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L'une des principales motivations à l'origine de ce film est d'essayer de retourner au temps de l'enfance, des vacances et des étés chauds . Je me souviens du sentiment éprouvé lorsque le nombre illimité de détails remarquables, de choses à découvrir, d'histoires à explorer et de sujets auxquels réfléchir, donnaient l'impression que chaque jour durait une éternité.

Marcin Sauter Né en 1971. Il travaille comme photographe de presse pour les quotidiens les plus importants de Pologne. Il est auteur des projets de décors photographiques pour le théâtre et co-réalisateur d'un long-métrage, "I co wy na to, Ga³uszko" (2000), projeté dans les cinémas d'art et essai de Pologne. Diplômé du "Documentary Course" à la Andrzej Wajda Master School of Film Directing. "Behind the Fence" (10 min, 2005) est son premier documentaire.

The film strives to create the symbolic echoes in the story of two girls searching for their imaginary friend, whose invisible quality they associate with the anonymity of the industrial black hole - the water pipe. On this, the backdrop of another story - an elemental and existential search for water in a dried up river by two migrant workers from the city. The film moves between the lyrical and the referential, the self-reflexive statement and the existential search, ending in an ironic arrival into the real.

The director, Renu Savant, is a graduate from the Film and Television Institute of India, Pune. Before this she has worked as researcher, journalist, lecturer. Her short film, Airawat, received the National Award in 2012, apart from other accolades.

A la vallée de Joux, en Suisse, un vélo cycliste tente la traversée d`un lac gelé. Le titre de la vidéo, Pégase, provient de la sculpture que l’on voit en arrière plan. Ce petit film s’inscrit dans une série d’une trentaine de films autonomes réalisés entre 2003 et aujourd’hui.

Denis Savary est né en 1981 à Granges-Marnand en Suisse. Il vit et travaille à Genève. Diplômé de l’Ecole Cantonale d’Arts de Lausanne, il est en résidence à l’atelier des Arques, puis au Pavillon du Palais de Tokyo en 2006/2007. Il a participé à de nombreuses expositions de groupe : Enchanté château, organisée par Christian Bernard à la Fondation pour l’art contemporain Claudine et Jean-Marc Salomon en 2005, au MAMCO de Genève en 2006, Voici un dessin suisse (1990-2010), au Musée Rath (Genève), Wind, me souffle entre les images au Quartier à Quimper, au Printemps de Septembre à Toulouse en 2009 et 2008... Son travail a également été montré en 2008 au Jeu de Paume (Paris) dans le cadre de la programmation Satellite et au Musée Jénisch à Vevey (Suisse). Lors de l’exposition Le Narrenschiff au Centre Pasquart en 2010, on a pu découvrir un vaste ensemble de films de l’artiste. En 2012, la Kunsthalle de Berne lui consacre une exposition intitulée Balthiques. Plus récemment, une sélection de ses films a été projetée au Centre Georges Pompidou (Paris) lors du festival Hors Pistes. En 2015, une exposition monographique lui sera consacrée au MAMCO de Genève.

Kirill Savchenkov, born in 1987 in Moscow, currently lives and works in France. He works with various media including mediated sculpture, installation, performance, and sound. His artistic practice raises the questions of agency, identity and autocracy in the tech-social milieu. He was nominated to represent Russia in the national pavilion at the 59th Venice Biennial in 2022 but withdrew from the project in protest over the full-scale Russian invasion of Ukraine. Over the years, his works have been presented in institutions such as Transart Festival, Italy, 2022; 14th Baltic Triennial, Lithuania, 2021; Garage Museum of Contemporary Art, Russia, 2021; V-A-C Zattere, Italy, 2019; 12th Gwangju Biennale, South Korea, 2018.

Kristina Savutsina détaille avec finesse les chorégraphies quotidiennes auxquelles s’adonnent ou se soumettent les habitant.e.s d’une bourgade biélorusse. En choisissant le plan fixe et un montage associatif, Khan’s Flesh porte ainsi un regard distancié et teinté d’ironie sur une société corsetée par d’intangibles relations de pouvoir.

Kristina Savutsina was born in 1989 in Riga, into a Belarusian family. From 1993 to 2014 she lived in Belarus. She graduated with diploma in cultural studies in Minsk. In 2014 Kristina moved to Germany, where she has been studying film and fine arts at the University of Fine Arts Hamburg (HFBK). In her work Kristina deals with regulatory politics and its concrete manifestations in Belarus. Besides artistic practice she works as curator and translator. She lives and works in Hamburg. Georg Kussmann was born in Halle/Saale, East Germany in 1989 and grew up there. He studied photography and film at the University of Fine Arts in Hamburg. Currently he lives in Berlin and works as an artist, filmmaker and cinematographer.

