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A researcher trying to cope with his research, while avoiding narrative. Does he know where he is walking himself into? Will he be able to come out of it? A film so unsuccessful in resisting narrative as it is in finding answers.

Practitioner and teacher. Participates in solo and group exhibitions since 2001. Won in 2005, ex-aequo, the "Pedro Miguel Frade" award, from the Portuguese Centre of Photography, with the work "Night Order’. PhD candidate at the University of South Wales in connection to the European Centre for Documentary Research. Has a degree in Audiovisual Communication Technology at the Polytechnic Institute of Porto, majoring in Photography. Worked in Sao Joao and D.Maria II Portuguese National Theatres, RTP television, ‘Casa da Musica’. Full time assistant professor in theDepartment of Image Arts P.Porto | ESMAD.

An exhibition of HD video, digital print and text by Barcelona based artist Joan Leandre. As the second Gallery exhibition in the artist?s extensive history, In the Name of Kernel ! The Magic Line is the third installment of the In the Name of Kernel series, introducing Leandre?s critical practice of media interpretation and reverse engineering to a new audience. The first two films of the series toured internationally to venues such as Sonar Festival, Barcelona 2008, 3rd Moscow Biennial, Moscow, 2009, and Centre George Pompidou, Paris 2009.

"Media interpreter and member of the OVNI Archives since 1994. From 1994 to 1996 I worked on a series of media interruptions called MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero and Serial Monuments. From 1995-1997 I was involved in the Oigo Rom project, and later in 1998 in Brooklyn I was involved with the President Archives. In 1999, I began working again with mass entertainment software and started the projects retroyou (RC) and retroyou (nostalG), and continue to work on the series retroyou nostalg2 and the Black Boot Project. Other collective projects include Velvet Strike and the Archivos Babilonia.? J.Leandre

Depuis 2006, le travail de Joan Leandre porte essentiellement sur l?analyse et la déconstruction de logiciels de jeux, de simulation ou d?entraînement militaire. « In the Name of Kernel ! The Magic Line » est la troisième installation de la série « In the Name of Kernel », nous introduisant dans la pratique critique de Leandre qui s?intéresse à l?interprétation des medias et à inverser cette ingénierie pour un nouveau public. « In the Name of Kernell » regroupe, en un cycle ouvert, ses dernières vidéos. Produites à partir de logiciels dont il modifie les paramètres elles transforment ?une machine à produire du réel en une machine à produire une illusion?. Elles proposent au spectateur une fiction narrative complexe dans laquelle il peut décoder les mécanismes de la fascination technologiques à laquelle nous sommes habituellement soumis, mécanismes qui vont ensuite conditionner notre perception du monde. C?est en ce sens qu?il faut considérer l??uvre de Joan Leandre comme une ?uvre subversive.

Joan Leandre vit et travaille à Barcelone. Il un interprète et un membre d? OVNI Archives(Observatoire de Vidéos Non Identifiées). depuis 1994. De 1994 à 1996, il a travaillé sur une série de piratage des medias intitulée MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero et Serial Monuments. De 1995 à 1997, il a collaboré au projet « Oigo Rom », et plus tard en 1998 à Brooklyn, aux « President Archives ». En 1999, il a commencé à travaillé est les logiciels de divertissement grand public et a commencé le projet « Retroyou (RC) and Retroyou (nostalG) », et il continue à travailler avec la série « Retroyou nostalg2 and the Black Boot Project ».D?autres projets collectifs ont été montés, comme « Velvet Strike » et « the Archivos Babilonia ». Joan Leandre est un interprète des médias, un archéologue de l?Internet. Il y fait des fouilles permanentes et collectionne des données. Il archive sur son propre site quantité d?informations qui sont « oubliées », sur le site d?une entreprise par exemple, ou, au contraire qui ne feront qu?une courte apparition avant de devenir confidentielles ou que leur lecture soit rendue impossible par une évolution technologique qui les rende muettes. Allant au-delà de la convivialité apparente de telle ou telle interface, il tend à faire émerger une prise de conscience de ce que la machine est capable de nous faire faire grâce à notre du pouvoir du conditionnement idéologique dans lequel nous plongent les images pour la compréhension du réel qui est le nôtre aujourd?hui. Depuis 2006, le travail de Joan Leandre réside essentiellement sur l?analyse et la déconstructionde jeux video, de logiciels de simulation ou d?entrainement militaire. Son travail a été montré au Sonar festival, Barcelone, au Transmediale, Berlin ; à la Whitney Biennial du Whitney Museum of American Art, New York, au Centre d?art contemporain Laboral, Gijon, à la biennale de Moscou, et au ZKM, Karlsruhe.

