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Les récits épiques du Far West hollywoodien ont inspiré un univers de jeu de rôle aliénant, quelque part dans la forêt sauvage suédoise à notre époque. Ici, un grand groupe de personnes éprises de liberté, vêtues de bottes de cow-boy et de chapeaux Stetson, se réunissent pour reconstituer un passé qui n'a jamais été le leur. La fiction et la réalité se rencontrent dans "Rendezvous", mais seulement devant la caméra. Les participants habitent collectivement leur simulation, et, tant qu'ils peuvent la maintenir ensemble, ils peuvent la vivre en toute sécurité. Il s'agit d'échapper au monde moderne, à sa technologie et à sa morale, pour retrouver une vie authentique, centrée sur l’essentiel. Que cette vie puisse être exprimée par la fiction est le paradoxe qu'Ernst Skoog interroge, notamment au travers d’un esthétique granuleuse proche du found footage. "Rendezvous" est tourné en Digital Video - un format déjà désuet – ce qui ajoute une distance temporelle désorientante entre les images et ce qu'elles représentent. Une antithèse de l'Hollywood dont s’inspire leur monde.

Ernst Skoog est né en 1991 à Kvidinge (Suède). Il vit et travaille actuellement à Francfort-sur-le-Main (Allemagne). Il a obtenu un diplôme au Royal Institute of Art, Stockholm (Suède) en 2020. Travaillant à la fois comme artiste et réalisateur, il centre son travail sur les images en mouvement. Dans son travail, il étudie et s’approprie les chevauchements entre la réalité, la mémoire et la fiction, et explore les perceptions et les nuances qu’elles contiennent. "Rendezvous" est son premier film en tant que réalisateur. Il a été nommé pour le prix Next:Wave, Guangzhou (Chine), et a été présenté en première au CPH:DOX, Copenhague (Danemark) en 2020.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

"Walk" est une vidéo de 28 minutes qui devrait être projetée en boucle. On y voit l´Ordre d´Orange lors de leur parade annuelle à Portadown (comté d´Armagh, Irlande du Nord). Les orangistes ne disent ppas qu´ils défilent pas mais qu´ils marchent, accompagnés par des orchestres de flûtes, fifres, accordéons, cornemuses, tambours, cuivres. La bande-son stéréo qui accompagne la vidéo à été déformée. Les participants se marchent littéralement dedans et finissent par disparaître pour ne plus laisser qu´une route vide. L´Ordre d´Orange est un ordre Protestant essentiellement basé en Irlande du Nord. Il a été fondé près de Portdadown, dans le comté d´Armagh (Irlande du Nord) en 1795. Pour ses membres et ceux qui le soutiennent, l´ordre célèbre la culture et l´identité protestante, mais ceux qui le critiquent le taxent de sectarisme et d´anti catholicisme. Ces défilés ont lieu lors de la "saison de parade" estivale qui culmine le 12 Juillet. Ils célèbrent la victoire du roi protestant Guillaume d´Orange (Guillaume III) sur le roi catholique Jean II lors de la bataille de Boyne en 1690. Chaque année on observe des frictions au moment où le cortège tente d´emprunter la route catholique de Garvaghy en direction de l´église de Drumcree, et le tout finit souvent en bataille rangée avec la police et l´armée britannique assurant l´ordre.

Victor Sloan est né à Dungannon, comté de Tyrone en Irlande du Nord. Il vit et travaille à Portadown (comté d´Armagh). Il a etudié dans les Ecoles d´Art de Belfast et de Leeds. Victor Sloan est un educateur et un artiste d´influence. En tant qu´artiste majeur en Irlande dans les arts visuels, il s´est forgé une réputation internationale pour ses images puissantes qui mettent en avant son inventivité et sa versatilité prodigieuse. Il utilise la vidéo et la photo pour réaliser des oeuvres qui portent sur différents aspects politiques, sociaux et culturels en Irlande du Nord. La galerie Ormeau Bath de Belfast a lancé une exposition rétrospective majeure en 2001. Victor Sloan a reçu un MBE award (Member of the Order of the British Empire) en 2002. Il est Membre de la Société Royale d´Art, Membre de la Société Royale de Photographie et académicien à l´Académie Royale d´Ulster. Il a obtenu de nombreux prix dont l´Academy´s Conor Prize en 1988 et la Médaille d´Or en 1995. Victor Sloan a exposé de manière extensive à travers l´Europe, l´Amérique du Nord, l´Amérique du Sud et l´Asie. On peut trouver ses oeuvres dans nombre de collections privées et publiques.

In the dead of winter, the gas flares and spectral sounds of an oil boom awaken the long-abandoned prairies and ghost towns of North Dakota.

Adam James Smith is a British filmmaker based in New York. His filmmaking practice spans rural and urban environments across China, Japan, and the United States. His first feature film, The Land of Many Palaces, on the Chinese "ghost city" of Ordos, participated in the Sundance Institute workshop and premiered at the 2015 Santa Barbara International Film Festival. The film then went on to screen at festivals and on television around the world, picking up awards in Moscow, Rome, and Kyoto. His follow-up film, Americaville, on the Chinese replica of Jackson Hole, Wyoming was sponsored by the Whicker's Foundation and the Asian Cinema Fund. The film was released in 2020 and has since been screened around the world at festivals and universities. Adam is currently completing a series of films documenting the diversity of the rural experience throughout the American heartland, including the country’s oldest Black rodeo in Okmulgee Invitational, the oil boom awakening the abandoned homesteads of North Dakota in Frontier Phantom, and Native American cowboys in Arapaho Pasture. Adam was educated in film at Stanford and anthropology at Cambridge, the latter of which he is currently an Affiliated Filmmaker at the university’s Visual Anthropology Lab.

Dad?s Stick features three objects that my father showed me shortly before he died. Two of these were so well-used that their original forms and functions were almost completely obscured. The third object seemed to be instantly recognizable, but it turned out to be something else entirely.

