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"Many cities or countries have a distinct malaise. They are places that could be Portugal, so sunk in a painful longing of the past, and where each tension of the present is only the tip of an iceberg that is explained in successive retreats that can go straight until origin of the species, at least. This feeling common to many latitudes is often presented as a diagnosis, a denial of a painful present as opposed to the desire to return to a glorious past." Pedro Penim

Jorge Jácome was born in Viana do Castelo (Portugal) in 1988 and spent is childhood in Macau. He completed is degree in cinema in 2010 at Escola Superior de Teatro e Cinema and in 2016 graduated with ‘felicitations du jury’ from Le Fresnoy - Studio national des Arts Contemporains. His work is based on a strongly intuitive and sensorial process resulting in films made of narrative drifts, unexpected relationships and unusual encounters. His short films have been shown at film festivals in Portugal, Spain, France, Germany, Slovenia, Poland and Israel, and in retrospectives at the New Bedford Whaling Museum, Palais de Tokyo, Maison Européenne de la Photographie, CalArts - California Institute of the Arts and at Georgetown University.

La bibliothèque d'Alexandrie était le lieu de recherches le plus important du monde de l'Antiquité. Détruite dans des circonstances encore inexpliquées, elle a repris vie sous l'égide du gouvernement égyptien et de l'UNESCO et a rouvert en 2002. Les Egyptiens eux-mêmes sont très fiers de leur projet, et les responsables font leur possible pour faire renaître le mythe de l'ancienne bibliothèque. La réalisatrice Anke Limprecht; elle-même bibliothécaire, dresse un portrait du quotidien dans la plus grande salle de lecture du monde, - une pierre supplémentaire apposée à l'édifice de l'histoire de la bibliothèque. http://www.khm.de/~ankel/Filme/Bibliotheca_Alexandria/alexandria_eng_/alexandria_eng_.html

"Née en 1967 à Biberach/Riss. Après cinq années d?activité professionnelle comme bibliothécaire, elle entame en 1998 des études à la « Kunsthochschule » de Cologne, centrées sur le film documentaire et l?art dans les médias. Elle mène de front ses études et un travail d?archiviste à la cinémathèque de Bonn. Elle prépare actuellement son prochain documentaire sur l?archivage à long terme du patrimoine culturel allemand et partage sa vie et son travail entre Bonn et Cologne."

La Bataille d'Alger recrée des scènes du film de 1966 du même nom, réalisé par l'italien Gillo Pontecorvo. Le film original est une reconstitution de la lutte nationaliste algérienne menant à l'indépendance en 1962. Le succès de la bataille réelle pour l'indépendance a été attribué à l'organisation nationaliste: une structure pyramidale de cellules autonomes. Utilisant des algorithmes informatiques, Lafia et Lin organisent le film selon une structure de cellules: les cellules des autorités françaises et celles des nationalistes sont représentées par des photos du film et bougent selon différentes règles. Quand les cellules de camps adverses s'interceptent, cela déclenche des cellules vidéo révélant les tactiques de chaque camp - selon les règles du système. Le public peut participer en déclenchant diverses trajectoires algorithmiques ou en créant de nouvelles organisations des cellules.

Marc Lafia a montré son oeuvre sur le plan international lors d'expositions séminales telles que Net Condition and Future Cinema, au ZKM, Let's Entertain au Walker Art Center ou dans des lieux comme le Centre Pompidou, l'ICC Tokyo ou d'autres musées et centres d'art. Dans son oeuvre, qui inclut films et photos, l'image n'est pas appréhendée comme l'enregistrement d'un événement mais comme un événement en soi. Pour Lafia, informatique et procédures algorithmiques permettent la production de nouvelles structures d'organisation de l'image et de l'information, ainsi que de nouvelles façons de distribuer les affects et les émotions. Il vit à Brooklyn, New York, et enseigne à l'unversité de Columbia. Fang-Yu Lin est né à Taiwan et vit à New York. Il est artiste média et designer dont l'art reflète l'interaction de l'expérience humaine, de la culture et de la technologie. Ses oeuvres ont été montrées dans de nombreux lieux, comme Whitney Artport, Tate online, SIGGRAPH, Sonar Festival, FILE São Paulo, Chelsea Art Museum, Felissimo Design House, Bauhaus Dessau et Seoul New Media Festival. Il a reçu la mention honorifique au Prix Ars Electronica (Net Vision) en 2005.

