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La vidéo met en scène le corps de personnages dénudés filmé en caméra infra rouge semblant errer dans un espace vert, enveloppés de silence. Les corps se heurtent, se touchent, se bousculent. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, entre violence et douceur les hommes semblent monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire.

Isabelle Lévénez aime à manier les contraires et l?ambiguïté. Les images, les titres de ses ?uvres, les phrases qu?elle écrit sont autant de jeux d?ombres et de lumières qui définissent la posture générale de l?artiste, développé par les multiples pièces de son travail tournant autour du thème du secret », nous proposant une réalité fragmentée, un jeu entre innocence rêves et fantasmes, entre douceur et violence. Biographie : Isabelle Lévénez Après des Etudes à l?école des Beaux Arts de Nantes elle décide de s?installer à Paris ou elle obtient en 1997 un DU en psychopédagodie à l?université paris V. En 1994 elle est sélectionnée pour le master de l?institut des Hautes études en arts plastiques crée par Pontus Hulten. En 1995 elle effectue un master multi média aux Arts et métiers à Paris. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l?étranger au cours desquels son travail a été exposé : New York, Milan, Madrid, Berlin, Moscou, Bratislava, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Nagoya, Reykjavik, Athènes, Riga, Barcelone, Istambul, Sofia. En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs à Los Angeles. Différents lieux en France et à l?étranger (Musées, Centres d?art, Fracs, Galeries?) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives , notamment

Je m`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion de mort et respect de l'environnement. Ainsi la vidéo, qui a pour titre " à mort la mer" montre des images en Noir et Blanc d`un paysage marin. La jeune fille filmée au bord de la mer, la présence du vent,un bateau échoué au milieu d`un champ créent une atmosphère étrange, ou temps, espace et mouvement sont modifiés. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers suréaliste semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. La jeune fille les mains tachées de goudron manipule un poisson dans l`eau, joue t `elle ? , est ce qu`elle le lave de son jus noir ? avant de finir triomphante sur son bateau échoué brandissant son trophée à la main: un poisson vierge de toute pollution!

Isabelle Lévénez (1970) vit et travaille entre Trélazé (49) et Paris. Elle est représentée par la Galerie Aeroplastic à Bruxelles. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l`étranger au cours desquels son travail a été exposé: New York, Milan,Barcelone, Madrid, Berlin, Moscou, Tokyo, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Reykjavik.... En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs (Los Angeles). Différents lieux en France (musées, centres d`art, Fracs...) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives notamment: Le centre d`art de Meymac (2007),Musée de Grenoble (2007), Le Palais de Tokyo (2006),Le lieu Unique, Nantes (2004),Le Centre d`art de St Fons (2002), Le Frac Haute Normandie ( 2002), Le rac Alsace (2000), La Fondation Guerlain, Paris (1999), La Box, Bourges (1997)...

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ces vidéo montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ainsi les vidéos ayant pour titre de série "Animaux domestiques", montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

Nine Hamlet RGB engages a simple algorithm to destabilize the timing of the red, green and blue frame sequential display system while incorporating fragmented, appropriated “to be or not to be” excerpts from nine Hamlet films. The audio is the synced sound from the appropriated excerpts laced with low frequency binaural tonal pulsations. The physicality of the constructed optical and aural experience is seeking a mechanism of unconscious disarticulation. The ghosting of colors, evanesent Hamlets, and somatic tones are looking for a “dream-work” that can be ciphered, displaced, or not.

Les LeVeque works with digital and analog electronic technology. His projects include single and multi-channel videos and video/computer based installations. His projects have been exhibited and screened internationally. Video Data Bank distributes his single-channel video work. He is represented by Kerry Schuss Gallery in New York City.

Communists Like Us is an ambient music video made from a few seconds of archival footage of Mao Zedong applauding and members of the Red Guard chanting. The title Communists Like Us was taken from the 1985 text of the same name written by Felix Guattari and Toni Negri.

Les LeVeque received an MFA in Video Research from the Department of Art Media Studies at Syracuse University. He is a Visiting Associate Professor in Film and Electronic Media at Bard College and co-Chair of the Film/Video program in the Milton Avery Graduate School of the Arts. His work has been exhibited internationally including 2000 Whitney Biennial, Georges Pompidou Center, Museum fur Neue Kunst ZKM, Australian Centre for the Moving Image, Museo de Arte Moderno Buenos Aires, Laboratorio Arte Alameda, Centre Culturel et de Cooperation Linguistique Bilbao, Pacific Film Archive, Palm Beach Institute of Contemporary Art, The Hammer Museum and The New Museum of Contemporary Art. Festival screenings of his work include Transmediale Berlin, San Francisco International Film Festival, and Sundance Film Festival. The Video Data Bank distributes his single channel video work. He is represented by KS Art in New York City.

« Stammering Forward Backward GIANT » est un re-montage du film « Giant » de George Stevens (1956) ? une histoire épique sur le Texas, le pétrole et le racisme. Condensé en 17 minutes et commençant au milieu, « Stammering Forward Backward GIANT » met en ?uvre des structures de montage improvisées et percussives, image par image, afin de dérouler le film simultanément vers la conclusion du début et de la fin.

Les Leveque est un artiste média électronique basé à New York. Son travail a été exposé internationalement, notamment à la Biennale Whitney de New York (USA) en 2000, au Centre Georges Pompidou de Paris (France), au Museum für Neue Kunst ZKM de Karlsruhe (Allemagne), à l?Australian Centre for the Moving Image, au Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentine), au Laboratorio Arte Alameda de Mexico (Mexique), au Centre Culturel et de Coopération Linguistique de Bilbao (Espagne), aux Pacific Film Archives de Berkeley (USA), au Palm Beach Institute of Contemporary Art de Lake Worth (USA), au Hammer Museum de Los Angeles (USA) et au New Museum of Contemporary Art de New York (USA). Ses ?uvres ont été projetées notamment à la Transmediale de Berlin (Allemagne), au San Francisco International Film Festival, et au Sundance Film Festival. La Video Data Bank distribue ses vidéoprojections. Il est également représenté par KS Art à New York.

Dramatically Repeating Lawrence of Arabia est un remix de l'orientaliste Laurence d'Arabie de David Lean en une dissonante hallucination de poses masculines répétées, costumes et gestes théâtraux.

Pendant la dernière décennie, Les LeVeque ont produit des ?uvres en vidéos où des structures des montage algorithmiques qui sont appliquées ont des médias de culture de masse, de films d'Hollywood, de publicités, de diffusions présidentielles et des auditions de publicités TV. Ces mots utilisent une utilisation impropre de la persistance de la vision et du phénomène de phi pour générer des hallucinations des sens, qui activent un espace aléatoire entre les images.