Born 1952 - London, England John Smith was born in London in 1952 and studied film at the Royal College of Art. Since 1972 he has made over 40 film, video and installations works. His films have been shown in cinemas, art galleries and on television throughout the world and awarded major prizes at film festivals in Leipzig, Oberhausen, Hamburg, Cork, Geneva, Palermo, Graz, Uppsala, Bangkok, Ann Arbor and Chicago. One-person presentations of his work include exhibitions at Ikon Gallery (Birmingham), Pearl Gallery (London), Open Eye Gallery (Liverpool), Kunstmuseum Magdeburg (Germany) and retrospectives at the Venice Biennale and Oberhausen, Cork, Tampere, Uppsala, Regensburg and Winterthur international film festivals. John Smith is Professor of Fine Art at the University of East London. "The films of John Smith conduct a serious investigation into the combination of sound and image, but with a sense of humour that reaches out beyond the traditional avant-garde audience. His films move between narrative and absurdity, constantly undermining the traditional relationship between the visual and the aural. By blurring the perceived boundaries of experimental film, fiction, and documentary, Smith never delivers what he has led the spectator to expect." ?Mark Webber, Leeds International Film Festival, 2000 "The popularity of John Smith?s films can be explained by his wry sense of humour, his play on language, and the elegance of his visual style. His understated humour thinly conceals a darker layer of meaning in his films. John Smith?s skill as both narrator and composer of visual narratives leaves us discomforted even as we smile." ?Catherine Elwes, UK/Canadian Video Exchange, 2000 "These films can be enjoyed as stories; films for everyone, especially in their humour. They comprise a personal topography of East London, blighted but alive. Viewers are enticed to interrogate the very illusions that films construct in front of their eyes?and behind their backs." ?A.L. Rees, A Directory of British Film and Video Artists, 1996

Tandis que la caméra filme à travers les barreaux d'une fenêtre et que l'horloge sonne 4h dans une ville suisse, la mort de Yasser Arafat sert de point de départ à un voyage dans le temps. "Throwing Stones" est la troisième vidéo de la série "Hotel Diaries", un assemblage d'enregistrements nocturnes réalisés dans des chambres d'hôtels à l'étranger, et qui relient des expériences personnelles aux événements de notre époque dans le monde.

John Smith est né à Londres en 1952 et a suivi des études de cinéma au Royal College of Arts. Ses films, vidéos et installations ont été présentés dans les cinémas, galeries d'art et à la télévision dans le monde entier. Ils ont également reçus de prestigieuses récompenses lors des festivals de Leipzig, Oberhausen, Hamburg, Cork, Palerme, Graz, Uppsala, Bangkok, Ann Arbor et Chicago. Parmi les récentes expositions figurent des expositions individuelles à la Pearl Gallery (Londres), à l'Open Eye Gallery (Liverpool), au Kunstmuseum Magdeburg, et des rétrospectives aux festivals internationaux du film de Oberhausen, Cork, Tampere, Uppsala et Winterthur. John Smith est Professeur des Beaux-Arts à l'Université de l'East London.

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Epoque et pays indéterminés. Yevgueni, à 21 ans, est un jeune technicien- astronaute. S’il rêve de voyager dans l’espace, son emploi consiste à travailler au sein d’une base de lancement d’un centre spatial, en tant qu’opérateur de lancement d’astronefs. Lors du lancement particulièrement critique d’une navette Soyouz habitée, Yevgueni perd brutalement connaissance, causant la perte de contact avec l’équipage en orbite, et l’explosion de l’astronef dans l’espace. Hanté par cette catastrophe, Y perd progressivement pied avec le réel, et se laisse contaminer par ce trauma qui le hante.

Née a? Paris, en 1985. Elle vit et travaille a? Paris. Le travail transdisciplinaire de Dorothée Smith, plastique et théorique, s’appréhende comme une observation des constructions, déconstructions, délocalisations et mues de l’identité?. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, l’art hybride et l’utilisation des nouvelles technologies. Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, a? la galerie les Filles du Calvaire a? Paris, au Musée National de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Danemark, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...) et d’Asie (Japon, Chine, Cambodge, Corée du Sud).

Lithic Choreographies (2018) is an experimental documentary shot on the Swedish island of Gotland. It mines historical data, mingling it with speculative fictions, to chronicle different chapters embedded to the island`s geological strata. Working with locals to ground the film`s investigations within the myriad communities of Gotland, Smith seeks to re-imagine our modes of engagement with and contributions to ecological assemblages. Scanning the landscape characterised by palaeo-sea-stacks, fossil coastlines, concrete production plants and limestone quarries, the film focuses a lens on minerals circulated in economic, cultural and agricultural contexts. Lithic Choreographies was commissioned by International Art Space for spaced 3: north by southeast and produced in collaboration with Baltic Art Center.

Sam Smith is a video installation and performance artist born in Sydney, Australia currently living and working in the UK. He has exhibited and performed widely at venues including at Gotland Konstmuseet; Sweden; Whitechapel Gallery, London; Plymouth Art Center, UK; Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen; The Telfer Gallery for Glasgow International 2016; Centro de Artes Visuais, Coimbra, Portugal; Australian Centre for Moving Image, Melbourne; KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Gallery of Contemporary Art, E-WERK, Freiburg; De Appel Arts Centre, Amsterdam; Art Gallery of New South Wales, Sydney; and the Institute of Contemporary Arts, London for the Artists` Film Biennial.