En 1964, quand Philippe de Broca tourne L?homme de Rio, Brasília est un vaste chantier. Avant d?abriter les hautes classes sociales recherchées, la ville doit composer avec une population indésirable mais indispensable, les constructeurs. Appelés aussi « candagos », cette population immigrée représente 55% de la population active, mais il n?est pas question pour le gouvernement qu?elle s?installe durablement dans le District fédéral. Aussi est-elle logée directement sur le chantier ou dans les villes satellites. La vidéo Os candagos est tirée d?un extrait de L?homme de Rio qui se déroule à Brasilia. Outre la dimension burlesque du film original, ce passage offre un point de vue exceptionnel sur la ville en 1964. La séquence est retravaillée image par image ; Belmondo y est effacé ainsi que toute trace de vie. Par ce geste j?ai voulu fondre les notions de matérialité et d?utopie en un même mouvement pour questionner les enjeux de la réalisation d?un projet tel que Brasilia. Les traces laissées par le processus d?effacement révèlent a fortiori une certaine présence ; celle des acteurs et des ouvriers. Le vent et la poussière règnent. Brasilia, point d?orgue du modernisme, devient ville fantôme.

Né à Montereau (77) en 1978, titulaire d?un Diplôme Supérieur d?Arts Appliqués (Ecole Boulle, Paris, 2002) et d?un DPLG (ENS Malaquais, Paris, 2007), Guillaume Linard-Osorio questionne dans son travail la notion de projet et les outils de représentation du réel. L?acte de déconstruction et l?acte de construction y sont des processus similaires qui permettent de révéler les fondements de notre environnement, la face cachée, l?insondable parfois. Ses compositions, quel que soit le medium utilisé, s?apparentent à des formes architectoniques libérées de toute fonctionnalité ou à des matériaux bruts, en attente de mise en forme. Sa production se situe en quelques sortes dans l?épaisseur même du décor. Partant d?une confrontation du monde des images à celui de la matière, son travail oscille entre documentation du réel et fiction pour finalement s?encrer dans un territoire insolite, à mi-chemin entre mécanique et illusion. S?intéressant davantage aux conditions de l??uvre qu?à l??uvre elle-même, Guillaume Linard-Osorio perçoit le monde physique comme un système d?objets dont les connexions seraient redevenues conceptuelles. Dans son travail l?interprétation vacille, les objets cohabitent avec leur fantôme, le temps est suspendu, étiré, parfois inversé, rien est accompli. Tout reste en puissance.

The work deals with the nature of ephemeral substances and its immanent processes and thus approaches the contrast between the materiality of fleetingness and the human need for control and rather clear forms. In AGENS, clouds and fog come and go, however only featured in interiors. Everyday scenes of the ephemeral - such as smoke from a cigarette, steam coming from a kettle or a dishwasher - gradually turn into peculiar cloud and fog phenomena. While becoming denser and more surreal, familiar vapors get increasingly detached from their conformed functionality. When their fleeting materiality meets the solid and clear structure of the architecture, it seems as though these textures slowly merge into each other. The inner driving force of the ongoing processes inherent in ephemeral substances becomes a mysterious protagonist.

Steffi Lindner grew up in Berlin, where she lives and works, creating videos, drawings, objects and installations. She finished her postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne in 2013, has received various grants and fellowships and participated in exhibitions & festivals e.g. at Images Festival, Gallery YYZ (Toronto), Art Cologne, Erarta Motion Pictures (St. Petersburg), NADA Art Fair Miami, Liste Basel, Festival International Exit (Creteil), Interfilm-Festival (Berlin), Capla Kesting Fine Art Gallery (NYC). Lyoudmila Milanova was born in Varna, Bulgaria and has been living and working in Cologne, Germany since 2000. After achieving a M.A. degree in media science at the university in Cologne, she finished her postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne 2011. In her artistic work she deals with natural phenomena, technology and time processes. Her installations and videos have been awarded numerous scholarships and grants, as well as internationally exhibited, including shows in Berlin, Seoul, Kyoto, New York, Rotterdam and Moscow.

une femme et sa horde de paparazzis...

Fiona lindron vit et travaille à dijon, elle obtient son dnsep l?ENSA Dijon en 2006. Les vidéos, photographies et installations émanent de rencontres humaines et géographiques. Elles font référence au genre cinématographique mais ne livre aucune explication ni dialogue. Ces images sont le reflet de l?état mental des personnages, de son rapport fantasmé aux rencontres. Elle participe de 1998 à 2002 à des événements collectifs au Point éphémère, au Batofar, à Mainsd?oeuvre Paris(France), à l?emaf festival Osnabrueck (Allemagne). Le travail de fiona lindron a été montré au Wharf centre d?art contemporain Basse Normandie 2007 Hérouville st clair(France), au festival bandits-mages Bourges 2007(France), à Opticafestival 2007 Gijon (Espagne), à Nuitblanche 2007 Paris(France), au Oneminutefestival 2007 Araau(Suisse)... Elle réalise actuellement en résidence à bandits-mages un film fantastique tourné sur un navire dans l?Océan Indien.