Last Person Shooter examine a range of both human and mechanical modes of vision. By way of a series of historical scenes reconstructed as 3D architectural models, the historical context of machine vision and its underlying concepts are conjured. These models are explored by an invisible protagonist, embodying the familiar, yet antiquated aesthetic of a first-person shooter. The work opens with a reconstruction of the assassination of Ahmed Jabri, a Palestinian militant who was targeted by an Israeli drone in November 2012. The assassination was documented simultaneously both by Palestinian passersby and by the IDF’s drone, creating two parallel, conflicting narratives: these were then uploaded to Youtube and tweeted, in what was in effect a war of images. The video leads into a dreamlike digital desert, evoking the Cuban Missile Crisis and its significance for the development of satellite reconnaissance during the 1960s. The protagonist embodies a birds-eye view, exploring the blind spots and prejudices of such varying perspectives. Finally, the film concludes with a reenactment of a video shot by an American soldier in Afghanistan in a first-person perspective. The footage offers an immersive, bleak representation of 21st century warfare and its mediation.

Adam Kaplan is an artist, ­a graduate of the Fine Arts department in Bezalel Academy in Jerusalem and the Academy of Fine Arts Vienna. Born in Jerusalem, he currently lives between Montreal and Berlin where he is studied under Hito Steyerl as a guest student in the Universität der Künste. Boaz Levin is an artist and writer based in Berlin. He studied at the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem and under Hito Steyerl at the Universität der Künste in Berlin.

The Guilty Sleep, filmed during more than 75 overnight ride-along shifts with the police, illuminates urgent issues related to the current state of policing. It's a composed collage of raw, slow paced, and evocative imagery and sounds that frame polarities such as justice/injustice, observer/observed, confined/free, power/disempowered, and innocence/guilt. The video highlights the landscape behind these dualities and focuses on their complex relationship to one another.

Erik Levine was born in Los Angeles, California in 1960. He has exhibited widely in the United States and Europe, most recently at Ludwig Forum Aachen with a solo survey exhibition of his videos from the past 15 years. His work includes video, sculpture, and drawings, and is in the public collections of the Whitney Museum of American Art, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Walker Art Center, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, and Des Moines Art Center, among several others. He has received numerous awards including a Guggenheim Fellowship and three Pollock–Krasner Foundation awards. In addition, he’s received two grants each from the National Endowment for the Arts, the New York Foundation for the Arts, the New York State Council on the Arts, and the Massachusetts Cultural Council, as well as grants from Awards in the Visual Arts, Nancy Graves Foundation, and the Jerome Foundation.

Dans une routine déjà bien installée, le personnage commence sa journée en revêtant une combinaison intégrale en tricot. Cette mise en abyme d’un huit clos domestique le guidera tout au long de ses activités quotidiennes : lire, manger, nettoyer, brosser. Cette seconde peau le suivra jusqu’à la délivrance d’une nouvelle nuit dont il en oubliera même de la retirer. Le mystère de son identité perdurera dans la monotonie détricotée de ses journées.

Mehryl Levisse (né à Charleville-Mézières) est un artiste français qui explore les frontières, les enjeux sociologiques et les représentations archétypales du corps, au travers de médiums tels que la photographie, l’installation ou les pratiques performatives. Dans son travail le corps n’est pas une fin mais un commencement, un matériau malléable et adaptable aux idées. Mehryl Levisse se met en scène dans des environnements de fortune inspirés par son histoire familiale, la littérature, les expériences de vie, la philosophie, la musique, la mythologie, le cinéma, les cultures populaires et beaucoup d’autres sources encore... Ses environnements entre parodie sociale et pathétisme critique, prennent les codes du théâtre et utilisent le corps comme s’il était un objet. Mehryl Levisse considère son travail photographique comme la trace documentaire de situations s’étant déroulées dans l’intimité de son atelier. Il construit soigneusement et patiemment ses environnements pièce après pièce au sein de son espace de travail, dans la volonté permanente de n’utiliser aucune retouche informatique une fois la captation photographique réalisée. Il vit et travaille entre Paris et Raillicourt (Champagne-Ardenne), France.

Filmed in Maison de l`Armateur, One of the few houses in Le Havre, France that remained in tact after the city was almost completely destroyed in the allied bombings of 1944. The tower like mansion is a kind of museum. A woman, the curator, is rigorously organizing objects. All kinds of dishes, globes, shells, sculptures, paintings, taxidermy animals, maps, ship models etc... There is something obsessive about her preciseness and the time she invests in placing each item. It is clear that despite the objects useful proposes, they are not being used, lifeless. The more she organizes them, the more she kills them. The work is about a nostalgia to a world that no longer exists, and perhaps never did. The house is built like a spiral, where each floor has more and more rooms, full of treasures that all tell the story of western colonialism, particularly French 19th century bourgeoisie objects, with curiosity cabinets full of exotic oddities from faraway conquered lands. The woman seems to have a special relationship to the objects. Her love and care for the objects, also express her love of the culture she belongs to. The film makes references to suspense movies, such as Hitchcock Vertigo. And the soundtrack is based parts of Bernard Hermann?s Psycho soundtrack.

Born in Tel Aviv, lives in New York Levy?s solo exhibitions include World Order, Center For Contemporary Arts, Tel Aviv (2012); The Wake/ Silent Among Us, Loop Fair, Barcelona (2012); Wild Thing, Nicelle Beauchene Gallery, NYC (2010); and Dreams & Disasters, Habres+Partner Gallery, Vienna, Austria (2009). Her group exhibitions include Unnatural, Bass Museum of Art, Miami (2012); Art and Social Activism, Nicholas Cohn Art Projects, Long Island City, NY (2012); Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art, Israel Museum, Jerusalem (2012); Lush Life, Invisible-Exports Gallery, NYC (2010); and Trembling Time: Recent Videos from Israel, Tate Modern, London (2010). Levy was awarded residencies by the LMCC in 2012, Omi International Arts Center (2011), the I-Park Residency Program (2011), and the Institut Francais/Triangle Arts Association (2010), and received the Young Artist Award by the Ministry of Culture and Sport, Israel (2008). She received her B.A. from Camberwell College of Art and her Post Graduate Diploma from Duncan of Jordanstone ? College of Art, Dundee University.

In the midst of the recent revolution in Egypt, Beduins in Israel get updated on the latest news from their car`s radio, in what seems to be the middle of nowhere. Suddenly a bus load of Polish "holyland" pilgrims fill the landscape, posing with Beduin`s camel and taking pictures.

Born in Tel Aviv, Israel, lives in New York 1998 PostGrad- Electronic Imaging Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee 1997- BA Camberwell College of Art, London . Won the Dumbo Arts Festival NYC best open studio award in 2010; Won the 2008 Young Israeli Artist Award, The Hamburg Film festival low budget jury award 2006, Took part in the Berlinale Talent Campus in 2006. Took part in various international artist residencies in the USA: New York 2009-2010, 2011, Florida 2001,Connecticut 2011; In France: Le Havre 2011; in Austria: Vienna 2005, Linz 2003, and in Italy Milan 2007. Solo exhibitions include at: Nicelle Beauchene NYC 2010, Habres+Partner Gallery Vienna 2009; Tavi Dresdner Gallery Tel Aviv 2008; Rosenfeld Gallery, Tel Aviv 2004; Haifa Museum of Art 2004.