“Things are never by themselves. Neither are we. They are among themselves and linger in our surroundings. And we sometimes see them, and us among them, as things among things. Yes, but not quite, not only.” This is how Jan Verwoert starts his text ‘Enter the Eerie Thingscapes’ on Sam Smith’s video installation ‘Form Variations’ (2014). The work, shot in the widescreen CinemaScope ratio, is an atmospheric looping meditation on cinema’s relationship to space and things. The non-narrative structure coalesces object, figure and location into a series of composed vignettes that swing between the hyperreal and the surreal. Key to the work are two specific references from the beginning of Michelangelo Antonioni’s ‘L’Eclisse’ that illuminate ideas that lie subtly in the fabric of the 1962 film. Specifically, the opening shot in which the character of Riccardo`s arm is perceived first as inanimate form, then revealed as flesh.

Sam Smith lives and works between London and Sydney. His current artistic practice spans video, sculpture, installation and performance. From 2013 to 2014 he was an artist in residency as part of the Künstlerhaus Bethanien International Studio Programme in Berlin. Recent solo exhibitions and performances include ‘The Performative Minute’ at KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2014); ’Notes on the Apparatus' selected by Vdrome for the Artists' Film Biennial, Institute of Contemporary Arts, London (2014); 'Frames of Rererence', a solo exhibtion at The Royal Standard as part of their Liverpool Biennial 2014 programme (2014) and 'Form Variations' at Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2014); He has participated in numerous group shows including 'Online/Offline. Encoding Everyday Life for Vorspeil Transmediale', Altes Finanzamt, Berlin (2014); 'Oblivion', Zweigstelle Berlin (2014); 'Conquest of Space', COFA Galleries, Sydney, Australia (2014); 'Larger than life', Temporära Konsthallen, Stockholm (2013) and 'Framed Perceptions', Sinne, Helsinki (2013).

Les Films du monde constituent une série inédite de 70 cinétracts, qui sont, à l’origine, des films de banc-titre réalisés à la prise de vue à partir de documents photographiques de l’actualité nationale, une initiative lancée en mai 1968 par Chris Marker. L’ensemble renoue avec cette expérience cinématographique, tant poétique que politique, en se concentrant sur les failles du monde contemporain. Selon leur protocole, les cinétracts devaient « contester-proposer-choquer-informer-interroger-affirmer-convaincre-penser-crier-rire-cultiver » afin de « susciter la discussion et l’action ». « Utilisant les moyens facilités d’appropriation qu’offrent les médias contemporains, les Cinétracts de Frank Smith sont autant de messages d’urgence, de réflexions sur le devenir d’un monde, celui de notre début de 21e siècle, devenu violent et chaotique. Il s’agit ici d’estampiller un devenir global, planétaire, « un état du monde » où une situation de tension politique au Venezuela, au fin fond du Texas ou sur la Méditerranée, est « un coup de couteau dans notre destin », comme l’aurait formulé le Sartre de Qu’est-ce que la littérature ? Portés par une réflexion profonde mêlant considérations politiques, humanistes, philosophiques et esthétiques, ces quelques 70 addenda rajoutés par Frank Smith au jet original de 1968 continuent le combat, dans un esprit de synthèse complexe — une complexité à la mesure de ce que l’on appelait naguère, au temps où l’on entendait encore changer l’Histoire, la « représentation du monde », à ce jour fuyante, démultipliée et multipolaire. » Paul Ardenne

Né en 1968, Frank Smith est écrivain et poète, vidéaste et réalisateur. Il vit à Paris et Los Angeles. Il est représenté par la Galerie Analix Forever (Genève). Frank Smith est le créateur du Bureau d'Investigations Poétiques depuis lequel il explore les jonctions/disjonctions actuelles s’exerçant entre Poésie, Politique et Image au moyen de livres, de films, d’installations, d’expositions et de performances. Sont ainsi délivrés « des protocoles d’expérimentation qui interrogent la possibilité, l’efficience, la performativité de la littérature et du film. Prolongeant le Pour en finir avec le jugement d’Artaud dans un "Pour en finir avec le régime de la représentation et de la narration", Frank Smith pose des dispositifs mettant en scène la question de l’émergence de la parole ou de l’image. » (Véronique Bergen, art press, déc. 2017). Frank Smith a publié à ce jour une vingtaine de livres et dans le prolongement de ces publications, il réalise des films et des installations vidéo à partir desquels est notamment mis en pratique le non-rapport entre Voir et Parler et sont développés les arcanes d’un nouveau « cinéma de poésie ». Tous ses films ont notamment fait l'objet d'une présentation au Centre Pompidou-Paris.

Au fil d’une nuit fantastique, un personnage arpente sans fin des avenues froides et nues, des institutions désertes, des non-lieux inhabités, en marche, en quête, solitaire - guettant les apparitions de fantômes venant se glisser dans son sillage. Suspendu aux télé-technologies (téléphone, puce électronique) de l’intime, il semble se nourrir de l’absence d’un être aimé, ailleurs, loin, intouchable, dont l’absence hante sa déambulation.

Dorothee Smith est une photographe née au milieu des années 80, c’est une enfant de la chute du mur de Berlin, cet évènement qui marque la fin d’une ère, celui de la guerre froide du capitalisme républicain contre le communisme soviétique, et le début d’une autre, celui de la guerre informelle entre l’occident judéo-chrétien et les extrémistes islamiques (Palestine, Irak, Iran, Afghanistan). C’est aussi l’enfant du mouvement queer, avec ses identités fleurissantes et sa nouvelle philosophie du corps. C’est encore et enfin l’enfant de la catastrophe de Tchernobyl, d’une planète maltraitée car trop polluée, d’une terre nucléaire menacée de destruction. C’est un peu ce court morceau d’histoire, qui a un peu plus de vingt ans maintenant, que l’on retrouve dans le sampling visuel de la photographe plasticienne.

Synopsis ? Love, jealousy and wanting to be in two places at once Like a nighthawk at the diner, a young man recounts his story of love gone wrong. His marriage has been quietly growing lifeless, when his wife proposes that they attempt to rekindle their passion through, the dance which first brought them together, the tango. But not any old tango, rather a more risqué partner swapping form of the dance, with different partners in separate venues.