Dans l'installation de Joan Leandre, Le kernel, qui est le coeur de la plupart des systèmes informatiques, devient le mythe autour duquel un événement symbolique se coagule, combinant la littérature de voyage, la tradition alchimique, la science fiction, le terrorisme et les théories de la conspiration, la programmation informatique, l?alpinisme, la modélisation 3D et le mapping par satellite, les hallucinations et les révélations. Joan Leandre explore l?imaginaire trouble d?un principe informatique fondamental, indifférent à son usage, militaire ou onirique. L?image elle-même, réalisée par manipulation informatique, change de statut. En même temps que des images, c?est la puissance aveugle du Kernel qui transparait, kernel au nom duquel tous les usages technologiques sont possibles. .

Joan Leandre est née en 1968. Elle vit et travaille à Barcelone. Elle est interprète média et membre des Archives OVNI depuis 1994. De 1994 a 1996, elle a travaillé sur la série d?interruptions média MAP (Mega Assembler Project), à la Fundación Zero et aux Serial Monuments. De 1995 à 1997, elle a participé au projet « Oigo Rom », et en 1998, elle a été associée aux President Archives de Brooklyn (USA). En 1999, elle a travaillé à nouveau avec les logiciels de divertissement de masse et a initié les projets « retroyou (RC) » et « retroyou (nostalG) » ainsi que « Black Boot Project » et la longue série, toujours en cours de réalisation, « retroyou nostalg2 ». « Velvet Strike » est un autre projet collectif auquel l'artiste a participé au cours de ces dernières années.

L'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) a été fondé en 1993 par les artistes Joan Leandre, Toni Serra et Rosa Llop à Barcelone. Les archives de OVNI présentent un caractère international et thématique, il s'agit de faciliter une critique de la culture contemporaine en usant de diverses stratégies telles l'art vidéo, le documentaire indépendant et l'archéologie des mass média. Les archives recueillent toute une constellation de travaux disparates dont le dénominateur commun est la libre expression et la réflexion sur les peurs et la place des individus dans les collectivités, construisant et conjuguant une vision multiple, des milliers de petites oeuvres approfondissent et explorent notre monde ou annoncent d'autres possibles. Un discours dont les valeurs principales sont l'hétérogénéité, la pluralité, la contradiction en lesquels la subjectivité se réalise. Pour ce discours, la subjectivité est le seul répulsif au clonage et à la répétition des mass médias corporatifs. Tout au long des différentes éditions, le caractère thématique de cette convocation s'est transformé à travers les différentes sélections des travaux en une lecture, un registre particulier de quelques uns des rêves et cauchemars de notre époque. Ainsi il a pu être vérifier comment le spectre des préoccupations est allé en se concentrant progressivement, participant d'un éventail très développé dans les premiers moments d'OVNI 1993-96 ( développer et explorer les limites du langage vidéo rattrapant la liberté formelle et la thématique de ses débuts), jusqu'à se concentrer sur de plus en plus de thèmes plus spécifiques : l'Identité contre les Médias (1997-98), la Communauté (2000), la Globalisation (2002), les Conséquences du 11 Septembre (2003), les Résistances (2005) ou le Rêve Colonial Zones Autonomes (2006).

L'artiste catalan Joan Leandre est membre d'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) depuis 1993. De 1994 à 1996 il travaille sur la série MAP (Mega Assemble Project), Fundacion Zero et Serial Monuments. En 1996, il est l'instigateur du projet Oigo Romo, subventionné par l' Instituto Universitario del Audiovisual qui procure un lieu au Mega Assemble Project MSN ? Adult Playground 1.0. En 1998, il s'implique auprès des President Archives de New York. En 1999, il commence le projet retroyou.org composé pour la série d'interruption de logiciel retroyou RC, retroyou nostal(G), retroyou nostalg2 et la mailing list autoreplicant http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org. Ces dernières années il a réalisé de projets en collaboration avec Archivos Babilonia et Velvet Strike.