Il y a quelques années Jacky Sawatzky vivait dans le West End, un quatier de Vancouver au Canada. son appartement donnait sur une ruelle et quatre poubelles. A l'aube elle étais réveillée par les sans-abris qu'elle entendait pousser leur caddy dans la ruelle ainsi que par des portes qui claquaient et des moteurs qui démarraient. La ruelle était un endroit animé. Durant cette même période, elle faisait des recherches sur les méthodes de surveillance qui utilisent des ordinateurs avec des applications qui distinguent autrement que par la vision. Social Metronome est un ensemble de sept vidéos dans lesquels l'image, aussi bien que la structure du montage, sont déterminés par le mouvement dans la ruelle. Une caméra contrôlée par un programme informatique utilise la structure syntaxique du language utilisé en programmation informatique, la proposition logique de 'si ... alors ...', pour créer un portrait de cette ruelle. Le programme sélectionne selon l'intensité du mouvement et non pas son contenu. Ce système fut installé pour les sept jours de la semaine, du matin au soir, et il en résulte environ 500 clips par jour. Ces clips ont ensuite été montés afin de réaliser sept vidéos qui représentent une ruelle en se basant sur le mouvement. Un extrait de l'oeuvre peut être visionné à l'adresse suivante : HTTP://www.jackysawatzky.net/social

Jacky Sawatzky est une artiste de la performance et des média. Originaire de Winnipeg au Canada, elle a passé une grande partie de sa vie aux Pays-Bas où elle a accompli la majorité de sa scolarité et plus tard elle a déménagé à Vancouver, au Canada, pour passer une maîtrise en beaux-arts à l'université Simon Fraser (Simon Fraser University). Ses projets récents ont pour but de nous rendre conscients des concepts qui se cachent derrière la technologie numérique et d'explorer l'influence que cette dernière exerce sur notre perception et notre consommation de celle-ci.Elle a ensiegné à la Ryerson University, School for Image Arts, à Toronto au Canada. Elle se consacre actuellement à sa propre pratique de l'art.

Tromü (o un studio para un volcán) Author: Victoria Sayago and Bruno Stecconi Tromü means cloud in mapuche* language. A volcano becomes active and emits not lava but ashes so the inmense Patagonia is transformed. What is beautiful and tragic blends into a record that far from mummifying perhaps sublimes the openness of time and its transformations. The tragedy is only an instant in time, a man a point in space and life is in every particle, above all things, as a question form. *The word Mapuche is used both to refer to the original inhabitans of southwestern Argentina and southcentral Chile and to the language they speak.

Victoria Sayago (Argentina, 1980) Graduate (BA Cinematography) by Universidad del Cine. Her field of investigation, teaching and production is audiovisual experimental arts and photography. Curator of “El cine experimental de Narcisa Hirsch” by MQ2 Editora. She teached in FUC and IUNA (Universitary National Art Institute). Nowadays she teaches in Electronic Arts career UNTREF. She won the national grant of Fondo Nacional de las Artes and worked in the art curator department of the National Ministry of Education of Argentina. Her videos were shown in 60 Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, 15º Festival de Artes Electrónicas Videobrasil, BIM (First Price), 11ème Biennale de l’image en Mouvement Geneva, Premio MAMBA- Fundación Telefónica 2005, others. She lives and works in Buenos Aires. Bruno Stecconi (Argentina, 1981) Graduated from the FUC (Cinema University Fundation) he is finishing his master degree in Media and Arts, at the European Degree School. His field of work is photography, video and cinema. His videos and photos took part of many different international and national festivals like: 60 Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, BIM (First Price), Premio Repsol Lima Perú (First price), Talent Campus Berlin-Buenos Aires, FIVA, Bienal del Fin del Mundo, Bienal de Almeria, among others. With Daniel Böhm created MQ2 Editora. He lives and works in Buenos Aires city.

4 Août 2020. Explosion de 2750 tonnes de nitrate d’ammonium sur le port de Beyrouth. Nous disparaissons; un instant. Certains n’apparaitront plus. Les images déferlent. Elles sont spectaculaires. Fascinent. Me viennent alors ces mots: De L’Impotence De L’Image. Image Partiale Image Partielle Impotente Inapte Assassine Faire Feu De Toute Image Tordre La Pellicule Saboter Les Pixels Pulvériser La Chambre Obscurcie Non Je N’Irai Pas Capturer L’Image Du Crime Faire Brasier De Toute Image Et Tenter Le Mot Encore Une Photographie Ne Saurait Faire Office De Document Empreinte Cérébrale Empreinte Corporelle Ceci Est Mon Image Ceci Est Mon Apocalypse Nous Sommes La Photographie Nous Sommes Le Document Ceci Est Mon Corps Exhibez-Le Sur La Place Publique Dans Vos Musées Puis Approchez Vous Regardez Dans Nos Yeux Tout Au Fond Le Brasier Le Souffle La Puissance L’Horreur Plus tard, cette autre tentative: “Où Nul.le Autre Ne Peut Voir Et/Ou Violets For My Furs”. Prologue, préliminaire, chant dernier, ce film est un essai de déplacements / polyphonies / frottements / césures erratiques / plaques mnémoniques et autres failles didascaliques. A travers l’archive intime et/ou collective, je tente de composer un prologue-prolongement d’images, pré-texte aux mots en cours, et ceux à venir.

