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Hester Scheurwater
Catalogue : 2006Glamour Girls | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:30 | Pays-bas | 2004
Hester Scheurwater
Glamour Girls
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:30 | Pays-bas | 2004
Dans ??Galour Girls? ? comme dans beaucoup de ses courts-métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore la relation entre les êtres humains et l?espace, et entre les êtres humains eux-mêmes. Cette relation n?est en général pas très épanouissante. L?individu moderne évoqué par trois femmes emprisonnées dans un immeuble de verre et de béton apparaît dans GLAMOUR GIRLS comme isolé de la réalité, incapable de se connecter à lui-même ou à son environnement. Ces femmes sont des geishas modernes, avec un maquillage excessif, les membres couverts de sang. Après avoir essayé de combler le vide par la sophistication, elles s?affalent en silence, réalisant que l?innocence est perdue. Et se brosser les dents après coup n?enlève pas le goût du péché. « Quand je lèche tes lèvres, elles se transforment en pierre », chantent les Chicks on Speed, « tes mains sont froides, je peux voir au travers d?elles, il ne reste que l?arrière-goût ». Dans l?univers de Hester Scheurwater, il n?y a presque pas de place pour la chaleur humaine. Le seul être vivant qui évoque un sens une forme de pitié est un chien. Et le seul espoir qui reste est la caméra elle-même, recherchant fébrilement de la compassion dans les vestiges de ce qui est déchu.
Hester Scheurwater est née en 1971 aux Pays-Bas (H.I. Ambacht). Elle étudie l?art monumental à la Royal Academy of Fine Arts à la Haye, où elle participe à des ateliers avec Frans Zwartjes et Nan Hoover. Elle y enseigne actuellement la vidéo. Depuis 1996, ses installations vidéos et films expérimentaux ont été montrés dans de nombreux festivals partout dans le monde, dans des musées, des galeries et des centres d?art. Dans beaucoup de ses courts métrages, et de ses vidéos, la caméra d?Hester Scheurwater explore les relations entres les êtres humains et l?espace, des relations qui ne s?épanouissent que rarement. L?individu moderne apparaît isolé de la réalité, incapable de se connecter avec lui-même ou ce qui l?entoure. Dans l?univers de Sheurwater, il n?y a que peut de place pour la chaleur humaine, le seul espoir qui reste est la caméra elle-même qui cherche fébrilement de la compassion dans les restes de ce qui est déchu.
Catalogue : 2006Mama | Art vidéo | dv | couleur | 2:30 | Pays-bas | 2005
Hester Scheurwater
Mama
Art vidéo | dv | couleur | 2:30 | Pays-bas | 2005
Dans Glamour Girls, comme dans beaucoup de ses courts métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore la relation entre les êtres humains et l'espace, et entre les êtres humains eux-mêmes. Cette relation ne s'épanouit pas. L'individu moderne -dans ce cas trois femmes emprisonnées dans de lisses structures de verre et de béton - apparaît comme isolé de la réalité, incapable de se relier avec son environnement. Les femmes sont des geisha modernes, avec un maquillage excessif et des lèvres couvertes de sang. Après avoir essayé de remplir le vide de charme, de beauté, elles se couchent en silence, comprenant que l'innocence a été perdue. Et se brosser les dents ne fait pas disparaitre le goût du péché. "Quand je lèche tes lèvres, elles deviennent de pierre", chantent les Chicks on Speed. "Tes mains sont froides, je peux voir à travers elles, et seul reste l'arrière goût".Dans l'univers de Scheurwater, il n'y a presque plus de place pour la chaleur humaine. Le seul être vivant qui évoque le sentiment de pitié est un chien. Et le seul espoir qui reste est la caméra elle-même, cherchant fiévreusement de la compassion dans les débirs de la déchéance.
Hester Scheurwater (née en 1971, H.I. Ambacht, aux Pays Bas)a étudié l'art monumental à l'Académie royale des Beaux-Arts de La Hague, où elle a participé aux ateliers de Frans Zwartjes et Nan Hoover. Elle enseigne maintenant l'art vidéo à l'Académie.Depuis 1996, Scheurwater a réalisé des installations vidéo et des films expérimentaux qui ont été montrés à travers le monde dans des festivals, des musées, des galeries, des espaces dédiés à l'art. Dans nombre de ses courts-métrages, la caméra de Hester Scheurwater explore les relations entre les êtres humains, et entre les humains et l'espace, relations qui s'épanouissent rarement. L'individu moderne apparaît comme isolé de la réalité, incapable de se lier à son environnement. Dans l'univers de Scheurwater il y a peu de place pour la chaleur humaine; le seul espoir réside dans la caméra elle-même, qui recherche fiévreusement la compassion dans les débris de la décadence.