?Retroyou_nostal(g)? est un projet de recherche logiciel dont le but est de transformer les programmes originaux en environnements simulés autogérés. Les conditions de quatre programmes de simulation de vol sont modulées de sorte qu?ils ne puissent quasiment plus être contrôlé par de vrais pilotes. Prix Ars Electronica 2006, Mention Honoraire Art Interactif

L'artiste catalan Joan Leandre est membre d'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) depuis 1993. De 1994 à 1996 il travaille sur la série MAP (Mega Assemble Project), Fundacion Zero et Serial Monuments. En 1996, il est l'instigateur du projet Oigo Romo, subventionné par l' Instituto Universitario del Audiovisual qui procure un lieu au Mega Assemble Project MSN ? Adult Playground 1.0. En 1998, il s'implique auprès des President Archives de New York. En 1999, il commence le projet retroyou.org composé pour la série d'interruption de logiciel retroyou RC, retroyou nostal(G), retroyou nostalg2 et la mailing list autoreplicant http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org. Ces dernières années il a réalisé de projets en collaboration avec Archivos Babilonia et Velvet Strike.

‘Where Lakes Once Had Water contemplates how the Earth is experienced and understood through different ontologies – ways of being, seeing, sensing, listening and thinking – that reverberate across art, Indigenous thought, science, ancient and modern cultures, and the non-human.’ Sonia Leber and David Chesworth travelled with a team of Earth and environmental scientists who are investigating changes in the climate, landscape and ecology over 130,000 years. Their journey took them to Australia’s Northern Territory, to spectacular yet challenging environments, from locations of long-term aridity to lush, green waterways. Where Lakes Once Had Water channels the experience, where Indigenous rangers, Elders and community members collaborate with scientists. Working across the ancient shorelines, everyone is receptive to the signs, signals and rhythms of the land. Meanwhile, non-human cohabitants continue their struggles for survival. Leber and Chesworth deploy video as a tool, scanning tree lines, erosions, termite mounds, and the effects of water, sun and fire. Their disquieting sound design encompasses natural and human-made sounds, and the hidden signals and energies that exist beyond human hearing. The project is a journey across audio-visual realms, scientific endeavour and Indigenous knowledge – a coalescence of efforts to understand the ancient land. "Where Lakes Once Had Water" was commissioned by the Australian Research Council Centre of Excellence for Australian Biodiversity and Heritage (CABAH) in association with Bundanon. It was filmed on the lands and waters of the Mudburra, Marlinja, Jingili, Elliot, Jawoyn and Larrakia communities in Northern Territory, with additional filming and editing on Barkandji, Dharawal, Djabugay, Yidinji and Wurundjeri Country. University of Wollongong Art Collection, Australia.

Australian artists Sonia Leber and David Chesworth are known for their distinctive video, sound and architecture-based installations that are audible as much as visible. Leber and Chesworth’s works are speculative and archaeological, often involving communities and elaborated from research in places undergoing social, technological or local geological transformation. Their works emerge from the real but exist significantly in the realm of the imaginary, hinting at unseen forces and non-human perspectives. Leber and Chesworth’s artworks have been shown in the central exhibitions of the 56th Venice Biennale: All The World’s Futures (2015) and the 19th Biennale of Sydney: You Imagine What You Desire (2014). Solo exhibitions include What Listening Knows, Messums Wiltshire, UK (2021) and the survey exhibition Architecture Makes Us: Cinematic Visions of Sonia Leber & David Chesworth, Centre for Contemporary Photography, Melbourne, Australia (2018) touring to Griffith University Art Museum, Brisbane (2019) and UNSW Galleries, Sydney (2019).

Earthwork’s screen is positioned flat on the floor, facing upwards. The visitor, looking down, gets a bird’s-eye view of a suburban landscape in which there are destroyed buildings, damaged roads, fences, and gardens. The image suggests a world that has undergone massive disruption. It is unclear whether accident, entropic forces, or warfare has caused this result. Superimposed upon Earthwork’s devastated landscape is another smaller image that presents the viewer with an alternative framing the site. We see diagrams: symbols of what might be location coordinates, suggesting an ongoing search for boundaries, and an intention. The two images appear to be attempting to “ line-up ”, but this is never achieved. The title, Earthwork, references the American Land Art movement of the 1960s; Leber and Chesworth’s videowork further explores Robert Smithson’s concept of the “ non-site ”. A non-site is an artwork situated in a gallery that metaphorically represents a remote actual site. As Smithson suggests “ the site is evading you all the while its directing you to it ”.