Les images [photographies, collages, montages, broderies et mots] de Nasri Sayegh sont troubles, floues, furtives. Inquiètes, elles encourent à tout moment le risque soudain d’effacement. Puisant dans ses archives intimes, Sayegh altère, déconstruit l’image pour mieux reconstituer sa propre historiographie. Fouille archéologique/archétypale, il remonte le fil de ses Histoires au gré d’impulsions mnémoniques. Découpage, dissection dans le corps de l’image et recoupement de données visuelles deviennent prétextes pour inventer/déterrer/monter de nouvelles strates d’images et de mots. Interstitielle, l’entre-image, la presqu’image, ou le glitch (la Faille), deviennent quelque part le portrait en négatif, en creux, de l’artiste. Après des études de Lettres à l’USJ (Beyrouth) et à la Sorbonne (Paris), Sayegh s’investit dans les pratiques théâtrales et cinématographiques à l’ESAD-Paris. Acteur, il a été dirigé par Christian Merlhiot, Eileen Hofer, Jad Youssef, Jocelyne Saab. Performeur, il a été l'artiste-invité de Ilya & Emilia Kabakov, de Saâdane Afif, et de Rabih Mroué.  Son approche multidisciplinaire a été présentée dans de nombreuses expositions au Liban parmi lesquelles: «Beyrouth, Peut-Être» (2016), «Unravelled» (2016), «Keine Fotos Bitte», «Tout doit Disparaître»(2018), et au Salon d’Automne du Musée Sursock de Beyrouth (2018). En 2017 il reçoit le second Prix Photomed et publie “Mes Nuits sont plus Amères que vos Jours”. En 2021, il  a été résident à la Cité des Arts (Paris), la Villa des Auteurs (Marseille) et la Villa Arson (Nice). Né à Zahlé (Liban) en 1978, Nasri Sayegh Jr. vit et travaille dans un déplacement permanent.

The city I live is the city I die. "The Ballad of Death" is a hybrid film that uses real and fictional scenes to question the different forms of urban violence. Mostly about the reality on Brazil, but most of all to treat the issue as a universal problem.

Lucas Sá was born in Brazil, 1992. He realized his short films: "O Membro Decaído" (2012), “Ruído Branco” (2013), “No Interior da Minha Mãe” (2013), "Nua por Dentro do Couro" (2014) and "Balada para os Mortos" (2016). Graduated on Cinema at Universidade Federal de Pelotas (UFPEL), his films was on the selection of Cinélatino – Rencontres de Toulouse, Guanajuato International Film Festival , PiFan - Puchon International Fantastic Film Festival, Festival Luso-Brasileiro de Santa Maria da Feira, Festival de Brasília, Janela Internacional de Cinema de Recife, Festival Internacional de Curtas de São Paulo, Mostra de Tiradentes and others. Nowadays, he is on the process of finalizing his first feature called "Canecalon - The Long Hair of Death".

La ville de Dehli, comme toute autre métropole du monde, possède un système économique parallèle qui n´est pas contrôlé par l´État ni par les entreprises. Cela opère parmi les millions d´immigrants ruraux qui arrivent en masse dans la ville, tentant chaque jour de survivre. Ils ont été élevés différemment et n´ont pas le même style de vie que la classe moyenne urbaine. Il n´ont fait aucune étude de management, et n´ont même pas suffisamment d´éducation pour comprendre les outils sophistiqués de l´économie globale ou locale. Cependant ils possèdent une "intelligence innée" et un courage énorme. Les idées leur viennent alors qu´ils se baladent sans but, dorment sur le trottoir ou sous le soleil de plomb. A partir de là ils agissent : par exemple ils louent quotidiennement un rickshaw , préparent des snacks sur un stand mobile et les vendent dans la rue, toujours en mouvement, ils vendent des fleurs, des mouchoirs, des magazines, des stylos, des ballons, lunettes de soleil, cartes touristiques ou autres produits locaux inventés en vitesse et vendus aux feux rouges. Leurs inventions tiennent compte des fêtes religieuses, des changements de saison et des événements patriotiques du pays. Muhammad Kurshid Alam est un garçon de 13 ans venant d´Ajim Nagar, un village du Bihar (État), et qui a immigré à Dehli pour aider sa famille de retour au village. Nous nous sommes rencontrés en face de la mosquée Jama Masjid, dans le vieux Dehli, pendant la première semaine d´avril, alors qu´il me courait après pour que je lui achète quelques posters. Ca m´intéressait de voir ses posters ainsi que d´observer l´"esthétique locale" et la technologie rassemblées dans chacun de ses cadres. Mis à part les lieux saints il ne savait pas du tout où se situaient les lieux représentés sur sa collection de posters. Il varie aussi sa séléction et son emplacement en fonction de la saision des festivals. La qualité "esthétique" de son travail minutieux font se rencontrer un monde parallèle et le monde high-tech, multinational et sophistiqué. Parmi les milliers de différences entre ces deux mondes, la différence la plus frappante est que ce dernier est intentionnel alors que l´autre est accidentel.