Des briques s`unissent et se désunissent pour former des paysages toujours en mouvements et sans cesse renouvelés.

Patrick Lindsay est né à Marseille en 1972, il sort diplômé de l`Ensama puis de l`Ensad en 1997. Depuis 1999 il est basé à Marseille, ou il travaille comme graphiste et typographe. Inspiré par son enfance et ses jouets, le jeu est le thème principal de son travail. Il décline son univers coloré et ludique sur de nombreux supports : Affiches, illustrations, animations... A partir de 2001 il s`intéresse à la vidéo en temps réel, et participe à de nombreux événements (Friche Belle de Mai, Marseille. Territoires électroniques, Fondation Vasarely. Festival Arborescence, Aix...). En 2005, il crée le Typophone, expérience de typographie sonore.

Un train défile malgré la fumée onirique qui s`en échappe.

Patrick Lindsay est né à Marseille en 1972, il sort diplômé de l`Ensama puis de l`Ensad en 1997. Depuis 1999 il est basé à Marseille, ou il travaille comme graphiste et typographe. Inspiré par son enfance et ses jouets, le jeu est le thème principal de son travail. Il décline son univers coloré et ludique sur de nombreux supports : Affiches, illustrations, animations... A partir de 2001 il s`intéresse à la vidéo en temps réel, et participe à de nombreux événements (Friche Belle de Mai, Marseille. Territoires électroniques, Fondation Vasarely. Festival Arborescence, Aix...). En 2005, il crée le Typophone, expérience de typographie sonore.

A few simple techniques of the cinema--a direct quotation, a framed location, an actress in costume, a few cuts to the quick--conspire in a compact couple of minutes to produce an image replete with historical and geographic visibility, to wit:  an implied and uncontainable expanse of a landscape bought, sold and inhabited. An anti-landscape film and a one-two punch. -JL

Jeanne Liotta was born and raised in New York City. She makes film, video and other cultural ephemera such as works on paper , photographs, projection performances, and intimate installations. Her playful investigations into time, space, and perception itself, are manifested through the observation of various and contingent subjects: the cosmos, landscape, pure abstraction, the body in space, the cinema itself, or knowledge systems such as science and language. Her work encompasses a constellation of mediums often located at a lively intersection of art, science, and natural philosophy, exemplified by her award-winning 16mm films of the night skies Observando El Cielo (2007), Eclipse (2005) as seen in the 2006 Whitney Biennial, and more recently with installations such as Diagram Squared (2013) at Microscope Gallery in Bklyn NY. In 2011 Liotta was voted amongst the top filmmakers of the decade by Film Comment magazine and in 2012 received the Helen Hill Award from the Orphans Film Symposium. Her works have been exhibited at The New York Film Festival, Rotterdam International Film Festival, The Pompidou in Paris, MCA Denver, The Sharjah Biennial, Arthouse Jones Center in Austin, The Exploratorium SF, and the Cornell Astronomical Society at Fuertes Observaotory, amongst numerous others. She also maintains ongoing research into The Joseph Cornell Film Collection at Anthology Film Archives, has worked with public film materials from the New York Public Library for her garden series Firefly Cinema in NYC for over 15 years, and more recently has curated programs of moving image poetics for Counterpath Press in Denver CO. She has taught widely and variously, at The New School, Pratt Institute, The San Francisco Art Institute, The Museum School Boston, and is presently Assistant Professor of Film Studies at The Univ. of Colorado Boulder, as well as film video faculty for the Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College, NY.

Animated portrait of the eponymous television tower on the hill, guardian of fog and electronic signals in that earthshaking city by the bay San Francisco.

Jeanne Liotta splits her time between her hometown of New York City and Boulder Colorado where she is currently an Assistant Professor of Film.

Sept années d'enregistrements celestes de differents endroits avec ce trepied tournant qu'est la terre, sortis du chaos du cosmos et inscrits sur un film 16mm. Ce travail n'est ni une metaphore ni un symbol, mais l'inscription d'un sentiment vers le mileu de la perception à travers duqule le temps passe. Ces enregistrements VLF de la magnetosphere en action permettent à l'univers de parler pour lui-même. Le Sublime est Present. Amor Fati

Jeanne Liotta vit et travaille a New York où elle fait des films et autres arts éphémeres tels que de la vidéo, de la photographie, des travaux sur papier et des performance projectionnées en direct. Son dernier projet "Observando el cielo" prend place en une constellation de mediums etudiants le paysage cosmique a la rencontre de l'art, la science et la philosophie naturelle.