Le film est construit à partir d'une suite de photographies prises par l'artiste dans une maison abandonnée, près du mur de séparation dans le territoire palestinien. Les graffitis sur les murs de la maison indiquent que l'armée israélienne occupait ce site. Il s'agit d'un jour ordinaire, les habitants ne peuvent pas partir sans permission, ils sont emprisonnes comme des moutons. Mais les enfants n'ont pas perdu la foi, ils font voler un cerf-volant noir fabriqué avec un sac en plastique.

Dana Levy est née en 1973 à Tel Aviv. Elle a un MA en imagerie électronique du Duncan of Jordanston College of Art (Dundee, Ecosse) et un BA en graphisme du Camberwell College of Art (Londres). Elle vit actuellement en Israel, où elle travaille la photographie numérique, la vidéo single channel et les installations vidéo et multimédia. Son oeuvre explore les notions d'indentité et de frontières, d'appartenance au lieu, d'architecture temporelle. Elle a participé à des résidences d'artistes en Autriche, en Finlande et aux Etats-Unis. Elle a également montré son oeuvre au Haifa Museum of Art, à la Rosenfeld Gallery à Tel Aviv, au Digital Art LAb en Israel. Elle a participé à diverses manifestations collectives, au Tel Aviv Museum of Art, au Smack Mellon à New York, à l'OK center for Contemporary art en Autriche, au Jewish Museum à New York. Ses vidéos ont été projetées dans divers festivals de films.

A la frontière entre film de science-fiction, roman-photo et found-footage film, another picture for the end questionne la multiplication des images autant que la domination du discours et de la pensée médiatique contemporaine par les tech-entrepreneurs et autres milliardaires-héroïques. Une I.A., dans un futur incertain, essaye de se souvenir, ou de recréer une mémoire, pour comprendre comment le monde qui l’entoure est devenu ainsi.

Né en 1981 à Genève. Après une première vie dans les méandres de la communication audiovisuelle d’entreprises, Jonathan Levy-Forcada a fait un virage à 180 degrés en 2015 et repris des études en Arts Visuels, d’abord à la HEAD Genève puis à l’EDHEA à Sierre, dont il est sorti diplômé d’un Master en juin 2023. Son travail porte sur les questions du langage capitaliste à l’heure du Capitalocène, sur les liens entre humains et non-humains et sur les différents modes de représentations d’un monde en pleine hybridation. Ses médiums de prédilection sont la vidéo, la photographie, l’écriture et la performance.

Creatures of the Lines is an artist film and collaboration with anthropologist Heather Anne Swanson. It explores how desires for economic growth and linear progress have produced straightened forms in England’s watery terrains and asks what risks are associated with the conversion of once-curvy and braided worlds into a linearised landscape. Drawing on their longstanding research interests and conversations exploring the risks to and in aquatic ecologies with freshwater scientists, the film explores how English waterscapes have been transformed via the construction of canals. As arteries of British Empire, canals linked Indian cotton fields to domestic textile mills, facilitating vast ecological transformations from monoculture agriculture in the colonies to industrial discharges in England’s waters, soils, and air– and thus serve as a key site for exploring often-overlooked histories of colonial capitalism and their material presences in contemporary worlds. Attempting to work from within muddy, submerged sites, rather than from grand narratives or “god’s-eye” viewpoints, the work begins inside canals, telling stories from within the lines. Making use of the open-ended sensibilities of ethnography and natural history, it raises questions about ecological transformations and their ties to infra/structures of global political economy.

Sonia Levy's inquiry-led practice considers shifting modes of engagement with more-than-human worlds in light of prevailing Earthly precarity. Her work operates at the confluence of knowledge practices to interrogate Western expansionist and extractivist logics. She is the 2023-2024 recipient of the European Marine Board artist-in-residence programme. She was the 2022 selected artist of the S+T+ARTS4Water residency hosted by TBA21 in Venice and the 2021 commissioned artist at Radar Loughborough and Aarhus University's "Ecological Globalization Research Group". She has presented her work internationally, including shows and screenings at Ocean Space, Venice; Museo Thyssen, Madrid; Museo CA2M, Madrid; Sainsbury Centre, Norwich; ICA, London; The Showroom, London; Goldsmiths College, London; BALTIC, Gateshead; ZKM, Karlsruhe, Art Laboratory Berlin; HDKV, Heidelberg; Centre Pompidou, Paris; Musée de la Chasse et de la Nature, Paris; Muséum d'Histoire Naturelle, Paris, Verksmiðjan á Hjalteyri, Iceland Whale Museum, Iceland; Harvard Graduate School of Design, Cambridge USA; NYU Gallatin, New-York, Paris. Her work has been published by MIT Press and Thames & Hudson.

`Backstory` introduces the remaining stars of rear projection, a technique prevelant in cinema until the development of green screen. In Backstory, Lewis invited the Hansard family, which has been instrumental in the provision and development of rear projection for hundreds of Hollywood productions over several decades, to tell (with humour and straight-laced directness) their own story of the heyday of the techniques and their decline and disappearance as they are replaced by new technologies and new tastes in visibility.

Born in Ontario in 1957, Mark Lewis is an artist who lives and works in London. Solo Exhibitions include: the Vancouver Art Gallery (Canada), Hamburger Kunstverein (Germany), Musée d?art moderne (Luxembourg), BFI Southbank (London) and Museo Marino Marini (Italy) Forte Di Bard (Italy) and Monte Clark (Vancouver, Canada). In 2009 Mark represented Canada at the 53rd Venice Biennale with his exhibition Cold Morning. His films have been shown at a number of international film festivals including; Rotterdam International Film Festival 2010 (The Netherlands), Toronto International Film Festival 2009 (Canada) and Berlin International Film Festival 2010 (Germany).

Mark Lewis was born in 1958 in Hamilton, Ontario. From 1989 to 1997 he lived in Vancouver becoming part of the burgeoning photoconceptualism scene of the Vancouver School. Much of his work focuses on the technology of film and the different genres which have been developed in over 100 years of film history. His films are often short, precise exercises on particular techniques. His films tend to look at contemporary cities, film history, and the way film has impacted ideas about everyday life—subjects, for instance, have included ice skaters at Toronto’s Nathan Phillips Square and a custodial worker at Vancouver’s 1500 West Georgia Street. In 2009, Lewis represented Canada at the Venice Biennale. Other exhibitions include shows at the Power Plant, the Vancouver Art Gallery, the Hamburger Kunstverein, BFI Southbank and the Art Gallery of Ontario. His work is in many collections including the National Gallery of Canada, the Museum of Modern Art and the Centre Pompidou. Lewis is also co-editorial director of Afterall, which produces a journal and books on contemporary art.

C’est l’été en Normandie. Céline travaille sur un chantier de fouilles et en profites pour passer un week-end dans son village d'enfance, qu'elle n'a pas revu depuis longtemps. Ses recherches archéologiques se mêlent à des retrouvailles plus ou moins probables au fil de ses promenades.