Né à Kerala, India, Gigi Scaria obtient sa licence en arts à l´Ecole des Beaux Arts, Thiruvananthapuram, en 1995, et son Master en arts à l´Université de Jamia Milia, Dehli, 1998. Bourses/Prix 2005 Prix Sanskriti en arts visuels. 2002 Elu pour un bourse Inlaks. 1995 to 1997 Ministère des Ressources Humaines et du développement, Bourse en Arts Visuels. Résidences 2005 à CCA7 (Caribbean Contemporary Arts), Trinidad et Tobago, Antilles. Khoj 2004 aux studios Khoj, Kirkee Village,New Delhi. Unidee 2002 à la Cittadellarte, Fondation Pistoletto, Biella, Italie. Ateliers 2006 ?Dilli Dur Ast? un atelier sur les lentilles, dans la partie fortifiée de Dehli. 2005 Sandarbh, un atelier d´artistes et programme de résidence prganisé par Beneshwer Lok Vikas Sansthan à Partapur ,Rajastan. 2002 GASTHOF 2002, un événement organisé par la Stadelschule à Francfort, Allemagne 2002. Travailla pendant un mois aux Beaux Arts de Sydney, Australie, en rapport avec le projet d´exposision intitulé ?Indians + Cowboys?. 2001 Atelier international d´artistes Khoj à Modinagar, près de Merrut. Shows Solos 2005 ?Where are the Amerindians?? à l´Inter America Space at CCA7, Trinid. 2001 Exposition de travaux récents à Art Inc., Shaprjhat, New Delhi. 1998 Exposision de paintures et sculptures à la The Great Art Gallery, New Delhi. . Participations Séléctives. 2006 ?Impossible India? à la Frankfurt Kunstverein. Commissaire d´exposition Nina Montmann, encouragé par l´Institut Goethe, Allemagne. 2006 ?Gost in the machine and other stories? (video, interactive media et son) à la galerie Apeejay Media, Delhi. Commissaire d´exposition Pooja Sood 2006 ?REAL 2006? organisé par Matters of art .com à la galerie d´art visuel, Habitat Center, New Delhi 2005 Double ? Enders à la galerie d´art Jehangir , Mumbai. 2005 Self x Social Self stranger parent resource worker à la School of Arts and Aesthetics Gallery J N U Delhi. Commissaire d´exposition Geeta Kapur. 2005 ?Are we like this only?? à Rabindra Bhavan, New Delhi, commissaire d´exposition Vidya Shivdas. Organisé par la galerie Vadera, New Delhi. 2003 ?Crossing Generations Diverge? à la galerie Nationale d´Art Moderne, Mumbai. Commissaires d´exposition Geeta Kapur et Chaitanya Sambrani. 2003 ?Indians + Cowboys? à la Galerie 4A, Asian-Australia Arts Center, Sydney Australie. Commissaire d´exposition Ruth Watson. 2003 Arting Jerusalem, un projet artistique à Jérusalem, Israel. 2002 ?Photographica? à la Cittadellarte, Biella, Italie. 2002 Circo Fragile a story telling event à l´Université Pavia, Italie. 2002 Unidee in Progress à la fondation Pistoletto, Biella, Italie.

Selon qui l’on est, une entrée peut être ouverte ou fermée. Ceux qui se servent de leur hasard comme d’une idée peuvent déjouer cette mécanique. Lancer le dé dans un jeu de cartes, et donc le rituel qui inclut ou exclut des cartes afin d’en rassembler - ou non - un certain nombre pour compléter un groupe, n’en est pas le seul exemple. On le voit également dans le jeu de la "Communauté" de Kafka, qui compte cinq membres ne sachant pas comment exclure le sixième, rejeté mais revenant sans cesse. Incarne-t-il ce premier accident de toute biographie, le fait d’être né quelque part? Parle-t-il avec un accent qui, depuis l’époque de la Bible, peut interdire l'accès? Adapter son langage, sa tenue vestimentaire et ses gestes peut-il aider? C'est ce que se demande le pensionnaire d'un immeuble new-yorkais, quand le portier ne se contente pas d’accepter comme mot de passe le "How are you?" qu’il a tant répété. Le hasard de leur rencontre transforme l'entrée en une salle de répétition pour des histoires qui transcendent les personnes, les lieux et les époques, et mélangent à nouveau leurs affiliations.