L´éclipse de lune du 11 septembre 2003, documentée et traduite, en utilisant un film photosensitif. Au 4ème siècle avant JC, Aristote fonda le Lyceum, une école destinée à l´étude de tous les phénomènes naturels sans l´utilisation des mathématiques, car celles-ci étaient considérées comme trop parfaites pour pouvoir être appliquées à la sphère terrestre, trop imparfaite. Ce film est alors l´esprit de ...

Jeanne Liotta travaille et vit à New York oú elle réalise des films et autres travaux éphémeres dont des vidéos, photographies, travaux sur du papier et performances de projections live. Lors de la biennale de Whitney (2006), elle présentait son film en 16mm, "Eclipse" (2005). Son oeuvre a été projetée au festival du film de New York, à la Kunstfilm Biennale, Cologne, The Pacific Film Archives, Berkeley, le Musée d´Art Moderne, et le Musée Whitney d´art américain entre autres. Elle fait aussi de la recherche et est conférencière itinérante pour le collectif cinématographique Josepf Cornell aux archives du Film d´anthologie (Anthology Film Archives). Son dernier projet, "Observando el Cielo", consiste dans sa plus grande partie en un film en 16mm, qui est un enregistrement du ciel de nuit, à des intervalles réguliers. Il comprend une multitude de moyens dans un cadre Emersonien, entre science, art et philosophie naturelle. Elle enseigne aussi extensivement, par exemple the New School and Pratt Institute à New York, l´Institut d´Art de San Francisco, la Museum School à Boston, et actuellement à l´université (Milton Avery Graduate School for the Arts à l´Université Bard).

Un exercice de prononciation d`une nouvelle en italien croise les images d`une maison abandonnée…

Lucrezia Lippi est cinéaste. Diplômée de l’Université Paris VII et de la HEAD – Genève, son champ d’activité se partage entre la théorie et la pratique du cinéma. Réalisatrice de "Cunta Su", sélectionné au 26ème Festival Entrevues Belfort. Assistante de recherche du projet « Start making sense ! Cinéma et art contemporains transforment l’essai » entre 2012 et 2014. Elle accompagne des projets artistiques et collabore régulièrement au journal du festival Cinéma du Réel (Paris) dont elle a été rédacteur en chef en 2014. Actuellement, elle écrit un nouveau projet de film.

QEM consists of installation, action and program, whose goal is to extend the notion of art by dealing with randomness. I reveal the process of radioactive decay as the best and strongest manifestation of the idea of randomness. Thorium is a medium of my idea: I have chosen Thorium as radioactive material, which is the source of fundamental random processes and is not associated with art. Thorium is a source of dispersion and real disorder. The use of Thorium is the use of raw material which is not subject to power of will. The real performative element contained in the action reveals pure process of decay and energy emission.

Robert B. LISEK is an artist, mathematician and composer who focuses on systems and processes (computational, biological, social). He is involved in the number of projects focused on radical art strategies, hacktivism and tactical media. Drawing upon conceptual art, software art and meta-media, his work intentionally defies categorization. Lisek is a pioneer of art based on Artificial Intelligence and Machine Learning. Lisek is also a composer of contemporary music, author of many projects and scores on the intersection of spectral, stochastic, concret music, musica futurista and noise: http://lisek.bandcamp.com/ Lisek is also a scientist who conducts a research in the area of foundations of mathematics and computer science. His research interests are theory of ordered sets, logic, algebra, category theory in relation with artificial intelligence and machine learning. Lisek is a founder of Institute for Research in Science and Art, Fundamental Research Lab and ACCESS Art Symposium. Author of many exhibitions and concerts, among others: QUANTUM ENIGMA - Harvestworks Center New York and STEIM Amsterdam; TERROR ENGINES - WORM Center Rotterdam, Secure Insecurity - ISEA Istanbul; DEMONS - Venice Biennale (accompanying events); Manifesto vs. Manifesto - Ujazdowski Castel of Contemporary Art, Warsaw; NGRU - FILE, Sao Paulo; NEST - ARCO Art Fair, Madrid; Float - DMAC Harvestworks and Lower Manhattan Cultural Council, NYC; WWAI - Siggraph, Los Angeles; Falsecodes - Red Gate Gallery, Beijing; Gengine - National Gallery, Warsaw; Flextex - Byzantine Museum, Athens, FXT- ACA Media Festival, Tokyo and ISEA, Nagoya.