Sonia Leber and David Chesworth are known for their distinctive installation artworks, using video, sound, architecture, and public participation. Developed through expansive research in places undergoing social change, Leber and Chesworth’s works are speculative and archaeological, responding to architectural, social, and technological settings.

CIVIC is a short film that follows Booker on his first trip back home to South Central, L.A. after several years of self-imposed exile. Without any clear motive, or even a warning, Booker returns to the place that holds his origins and the people who shaped him. Framed almost exclusively inside of his car, CIVIC tracks Booker’s fleeting and fragmented encounters around his old streets. Booker spends most of his time with his childhood best friend, Tee. They ride around to liquor stores and lingering in parking lots after closing time. Closeness and distance ebbs and flows between them as they talk about their lives, old and new. The repaved ground between them allows Booker to dive deep into the past, seemingly letting go of the tension in the present. However, we soon realize Booker is avoiding his responsibility to his family members across this trip. Just as he plans his disembark from L.A., he has an unexpected encounter that helps to reframe his perspective in the world. CIVIC is an introspective film, giving life to the wordless exchanges, the mundane and the familiar shorthand of unfettered Black life.

Dwayne LeBlanc is a Los Angeles based, first generation, Caribbean-American artist and filmmaker. Primarily self taught, his practice focuses on themes of migration, visibility and dual identities. His debut narrative short film, Civic (2022), an introspective short film about homecoming, was awarded a production grant from Ghetto Film School and Netflix while simultaneously developed at Berlinale Talents 'Short Form Station.' Civic has been screened and awarded at international film festivals around the world, including International Film Festival Rotterdam, Clermont-Ferrand, New Orleans Film Festival, Atlanta Film Festival and Indie Memphis. LeBlanc was also named as part of the "future of cinema" at the 2023 New Directors / New Films festival in NY where Civic was screened at Lincoln Center and the Museum of Modern Art. LeBlanc is a MacDowell fellow and a member of the Writers Guild of America.

"Celui qui n`accepte pas de se laisser égarer n`empruntera jamais que des chemins déjà tracés: il risquera de manquer celui qui le concernerait en propre. A moins qu`il ne sabote tous les chemins, les coupe et les embrouille." L?égarement de mes personnages dans « Nuit Bleue » s?imprègne de la pensée du philosophe Jean Toussaint Desanti ; mes émotions visuelles tentent de l?illustrer. A. LECCIA

Ange Leccia est né le 19 avril 1952 à Minerviù en Corse. Artiste plasticien, il a été pensionnaire de la villa Médicis à Rome en 1981-1983, puis résident à la villa Kujoyama à Kyoto en 1992-1993. Professeur à l?École Régionale des Beaux-Arts de Grenoble de 1985 à 1997, puis à l`l?École nationale supérieure des Beaux-Arts de Cergy de 1997 à 2000, il est actuellement directeur du Pavillon, le laboratoire de création du Palais de Tokyo. Ses oeuvres ont été exposés dans de nombreux musées (Guggenheim, Centre Georges Pompidou) et manifestations (Kassel, Sydney) en France et à l`étranger et il a réalisé de nombreux films dont Ile de Beauté (1996) et Gold (2000) avec Dominique Gonzales-Foerster, ainsi que Azé (2004) ou encore La déraison du Louvre (2005).

Le scénario de "Il y a beaucoup de joie aussi" s'appuie sur des conversations avec un petit garçon atteint du syndrome d'Asperger. Le scénario devient un dialogue fictif entre la mère et le petit garçon. Ils ne se rencontrent jamais à l'écran, ils sont montrés chacun dans leur chambre, côte à côte. Le petit garçon raconte ses rêves pendant que la mère se confie quant à ce qu'il en est de la vie avec un enfant différent.

