont attiré l'attention des critiques dans le circuit des festivals. Son nouveau film, "Vaudeville", fait actuellement la tournée des festivals depuis le printemps 2005. Chansoo a récemment achevé l'"Animation Apprentice Program" aux studios "Rhythm and Hues" et travaille actuellement en animation CG.

A meditation on our fantastic condition of mortality and impermanence ... The peacock painted on the window will never dance or speak. It is only the peacock that lived in the forest which used to speak, dance, and walk in a sweet manner.

Andrew Kim (b. 1985) is an experimental filmmaker who received his MFA from School of Film/Video at the California Institute of the Arts in 2013. His work is inspired by the material properties of cinema and its unique ability to reify abstract ideas and ineffable feelings. Combining formal experimentation with at concern for the phenomenology of the cinematic experience, Andrew’s films are an attempt to understand the movement of the mind. Ultimately, his films attempt to transcend the exact mechanics of motion pictures such that a film might articulate a new kind of knowledge. Andrew’s films have screened at a variety of venues and festivals including the Ann Arbor Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Festival du Nouveau Cinema (Montreal), Images Festival (Toronto), BAFICI (Buenos Aries), UnionDocs, and Los Angeles Filmforum, among others. Andrew lives in Los Angeles, California. There he is a staff member at the Echo Park Film Center and teaches film production at the California Institute of the Arts.