La película infinita, the new film by Argentine filmmaker and curator of the film museum in Buenos Aires, Leandro Listorti, is an essay film about a parallel history of cinema, based on remains of Argentine films that were never completed. Edited by renowned filmmaker Felipe Guerrero (whose Oscuro animal premiered in IFFR`s Tiger Competition two years ago), it is a film created from fragments of other people`s films that somehow never really existed. As such, it is a cinematic Frankenstein, coming to life in front of our very own eyes. In a country where the remains are of fundamental importance in understanding the past, La película infinita offers a window to forgotten memories, and invites the viewer to evaluate its own culture and identity. The stories and the images, once considered unsuccessful, have now taken on a new meaning. Inert images and sounds never heard are finally opened up for fresh discovery.

Leandro Listorti was born in 1976 in Buenos Aires, Argentina. After graduating from Filmmaking School he attended workshops with filmmakers such as Patricio Guzman, Martín Rejtman, Pablo Reyero and Harun Farocki and shot a series of short films in Super 8 dealing with the ideas of travel and memory. In 2010 he finished his first film DEATH YOUTH, which screened in numerous festivals. He writes about film, teaches and since 2005 he is Film Programmer at Bafici Film Festival. He also worked as Assistant Director in several films. In 2012 he participated in Archivo Expandido (Expanded Archive) an expanded cinema experience screened in festivals such as Kunstenfestivaldesarts (Brussels) and S8 Mostra de Cine Periférico (Spain). He is one of the founders of A.R.C.A. (Regional Archive for Amateur Cinema), and one of the twenty five directors of INTERVENED EVENTS, produced by the Film Museum of Buenos Aires, Pablo Ducrós Hicken.

Steeped in elliptical history and historical simulacra, Exile Exotic is set at a hotel that is a replica of the Kremlin. Narrating the exotic beginnings of my mother`s and my exile from Russia, the film serves as a platform for us to visit the Kremlin again, albeit by the side of a pool. Soundtracked by an operatic score reminiscent of the song of the sirens making Odysseus stray on his long journey home, our story reverberates throughout the scope of Russian history`s limiting of free movement of individuals. This film is a pilgrimage. This film comes in waves.

Sasha Litvintseva is an artist, filmmaker, researcher and curator based in London. Her work has been exhibited worldwide including Wroclaw Media Art Biennale, Poland, The Moscow Biennale for Young Art, Modern Art Museum Moscow, Institute of Contemporary Art, London, Kunstverein Gottingen, Ann Arbor Film Festival, Edinburgh Film Festival, Kasseler Dokfest, Cinema Du Reel, Paris, including solo shows and retrospective screenings at Union Docs, New York, Super Dakota gallery, Brussels, Courtisane Film Festival, Ghent, Close-Up Film Centre, London, Edinburgh Film Guild, Image/Movement, Berlin, among many others. A graduate of the Slade School of Fine Art she is currently working on a PhD proposing the concept of geological filmmaking at Goldsmiths, University of London, where she is a founding member of the Screen and Audiovisual Research Unit. She is also an independent curator of contemporary moving image and co-curator of the November Film Festival.

La scène se déroule un samedi après-midi, pendant l'entraînement de la Girls Honor Guard. Des filles sont rassemblées et on entend aucun ricannement. Elles disent qu'elles doivent prendre soin de leur fusil, respecter les membres plus agés et fraterniser avec leurs soeurs. A la fin des années 90, Tsui-lun Liu a vécu ses années au lycée avec les meilleures membres de la Girls Honor Guard de Taïwan. Ces jeunes filles de 16 ans, elle y compris, étaient convaincues qu'elles se seraient toujours reconnaissantes d'avoir vécu cette expérience au sein de la Girls Honor Guard. Les membres se portent volontaires. Ce que l'on voit ne reflète pas une obéissance aveugle ; la performance est d'une beauté parfaitement réglée.

Tsui-lun Liu est née en 1979 à Keelung, à Taïwan. Elle a étudié l'histoire à l'université nationale de Taïwan et la Free University de Berlin. Elle a également étudié les beaux-arts au Dutch Art Institute des Pays-Bas où elle a obtenu un MFA (Master of Fine Arts) en 2006. Son travail est présenté lors de nombreuses projections et participations internationales. Elle vit et travaille à Taipei, à Taïwan.

Product ( VIDEO ) LISHAN ‘ is a series of three 30-second pseudo-ads by re-situating the 3 electronic devices for personal healthcare and beauty(a Clarisonic facial brush, a Philips air flosser and a Braun epilator) and interrupting the normal working of the “œmachinesâ”. The videos, loosely following the structure and aesthetic of the original product commercials, are aesthetically pleasing and entertaining. Subsequently, It entails the seductive irony of interwoven relationship among several spheres of commercial aesthetics, techno-fetishism and narcissism in contemporary consumerism. This series of videos has once shown in a screening in SVA Theater and arranged to play in between other artists` work, which functioned as TV commercials in terms of form. It conveys the artistâ’s satirical commentary on the attention span and art production strategies.