Johanna Lecklin étudie à l'Académie des Beaux-Arts d'Helsinki en Finlande. Les sujets qu'elle traîte sont la narration, le documentaire et la performance vidéo, très proches de sa pratique artistique. son parcours inclut un échange Erasmus à Slade, l' école des Beaux-Arts à Londres en 1998/99, l'obtention de son diplôme à l'académie des Beaux-Arts d'Helsinki en 2003. elle a aussi participé à un film et à des festivals vidéos comme le Raindance film Festival de Londres, "bzzz" Pépinières européennes pour jeunes artistes au 18ème festival international des programmes audiovisuels de Biarritz en France en 2005, au festival Kasseler Dokumentarfilm et videofest en Allemagne en 2004. Elle a fait plusieurs shows seul et en groupe dans des musées en Finlande et à l'étranger. En 2001 elle gagnait le premier prix de l'Association d'Artiste finlandais.

La séparation, le déracinement sont abordés à travers la recherche de nouveaux repères situés dans l?espace public de Berlin. Chaque intervenant participe à la construction physique et imaginaire de sa représentation. L?auto mise en scène engage un processus de projection et de réflexion intime sur l?histoire et les parcours de chacun, situés à la périphérie de la « grande histoire ». La frontière Germano-polonaise présente une séparation territoriale qui évoque une autre temporalité faisant écho à l?aspect éphémère des interventions en milieu urbain et à leur dépendance vis à vis d`un paysage politique historique.

Née à Paris en 1980, Elise Leclercq, partant de trois années d?études en scénographie à L?ENSAV-La Cambre (Bruxelles), réoriente ses recherches vers la vidéo au sein de l?atelier d?Espaces Urbains. Elle réalise plusieurs projets documentaires dans différents quartiers de Bruxelles et à Berlin tous orientés autour des problématiques urbaines contemporaines. La question des moyens de représentation individuels et des usages symboliques que font les habitants d?un quartier de ce que l?on nomme l?espace public est centrale. Elle commence actuellement un master en anthropologie à l?EHESS à Paris, au cours duquel elle compte approfondir les réflexions qu?ont suscités ces différents projets artistiques et les confronter à une réflexion scientifique.

En septembre 2016, le centre de prévention, d’insertion, et de citoyenneté (CIPC) ouvre ses portes. Il est désigné comme le premier centre de “ deradicalisation ” français. Ses moyens, son organisation, son existence sont constamment débattus. Son accès est restreint, ses alentours hyper-sécurisés, il est inaccessible aux journalistes encore moins aux artistes. Cette vidéo est le récit d’une tentative d’appréhension. La mise en place d’une stratégie narrative, dans le but de générer une Représentation de ce territoire physique, esthétique et philosophique. Marie-Jose Mondzain, dans son essai “ Confiscation ” propose une re-appropriation du terme clivant : “ Deradicaliser ”. Il devient, une fois extrait de sa définition réductrices (inverser une croyance extrémiste), le moyen de révéler fragilité et obsolescence dans le réel. C’est depuis ce postulat conceptuel que la vidéo est organisée, montée et réalisée.

Samuel Lecocq est né à Paris en 1992. Il vit et travaille à Bruxelles.

Jean-François Lecourt est né dans le Perche le 3 Novembre 1958, au sein d’une famille d’agriculteurs. Il entre à 17 ans à l’école des Beaux-Arts du Mans où enseigne Gina Pane, une des artistes fondatrices du mouvement de l’art corporel. Parallèlement, il suit l’éducation d’un Maître d’Arts Martiaux en Karaté Do (la voie des mains nues) de l’école Shotokan, et s’adonne assidûment aux pratiques du Tir à l’arme à feu et du Tir à l’arc. Sa démarche est basée sur l’analogie et l’identification. Une méthode qui le conduit à la découverte de l’aspect cyclique et symétrique des processus de tir et de photographie ; d’où le concept majeur de son œuvre : Le Tir dans l’appareil photographique.Cet acte artistique est un cérémonial immuable qu’il pratique depuis 1977. Il ne s’agit pas pour lui d’illustrer une névrose autodestructrice mais de tenter, en un retour immédiat, d’abolir l’arrêt fatal du cliché. La photographie est donc ici un Art martial. Comme dans le Kuy-Do, la cible à atteindre est soi-même, le but étant la réalisation au présent de celui qui pratique. Une nouvelle création vidéo de 2010 implique une série de films qui mettent en jeu l’autoportrait, la détonation, effondrement et la renaissance du paysage, ce travail s’intitule « Les tirs dans le miroir ».