Eva Meyer est auteure et réalisatrice. Elle vit à Berlin (Allemagne). Elle a publié entre autres livres: "Zählen und Erzählen. Für eine Semiotik des Weiblichen" (1983, Nouvelle édition 2013); "Architexturen" (1986); "Die Autobiographie der Schrift" (1989); "Der Unterschied, der eine Umgebung schafft. Kybernetik-Psychoanalyse-Feminismus" (1990); "Tischgesellschaft" (1995); "Faltsache" (1996); "Glückliche Hochzeiten" (1999); "Gedächtnis zu zweit. For the Performance of Europe" (co-écrit avec Eran Schaerf, 2000); "Von jetzt an werde ich mehrere sein" (2003); "What Does the Veil Know?" (co-édité avec Vivian Liska, 2009); "Frei und indirect" (2010); "Legende sein" (2016). Eran Schaerf est artiste et réalisateur. Il vit à Berlin et a étudié l'architecture, la photographie et l'urbanisme à Givatayim (Israël) et à Berlin (Allemagne). Il a participé à des expositions et projets divers, notamment à la documenta 9, Kassel (Allemagne) [1992]; à la Biennale de Venise (Italie) [1993, 1995, 2011]; au Skulptur Projekte Münster (Allemagne) [2007]; au Berlin Documentary Forum (Allemagne) [2014]; à Theatrical Fields, Singapour (Singapour) [2014]; à l’exposition "Günter Peter Straschek: Emigration - Film – Politique", Cologne (Allemagne) [2018]. Entre autres livres, il a publié: "Re-enactment" (1996), "Blue Key" (2002), "Frequency-Modulated Scenario" (2015), et "Mischmasch the Elephant" (2019). Ils ont participé ensemble à des festivals, programmes et expositions, notamment: la 3e International Biennale Film+Arc – Graz (Autriche) [1998]; le Festival du film de Rotterdam / Cinema Without Walls (Pays-Bas) [1999]; Intermedium 1, Berlin (Allemagne) [1999]; le Internationale Medienkunstpreis SWR/ZKM Karlsruhe (Allemagne) [2000]; Utopia Station, Haus der Kunst, Munich (Allemagne) [2004]; le Münster Skulptur Projekte (Allemagne) [2007]; Ambulante, Documentary Film Festival, Mexico (Mexique) [2010]; Séance: Performing Film, Vienne (Autriche) [2012]; Theatrical Fields - NTU Centre for Contemporary Art, Singapour (Singapour) [2013]; "La répétition mise à l’épreuve", VOX Centre de l'image contemporaine, Montréal (Canada) [2016]; "Komplexe Bilder: Verstrickungen, Referenzen, Zensur", Bern (Suisse) [2019]; le Festival Droste, Havixbeck (Allemagne) [2020].

Skulptur21 is an 8 meter long sculpture made of wood, wire, carbon fiber and acrylic paint. It consists of individual hollow elements that are loosely assembled together, partly elevated on wires, on a specially constructed table. The different elements are painted white, light and dark grey, and black. The sculpture is a structural visualisation of Hans Richter‘s experimental film Rhythmus 21. The film, created around 1921, is considered a milestone in film history and is one of the first abstract films ever made. It consists of varying geometric elements that move within the pictorial frame of the screen and change in shape. The elements also change in size, giving the impression of movement towards and away from the viewer, thereby creating a feeling of depth. Skulptur21 shows this movement in space. In the sculpture, every element of the film is shown as a three- dimensional object. Size, position and colour of the elements correspond to those shown in the film. The viewer can physically retrace the elements of the lm by walking along the sculpture. One second of the 3-minute lm corresponds to about 5 cm of the 8 meter long sculpture. The lm can be seen in its entirety at one glance. The sculpture reveals relationships between the elements over the entire duration of the film. However, the translation of the film Rhythmus 21 into sculpture goes beyond a mere reinterpretation of the lm. Skulptur21 creates a connection between the time present in film and the space of architecture. In his paintings, Hans Richter was concerned with studying movement and rhythm. Taking as a basis musical theories, he started developing horizontal rolls depicting geometric elements that gradually change in shape and thus suggest movement. Skulptur21 can likewise be read as a musical score, a linear experimental notation that visualises dynamic proportions and progressions. In addition to o ering a new way of looking at the film Rhythmus 21, the aim of Skulptur21 is to enable the viewer to make their own personal discoveries and experiences, no matter what background or field they come from.

Gerald Schauder a.k.a. KABELTON, born and raised in Munich, socialized in Graz, now living in Cologne, produces media art, electronic music and electroacoustic compositions. He is working as a sound engineer for film and music

The film Passing the Rainbow, shot in Kabul by Sandra Schäfer and Elfe Brandenburger in 2007, serves as the starting point for the installation stagings. The film presents female Afghan filmmakers and their strategies for subverting the gender norms of Afghan society. The practice of filmmaking in Afghanistan and the activities of everyday life are the film?s central concerns. At issue are changing roles and the enabling of freedom of action. Passing the Rainbow dramatizes scenes from its protagonists? daily lives, making visible the interactions and contradictions between constructed images and real living conditions. The installation stagings is devided in two parts: In the two-channel video installation to act in history, Sandra Schäfer uses images from the photo archives of Nancy Hatch Duprée and the Williams Afghan Media Project. Schäfer has combined this rarely seen material with footage of her own, shot during multiple research trips between 2002 and 2008. The installation reflects the creative process behind Passing the Rainbow as well as its reception in Kabul and Berlin, and it uses historical images to trace the representation of women in Afghanistan. A mobile cinema installation will show Passing the Rainbow as well as two films made in 2007 by Afghan women: 25 Darsad (25 Percent), by Diana Saqeb, and Nejat (The Rescue) by Saba Sahar. With the short film Saya (Shadow) by Nacir Alqas an historical arc is drawn to the short and changeful history of Afghan cinema.