Gregg Smith: biography Gregg Smith is an artist from Cape Town, South Africa. He completed his studies at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, in 1991 and since then has been active in a range of contemporary art and theatre projects in South Africa and abroad. With origins in painting, performance, and art in public space, his present work incorporates aspects of all these practices in the development of video installations. Until 2000, he lived in Cape Town, where he was active as an artist and also a professor of painting at the Michaelis School of Fine Art. In 2001-02, Gregg was a participant at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and following this moved to France where he studied film-making at Le Fresnoy studio national des arts contemporains (2002-04). His work is equally accepted in contemporary art and film festival circuits; recent projects have been shown at the Rotterdam International Film Festival, Le Centre Georges Pompidou (Paris, France), La Biennale de Dakar (Senegal) and Galerie Krinzinger (Vienna, Austria). He is at present based in Paris, France and is a professor in the Master of Arts in public sphere program (MAPS) at ECAV.

A young man (Hubert Brown) arrives in a quiet rural location in order to present his candidature for job there. As the interview procedures are to take place over several days, he has traveled together with his wife (Christine), so that they might both benefit from a few days in the countryside. Though he has little working experience as yet, he has been recommended for the post by the wife of an acquaintance, who seems to have some influence. The project involves the redevelopment of a piece of land previously used as a nature reserve. As the day unfolds a precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play in this seemingly empty landscape. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon. The film takes the dance-musical form as a point of departure, but eliminates the element of music. The issue of land is remains a charged and unresolved issue in South Africa. In the video project Underexposed, notions of ownership and empowerment are taken a level further. The film questions the dynamics at play in daily exchanges which determine who has the means to exploit their own resources : their body, their ideas and beliefs. The loose fiction follows the redevelopment of a large piece of seemingly vacant land. A precarious web of power relations becomes evident as various individuals struggle to find a firm footing in a scheme which at this stage remains highly speculative. It becomes evident that there are several forces already at play. For one thing, it is inhabited by residents who have a strong bond with the land, and are resistant to the development plans. The area seems also to physically affect all those who move through it, animating their gestures with sporadic dancelike movements. These movements are never noticed or remarked upon.

Gregg Smith is an artist of South African origin, born in Cape Town and currently living and working in Paris, France. with origins in the traditions of painting and performance his video works experiment with the narrative form as means to question the relation between personal perceptions and social interactions. His work is equally traverses the realms of cinema of contemporary art traditions Recent exhibitions and screenings include : Fondation Espace Ecureuil (Toulouse), Rotterdam International Film Festival, FIDMarseille International Documentary Film Festival, Galeria dels Angels - Carmelitas Gallery, LOOP `07 (Barcelona), Fundació Joan Miró, (Barcelona), Le Plateau, Espace Experimantal (Paris) et Musé du Jeu de Paume (Paris).

La narration suit librement les progrès d'un jeune homme arrivé dans une petite ville de province afin d?y présenter sa candidature. Le travail disponible consiste en la supervision de l?aménagement d?une parcelle de terre. Comme l'agriculture a diminué dans la région, certains voudraient voir les terres utilisées de façon plus rentable, grâce à la construction d'une cité-dortoir dans une ville voisine. Toutefois, en vue de faciliter la réalisation d?un tel projet, il faudrait que la personne chargée de sa gestion tolère des procédures assez peu orthodoxes. Le jeune homme est considéré comme adapté à ce poste. Il devient cependant vite évident qu'il existe dans ce territoire d?autres forces en jeu. La région semble affecter physiquement tous ceux qui s?y déplacent, par diverses formes de mouvements. Il semble que le corps de ceux qui sont touchés est investi par une force rythmique, qui les fait bouger en des danses sporadiques et involontaires durant les activités quotidiennes.

Gregg Smith, biographie. Résident à la Rijksakademie d?Amsterdam en 2001-2002 et au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004, le travail de Gregg Smith consiste en des films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence, une complicité avec et entre les spectateurs/acteurs, à réintroduire avec subtilité des désirs et des possibilités de contrer le désintérêt pour l`autre. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans convoquer dans plusieurs de ses ouvres les traumatismes de l?Apartheid et un conscience du perspective personnelle de l?individuelle dans son milieu sociale.

"The End" est une installation vidéo utilisant les empreintes digitales et d'autres éléments. Deux hommes circulent dans un espace de bureau, engagés dans un projet commun dont l'objectif reste flou. Leur travail les conduit à une activité constante à laquelle ils sont tellement habitués qu'ils semblent à peine conscients de leurs actions: ranger des papiers, classer des documents, prendre des notes brèves, se passer les documents l'un à l'autre. Pour occuper leurs esprits, ils parlent d'autres choses. Ils se connaissent visiblement depuis longtemps. À force de travailler dans une telle proximité sur une si longue période, ils ont développé une sorte d'intimité. Chacun connaît les forces et les faiblesses de l'autre. Peut-être pour briser la monotonie, ils explorent des territoires plus vulnérables, dans lesquels chacun se montre tour à tour tendre et manipulateur, révélant la lutte personnelle pour le pouvoir qui préoccupe son existence. Le film a été tourné dans un décor construit dans une mine de charbon abandonnée à Genk, en Belgique.