La situation politique du Venezuela comme un documentaire asymétrique qui montre l?espace public et privé dans la capitale, Caracas. La peur constante comprise par l?instabilité politique et l?incapacité du gouvernement à garantir la sécurité publique a participé à la montée ces dernières années d?une industrie de la sécurité ménagère qui a reformé l?espace public et l?espace privé. Les grilles en fil barbelé ou électrique sont les nouvelles décorations à la mode dont toutes les maisons doivent être équipées afin d?être protégée de l' ?autre ?. Caracas en un endroit où la nature, les Hommes et la panique semblent pouvoir cohabiter dans une harmonie sous tension.

Alejandro Lecuna a commencé sa carrière dans les arts comme apprenti d?un artiste opus vénézuélien Carlos Cruz Diez. Il a étudié l?esthétique graphique à l?Instituto de de Diseño de Caracas et à la School Of Visual Arts Of New York avec le professeur Milton Glanzer, professeur Tony Palladino et Pr. Ed Benguinat. Il a récemment terminé ses études en communication visuelle et art vidéo à l?université des arts de Berlin avec les professeurs en art vidéo Maria Vedder et Holger Matthies (Univesität des Künste). Il est pour le moment Mainsterschüler (étudiant en master) avec Pr Vedder. Dans le monde professionnel, son expérience repose dans le domaine du design numérique et imprimable pour les grandes entreprises. Il a travaillé pour plusieurs compagnies comme SME qui détient la marque FDTdesign à New York et Frogdesign en Allemagne. Parmi ses clients et ses projets l?on peut compter Coca-Cola, DaimlerChrysler, Smart, Consors, NHL, NFL, NBA et le label de musique de David Byrne Luala Bop. Dans le monde de l?art, son travail vidéo a trouvé un espace sur la scène nocturne berlinoise. Ces travaux les plus récents comprennent de spectacle "Dis-appearances" en 2004 dans le Opel Haus à Berlin Friedrichstrasse (catalogue) et le 48 Stünden Neu-Koln Kunst un Kultur Festival. Il a concentré son art dans l?utilisation de l?espace publique comme objet et objectif de son travail. Il est aussi un chargé de cours régulier à l?école d?art et d?esthétique au Venezuela.

Cinq histoires différentes comprennent une seule vignette de quatre vingt dix secondes. Chaque conte illuminant un élément de la vie d'un défunt durant la veille funéraire. Une méditation sur la notion bouddhiste de réincarnation, "5x90: the wake" est un regard entendu et avisé sur une famille interraciale qui fait face à une mort en son sein.

Les oeuvres de Samuel Kiehoon ayant été récompensées sont le documenatire court "How to make Kimchi according to my Kun-Umma", le récit expérimental "5 x 90: the wake" et "Hannah".

Le film est construit à partir d?un moment de bascule imperceptible qui nous mène du jour vers la nuit, un instant fugace où ce qui a été n?est plus, où les choses peuvent revêtir une autre signification. Plusieurs voix-off qui se croisent par le téléphone portable sur les écoutes téléphoniques, qui parlent de fantômes, nous guident à travers la ville, tandis que la caméra semble en quête d?une parcelle de territoire, d?une concordance récit ? image. La topographie du lieu s?avance et se construit en parallèle d?une autre topographie, elle mentale, jusqu?à, peut-être leur rencontre, quelque part ici, dans un nouvel espace psychique. Une histoire personnelle se livre à travers la ville de Séoul, à nous de la suivre et de choisir le terrain d?interprétation : vérité, conte (urbain)?

HeeWon Navi LEE Born in December 1978, at Kyeung Ki - Do, South Korea. She worked as a stylist in Seoul, and since 2002 it is installed in France. After studying visual communication at the Ecole Nationale Superieure d?Art de Nancy, Won Hee LEE Navi integrates the Fresnoy - Studio National des Arts Contemporain. His research and practice various artistic blend clothing influences ranging from cinema to graphics, sound installation. His works are moving and using more and more new media across a digital world in works such as;

An Ealing Trilogy is a response to selected portraits from the collection of the National Portrait Gallery, London. Commissioned by the gallery, the film re-invents the lives of inspirational people who have links to Ealing, West London including Dusty Springfield, Charlie Chaplin and Freddie Mercury. Tableaux imagery is combined with an abstract soundscape to create a captivating slow motion film portrait of people and places from a west London borough.