Liu makes video-based work. Her highly personal artistic practice, with a constant approach of de/recontextualization and conceptualization, reflects the globalized cultural environment accelerated by Internet (Techno-culture, consumption culture, pop culture and so on). Liu graduated from MFA Photography, Video and Related Media at School of Visual Arts. She has exhibited her work in both China and the US including Vacuum Gallery, Beijing(2017); Poor Image Art Center, online(2016); Rabbithole, New York; Flux Factory(2016); Fei Gallery, Guangzhou(2015); Shenzhen New Media Art Festival at The Value Factory(2014); Jinji Lake Art Museum, Suzhou(2014); Today Art Museum, Beijing(2014) and etc.

Les cinq visages de la vidéos sont ceux de personnes tuées dans l?avenue Chang An, lieu-dit Place Tiananmen, le 4 Juin 1989. Ils étaient aussi jeune que je l?étais et venaient de familles les plus normales de Chine. Ces images viennent de leur pierre tombale . Ils furent. Ils imprimèrent l?Histoire de leur jeune vies et leurs familles transportent sur leur frêles épaules les tribulations et les iniquités de la Chine moderne. Les trous sur le tableau en métal dans la vidéo sont les noms en écriture braille des personnes tuées lors des événements, qui ont patiemment été récoltés pendant plusieurs années par la mère de l?un d?entre eux. La plupart était de jeunes gens, étudiants et citoyens. Les trous noirs dans ce tableau sont les impacts de balle, sur des visages jeunes et fragiles. Et sont des plaies éternelles dans le coeur de leur famille et des gens simples de Chine. Ressentir ces douleurs est également ressentir les blessures infligées par le pouvoir au peuple chinois, génération après génération. Les regarder est voir leur mère en larmes à chaque moment. Les ignorer est recouvrir la vérité de prétentions et d?idoles, tout en maintenant une vie contrefaite qui a cours en Chine. Dans la Chine actuelle, tapageuse, les médias fabriquent de force une histoire, et un âge florissant, tout en recouvrant ces événements d?un extraordinaire silence. Les trous noirs essaient de casser la propagande, pareille à un tableau d?acier, la voix publique, les slogans solennels et l?histoire fabriquée par les médias, avec leur pouvoir de parole autocratique. La Rue A, dans son dynamique changement surnommée la première rue de Chine, est tellement faible face à eux. La prospérité de la ville, pour laquelle chacun a versé du sang, et les pas pressés des gens qui y circulent, ne changent en rien ce qui s?y est passé. Cette vidéo, SILENCE, montre le changement des quatre saisons dans les lieux où ces jeunes gens ont été tués et où ils sont enterrés. Le temps s?écoule rapidement, les mémoires brisées et les blessures nous rendent encore plus silencieux et impuissants.

Liu Wei est né en 1965 en Chine. Il vit et travaille à Beijing. Il a étudié la littérature et les arts, et a poursuivi des études sur les relations entre religion et culture, à la faculté de philosophie de Pékin. Il réalise des installations vidéo, des vidéos et des documentaires. Son travail est exposé dans le monde entier, notamment au Centre international de la photographie à New York, au World Wide video festival d?Amsterdam, à la Transmediale Berlin, au Musée d?art contemporain de Denver, à Viper, Bâle, à Videobrasil, Sao Paulo, à Videoex, Zürich, à Kassel, au Medialab de Madrid. Les Rencontres internationales Paris/Berlin présentent depuis plusieurs années le travail de Liu Wei.

A Day to Remember Le 4 juin, Liu Wei est allé à l'université de Pékin où le soulèvement étudiant avait commencé et à la place Tian'anmen où cet événement s'est terminé en massacre. Armé d'une caméra, il a posé une liste de quelques questions à chaque personne qu'il a rencontré dans la journée. Les gens à qui il a posé ces questions ont pâli on essayé de les esquiver ou on simplement craint de répondre. Le souvenir du sang versé il y a seize ans et des vies qui ont été prises s'est estompé et on l'a oublié, ne laissant derrière qu'un silence impuissant et une page blanche dans notre mémoire. Puisque le sujet reste taboo dans la société chinoise moderne, les gens n'en parlent pas ouvertement pour leur propre bien-être, ou alors ils ne veulent pas vraiment s'en souvenir. Beaucoup de jeunes gens ne savent même pas que ces événements ont eu lieu puisque ce sujet à été enfoui, et en parler a été interdit pendant des années. Seize années se sont écoulées. Les cheveux des mères des victimes ont blanchi, les êtres proches ont séché leurs larmes. Le silence prévaut, toujours aussi glorieux, dans la plus grande rue de Chine. Le silence, l'oubli et la dissimulation délibérée laissent la mémoire des gens vide. Les événements du passé deviennent des images floues, les véritables souvenirs se sont effacés et seules les illusions restent.