Originaire de Normandie (France), Christelle Lheureux est cinéaste, artiste et enseignante. Elle vit à Paris (France) et enseigne à la Haute école d’art et de design de Genève (Suisse). Après une formation aux universités d’Amiens (France) et de Paris VIII (France), aux Beaux-Arts de Grenoble (France) et au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, Tourcoing (France), elle réalise de nombreuses installations vidéo dans les années 2000, et participe à de nombreuses expositions, biennales et résidences d’art contemporain en Europe et en Asie. Dans les années 2010, elle réalise plusieurs courts et moyens-métrages primés dans des festivals de cinéma. Elle prépare actuellement "Le vent des crocodiles", son premier long-métrage avec Christmas in July (Julie Salvador), "Dans le ventre de la baleine", un moyen métrage en Thaïlande avec Kidam (François-Pierre Clavel), et termine "80 000 ans", un court métrage en diptyque.

Un film où deux récits s`entrelacent, l`un issu d`un soap opera que diffuse la télévision, l`autre, d`une jeune femme qui la regarde dans sa maison, à Saigon. Le récit télévisuel d`un enfant à la recherche de son père dans le delta du Mekong, pris dans la tourmente de la guerre d`Indochine, se superpose au quotidien de cette jeune téléspectatrice vietnamienne que la caméra suit. Le premier récit prend le pas sur l`autre et inversement. Le film joue sur les écarts et les croisements de ces deux histoires, confrontant ainsi l`imaginaire collectif communiste au quotidien d`une vie urbaine en pleine expansion.

Née en 1972, Christelle Lheureux est artiste et cinéaste, basée à Paris. Après une formation aux universités d?Amiens et de Paris 8, elle étudie aux Beaux-Arts de Grenoble puis au Fresnoy. Elle est représentée par la galerie Blancpain (Genève) et Artericambi (Italie). Elle enseigne le cinéma à la Haute école d?Art et & de Design de Genève et crée Third Home Films avec Antoine Segovia en 2006. Elle réalise des installations vidéo et des films depuis 1997 qu`elle présente dans des lieux d`art contemporain (Grand Palais, Palais de Tokyo, Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, Espace Paul Ricard à Paris, Castello di Rivoli en Italie, MAMCO à Genève, Die Appel à Amsterdam, Pusan Biennale et Art Sonje en Corée du Sud, Hiroshima Art Document au Japon...) et dans des festivals de cinéma (Rotterdam International Film Festival, Visions du réel à Nyon, FID Marseille, Bangkok Experimental Film Festival, Vancouvert International Film Festival...). Elle réalise plusieurs résidences en Asie (Villa Kujoyama au Japon, Cité Siam à Bangkok, SOC à Saigon?) et collabore selon ses projets avec d`autres artistes, cinéastes, architectes ou écrivains, dont pour les plus récurrents, Apichatpong Weerasethakul (cinéaste thaï) et Philippe Rahm (architecte).

D?après ?Barefoot Gen?, un manga de Keiji Nakazawa. De ce film, nous ne verrons rien. Une voix nous en raconte l?histoire. La voix d?un jeune japonais qui erre dans les montagnes autour d?Hiroshima, soixante ans après. L?histoire de la bombe atomique à travers ses représentations, ce qu?elle devient au travers du regard de ce jeune homme, ce qu?elle convoque dans notre imaginaire.

Christelle Lheureux est artiste et cinéaste. Née en 1972, elle vit à Paris et est représentée par la galerie Blancpain (Genève) et Play Film production (Paris). Elle enseigne le cinéma à l?Ecole des Beaux-Arts de Genève. Elle réalise des installations vidéo et des films depuis 1997 qu'elle présente dans des lieux d'art contemporain (Grand Palais, Palais de Tokyo, Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, Espace Paul Ricard à Paris, Castello di Rivoli en Italie, MAMCO à Genève, DieAppel à Amsterdam, Pusan Biennale et Art Sonje en Corée du Sud, Hiroshima Art Document au Japon...) et dans des festivals de cinéma (Rotterdam International Film Festival en Hollande, Festival International de Cinéma de Nyon en Suisse, Festival International du Film Documentaire à Marseille, Bangkok Experimental Film Festival en Thaïlande, Vancouvert International Film Festival au Canada...). Elle réalise plusieurs résidences en Asie (Villa Kujoyama au Japon, Cité Siam à Bangkok) et collabore selon ses projets avec d`autres artistes, cinéastes, architectes ou écrivains, français ou étrangers ; dont Apichatpong Weerasethakul (cinéaste thaï) et Philippe Rahm (architecte).

At the speed of light a conversation is heard, learned and remembered. Through unmeasured distances two men share stories about their travels. In the deep waters someone, wandering, dreams dream rooms where no dreams are dreamt.

Gaetano Liberti and Luciano Pérez Savoy both studied the BA in Film Directing at the Film.Factory programme, founded and mentored by Béla Tarr in Sarajevo. Gaetano’s video works and installations have been presented internationally, and his film "J" premiered in FID Marseille 2018 and was also in the official selection at IFFRotterdam 2019. Luciano’s first feature-length film, titled "M-1", premiered in the 35th Torino Film Festival and won the prize for “Best International Documentary” as well as the prize for “Best Mexican Documentary” at the Monterrey International Film Festival. Have You Seen This Place? is the name under which Gaetano Liberti (Italy, 1983) and Luciano Pérez Savoy (USA/Mexico, 1993) are developing works that, departing from cinema, expand into other hybrid formats and in-between mediums. Their collaboration began in 2019, and “Can Someone Meet Me In Dark Alley?” is the first co-directed film they have produced, premiered in the International Competition in FIDMarseille 2022. They are currently working on an installation titled “Dreaming Dream Rooms Where No Dreams Are Dreamt”.

Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

The starting point of this work is a single image, or rather, multiple images from the same moment: the Annunciation. The image which represents the moment of the Annunciation is a map. The map was used as a guide to construct the space. A single space that contains two places: a room in a film and a waiting room. The frame of projection and the sound constantly connects these two places and time itself. Light-air-time. A boy who lives in two levels connected by a frame discovers the image of himself through the sounds that come from another place. ON THE AIR DOCUMENT* is a document, a video transcription, a visual and sound trace that stands as a document of the project ON THE AIR ? The Annunciation. Project for a waiting room (installation and videowork).**

Gaetano Liberti (1983). In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he attends the High Training Course for the Actor conducted by Cesare Ronconi (Teatro Valdoca), and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. From 2005 to 2008 he works as actor for Teatro Valdoca in Landscape with broken brother and in special projects. In 2006 he works as actor for Motus in A place [that again]. Since 2006 he is working with the artistic research group Opera. In 2005 he created brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the italian and international theatre and the artistic panorama. At the moment part of his investigation focuses on the sound, the boundaries of the cinema-device, the remembrance, the frame and the off-screen.