Eelyn Lee is an award-winning artist-filmmaker who had works screened across London including Tate Modern and Whitechapel Gallery as well as internationally in Paris, Berlin and Toronto. Using processes of devising and collaboration her films use rich imagery and soundscapes to tell multi-layered stories about people and place. She is interested in groups of people, both in the making of the work and the subject of the work itself. The vision, energy and experience she brings to the creative process builds an environment conducive to making bold and original work. www.eelynlee.com

Inspired by Old Master paintings, three slow-moving tableaux images appear depicting scenes of conflict and resolution on the streets, at home and in the workplace. Shot on locations in East London the images feature young people playing various roles including a young pregnant mum representing Justice and a smart young man battling with a politician at the doors of a local Job Centre. These evocative and multi-layered images employ both photographic and filmmaking techniques, challenging the audience to see different things in them on each viewing. Under the direction of Eelyn Lee, young filmmakers and photographers from A New Direction?s Headstart worked alongside filmmakers at Eelyn Lee Productions and photographers Tim & Barry to create this compelling piece of moving image work. Commissioned by A New Direction

Eelyn Lee is a filmmaker and managing director of Eelyn Lee Productions. After studying fine art she founded the performance group Sacred Cow, producing site-responsive visual theatre in the North of England during the 1990?s. Following a Post-Graduate in sculpture, her work became more installation based, which in turn triggered a career in filmmaking. Her visual art and performance background continues to inform her narrative-led filmmaking, a career in which now spans 15 years. Eelyn has written, produced and directed documentaries, short films and animations. She has a strong reputation for making high quality films about young people that are often devised through participatory processes. Her films have been broadcast on TV and online, shown in festivals and distributed on DVD. In 2012 she received the ?RITTER SPORT Film Prize? for Life and Deaf, a short film selected for the competition programme of the 6th ZEBRA Poetry Film Festival in Berlin. Eelyn lives and works in London and Sheffield and is currently developing ideas for narrative feature films.

That night, a lady met a group of lovely beasts - gigantic slimy cheesy ones.

Äggie Pak Yee Lee is an audio-visual artist/ animation director from Hong Kong, graduated in Estonia. Her works draw inspiration from the playful relationship between the flow of sound and of images, with a tint of stupidity. Both of her experimental and narrative shorts were showcased in several festivals such as Sundance, Annecy, Goldenhorse and Interfilm.

Garden of all spheres is a VR experience which exhibits the live simulation of a pseudo-ecosystem. The garden is built in the video game environment, which can exhibit the most advanced technology in the production and presentation of real-time CGI and simulation. The library of the virtual scenery is parallel with the modern natural history museum - the eye-catching collection of nature - the inventories which are ever-expanding and impossible to complete. Skysphere is a primary, simple prop for creating an illusion of horizon. In the nature of Virtual Reality, the player?s eye is located in the centre of the sphere. It becomes her private sky which is impossible to feel the scale of it - as much like as the sky in the physical world. The camera moves beyond the stage, from inner shell to outer shell and reveals the boundary of human-centred viewpoint. This spherical garden mediated through VR glasses, which embodies the desire for a seamlessly expanded vision. All the animals, humanoids, trees, stones, lights, skies are reflected on the surface of gazing ball and exhibited in the spherical vitrine, and the exhibition becomes meta-ecosphere.

Yoonjoo Lee is a multi-disciplinary artist based in Berlin. Her artistic practice generally focuses on the relationship between voyeuristic/Intellectual curiosity and technology of representation. She uses various digital technologies such as 3d animation and video game engines for a platform of the moving image experiments and explores the apparatus-mediated vision. She is currently studying experimental film and generative art in the Berlin University of Arts.

Avec Oamos, Marc Lee avait un seul but: faire découvrir au spectateur des contenus susceptibles de lui plaire et de l?inspirer. Qu?est-ce qu?Oamos: D?après des thèmes lancés par le public, Oamos sollicite des machines à chercher à travers les actualités, des images, des synonymes, de la musique, des discussions, des bruits, des blogs et des vidéos. Les données sont préparées audiovisuellement et sont présentées au choix de manière pragmatique ou divertissante, avec ou sans ton, avec ou sans liens vers d?autres sites.