Gregg Smith est originaire de Cape Town, en Afrique du Sud. Il a terminé ses études à la Michaelis School of Fine Arts de Cape Town, en 1991. Depuis, il a mené à bien des projets d'art contemporain et de théâtre en Afrique et Sud et à l'étranger. S'étant adonné à la peinture, la performance et l'art en espace publique, son oeuvre actuelle inclut les aspects de ces pratiques dans le développement de projets vidéos et cinématographiques. De 2002 à 2004, il a étudié la réalisation en France, au studio national des arts contemporains Le Fresnoy. Son travail a récemment été exposé dans différents lieux : biennale de Dakar, au Sénégal (2004), musée du jeu de Paume (Paris), Rotterdam Film Festival (Holland), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israël), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, Berlin, Videobrazil, Sao Paulo et Rotterdam International Film Festival (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimental, Paris, France, 2006, et Architecture au corps, Galerie Anton Weller, une proposition d?Alexandra Fau, Paris, France. Parmi d'autres projets remarquables dans le domaine de l'art en espace publique, on peut citer "The Lovephones" (Cape Town, 2000) et "The Lovephones in London" (Gasworks Gallery, Londres, 2001), "The Long Street Baths Mural Project" (Cape Town, 1994-98), et son projet à venir à Cape Town, "Very Real Time" (www.veryrealtime.co.za). Récemment, l'espace d'art contemporain de Castellon en Espagne lui a commandé une nouvelle oeuvre pour son exposition "Our hospitality", dirigée par Rodrigo Alonso.

« Should we never meet again » Installation vidéo Durée : 26 minutes Un jeune homme traverse Paris, il appelle de son portable et se parle à lui-même. Il connaît des difficultés et cherche un abri pour la nuit. Il se récite mentalement la liste de tous ses amis, mais en fait il n'ose approcher aucun d'eux. Il aimerait accuser tout le monde pour cette vie inconfortable et étroite où toute chance semble avoir été gâchée. De temps à autre, il s'arrête, il est alors poussé dans une autre dimension, une dimension où limites et formalités n'existent pas et où, très brièvement, il prend contact avec des étrangers. Le décor très simple et fonctionnel de cette "quatrième dimension" rend son existence plausible. Chacun pourrait de temps en temps s'y réfugier. Ce film a été tourné dans les quartiers très animés de Barbès, Château Rouge et Gouttes d'Or, à Paris devant le ?blue screen? de Le Fresnoy. Avec Mireille Abadi, Manon Querelle, Feyçal Bagriche, Gérard Abela et Gregg Smith. « Should we never meet again » Scénario pour 5 acteurs, une ville et des éléments de 3D Ce film suit un homme à travers la ville. Il est plongé dans ses pensées à la suite d?une dispute à la maison et ne sait où passer la nuit. Il parcourt la ville à la recherche d?une solution à ses difficultés personnelles, mais plus il cherche, plus sa frustration grandit. Il se met à accuser tout le monde de la vie triste et étriquée qu?il mène, lui que la chance semble avoir abandonné. Mais une autre dimension existe dans sa vie, qui semble l?attirer à chaque occasion. Dans ses brefs moments de repos, il s?expose à cette dimension, et s?il attend juste assez, le passage se fait. Il est alors transporté en un instant dans un lieu intérieur où les bruits et ennuis de la ville ne l?atteignent plus. Il y passe de courts moments de quiétude avec d?innocents inconnus qui passaient par hasard dans la rue au même moment. Dans cette dimension, il n?y a ni limites ni formalités ni reproches: chacun est là simplement pour les autres pendant un bref instant. Puis c?est le retour à la rue, ces personnes se séparent comme si aucun contact n?avait eu lieu. Et la quête recommence.

Gregg Smith: biographie www.greggsmith.co.za Gregg Smith est né au Cap (Afrique du Sud). Enfant, il était sportif et passionné par l?observation des oiseaux. Après des études suivies à l'Ecole des Beaux-Arts de Michaelis et à l'Université de Cape Town en 1991, il se fait un nom dans le domaine de l'art contemporain : il crée des projets variés, d?ordre performatif, visuel ou contextuel et se lance dans des projets de théâtre en Afrique du Sud et à l'étranger. Son travail actuel incorpore les aspects de toutes ces pratiques dans le développement de projets de film et de vidéo. En 2001-2002, Gregg Smith est résident à la Rijksakademie d?Amsterdam et développe en même temps des projets au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004. Son ?uvre est multiple : films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence ou au contraire un rejet du sujet présenté. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans évoquer les traumatismes de l?Apartheid et la violence des affrontements sociaux. Gregg Smith vit et travaille actuellement à Paris. Son travail a récemment été exposé à la Biennale de Dakar (Sénégal, 2004), au Musée du Jeu de Paume (Paris),et au Festival du film de Rotterdam (Hollande), Hidden Rhythms (Nijmegen, NL), Hilchot Schschenim C au Digital Art Lab (Tel Aviv, Israel), Model Missed Opportunities, Brandenburger Kunstverein, à Berlin, Videobrazil, à Sao Paulo et au Festival du film International de Rotterdam (2004, 2005), Le Plateau, Espace Experimantal, Paris, France, 2006. Autres projects notables dans le domaine de l'art en espace public : The Lovephones (Cape Town, 2000) et The Lovephones in London (Gasworks Gallery, London, 2001), The Long Street Baths Mural Project (Cape Town, 1994-98), son projet en cours basé à Cape Town et ses séries de discussion Very Real Time (www.veryrealtime.co.za).

'Covid Messages' is a video work in six parts, based around broadcasts of British Prime Minister Boris Johnson’s COVID-19 press conferences. The work focusses on the British government’s attempts to eliminate the virus through the use of magic spells and rituals. While the pandemic spreads and the death toll rises, the Prime Minister makes repeated errors of judgement. Exasperated by his many mistakes, the spirits of the dead rise up and intervene.

John Smith was born in Walthamstow, London in 1952 and studied at the Royal College of Art, after which he became an active member of the London Filmmakers' Co-op. Inspired in his formative years by conceptual art and structural film, but also fascinated by the immersive power of narrative and the spoken word, he is renowned for a diverse body of work that subverts the perceived boundaries between documentary, fiction, representation and abstraction, playfully exploring and exposing the language of cinema. Since 1972 he has made over sixty film, video and installation works that have been shown in museums, galleries and independent cinemas around the world. Smith’s solo exhibitions include Kestnergesellschaft, Hanover; Museum of Contemporary Art, Leipzig; Centre d'Art Contemporain de Noisy-le-Sec, Paris; Ikon Gallery, Birmingham; Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg; Turner Contemporary, Margate; Weserburg Museum for Modern Art, Bremen; Uppsala Art Museum, Sweden and Royal College of Art Galleries, London. His work is held in public collections that include Tate Gallery; Arts Council England; Museum of Modern Art, New York; Muzeum Sztuki, Lodz; FRAC Île de France, Paris and Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg.