«In this glass air bubbles do not trace any world map.» «It seemed so, at first sight but then?» (from Storm dialogues) FIRST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the making of a film. LAST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the film that we are watching. They are wondering if a storm could kill. Three ?true images? of three real storms that have been filmed by somebody are interrupting, suspending, breaking up. It feels as if someone is falling down, but the fall is not visible. The characters are trying to reconstruct some kind of truth starting from words, conversations, questions and answers: the language. Their gaze ? in a long subjective shot ? is constantly returning images of crossing over in an endless shifting between the inside and the outside. Storm seems to exist close to something ? a window, a word, the film itself ? neither inside nor outside, constantly swinging between what is happening (or not) inside or outside the room, inside or outside the speech, in the objectivity of the (etymological) rule or in the uncertainty of the insight. (Storm is an unknown chapter part of ?F ? Anthology of failure from a survey on the next desert?.)

Gaetano Liberti. Filmmaker, performer. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the Italian and international theatre and the artistic panorama. In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. At the moment part of his investigation focuses on the filing systems of the instant, the boundaries of the cinema-device, the remembrance and the frame.

From the place we don?t know is an unknown chapter part of ?F ? Anthology of failure from a survey on the next desert?. There is no story. The subjects ? which are only subjects ? have no specific or particular experience. They have no past, they are given. The place where they exist is the place where nothing will never happen, and their being in that place defines and generate the failure of the story. Starting from this lack ? having not a story, unable to write it, unable to have a relationship with it, having not received it ? the camera fails its task. The camera is literally outrunned by the untiring running of the subjects without a history, a film without a story. ? I think of two people who run fast, they take a car and I think about a camera left alone, without subjects, outrunned.?

Gaetano Liberti born in Rovereto in 1983. In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he meets Cesare Ronconi and Mariangela Gualtieri of Cesena?s Teatro Valdoca where he attends the High Training Course for the Actor, and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. Since 2005 he works as an actor, performer and filmaker collaborating with various active realities in the contemporary italian theatrical and artistic panorama (Teatro Valdoca, Motus, Vincenzo Schino, Muna Mussie?) In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces filmworks as a writer and director, and develops his artistic research in the field of performance, installation and other devices. At the moment part of his investigation focuses on the practice of truth, failure, intimacy and the desert.

?I always dream only of houses. Ruined houses to be put in order, new houses to furnish?? G. Truth is the telling of a falsehood. B.A.T.W.H.N.S.A.Y.H.B. ? Blessed Are Those Who Have Not Seen And Yet Have Believed revolves around a first research on the practice of truth and on the action of witnessing. The consistence of the human language, the eloquence of objects and of places, the resistance of things to abandonment, the breaking in of the present. It?s actually impossible to speak the truth, to be a witness form the outside. It?s neither possible to be a witness from within. It seems that this unfeasible position and this tension imbedded in the act of witnessing is to be neither simply within, nor outside, but, paradoxically, both inside and outside at the same time. An abandoned place and dreams are subject to the same rules. Therefore, in these places, it will not matter anymore to speak the truth.

Gaetano Liberti born in Rovereto in 1983 from a Croatian mother and Neapolitan father. In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he meets Cesare Ronconi and Mariangela Gualtieri of Cesena?s Teatro Valdoca where he attends the High Training Course for the Actor ? organized by ERT and Teatro Valdoca ? and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. Since 2005 he works as an actor, performer and videomaker collaborating with various active realities in the contemporary italian theatrical and artistic panorama (Teatro Valdoca, Motus, Vincenzo Schino, ?) In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces video works as a writer and director, and develops his artistic research in the field of performance, installation and other devices. At the moment part of his investigation focuses on the practice of truth, relics, false statements, intimacy and memory. THEATRE/ACTOR Teatro Valdoca ? Landscape with broken brother (2005); special projects (from 2005). Motus - Pre-paradise sorry now ? Piccoli Episodi di Fascismo Quotidiano ? (video) (2005); A place. [that again] (2006). Vincenzo Schino ? Opera (2006); Operette (2006-2007); Voilà (2008); Limite (2009). GROUP PROJECTS AND COLLABORATIONS PRIMAVERA 2009 ? with Muna Mussie ? for Teatrino Clandestino?s ?Candide? ? Bologna (2009) COLORE - with Sonia Brunelli, Leila Gharib, Luca Mattei, Muna Mussie, Irena Radmanovic - Fies Factory One - Dro (TN) (2008). CROSSING OVER ? with Luca Mattei, Muna Mussie, Irena Radmanovic - Torcito parco danza - Cannole (LE) (2008).

« Threshold I » constitue la première des trois parties du cycle vidéo « Threshold » sur la mémoire retrouvée. L?artiste dit être actuellement ? ce qu?il considère être un attribut de l?esprit ? dans un état de distraction, de perte, avec la sensation de se trouver toujours au commencement et de devoir « reprendre le fil ». Aller ? mettre en ordre ? devoir. Trouver un score de vitesse qui permette d?éliminer le temps et la distance pourrait seulement amener ? par définition ? à un échec. Le seuil d?où l?on observe les choses n?a ni emplacement, ni durée. L?acte de se rappeler implique toujours un échec et une naissance. « Threshold I » : Caméra subjective. Deux lieux. Deux maisons. Deux personnes chéries. Deux grand-mères. La proximité des objets, des choses ? la distance avec laquelle nous les regardons. Ici, le temps n?existe pas. Comme si tout était à sa place et bien rangé ? comme cela arrive au début, dans les ténèbres de l?entrée ? avec ce tapis continuellement soulevé. Plutôt que la lumière qui met toujours les choses à leur place.

Gaetano Liberti est né en 1983 d?une mère croate et d?un père napolitain. En 2004, après avoir fini les Beaux-Arts de Trente (Italie), il rencontre Cesare Ronconi et Mariangela Gualtieri du Teatro Valdoca de Cesena (Italie), dont il suit le cours de théâtre intensif et commence des recherches personnelles sur l?utilisation du corps, sur le mouvement physique, sur la voix et le son. En 2005, il réalise « Brailleway » et commence ses propres recherches artistiques, en utilisant la vidéo dans le script et la direction. Il travaille actuellement sur l?incapacité d?évoquer ses souvenirs, sur le mouvement en arrière, sur le silence et sur le concept de dispositif et d?éternité. Depuis 2005, il travaille comme acteur, artiste, et réalisateur de vidéo, en collaboration avec différents milieux du théâtre contemporain et du paysage artistique italien.

At the speed of light a conversation is heard, learned and remembered. Through unmeasured distances two men share stories about their travels. In the deep waters someone, wandering, dreams dream rooms where no dreams are dreamt.