Brieuc Schieb
Catalogue : 2023Koban Louzoù | Fiction | dcp | couleur | 58:58 | France | 2022
Brieuc Schieb
Koban Louzoù
Fiction | dcp | couleur | 58:58 | France | 2022
Audrey joins a participatory isolated workcamp where Kathleen, Laurence and Baptiste, volunteers from different backgrounds, live and work under the supervision of Aymeric. In a group marked by its disparity, each one tries to find one’s way around, to form bonds and to create a community.
Brieuc Schieb graduated from Paris Arts Déco. His work moves between films and installations. His projects are built around characters, environments or pre-existing materials. His first short fiction “La Tourbière” premiered at FID in 2019 and was screened in numerous festivals.
Schiefelbein
Catalogue : 2013I can. You can. | Vidéo | hdv | couleur | 7:22 | Allemagne | 2012
Schiefelbein
I can. You can.
Vidéo | hdv | couleur | 7:22 | Allemagne | 2012
A women is sitting on a couch while focussing her iron view into the camera and suddenly starts to talk. Out of her grows a canny and calm monologue which manifests her world of thoughts and ideas. The at first independently created monologue starts to get tangled up into contradictions, torn between different views and ideologies. It is a result of phrases taken out from different commercials which were combined into a continuously ongoing monologue. The women monologue turns out to be commanded and alienated by advertisement.
Marko Schiefelbein (*1984 in Stralsund, Germany) is a German artist living and working in Berlin. He studied Art History and graduated in Fine Arts in 2011 from University of Fine Arts Braunschweig (Germany). He is a master student of Prof. Candice Breitz. His works deals with the human estrangement in the century of modern life in a consumer society. His work was shown in
Timo Schierhorn
Catalogue : 2010Nacht um Olympia | Doc. expérimental | super8 | couleur et n&b | 40:0 | Allemagne | 2009
Timo Schierhorn
Nacht um Olympia
Doc. expérimental | super8 | couleur et n&b | 40:0 | Allemagne | 2009
In a small Sequence of a documentary film about the hostage taking at the Olympic Games 1972 in Munich Timo Schierhorn discovers a man on the screen that is similar to a picture of his father in a family photo. Furthermore the filmmaker learns that his father, who had died young, had worked as a BGS official at the Olympics. Additionally, in talking to a friend of his father?s he finds out that his father was given the name Uncle Luten, when he was mimicking his own father. For the film, ?Night in Olympia?, Schierhorn slips into the roll of this artificial figure whose staged biography investigates the mechanisms of memory and captures, that which has been forgotten, in images. Again and again over the last three years Schierhorn has encouraged his circle of acquaintances to re-enact every-day scenes of his parents, from their small town, between 1972 and 1980 ? similar to the of followers of living history re-enactments. This semi autobiographical film combines super 8 found-footage documentary sequences with staged scenes, which provide filmic links to the home movie memories. The ties between private films auctioned on eBay and the small film documentary performances, try to play two genres against one another: the home and art movie.
Timo Schierhorn Born in Winsen/Luhe, 1979, lives and works in Hamburg and Berlin 2009 Diploma (Fine Arts) Prof. Marie José Burki and Prof. Gerd Roscher, Hochschule für bildende Künste Hamburg
Jérôme Schlomoff
Catalogue : 2011Marbre | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 8:13 | France, Pays-Bas | 2010
Jérôme Schlomoff
Marbre
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 8:13 | France, Pays-Bas | 2010
« Marbre » est une ?uvre de l?artiste français Marc Couturier, de 1999, faisant partie de la série : « Redressement ». Elle se présente sous la forme de deux blocs de marbres de Carrare juxtaposés au sol (chacun au format 30X42 sur 12 cm de haut). Sur celui de gauche sont empilés 375 lavis à l?encre de chine sur papier bouffant (au même format 30X42). Accéder à l?appréhension intégrale de l??uvre consiste à feuilleter ce « livre » de dessins représentant 375 bouquets de fleur dans leur vase. On comprend la difficulté de faire vivre au public cette expérience dans un musée. Ce film met scène, en un plan fixe, l?artiste entrain de nous offrir cette expérience. Son accomplissement filmé devient une performance éphémère de l?artiste ayant valeur de portrait de l??uvre et de l?artiste. Le film crée la performance. Le film témoigne de la performance. Le film est performance.
Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui » ?. Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste.
Catalogue : 2010Blonde Redhead Meets Gainsbourg | Film expérimental | dv | couleur | 5:5 | France, Pays-Bas | 2009
Jérôme Schlomoff
Blonde Redhead Meets Gainsbourg
Film expérimental | dv | couleur | 5:5 | France, Pays-Bas | 2009
Film réalisé à la demande du groupe Blonde redhead, à l?occasion de leur concert en hommage à Gainsbourg, le 25 octobre 2008, à la Cité de la Musique, Paris.
Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961, je vis & travaille à Amsterdam & Paris. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste.
Catalogue : 2009la villa k | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 2:20 | France, Pays-Bas | 2008
Jérôme Schlomoff
la villa k
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 2:20 | France, Pays-Bas | 2008
Ce film propose une visite du chantier de la villa K construite, à la sortie d?un petit village à 20 km de Marrakech, par les architectes Karl Fournier & Olivier Marty, fondateurs de l?agence Studio KO. Le dialogue qu?instaurent les architectes entre la tradition et la modernité, à travers leur travail, rejoint ma démarche cinématographique, aussi, je me suis attaché à filmer la magie et la poésie qui résulte de ce dialogue.
Jérôme Schlomoff. Je suis né en 1961, je vis & travaille à Amsterdam. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.
Catalogue : 2008Amsterdam Reconstruction | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:0 | France, Pays-Bas | 2007
Jérôme Schlomoff
Amsterdam Reconstruction
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:0 | France, Pays-Bas | 2007
Ce film sténopé propose une visite de la ville d?Amsterdam à travers les chantiers de reconstruction de quatre institutions culturelles qui sont : la salle de cinéma de la Maison Descartes ; le Rijksmuseum ; le Stedelijk Museum Amsterdam ; le centre d?art W139. Ces lieu sont actuellement en travaux. Ce film est construit comme une mystérieuse balade du regard à travers ces 4 chantiers chargés d?histoire, où la magie de l?architecture mise à nu nous plonge dans un univers étrange et dont la caméra sténopé nous révéler la force poétique. Tout au long de cette balade, les éléments poétiques successivement rencontrés sont confrontés à la vision d?un monde industriel, en analogie ou en opposition, avec celle de la nature intacte. Cette vision d?Amsterdam permet de créer lien dynamique entre les quatre chantiers. Il s?agit d?une histoire de reconstruction, reconstruction de la ville à travers notre propre reconstruction du regard.
Jérôme Schlomoff. je suis né en 1961. J`habite & travaille à Amsterdam. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui » ?. Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur & d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.
Jérôme Schlomoff
Catalogue : 2007New York zéro zéro | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:50 | France, USA | 2006
Jérôme Schlomoff
New York zéro zéro
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:50 | France, USA | 2006
New York, 19 mars 2003, 20H00. Fin de l?ultimatum fixé par George W. Bush à Saddam Hussein. Toutes les télévisons diffusent en direct l?allocution du président, l?Amérique vient d?entrer en guerre contre l?Irak. A ces images de la télévision américaine, répondent celles de New York comme un monde dévasté, plongé dans un chaos urbain que menace un grand cataclysme. L?humain déserte la ville sous une tempête de neige. De déambulation en déambulation, de quartier en quartier, la ville est brisée, abandonnée. Puis vient la rencontre avec Jerzy W. Sulek. Polonais d?origine, architecte, il vit dans la rue et dort dans son pick-up stationné devant son terrain vague. Il récupère des meubles et des objets dont il vit de la vente, dans l?attente d?un hypothétique permis de construire déposé il y a bien des années à la mairie. Il nous livre son rêve d?architecture, son regard sur la question « comment habiter la ville aujourd?hui » ?