Le Centre d'Art Contemporain est un endroit de création et de documentation sur l?art sous toutes ses formes. Le centre atteint ses objectifs à travers des expositions, des performances, des représentations de théâtre visuel, des concerts de musique contemporaine, la projection de films expérimentaux, l?art vidéo, des spectacles et des ateliers créatifs, ainsi que différents événements interdisciplinaires. Douze ans se sont écoulés depuis que le Centre d'art contemporain a débuté son activité systématique et complète dans le domaine public. La création de ce centre n?est pas terminée. Une des caractéristiques uniques de ce processus est la manière dont le programme artistique en développement est en corrélation avec la reconstruction et l?organisation des espaces architecturaux du château qui héberge le centre.

WVLNT ("Wavelength For Those Who Don't Have the Time") is a reworking of Michael Snow's ground-breaking 45 minute experimental film Wavelength (1967). One of the most influential works of structuralist film, the original has been literally cut in three, with each section's visual and sound superimposed upon the others, resulting in a shortened yet intense video version.

Michael Snow is considered one of Canada's most important living artists, and one of the world's leading experimental filmmakers. His wide-ranging and multidisciplinary work explores the possibilities inherent in different media and genres, and encompasses film and video, painting, sculpture, photography, writing, and music. Snow's practice comprises a thorough investigation into the nature of perception. While Snow early established himself as a successful painter and musician in his native Toronto, it was his 1962 move to New York City that marked the beginning of his rise to international prominence. He entered into a long-lasting and fruitful dialogue with downtown Manhattan's artistic avant-garde, exchanging ideas with figures such as Yvonne Rainer, Philip Glass, Sol LeWitt, and Richard Foreman, and developing some of his most ambitious and influential works to date. Snow would continue to pursue improvised music, both on his own and in ensembles such as Toronto's CCMC. The generation and reception of sound in the broader sense emerged as one of his main concerns, reflected in performance and tape works that share qualities with contemporaneous experiments by composers like Steve Reich. At the same time, Snow made alliances within the underground film scene centered around Jonas Mekas 'Filmmakers' Cinematheque. He created his most famous experimental film "Wavelength" in 1967, which notoriously includes a 45-minute camera zoom within a fixed frame. Snow's other films of this period, including "Back and Forth" (1969), and "La Région Centrale" (1971), similarly explored the mechanics of filmmaking to simultaneously investigate the functional processes of cinema and of thinking itself. In the 1970s and 1980s Snow, responding to a growing institutional commitment to his work, experimented more with large-scale installations, including public sculptures such as "Flightstop" (1979) and "The Audience" (1988-89). In recent years he has focused on the specific nature and potential of digital media, yielding works like the video-film "Corpus Callosum" (2002). Regardless of artistic genre, Snow consistently engages in an analytical discourse on the nature of consciousness and experience, and language and temporality.

Sheeploop est un plan fixe, un paysage qui évolue lentement. Sheeploop offre un drôle d`instantané bucolique. Regarder des moutons mastiquer graduellement leur passage dans un pâturage, encore et encore, force le spectateur à reconsidérer la beauté de décors aussi idylliques. Typique des stratégies cinématographiques de Snow, cette oeuvre nous sensibilise au regard que nous portons sur un paysage, et sur la nature même de notre perception.

Michael Snow (né en 1929 à Toronto) est considéré comme l`un des plus importants artistes canadiens. En mars 2000, il recevait pour l`ensemble de son oeuvre cinématographique l`une des plus hautes distinctions au Canada, le Prix du Gouverneur général en arts visuels et arts médiatiques. Artiste multidisciplinaire, il est peintre, photographe, cinéaste et musicien. En 1956, il réalisait son premier film. Son film Wavelength (1967) le consacre comme l`un des cinéastes importants de « l`avant-garde américaine » (sic). À la fin des années 1960, pour la réalisation de son film La Région Centrale (1971), il collabore avec un ingénieur canadien à la conception et à la réalisation d`un bras mécanique qui permet à la caméra de tourner dans tous les sens et à des vitesses de rotation contrôlées par l`artiste. Au cours des dix dernières années, Snow a participé à toutes les expositions importantes ayant trait aux images dans le monde contemporain : Passages de l`image, réalisée par le Centre Pompidou; Projections, les transports de l`image, d`abord présenté au studio national des arts contemporains, Le Fresnoy; La Biennale d`art contemporain de Lyon, qui célébrait en 1995 les cent ans du cinéma, intégrait Snow à l`exposition. Enfin, le Musée des beaux-arts de l`Ontario et le Power Plant lui consacraient conjointement une grande rétrospective, Michael Snow Project. Encore récemment, on présentait en Europe une grande rétrospective de ses travaux filmiques et photographiques intitulée Panoramique : oeuvres photographiques et films=Photographic Works and Films : 1962-1999 et la Arnolfini Gallery de Bristol en Angleterre présentait en 2001 une exposition intitulée Michael Snow: almost Cover to Cover. Il est membre de l`Ordre du Canada et Chevalier de l`Ordre des arts et des lettres (France).

Réalisé à partir d`un concert que Michael Snow a donné avec son ensemble d`improvisation CCMC au Kunst-Werke en 2002, Reverberlin est la première œuvre pour laquelle Snow, à la fois cinéaste et musicien de renom, a co-composé son et image. Avec des images vidéo numériques du CCMC jouant à travers le monde, Snow crée des contrepoints et des juxtapositions à l`enregistrement non mixé de 2002.