Gaetano Liberti and Luciano Pérez Savoy both studied the BA in Film Directing at the Film.Factory programme, founded and mentored by Béla Tarr in Sarajevo. Gaetano’s video works and installations have been presented internationally, and his film "J" premiered in FID Marseille 2018 and was also in the official selection at IFFRotterdam 2019. Luciano’s first feature-length film, titled "M-1", premiered in the 35th Torino Film Festival and won the prize for “Best International Documentary” as well as the prize for “Best Mexican Documentary” at the Monterrey International Film Festival. Have You Seen This Place? is the name under which Gaetano Liberti (Italy, 1983) and Luciano Pérez Savoy (USA/Mexico, 1993) are developing works that, departing from cinema, expand into other hybrid formats and in-between mediums. Their collaboration began in 2019, and “Can Someone Meet Me In Dark Alley?” is the first co-directed film they have produced, premiered in the International Competition in FIDMarseille 2022. They are currently working on an installation titled “Dreaming Dream Rooms Where No Dreams Are Dreamt”.

Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

The starting point of this work is a single image, or rather, multiple images from the same moment: the Annunciation. The image which represents the moment of the Annunciation is a map. The map was used as a guide to construct the space. A single space that contains two places: a room in a film and a waiting room. The frame of projection and the sound constantly connects these two places and time itself. Light-air-time. A boy who lives in two levels connected by a frame discovers the image of himself through the sounds that come from another place. ON THE AIR DOCUMENT* is a document, a video transcription, a visual and sound trace that stands as a document of the project ON THE AIR ? The Annunciation. Project for a waiting room (installation and videowork).**

Gaetano Liberti (1983). In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he attends the High Training Course for the Actor conducted by Cesare Ronconi (Teatro Valdoca), and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. From 2005 to 2008 he works as actor for Teatro Valdoca in Landscape with broken brother and in special projects. In 2006 he works as actor for Motus in A place [that again]. Since 2006 he is working with the artistic research group Opera. In 2005 he created brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the italian and international theatre and the artistic panorama. At the moment part of his investigation focuses on the sound, the boundaries of the cinema-device, the remembrance, the frame and the off-screen.

«In this glass air bubbles do not trace any world map.» «It seemed so, at first sight but then?» (from Storm dialogues) FIRST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the making of a film. LAST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the film that we are watching. They are wondering if a storm could kill. Three ?true images? of three real storms that have been filmed by somebody are interrupting, suspending, breaking up. It feels as if someone is falling down, but the fall is not visible. The characters are trying to reconstruct some kind of truth starting from words, conversations, questions and answers: the language. Their gaze ? in a long subjective shot ? is constantly returning images of crossing over in an endless shifting between the inside and the outside. Storm seems to exist close to something ? a window, a word, the film itself ? neither inside nor outside, constantly swinging between what is happening (or not) inside or outside the room, inside or outside the speech, in the objectivity of the (etymological) rule or in the uncertainty of the insight. (Storm is an unknown chapter part of ?F ? Anthology of failure from a survey on the next desert?.)

Gaetano Liberti. Filmmaker, performer. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the Italian and international theatre and the artistic panorama. In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. At the moment part of his investigation focuses on the filing systems of the instant, the boundaries of the cinema-device, the remembrance and the frame.

From the place we don?t know is an unknown chapter part of ?F ? Anthology of failure from a survey on the next desert?. There is no story. The subjects ? which are only subjects ? have no specific or particular experience. They have no past, they are given. The place where they exist is the place where nothing will never happen, and their being in that place defines and generate the failure of the story. Starting from this lack ? having not a story, unable to write it, unable to have a relationship with it, having not received it ? the camera fails its task. The camera is literally outrunned by the untiring running of the subjects without a history, a film without a story. ? I think of two people who run fast, they take a car and I think about a camera left alone, without subjects, outrunned.?

Gaetano Liberti born in Rovereto in 1983. In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he meets Cesare Ronconi and Mariangela Gualtieri of Cesena?s Teatro Valdoca where he attends the High Training Course for the Actor, and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. Since 2005 he works as an actor, performer and filmaker collaborating with various active realities in the contemporary italian theatrical and artistic panorama (Teatro Valdoca, Motus, Vincenzo Schino, Muna Mussie?) In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces filmworks as a writer and director, and develops his artistic research in the field of performance, installation and other devices. At the moment part of his investigation focuses on the practice of truth, failure, intimacy and the desert.

?I always dream only of houses. Ruined houses to be put in order, new houses to furnish?? G. Truth is the telling of a falsehood. B.A.T.W.H.N.S.A.Y.H.B. ? Blessed Are Those Who Have Not Seen And Yet Have Believed revolves around a first research on the practice of truth and on the action of witnessing. The consistence of the human language, the eloquence of objects and of places, the resistance of things to abandonment, the breaking in of the present. It?s actually impossible to speak the truth, to be a witness form the outside. It?s neither possible to be a witness from within. It seems that this unfeasible position and this tension imbedded in the act of witnessing is to be neither simply within, nor outside, but, paradoxically, both inside and outside at the same time. An abandoned place and dreams are subject to the same rules. Therefore, in these places, it will not matter anymore to speak the truth.

Gaetano Liberti born in Rovereto in 1983 from a Croatian mother and Neapolitan father. In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he meets Cesare Ronconi and Mariangela Gualtieri of Cesena?s Teatro Valdoca where he attends the High Training Course for the Actor ? organized by ERT and Teatro Valdoca ? and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. Since 2005 he works as an actor, performer and videomaker collaborating with various active realities in the contemporary italian theatrical and artistic panorama (Teatro Valdoca, Motus, Vincenzo Schino, ?) In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces video works as a writer and director, and develops his artistic research in the field of performance, installation and other devices. At the moment part of his investigation focuses on the practice of truth, relics, false statements, intimacy and memory. THEATRE/ACTOR Teatro Valdoca ? Landscape with broken brother (2005); special projects (from 2005). Motus - Pre-paradise sorry now ? Piccoli Episodi di Fascismo Quotidiano ? (video) (2005); A place. [that again] (2006). Vincenzo Schino ? Opera (2006); Operette (2006-2007); Voilà (2008); Limite (2009). GROUP PROJECTS AND COLLABORATIONS PRIMAVERA 2009 ? with Muna Mussie ? for Teatrino Clandestino?s ?Candide? ? Bologna (2009) COLORE - with Sonia Brunelli, Leila Gharib, Luca Mattei, Muna Mussie, Irena Radmanovic - Fies Factory One - Dro (TN) (2008). CROSSING OVER ? with Luca Mattei, Muna Mussie, Irena Radmanovic - Torcito parco danza - Cannole (LE) (2008).

« Threshold I » constitue la première des trois parties du cycle vidéo « Threshold » sur la mémoire retrouvée. L?artiste dit être actuellement ? ce qu?il considère être un attribut de l?esprit ? dans un état de distraction, de perte, avec la sensation de se trouver toujours au commencement et de devoir « reprendre le fil ». Aller ? mettre en ordre ? devoir. Trouver un score de vitesse qui permette d?éliminer le temps et la distance pourrait seulement amener ? par définition ? à un échec. Le seuil d?où l?on observe les choses n?a ni emplacement, ni durée. L?acte de se rappeler implique toujours un échec et une naissance. « Threshold I » : Caméra subjective. Deux lieux. Deux maisons. Deux personnes chéries. Deux grand-mères. La proximité des objets, des choses ? la distance avec laquelle nous les regardons. Ici, le temps n?existe pas. Comme si tout était à sa place et bien rangé ? comme cela arrive au début, dans les ténèbres de l?entrée ? avec ce tapis continuellement soulevé. Plutôt que la lumière qui met toujours les choses à leur place.