Liu Wei est né en 1965 en République Populaire de Chine. Il vit et travaille à Pékin. En 1992, il a obtenu son diplôme en littérature, major en design, du département des beaux-arts de la China Central Academy of Drama. En 1995, il a effectué ses études au Symposium sur la relation entre religion et culture, acceuilli par le département de philosophie de l'université de Pékin.

En 1951, Isidore Isou inventait avec son Traité de bave et d’éternité, le cinéma lettriste reposant sur le montage discrépant du son et de l’image. En reprenant ce principe, Liu Beilin propose une vision caustique de l’héritage de la révolution culturelle anti-bourgeoise qui devait amener le prolétariat chinois vers sa libération définitive. Dans China, I Love You, la jeune cinéaste monte des boucles sonores du traité avec des fragments de discours politiques datant de 1966, formant un mantra monolithique que viennent perturber des sonorités tout à fait actuelles, ainsi que des images d’archives à la beauté fanée montrant la vie quotidienne en Chine pendant la révolution culturelle : des gardes rouges souriants, la gymnastique matinale, des paysans dignes. Tous les clichés de l’époque sur l’Empire du Grand Timonier. Mais le témoignage d’un professeur humilié et torturé pendant cette période bénie et le continuum assourdissant de la société consumériste d’aujourd’hui viennent pointer abruptement ce que fut l’avenir d`une illusion.

Beili Liu has exhibited extensively both nationally and internationally. She has held solo exhibitions at venues such as the Hå Gamle Prestegard, Norwegian National Art and Culture Center, Galerie An Der Pinakothek Der Moderne, Munich, Germany, Elisabeth de Brabant Art Center, Shanghai, Hua Gallery, London, UK, Nordisk Kunst Plattform, Brusand, Norway, the Chinese Culture Foundation, San Francisco, and Buffalo Arts Studio. Liu has been included in group exhibitions at the National Museum for Women in the Arts, Washington, DC, Museum of Art and History, Santa Cruz, the Austin Museum of Art, Art Museum of Southeast Texas, Urban Institute of Contemporary Art, Granary Gallery, Fiskars, Finland, the Kaunas Biennale, Lithuania, From Lausanne to Beijing, the 7th International Textile Biennale, China, and Hamburg Art Week, Germany. Liu’s work has received critical reviews from Art in America, Sacchi Review, UK, Helsinki Sanomat News, Finland, Stavanger News, Norway, China Daily, Journal of Contemporary Chinese Art, China ArtNow, Fiber Quarterly, Canada, Handelsblatt, Germany, Hamburg Abendblatt, Artillery Magazine, San Francisco Chronicle, Art Slant Los Angeles, Buffalo News, Detroit Metro Times, and Austin Chronicle, among many others. Liu has received awards and prizes including artist fellowships at Art Farm, Djerassi Foundation, Fiskars AIR Onoma Foundation, Finland, and Fundación Valparaíso, Spain. Her solo exhibition In Between was named one of the “Top Ten Exhibitions in Shanghai” in 2009 by Sacchi Review, UK. Liu received the San Francisco Major’s Award for her contribution to cultural exchange in 2008, and was named twice "Artist of the Year", by Austin Visual Art Association and the Austin Critics Table Awards. In 2011, Liu received a Distinction award at the Kaunas Biennial, Lithuania. Liu received a Walter and Gina Ducloux Fellowship in 2011 and a University of Texas Regents’ Outstanding Teaching Award in 2012. Born in Jilin, China, Liu now lives and works in Austin, Texas, USA. She is an Associate Professor of Art at the University of Texas at Austin.

A laid-off worker pretends to go to work as usual but goes on an excursion to the mountain by his own.

Zhouanqi Liu 8/30/1994 Director/Screenwriter/Production Designer/Photographer 346 West 84th St #2F, New York, 10024 NY zl2734@columbia.edu (929) 319-6622 Education ? Beijing Film Academy Screenwriting 2012-2016 ? Columbia University Directing 2018-2021 (thesis film shooting year stage) Experience ? 2013.8-11 Chinese post-rock band ’48V’ 8-city China Road Show as photographer ? 2014.10/2015.10 13&14st ‘ISFVF’ International Student Film and Video Festival of Beijing Film Academy as subtitle translator ? 2015.6-2015.11 Chinese rock band ’Omnipotent Youth Society’ 13-city China Road Show as photographer ? 2016.2 Peking University ‘Preparation for Entrance’ Campus Activity Feature Film (No.5 the Summer Palace Road) as screenwriter ? 2016.4-2016.8 Musician prof. Guo 9-city China Road Show as photographer ? 2017.2-5 Info&Updates Studio China First Exhibition ‘Grand Coupes’ as curation&music production in Beijing&Shanghai ? 2017.6 Beijing 1st ‘Vintage Fair’ advertising video as art director ? 2017.8-10 The Door music company experimental advertising video as screenwriter ? 2017.11-2018.4 School of Visual Arts graduate student thesis documentary ‘The Wanderer’ as the self ? 2018.4-2018.8 Jing Wang photo exhibition on Beijing Three Shadows Art Center ’Goodbye, Paris’ as technician( darkroom film processing&hand coloring)