Michael Snow est né en 1929 à Toronto (Ontario), d’une mère francophone, excellente pianiste, dit-il d’elle, et d’un père anglophone. Alors qu’il débute en arrondissant ses fins de mois en jouant du jazz, il découvre Louis Armstrong, His Hot Five, et les mélodies sonores, particulièrement sensuelles de Jelly Roll Morton. Complètement autodidacte, il apprend la musique sans même savoir la lire. Son art est le fruit de l’improvisation et du hasard. Il commence à peindre puis sculpter dans les années 50, passant alors de la figuration à l’abstraction. Sa peinture se traduit bientôt dans une synthèse entre le sujet figuré et la surface de la toile. Il entre alors dans le cinéma par une première animation, A to Z, réalisée en 1956, qu’il qualifie comme « deux chaises qui baisent ». Quelques années plus tard, il crée l’une des oeuvres les plus marquantes de sa carrière et de l’histoire du cinéma (expérimental), Wavelength. Elle le catapulte hors de l’atelier du peintre, et devient source d’inspiration pour les principaux critiques et théoriciens du cinéma (Manny Farber, Jonas Mekas, Annette Michelson). Depuis les années 60, le travail de Snow se trouve à l’avant-garde de l’art visuel et du cinéma expérimental. Pluridisciplinaire, son oeuvre aborde tous les médiums et matériaux. Abordant les matérialités, l’épaisseur et la minceur. Si son cinéma se conjugue toujours à l’art et à la performance, il tend à l’éclatement des frontières. La Région centrale (1971) sera l’une de ses oeuvres phares, marquée par les prouesses d’une caméra multidirectionnelle, conçue spécialement pour son tournage. Il invite le spectateur à tourner avec la machine, suivre son mouvement, encourageant ainsi une réflexion sur la réalité et vérité supposée de l’image. Snow approfondit notre conscience de la vision humaine. Son oeuvre se révèle dans l’expérience sensorielle, elle se trouve au coeur même des systèmes sensibles, des contrastes et des impressions, en en accentuant les distinctions. Snow trouve son inspiration dans une philosophie de l’esprit et du langage. Ses films sont des rituels de passage, entre la perception pure et sa représentation, des jeux conceptuels et extatiques sur le temps et l’espace. Si son oeuvre pouvait se définir, elle serait un immense film-essai. Évoluant constamment avec les mouvements technologiques, témoin de la mutation des médiums, sa créativité est autant marquée par un art visuel, le cinéma et le son, se faisant chacun complémentaire de l’autre. Son travail est marqué par l’empreinte d’un temps, de l’histoire de l’art, plus encore par celle de ses méthodes. Après avoir obtenu le prix Molson en 1979 et le prix d’excellence de l’IR AC en 1989. Il devient Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en France en 1995. Il est récompensé du Prix du Gouverneur général en Arts visuels et en Arts médiatiques au Canada en 2000. Snow aura eu une carrière des plus internationales, son oeuvre traversant les plus grandes institutions, comme la Tate Modern, au Royaume-Uni, cette année. De nombreuses rétrospectives auront eu lieu dont notamment en 1978 au Musée des Beaux Arts du Canada à Ottawa qui s’installera ensuite au Centre Pompidou à Paris, au Kunstmuseum de Lucerne, au Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; au Rheinisches Landesmusuem, Bonn; au Musée des Beaux-Arts de Montréal; à la Vancouver Art Gallery. Il exposera au Musée d’Art contemporain de Tokyo (1988), au Centre national de la photographie de Paris, au Centre pour l’image contemporaine de Saint Gervais et au MAMCO de Genève. Depuis les années 2000, il aura exposé à la Arnolfini Gallery, Bristol au Royaume-Uni, au MoMA de New York, à la Whitney Biennial, à la Albright Know Art Gallery, au Philadelphia Museum of Art aux Etats Unis. Une rétrospective de sa filmographie s’est également tenue au Toronto Film Festival, au Canada, en 2015.

WVLNT ("Wavelength For Those Who Don't Have the Time") is a reworking of Michael Snow's ground-breaking 45 minute experimental film Wavelength (1967). One of the most influential works of structuralist film, the original has been literally cut in three, with each section's visual and sound superimposed upon the others, resulting in a shortened yet intense video version.

Michael Snow is considered one of Canada's most important living artists, and one of the world's leading experimental filmmakers. His wide-ranging and multidisciplinary work explores the possibilities inherent in different media and genres, and encompasses film and video, painting, sculpture, photography, writing, and music. Snow's practice comprises a thorough investigation into the nature of perception. While Snow early established himself as a successful painter and musician in his native Toronto, it was his 1962 move to New York City that marked the beginning of his rise to international prominence. He entered into a long-lasting and fruitful dialogue with downtown Manhattan's artistic avant-garde, exchanging ideas with figures such as Yvonne Rainer, Philip Glass, Sol LeWitt, and Richard Foreman, and developing some of his most ambitious and influential works to date. Snow would continue to pursue improvised music, both on his own and in ensembles such as Toronto's CCMC. The generation and reception of sound in the broader sense emerged as one of his main concerns, reflected in performance and tape works that share qualities with contemporaneous experiments by composers like Steve Reich. At the same time, Snow made alliances within the underground film scene centered around Jonas Mekas 'Filmmakers' Cinematheque. He created his most famous experimental film "Wavelength" in 1967, which notoriously includes a 45-minute camera zoom within a fixed frame. Snow's other films of this period, including "Back and Forth" (1969), and "La Région Centrale" (1971), similarly explored the mechanics of filmmaking to simultaneously investigate the functional processes of cinema and of thinking itself. In the 1970s and 1980s Snow, responding to a growing institutional commitment to his work, experimented more with large-scale installations, including public sculptures such as "Flightstop" (1979) and "The Audience" (1988-89). In recent years he has focused on the specific nature and potential of digital media, yielding works like the video-film "Corpus Callosum" (2002). Regardless of artistic genre, Snow consistently engages in an analytical discourse on the nature of consciousness and experience, and language and temporality.