Gaetano Liberti est né en 1983 d?une mère croate et d?un père napolitain. En 2004, après avoir fini les Beaux-Arts de Trente (Italie), il rencontre Cesare Ronconi et Mariangela Gualtieri du Teatro Valdoca de Cesena (Italie), dont il suit le cours de théâtre intensif et commence des recherches personnelles sur l?utilisation du corps, sur le mouvement physique, sur la voix et le son. En 2005, il réalise « Brailleway » et commence ses propres recherches artistiques, en utilisant la vidéo dans le script et la direction. Il travaille actuellement sur l?incapacité d?évoquer ses souvenirs, sur le mouvement en arrière, sur le silence et sur le concept de dispositif et d?éternité. Depuis 2005, il travaille comme acteur, artiste, et réalisateur de vidéo, en collaboration avec différents milieux du théâtre contemporain et du paysage artistique italien.

"How do we know what we know?" Le journaliste en studio s?adresse à l?envoyé spécial qui n?a pas pu avoir accès à la zone de conflit évoquée dans le reportage qu?il a fabriqué à partir d?images amateures. Il y a quelques années à peine, on pouvait encore entendre dire que c?étaient les médias qui décidaient du début d?un conflit, à partir du moment où les journalistes se rendaient sur place. La multiplication des images tournées par les protagonistes eux- mêmes, couplées à leur diffusion quasi-instantanée, modifie cette équation. Avons-nous encore besoin des journalistes ? Les images sont des outils et des armes pour la conduite des guerres. Ce n?est pas nouveau en soi, mais ce qui l?est sans doute davantage est la multiplication de leurs sources. C?est par conséquent un moment propice pour ques- tionner le travail journalistique « classique », celui qui s?appuie notamment sur le témoignage rarement contesté des correspondants de guerre. Tout l?appareillage entourant cette couverture médiatique paraît déjà un peu dépassé et sera peut-être bientôt caduc : les envoyés spéciaux, les équipes de tournage, les camions satellite, les hôtels de guerre, les « flash info » et autres « breaking news », le jingle dramatique du téléjournal... Qu?est-ce qu?une « bonne » image de conflit ? Où se fabriquent-elles et comment seront-elles construites demain ? Comment en faire une critique par d?autres images ? La production et la diffusion médiatiques créent des dis- positifs dans lesquels nous sommes pris, et auxquels nous contribuons plus ou moins volontairement. Ce sont les détails ? parfois bénins en apparence ? de ces dispositifs qu?on peut essayer de décrire, pour pouvoir les penser et peut-être s?en dégager.

Emanuel Licha est un artiste qui vit à Paris. Son travail s?intéresse à l?espace public et à l?architecture et l?amène à envisager les objets du paysage urbain comme autant d?indices sociaux, historiques et politiques. Ses projets récents en films et installations vidéo questionnent les moyens utlilisés pour observer et témoigner d?événements violents et traumatiques. emanuel-licha.com

MIRAGES se déroule dans un décor de village irakien au milieu du désert Mojave en Californie. Conçu et utilisé par l`armée américaine pour l`entraînement des troupes avant leur départ pour l`Irak, ce village a été construit et continue d`être opéré sous la supervision de techniciens de Hollywood. Les figurants qui jouent le rôle des habitants de ce village sont recrutés parmi la diaspora irakienne immigrée aux États-Unis. Ce camp d?entraînement est un dispositif optique. Il est fait pour apprendre aux soldats à voir la ?réalité? irakienne telle que fictionnée par l?armée et Hollywood, et à reconnaître les ?terroristes?. Il sert aussi à représenter une utopie de la guerre, et à éduquer le regard des spectateurs, notamment par l?intermédiaire du travail des médias qui sont les bienvenus pour couvrir les activités du camp. L?installation vidéo 2 canaux MIRAGES montre des images du camp d`entraînement et des interviews de ceux qui travaillent en coulisse: le décorateur, le maquilleur, l`artificier, le ?coach? d?acteurs, ainsi que des figurants américains et irakiens, qui évoquent leur perception de la réalité qu`ils contribuent à créer. Le rôle joué par les `journalistes de guerre` apparaît à travers des séquences montrant le dispositif mis en place pour les aider à produire les bonnes images.

EMANUEL LICHA vit et travaille à Paris et Montréal. Après l?obtention d?une maîtrise en géographie urbaine, il a poursuivi ses études en arts visuels à l?Université Concordia, Montréal, puis par le Post-diplôme de l?Ecole nationale des beaux-arts de Lyon en 2001. Son travail s?intéresse à l?espace public et à l?architecture et l?amène à envisager les objets du paysage urbain comme autant d?indices sociaux, historiques et politiques. Ses projets récents en installations vidéo questionnent les moyens utlilisés pour observer et témoigner d?événements violents et traumatiques. Ses plus récentes expositions personnelles incluent : Pourquoi photogénique?, Galerie SBC, Montréal; War Tourist, Loop 09, Barcelona; R for Real, galerie Cortex Athletico, Bordeaux; Une autre fête au même instant brille dans Paris, Centre culturel canadien, Paris; Agnes & Bruce, Ex-Teresa Arte Actual, México; Nothing Less, Nothing More, Just Transformed, Careof, Milan; In & Out, Galerie B-312, Montréal et YYZ, Toronto. Il a également participé à des expositions collectives dans les institutions suivantes: NGBK, Berlin; Art Gallery of Ontario, Toronto; Parsons The New School for Design, New York; Musée d?art contemporain de Montréal; University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa; Israeli Center for Digital Art, Holon; MACBA, Barcelona; Fabbrica del Vapore, Milan; Frac Franche-Comté, Besançon; HartWare MedienKunstverein, Dortmund; Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; Galerie im Taxispalais, Innsbruck; Tirana Biennial; Steirischer Herbst, Graz; Sarajevo Centre for Contemporary Art; Stiftung Binz39, Zürich; Montreal Biennial; Musée d?art moderne de la Ville de Paris. Son travail fait partie de plusieurs collections privées et publiques, dont: MACBA (Museu d`art contemporani de barcelona); Musée d?art contemporain de Montréal; Fnac (Fonds national d?art contemporain), Paris; Frac Franche-Comté; University of South Florida Contemporary Art Museum. Emanuel Licha enseigne à l?Ecole nationale supérieure d?architecture de Paris-La Villette. Il est actuellement doctorant au Goldsmiths College, University of London. www.emanuel-licha.com

Le film "HERstory" est un film composé d’une succession d’extraits de vidéos réalisées dans le cadre des différentes expositions entre 2017 et 2019 en France et au Maroc. Réalisés en public, ces portraits participent de la création d’archives où les artistes et des activistes s’expriment à propos l’intersectionnalité, des disparités entre les hommes et les femmes dans le monde de l’art, ou encore de leurs engagements féministes. Dans un souci constant d’accessibilité, les portraits vidéo ont été postés en ligne sur la chaine Youtube HERstory. Nous avons choisi de contourner l’Histoire (History) pour en proposer de nouveaux récits, de nouvelles voix et de nouvelles archives: HERstory. Nous, artiste et historienne de l’art, souhaitons nous engager pour rendre visible, faire circuler et archiver les paroles féministes, queer et décoloniales. HERstory est un espace de réflexions intersectionnelles, de paroles, d’échanges et fabrication d’archives.