The artist, writer and curator of film programs is located in Berlin. In her artistic work, Sandra Schäfer has previously dealt with themes of representation of gender, urbanity and (post-) colonialism. Schäfer has made repeated visits to Kabul and Tehran since 2002. She has been involved in different collaborative projects with filmmakers, activists and theoreticians. Together with the Berlin based filmmaker Elfe Brandenburger and in cooperation with actresses, filmmakers and activists from Kabul she made the film Passing the Rainbow. She is co-curator of the film festival Kabul/Teheran 1979ff: Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration that took place 2003 at the Volksbühne Berlin. She is co-editor of a book with the same title, published in 2006 by b_books, Berlin. 2007/08 she co-curated the film festival SPLICE IN and a lecture program on gender and society in Afghanistan, its neighboring countries and Europe. In 2009 her book stagings. Kabul, Film & Production of Representation got published in the series metroZones/media at b_books, Berlin. www.mazefilm.de

Au coeur de ce film se trouve la reconstitution d'une manifestation de femmes protestant contre l'interdiction de travailler introduite par les talibans. Ces séquences sont nées pendant le tournage du film "Osama" en Novembre 2002 dans les rues de Kaboul. Un millier de femmes s'étaient présentées pour jouer la scène. La plupart d'entre elles jouent dans la scène de la manifestation pour gagner de l'argent. En demandant du travail, elles espérent une amélioration de leur situation.

Sandra Schäfer a étudié l'art, les sciences politiques et la sociologie à Kassel, Londres et Karlsruhe. Elle est réalisatrice et curatrice de films, vit et travaille à Berlin. En Novembre 2002 elle a séjourné à Kaboul et à Téhéran pour des recherches en vue de son film documentaire »Passing the rainbow« et du festival du film »Kabul/ Teheran: 1979ff«. Elle a géré des séries de films pour l'Afghanistan et Téhéran à Belfast, Lüneburg, Karlsruhe et Berlin. Elle travaille actuellement en collaboration avec Elfe Brandenburger sur le film documentaire »Passing the rainbow«. Elle est co-éditrice du livre Kabul/ Teheran 1979ff: Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration, paru en 2006 à Berlin aux éditions b_books-Verlag. Films/vidéos/installations vidéo: »Traversée de la Mangroves« (2006), »The Making of a Demonstration« (2004), »A country?s new dawn« (2001), »Die unsichtbare Dienstleistung« (2000), »Kontaktfreudig, offen und gewandt im Umgang« (1999), »England-Deutschland« (1997), »Shift« (1996).

In her video installation “Westerwald: A Visitation”, the Berlin artist Sandra Schäfer - based on August Sander's series of Westerwald farmers - deals with the transformation of the rural region in which the artist herself grew up. Sandra Schäfer juxtaposes August Sander's perspective with her own and contemporary view. For it is also about how a region, its landscape and agricultural use have changed over the course of time. In her artistic work, Schäfer is interested in the various contemporary witnesses and their entanglements: How do the relatives/portrait subjects speak about the (artistic/documentary) pictures by August Sander? What does it mean to hear the dialect that always also marks a class difference? What knowledge is there about the photographer and his approach? How does this differ from that of photo curators in the museum context? And what does it mean for the artist, who was born and raised there, to return to create this artistic work?

The artist Sandra Schäfer works with film and video installations. Therein she deals with processes of unfolding and rereading of documents, images, spatial narratives and performative gestures. Often her works are based on longer researches, in which she is concerned with the margins, gaps and discontinuities of our perception of history, political struggles, urban and geopolitical spaces. Her works were exhibited at 66th and 67th Berlinale (Forum Expanded), Berlin; Camera Austria, Graz; Museum für Gegenwartskunst, Siegen; Schirn Kunsthalle Frankfurt; mumok, Vienna; Museum Ludwig, Cologne; Depo, Istanbul; La Virreina, Barcelona. Schäfer also is professor at the Academy of Fine Arts Munich and an associated member of the feminist film distributor Cinenova in London. She edited the books: Moments of Rupture: Space, Militancy & Film, Spector Books, Leipzig (2020), stagings. Kabul, Film & Production of Representation, b_books, Berlin (2009) and Kabul/ Teheran 1979ff. Filmlandschaften, Städte unter Stress und Migration, b_books, Berlin (2006, together with Jochen Becker and Madeleine Bernstorff).

In the city of Essen, the Zollverein coal mine, once the dynamic center of the region, has been closed for many years. Adjacent to the empty factory, most of the residential buildings and shops are now abandoned. People have moved away from here. However, in 2001, the deserted coal mine received the UNESCO World Heritage status. A museum and the new `Zollverein Cube`, designed in 2006 by the Japanese architects Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa (SANAA), could be seen as an attempt to bring back life to the area. Yet the site appears only as a shadow of its former self; a vast, grey void is pervading the air. On a search to find some traces of life here, the film comes across an old veteran worker and meets visiting tourists from China, both with conflicting opinions on the old mine.

Cyril Schäublin was born in 1984 in Zurich, Switzerland. In 2005 he left to study filmmaking in Beijing, Berlin and Paris. In 2012 he graduated (M.F.A.) in film directing at the German Film and Television Academy Berlin (dffb). Cyril Schäublin lives and works in Zurich and Berlin. Valentin Merz was born in 1985 in Zurich. Trained as a graphic designer, he moved to Mexico City in 2007 to study Art History and Spanish Literature at the Universidad Nacional Autónoma de México. That aside, he worked as an actor, directing assistant and director on films in the US, Mexico and in Berlin. Valentin Merz lives and works in Zurich and Berlin.