Les urbanistes décidèrent de détruire certaines parties de la vieille ville de Shanghai pour régénérer la ville. Chaque année, plus de cent mille familles sont forcées de quitter leur maison pour emménager dans des immeubles à la périphérie de la ville. "Under construction" est un vol bi- et tridimensionnel à travers les zones d'habitation, maintenant détruites, de Shanghai qui montre comment une décision prise au hasard et violente peut toucher la vie des gens.

Zhenchen Liu est né en 1976 à Shanghai. Il fit ses études à l'école nationale supérieur de la Villa Arson et au studio national fresnoy d'art contemporain en France. Il travaille beaucoup sur les sujets "urbain", "modernisation" et "le problème du developpement en Chine". Il a participé recemment au Festival International du Film de Locarno, Festival de Clermont Ferrand, Oberhausen International Film Festival... En ce moment il travaille comme artiste independant en Chine et en France.

?Shanghai Shanghai? présente Shanghai comme elle est conçue, pensée, imaginée en maquettes et en images de synthèse, et par ailleurs, il présente la réalité de la ville. Ce film confronte trois types d?images, image utopique de cette ville, image métaphorique et image documentaire.

Je suis né en 1976 à Shanghai. J?ai eu mon diplôme de Maîtrise en peinture à l?école des beaux-arts de Shanghai, diplôme de Master à l?école national supèrieur d?art de Nice (Villa Arson). Je travaille beaucoup sur le sujet de « Urbain », «La modernisation », « La problèmatique du developpement de la Chine »? Récemment, j?ai participé la 1ère Biennale de l`Art Contemporain Chinois de Montpellier, 11e Biennale de l?Image en Mouvement à Genève, ?Panorama7? à Tourcoing, 7e manifestation internationale vidéo et art électronique et 35th Festival du Nouveau Cinéma de Montréal? Actuellement je suis en résidence au Studio nationale des arts contemporains du Fresnoy.

Un fossile de plastique moulé, un plateau artificiel, des voitures classiques carburant aux émanations de la nation. "Ancient Sunshine" retrace l’histoire sinueuse de l'extraction du charbon et de la protection du climat dans l'Ouest américain. Ce film propose la solidarité en réponse à la violence par laquelle la terre devient "ressource". Utah Tar Sands Resistance lutte depuis près de dix ans contre l'extraction exploratoire des sables bitumineux sur le plateau de Tavaputs, installant chaque été un campement à portée de vue des équipements de chantier et des équipes de construction. Le film pose la question suivante: comment le concept d'horizontalité pourrait-il être appliqué à l'horizon physique, à sa destruction et à la propension du capital à l'exploitation verticale? "Ancient Sunshine" fait se croiser la notion de remodelage sans fin du paysage de l'Ouest à la fois avec l'histoire du travail, les réflexions sur l'organisation anarchiste et les systèmes inter-espèces. Vers une solidarité poétique, vers une politique formelle.

Jason Livingston est artiste visuel, programmateur de film et écrivain. Son travail primé a été présenté à de nombreuses reprises, notamment à Rotterdam (Pays-Bas); à Anthology, New-York (USA); au Musée autrichien du film, Vienne (Autriche) et à la Vancouver Art Gallery (Canada). "Under Foot & Overstory" est distribué par le CFMDC - Canadian Filmmaker Distribution Centre, et "Lake Affect" est disponible dans la collection du Experimental Television Center de EAI - Electronic Arts Intermix. Il a été artiste en résidence, notamment à la Millay Colony for the Arts (USA) et au Virginia Center for the Creative Arts (USA). Il poursuit un doctorat basé sur la pratique au département d'études médiatiques de l'université de Buffalo (USA) en tant que Presidential Fellow. Il est titulaire d'une licence en philosophie de l'université Cornell (USA) ainsi que d’un M.A. et d’un M.F.A. en cinéma de l'université de l'Iowa (USA). Il est actuellement membre du conseil d'administration du Flaherty Seminar, New-York (USA).