Sheeploop est un plan fixe, un paysage qui évolue lentement. Sheeploop offre un drôle d`instantané bucolique. Regarder des moutons mastiquer graduellement leur passage dans un pâturage, encore et encore, force le spectateur à reconsidérer la beauté de décors aussi idylliques. Typique des stratégies cinématographiques de Snow, cette oeuvre nous sensibilise au regard que nous portons sur un paysage, et sur la nature même de notre perception.

Michael Snow (né en 1929 à Toronto) est considéré comme l`un des plus importants artistes canadiens. En mars 2000, il recevait pour l`ensemble de son oeuvre cinématographique l`une des plus hautes distinctions au Canada, le Prix du Gouverneur général en arts visuels et arts médiatiques. Artiste multidisciplinaire, il est peintre, photographe, cinéaste et musicien. En 1956, il réalisait son premier film. Son film Wavelength (1967) le consacre comme l`un des cinéastes importants de « l`avant-garde américaine » (sic). À la fin des années 1960, pour la réalisation de son film La Région Centrale (1971), il collabore avec un ingénieur canadien à la conception et à la réalisation d`un bras mécanique qui permet à la caméra de tourner dans tous les sens et à des vitesses de rotation contrôlées par l`artiste. Au cours des dix dernières années, Snow a participé à toutes les expositions importantes ayant trait aux images dans le monde contemporain : Passages de l`image, réalisée par le Centre Pompidou; Projections, les transports de l`image, d`abord présenté au studio national des arts contemporains, Le Fresnoy; La Biennale d`art contemporain de Lyon, qui célébrait en 1995 les cent ans du cinéma, intégrait Snow à l`exposition. Enfin, le Musée des beaux-arts de l`Ontario et le Power Plant lui consacraient conjointement une grande rétrospective, Michael Snow Project. Encore récemment, on présentait en Europe une grande rétrospective de ses travaux filmiques et photographiques intitulée Panoramique : oeuvres photographiques et films=Photographic Works and Films : 1962-1999 et la Arnolfini Gallery de Bristol en Angleterre présentait en 2001 une exposition intitulée Michael Snow: almost Cover to Cover. Il est membre de l`Ordre du Canada et Chevalier de l`Ordre des arts et des lettres (France).

Joanna is a singer who performs in a bar six nights a week, inside a hotel where she lives a few floors below. Her voice guides us through her work routine and the circular route between her room and the stage, all while the video continuously interrupts itself, disrupting the linearity of her story. 'B Plots' looks into the connection between images and physical spaces and how they mirror and affect each other. The mechanic movements of the camera are not hidden, but amplified, directing ones attention towards the camera as a medium and the materiality of the video.

Freja Sofie Kirk works within video, photography and installation, often in connection with one another. Through her ongoing work with two-dimensional representations, Kirk’s practice investigates how images generate meaning in contemporary society. Her work takes the form of a continuous study of spatial and medial constructions, the violence they perform and the architecture they manifest. By utilizing the camera, Kirk attempts to renegotiate the power relations inherent in both architecture and image production.

The “Bibby Challenge” – a cross between a cruise ship and container ship – is a kind of improvised home on the water that German authorities in Hamburg set up to accommodate refugees from the Yugoslav Civil Wars. Adnan Softi? lived on this ship, which was anchored in the middle of the city on the river Elbe.?? We hear voices and we see pictures. People remember and we become witnesses of their memories. And while we become witnesses, we remember ourselves. Maybe. Not all memories are divisible, but there are bridges. There is the ship, there is the sea. There is the container. There is the living space, rather limited, four people in nine square meters. Fates of war, fates of refugees. Perhaps the experience on board the "Bibby Challenge" was not much different than on Noah's Ark - both ships with a grotesquely bloated belly. The form follows the function: to accommodate as much life as possible. The "Bibby Challenge" does not actually sail; it floats. The ship is part of the city and yet a body beyond space and time. Softi? addresses the ship as both a place and a non-place at the same time – as a floating, highly mobile vessel that knows how to navigate the boundaries between national and international waters, if only because twothirds of the Earth’s surface is covered with water.

Adnan Softi? is a director, author and visual artist. He is consistently dealing with historical and remembrance politics issues and his inter-disciplinary art activities are on display in numerous exhibitions and screenings in both Germany and abroad. Most recently: n.b.k., Berlin; Johann Jacobs Museum, Zurich; Berlinische Galerie, Berlin; MAXXI Museum, Rome; Collegium Artisticum, Sarajevo… Furthermore Softi? was recently awarded with the scholarships of the German Academy Rome Villa Massimo and Working Fellowship of the Senate of Berlin.

BIGGER THAN LIFE is a music film in four acts, based between fiction and documentation, between reality and wishful thinking. The focus is on the fabrication of national history through architecture and urban planning. In Skopje, the capital of Macedonia, a government plan costing several hundred million euros is creating a brand new, ancient city center. »Skopje 2014« is the name of the monumental construction plan, which wants to stage its capital as the cradle of ancient high civilization and as the origin of Europe. So far, some thirty government buildings and museums, as well as countless monuments in the classic style have been erected in the Macedonian capital, in an attempt to put Skopje on a par with Rome and Athens. In some cases, existing socialist structures were incorporated into the new builds. A city looks for a future in history, Macedonia is inventing itself as a nation with historical status based on a model of antiquity that never existed in that form. Would that be something new? Will we buy that (hi)story?

Adnan Softic is an author, visual artist and director. He studied Film and Aesthetic Theory at the University of Fine Arts of Hamburg, where he also taught as a professor of Film and Time Based Media. Softic? was recently awarded with the scholarships of the German Academy Rome Villa Massimo. The current lm "Bigger Than Life" won the 3sat Prize at the 64th International Short Film Festival Oberhausen.