La petite histoire de la famille de l?auteur se tisse à l?aide de photos provenant de l?album de famille. Mais il ne s?agit pas seulement de l?histoire propre à la famille; le film essaie de relier la petite histoire à l?Histoire tout court. L?auteur se penche sur la question: comment se voit elle, elle-même, par rapport à la guerre ? Elle essaie de s?approcher de la réponse en regardant le passé de ses parents qui vécurent tous deux la 2ème Guerre Mondiale en Allemagne, respectivement au Japon.

Née et grandie au Japon Vit et travaille à Berlin

Entre 1957 et 1960, l?anthropologue Jorge Dias, l`une des figures majeures de l?ethnographie coloniale portugaise et du courant lusotropicaliste, réalisa trois études de champ dans le Plateau des Macondes, au Nord du Mozambique. Le matériel y recueillit allait donner origine à la vaste monographie « Os Macondes de Moçambique » (« Les Macondes du Mozambique », 1964-70), l?une des ?uvres les plus fondamentales de l?anthropologie moderne portugaise. En 1960, lors de la quatrième expédition au Mozambique et la troisième au Plateau des Macondes, Jorge Dias resta quelques jours dans la résidence de ma famille, à Mucojo, où mon grand-père était l?administrateur colonial. Le récit d?un épisode prosaïque du séjour de Jorge Dias à Mucojo est le point de départ d?une tentative de réflexion visuelle sur le rapport entre le système colonial et l?anthropologie, notamment sur les processus d?observation empirique, comparaison, imitation et acculturation. Les lignes de continuité sont tracées entre systèmes de représentation paroxystiques à travers la combinaison d?un film anthropologique apocryphe, d?archives familières et de la mise en scène de mémoires du Mozambique colonial.

Raquel Schefer (Porto, 1981) est réalisatrice et doctorante en Études Cinématographiques à l?Université de la Sorbonne Nouvelle - Paris 3, où elle prépare une thèse sur la représentation cinématographique de l?histoire, sous la direction de Philippe Dubois. Elle a publié en Argentine le livre « El Autorretrato en el Documental » («L?autoportrait dans le documentaire », 2008), résultat de sa thèse de Master en Cinéma Documentaire. Ses courts-métrages ont été présentés dans festivals et expositions comme le FIDMarseille, Berlinale Talent Campus, DocumentaMadrid, Fundación Telefónica, Fondation Calouste Gulbenkian, Fundación Laboral, DocLisboa Festival, Musée du Quai Branly, Festival Dockanema, parmi d?autres. Pour savoir plus, veuillez consulter le site-web http://www.raquelschefer.com.

fragment / Vienna 2009 DVD, S/W, Ton mono, 10:10 fragment ist die Rekonstruktion einer visuellen Situation im U-Bahnhof Karlsplatz in Wien anhand von drei Fragmenten dort (strikt in Mono) aufgenommenen Audio-Materiales. Dieses wurde in der Folge als eine Art Score genutzt, um die visuelle Situation in einer scheinbar lineraren timeline zu verorten und dabei das Erinnerte frame für frame zu rekontruieren. fragment kopiert dabei in einer Art künstlich erzeugter Kamerabewegung den Duktus der Objektivität einer ?echten? visuellen Aufnahme. Sichtbar ist einer jener Überwachungsräume in Wiener U-Bahnhöfen, in denen eine Reihe von CCTV-Monitoren dem Fahrgast in einer Art öffentlicher Installation präsentiert wird. Oft sieht der Betrachter von hinten wiederum einen Angestellten der Verkehrbetriebe, der seinerseits die Monitore beobachtet. Der Film gräbt in der gefundenen Oberfläche, legt in einer Art prospektiver Archäologie die zeitweise beinahe surreal anmutenden Schichtungen der Überwachungssituation frei. Jeder der drei Teile tut dies mit einem etwas anderen Fokus der Analyse, so dass sich in der Relation der Teile ein komplexes Gefüge zu bilden und dieses in der Wahrnehmung des Betrachters zu oszillieren beginnt. Jeweils nach die visuell rekonstruierten Sequenzen ist das zugrunde liegende auditive Material hart geschnitten. Es ist zu hören, während das Bild Schwarz bleibt. Die betrachtende Arbeit der Überlagerung und Verknüpfung des gehörten und (erinnert) gesehenen spiegelt sich an den Konstruktionsachsen zwischen Bild und Ton.

Alexander Schellow Berlin *1974 Germany. Since 1999 solo- and groupshows, screenings works for performance theater and lectures. Publications include the book-project ?Storyboard? at Merz/Solitude (Stuttgart) and the DVD ?still lives? by Filmarmalade (London). Most recent projects for example ?out take Bozen/Bolzano? (for the opening-exhibition ?Museion ? Museum of Modern and Contemporary Art? /Bolzano, 2008, ?miniature? (with David Weber-Krebs?) at deAppel, Amsterdam 2009, ?tirana north ? trajectories? for ?Tirana International Contemporary Art Biannual?, Albania / 2009 and ?2481 desaster zone? (spatial conception) with theatercombinat, Vienna 2009. 2006/07 fellow at Akademie Schloss Solitude (Stuttgart). 2008 Pechstein-fellow. ?Bambiland? (theatercombinat, Vienna, 2009), to which Schellow contributed with films and spatial conception, won the Nestroy (best Off-Production, 2009) He tought spatial research practices at Metropolitan-University London and in the frame of workshops, for example at APT (Advanced Performance Training, Antwerp).