Julie Crenn est docteure en histoire de l’art, critique d’art (AICA – Association internationale des critiques d’art) et commissaire d’exposition indépendante. En 2005, elle a obtenu un Master recherche en histoire et critique des arts à l’université Rennes 2 (France), dont le mémoire portait sur l’art de Frida Kahlo. Dans la continuité de ses recherches sur les pratiques féministes et postcoloniales, elle reçoit le titre de docteure en Arts (histoire et théorie) à l’Université Michel de Montaigne, Bordeaux III (France). Sa thèse est une réflexion sur les pratiques textiles contemporaines (de 1970 à nos jours). Des pratiques artistiques mettant en avant les thématiques de la mémoire, l’histoire, le genre et les identités (culturelles et sexuelles). Julie Crenn est commissaire associée à la programmation du Transpalette – centre d’art contemporain de Bourges (France) [2018-2020]. Elle est également membre du Comité Technique d’Acquisition du FRAC – Fonds Régional d’Art Contemporain Poitou-Charentes (France) [2014-2020]. En 2018, Julie Crenn est directrice artistique de la résidence Les Ateliers des Arques, Les Arques (France). Pascal Lièvre est un plasticien qui apparaît sur la scène de l’art contemporain au début des années 2000, avec une série de vidéos musicales où des textes politiques, psychanalytiques ou philosophiques sont chantés sur des musiques populaires. Il explore la figure de l’exception au droit d’auteur qu’est le droit de parodie en exploitant le potentiel critique de l’imitation. Sa pratique de la performance passe d’abord par des reenactments de performances historiques surtout d’artistes femmes et ensuite de mise en forme de corpus théoriques via des pratiques sportives comme l’aérobic ou la figure du défilé. Ses œuvres sur toile rejouent l’histoire de l’art avec des paillettes, une queerisation des formes iconiques de l’art contemporain. Ses dernières années, il travaille sur des corpus théoriques féministes sous forme d’installation vidéo, de performance ou d’œuvres graphiques

« Il Sonno » montre une fascinante série de vues aériennes du Vésuve et du paysage environnant. Un chemin ascendant qui, après avoir survolé les quartiers délabrés des zones urbaines, s?achève au sommet du volcan. « Il Sonno » met en évidence les risques pris par ces territoires habités qui ignorent délibérément la menace imprévisible d?un volcan actif qui, en 79 après JC, détruisit les villes voisines de Pompéi et d'Herculanum.

Née à Brindisi, en Italie, Deborah Ligorio a étudié à Bologne, Milan et Paris. Elle vit actuellement et travaille à Berlin. Elle a reçu de nombreux prix et aides financières, notamment le Premio Arte Giovane, à la 15e Quadriennale de Rome (Italie) en 2008, ou le Prix Spécial ITALRE-GAI en 2004. Elle a été finaliste pour le Prix Querini-Furla. En 2003, elle a fait partie du MAK Schindler Artist and Architects in Residence Program de Los Angeles (USA) et a reçu deux prix de la Senatsverwaltung Forschung für Wissenschaft und Kultur de Berlin (Allemagne). Ses ?uvres sont exposées dans les biennales d'art contemporain MANIFESTA 7 et Sharjah (8e édition), dans plusieurs institutions et fondations d'art telles que Signal à Malmö (Suède), Bürofriedrich à Berlin, Villa delle Rose à Bologne (Italie), DeAppel Filmmuseum à Amsterdam (Pays-Bas), Fondation Sandretto ReRebaudengo à Turin (Italie), Link project à Bologne, Palazzo della Triennale à Milan (Italie), ainsi que dans des espaces publics, des studios d'artiste et des projets web.

Crossroads is a three-part animated series. Aesthetically, the series mixes the imagery of classical painting with socialist propaganda art, while its narrative fuses the idioms of Greek mythology with that of traditional Chinese ghost tales. The piece offers insight into many facets of China’s political and social condition, shedding light on the country’s decades-long struggle between westernization and insulation.

Taking an interdisciplinary approach to link Chinese cultural heritage with social and environmental research, Lily & Honglei, the immigrant artist collaborative produces cross-platform projects reflecting upon contemporary China in the context of a global age. Their multimedia artworks embrace both traditional art forms and new technologies such as digital animation, Virtual Reality in cyberspace, and Augmented Reality on mobile devices. Lily & Honglei’s artworks have been presented at numerous national and international venues for contemporary art or new media art, and receive support from The Jerome Foundation, Greater New York Arts Development Fund, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts via Creative Capital, New York Foundation for the Arts, Queens Arts Fund (QAF) in New York, Jamaica Center for Arts & Learning NY commission grant, name a few. Lily & Honglei`s multimedia projects are collected by The Rose Goldsen Archive of New Media Art, sponsored by The Division of Rare and Manuscript Collections at Cornell University. The awards they received include People`s Choice Award of Moving Paper Film Festival at Museum of Art & Design in New York, Creative Capital 2015 Award for Moving Image & Visual Arts, and NYFA Fellowship 2015 in Interdisciplinary Work.

Après s'être absenté plusieurs mois pour des raisons professionnelles, Tom retourne dans sa famille pour quelques semaines. Durant ce laps de temps, il s'aperçoit que ses enfants, George et Julie, se sont éloignés de lui. Pat, sa femme, tente d'intervenir afin de rapprocher ses enfants de leur père. Malgré ses efforts, Julie se dispute de plus en plus avec son père et George devient complètement indifférent à la situation. Après avoir fait une découverte choquante dans la chambre de Julie, Pat affronte celle-ci qui éclate en sanglots, et perce ainsi un secret qui menace l'intégrité de toute la famille.

Joshua Lim est né à Malacca et a immigré à Singapour avec sa famille alors qu'il était agé de six ans. À Singapour, Joshua s'est inscrit à un cours de science accéléré avant d'entamer ses études universitaires. Il a développé un respect et un intérêt profond pour la science ainsi qu'un véritable penchant pour le cinéma et les arts. Après son service militaire obligatoire de deux ans et demi, Joshua a étudié le cinéma à l'Université de Californie du Sud, à Los Angeles. Il a choisi des cours qui mettent l'accent sur l'écriture et la réalisation. Pendant ses quatres années d'études, Joshua a écrit et réalisé six courts-métrages. Une fois diplômé, Joshua est retourné à Singapour, où il a tourné She May Try.