Marc Lee est né en 1969 en Suisse. Il crée des projets interactifs orientés vers le réseau depuis 1999 dans une production orientée vers le domaine artistique. Il expérimente des technologies d?information et de communication qui contiennent des aspects culturels, créatifs ou encore économiques et politiques. Il a dernièrement participé à d?importantes expositions d?art média, comme le ZKM de Karlsruhe, le New Museum de New York, la Biennale d?art média de Séoul, la Transmediale 02 et 04 de Berlin, le Viper 01, 03, 04 et 05 de Basel, Ars Electronica, le CeC de Dehli, le Read_Me Festival de Moscou et le ICC de Tokyo.

About the jade-mining lives led by the Burmese youths, most of whom work illegally for black jobs, risking and betting on their lives, for a meager living or the commitments to their beloved ones.

Yong Chao, born in Myanmar, passed the overseas College Entrance Exam of Taiwan after high school and went to university in Taiwan. During his university years, Yong Chao came into contact with the charm of image and movie, thus embarked on the journey of independent filmmaking.

LA PLUIE est une rencontre dans un paysage typique, dont l’apparente magie ne saurait faire oublier le drame de la situation. Des voix se font entendre. Qui sont-elles ? Peu à peu leur histoire nous est contée et leur présence semble flotter à nos côtés. Ce film est un hommage aux victimes de l’exploitation sexuelle en temps guère établie par le gouvernement japonais durant la seconde guerre mondiale. Les victimes n’ont pas encore été reconnues par le Japon. Elles sont Coréennes, Chinoises, Philippines, Thaïlandaises, Vietnamiennes, Malaisiennes, Indonésiennes… Ce projet n’intente pas un procès au Japon, mais se focalise sur la douleur humaine traduite métaphoriquement à travers la figure du fantôme et rend hommage à ces femmes. La réalité virtuelle est le moyen le plus approprié pour explorer la vision d’un spectre. Cette mise en forme, la multiplicité de modes de production qu’elle induit, permet d’envisager une immersion totale dans l’œuvre et créer une identification immédiate ; un flou entre les limites physiques et mentales du spectateur et des personnages. Le supplément d’informations que produit la VR enrichit l’environnement du spectateur et l’implique activement dans l’œuvre.

HeeWon Lee est née en 1978 en Corée du Sud. Après avoir étudié la mode à Séoul elle s’installe en France fin 2002 ; elle suit l’enseignement du français à l’université de Nancy II et poursuit son activité artistique. Elle entre à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Nancy, option Communication Art Visuel, avant de conclure son parcours par un post diplôme au Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, à Tourcoing. Heewon Lee est une artiste multimédia qui développe une pratique artistique où se rencontre vidéo, graphisme, son et installation. Son travail inspiré par notre quotidien opère de légers déplacements qui nous plongent dans un univers fragile et onirique. Ses projets ont été primés et présentés à de nombreuses reprises : Jeunes Talents-Air France, la Diagonale des Arts- Biennale d’art contemporain, Busan International Video Festival, Vidéographie(s), Vidéoformes...et diffusés en France au Grand palais, Palais de Tokyo, Air France, Féstival Némo au 104 et La Gaîté Lyrique, BIAN II au Cinémathèque québécoise, Montréal, Digital life, à Rome, the Special Olympics World Winter Games PyeongChang, Nabi center, Corée du sud, Museum of Art Hong Wan, Beijing... Ses oeuvres sont régulièrement diffusées au Brésil, Canada, Corée du Sud, Maroc, Espagne, Italie, France…

Meesoo Lee a commencé à faire de la vidéo en utilisant un caméscope et deux magnétoscopes. Inspiré par les DIY ethos of Zines, la musique « lo-fi » et le cinéma d?avant-garde, il réalise des vidéos originales inspirées de la méthode du « vidéo-clip ». Il prétend que ce médium peu coûteux ouvre la voie à un monde infini de créativité et permet l?apprentissage autodidacte sous forme «d?essai-erreur». Meesoo Lee a réalisé des dizaines de courts métrages qui ont été présentés dans divers festivals ainsi qu?au Festival du Front Occidental et au Festival des Images à Toronto