"Still lives" est une tentative de retravailler et de re-utiliser la mémoire. En faisant de tel, l'exercice n'est pas de se concentrer sur ces expériences quotidiennes qui attirent notre attention la plus forte, mais plutôt l'opposé. Cette tentative se concentre sur la perception involontaire, ce que à quoi l'un n'a pas vraiment porté attention mais qui est quand même inscrit dans la mémoire: un groupe de personne dans le train, une personne derrière une fenêtre, une cage d'escalier vide. Alexander Schellow construit une série de trente images de 3 secondes chacune de trajets dans le métro de Londres de mémoire et les ré-assemble en un film. La séquence de trois seconde correspo,nd avec la perception du présent de l'esprit humain. C'est ce que l'on appelle la plus petite unité de mémoire, à partir de laquelle sont défini le passé et le future. La reproduction en film animé devient la reconstruction de ce moment présent condensé au maximum. Basé sur la perception de ces "natures mortes", le film montre un échantillon possible de possibilités de reconstruire le scénario. Avec ses descriptions scéniques lentes et répétitives, Alexander Schellow réussi à constituer la réalité d'une manière compréhensive.

Alexander Schellow Born 1974 in Germany Hannover, Alexander Schellow studied ?visual arts? at the Universität der Künste Berlin and the Glasgow School of Art. Since 1999 several solo- and groupshows in Europe, works for performance-theatre and lectures ? recently Steirischer Herbst, Graz (film-installation) / Kunstmuseum Stuttgart (solo-show) / Centre Pompidou, Paris (lecture with live-mapping) / 1. Biennale Thessaloniki / Galerie Ute Parduhn, Düsseldorf (solo-show) / Kunstsammlungen Zwickau (show of nominated artists) / Storefront for Art and Architecture, New York (screening of ?spots?). Publications 2007 beside catalogues of the Kunstmuseum Stuttgart and the Kunstsammlungen Zwickau include his book-project ?STORYBOARD? (published by Merz/Solitude, Stuttgart) and the DVD ?still lives? by Filmarmalade (London) such as contributions to magazines as DOMUS or LICHTUNGEN. Recent performancetheater-work 2007/2008 with David Weber-Krebs, Amsterdam, and Philipp Gehmacher, Vienna. 2006/07 Alexander Schellow was resident fellow of the Akademie Schloss Solitude (Stuttgart) and is Pechstein-fellow 2007. He lives in Berlin and teaches at the Metropolitan University in London.

Marseille #01-#30 s?inscrit dans une série de films de 3 secondes intitulés spots, série débutée en 2006. Les spots consistent en la reconstruction de mémoire de fragments de scènes du quotidien, à partir de dessins qui deviennent ensuite de brèves animations. Cet ensemble de 30 spots se concentre sur des moments spécifiques observés dans l?espace urbain marseillais. Une animation de trois secondes est constituée d?environ 36 dessins. Chacun est reconstruit indépendamment des autres et de mémoire. Montées en boucle et en alternance avec des écrans noirs d?une durée identique, les images apparaissent et disparaissent avant que l?on puisse vraiment les saisir, comme des souvenirs qui infiltrent inconsciemment la perception. Les spots Marseille #01-#30 ont été réalisés en 2011 dans le cadre d?une carte blanche proposée par les Rencontres Parallèles, à Marseille. À cette occasion les spots furent dispersés dans divers lieux de la ville, privés comme publics, sur des supports de tous types mais déjà existants : télévision d?un bar, magasin d?audiovisuel, librairie, cinéma, restaurant, etc. Les films agissent alors de manière diffuse sur la perception des spectateurs inconscients de leur statut. Ils ont ensuite fait l?objet d?un montage expérimental et d?une édition DVD offrant plusieurs approches de la matière.

Basé à Berlin, Alexander Schellow est né en 1974. Depuis 1999, il développe une pratique continue de reconstruction de la mémoire par le dessin et l?animation. Récemment, on a pu voir son travail au FIDMarseille 2012, à la Biennale de Lyon 2011, au Fresnoy, au Festival d?Upssala (Suède), à la Biennale de Tirana (Albanie), à la Biennale de Thessalonique (Grèce), au Museion de Bolzano (Italie), au Kunstmuseum de Stuttgart (Allemagne), ou encore au DeApple Artcenter (Amsterdam). En 2012, le Musée d?Art Contemporain de Lyon a fait l?acquisition de son installation Ohne Titel (Fragment). Il a créé en 2011 la société index.film, basé à Berlin. Il collabore régulièrement avec la plateforme internationale de production MELD (New York/Paris/Athènes), le label d`avant-garde Lowave (Paris), la société de production Films de Force Majeure (Marseille), et l?association Catalogue du Sensible. Depuis 2007, Alexander Schellow intervient comme enseignant dans diverses universités (Paris, Londres, Anvers, Constance). Il a obtenu plusieurs bourses et résidences - dernièrement à l`Akademie Schloss Solitude dirigée par Jean-Baptiste Joly ou au Zukunftskolleg de l`Université de Constance. Il termine actuellement le documentaire d?animation Tirana et prépare la création de la performance Ohne Titel (Live).