Jérôme Schlomoff. J`ai quarante-quatre ans, je vis et travaille à Paris. Je suis photographe. Depuis 1984, je travaille sur le thème du portrait ; mon terrain de prédilection est le monde de l?art contemporain et je photographie sans cesse de nombreux créateurs. A partir de 1996, mon intérêt pour l?architecture s?affirme et je développe la série des « Sténopés d?Architecture », projet qui montre les liens étroits qui existent entre la photographie et l?architecture, en transformant l?architecture en appareil photo. Enfin, en l`an deux mille je construis ma caméra sténopé 35mm en carton et j?entreprends, image après image, la réalisation de films cinématographiques 35mm, où je prends le temps de poser un regard sur la ville, avec en tête toujours cette même question : « Comment habiter la ville aujourd?hui ? ». Portrait, architecture, cinéma sont ainsi les territoires essentiels à partir desquels s?organisent et se structurent mes recherches sur l?acte de photographier et sa signification actuelle. C?est au croisement de ces trois disciplines, dans leur dialogue permanent et leur enrichissement respectif que prend place mon attitude de photographe, de réalisateur et d?artiste. La littérature, le théâtre, toutes les formes de création, qui nourrissent mon imaginaire en poésie, attirent mon attention. Elles deviennent les territoires d?une expérimentation partagée autour d?un même langage.
Eske Schlüters
Catalogue : 2016Title (Life goes on) | Vidéo | hdv | couleur | 12:0 | Allemagne | 2015
Eske SchlÜters
Title (Life goes on)
Vidéo | hdv | couleur | 12:0 | Allemagne | 2015
Eske Schlüters geb. 1970 Studierte an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Diplom 2004. Seither arbeitet sie als freie Künstlerin vor allen Dingen mit Bewegtbild. Sie hatte Gastprofessuren in Hamburg und Zürich und zahlreiche Stipendien (Kunstfonds Bonn, Villa Romana Preis, Künstlerstätte Bleckede) und diverse internationale Einzel- und Gruppenausstellungen (Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Bundeskunsthalle Bonn, Frankfurter Kunstverein, Museum für Gegenwartskunst Siegen, Haus am Waldsee Berlin, Kunsthaus Hamburg)
Thomas Schmahl
Catalogue : 2021Les montagnes amoureuses | Film expérimental | mov | couleur | 21:48 | France | 2020
Thomas Schmahl
Les montagnes amoureuses
Film expérimental | mov | couleur | 21:48 | France | 2020
Un jeune homme est traversé par les ondes. Elles sont stoppées par les montagnes. Il commence à observer plus précisément les grandes masses rocheuses qui l’entourent, et découvre des phénomènes romantiques. Par amour, il tourne autour.
Thomas Schmahl est né en 1994 à Annecy (France). Il vit et travaille entre Annecy (France) et Reims (France). Il est diplômé de l’ESAD – École Supérieure d’Art et de Design de Reims (France). Son travail s’intéresse à l’anecdotique, à la carence, à l’instable. L’artiste propose des situations, films ou installations dans lesquelles le récit et les protagonistes évoquent souvent un ailleurs. Il est lauréat du Prix de la Jeune Création de la Biennale d’art contemporain de Mulhouse (France) en 2019.
Romana Schmalisch, Robert Schlicht
Catalogue : 2013Preliminaries | Doc. expérimental | hdv | couleur | 48:0 | Allemagne, Russie | 2011
Romana Schmalisch, Robert Schlicht
Preliminaries
Doc. expérimental | hdv | couleur | 48:0 | Allemagne, Russie | 2011
The film ?Preliminaries? traces the history of the statue ?Worker and Kolkhoz Woman? by Vera Mukhina. This statue was originally designed for the Soviet pavilion at the 1937 World Exhibition in Paris, where it stood opposite the pavilion of Nazi Germany, enacting an antagonism that would result in a catastrophic war. It was later moved to Moscow and erected in front of the Exhibition of National Achievements of the Economy, which to the contemporaries appeared as a promise of a radiant future. After World War II, the statue became the emblem of the biggest film company of the Soviet Union, Mosfilm, and is shown at the beginning of every Mosfilm movie since 1947. In deciphering the statue?s diverse symbolisms and connections to the historical contexts, the film investigates into the notion of future as a central topic in the politics and culture of the Stalinist era. Exploring subjects like the War, Socialist Realism, and show trials, the film attempts to deconstruct a politics of the symbol that results from an ideology of the future, in which the present is neglected since it is considered as nothing but the preliminary future. Images from present-day Moscow ? the statue in front of a post-Communist amusement park, the surroundings of the Mosfilm studios, and the Red Square populated by Party leader doppelgangers ? are combined with stills from Stalinist films as well as with projected interviews (with Naum Kleiman, Gayane Ambartsumyan, Sergei Nikitin) set up in a situation slightly reminiscent of a trial hearing. The film thus enacts a preliminary inquiry on issues inherent in the notion of a future that is taken for granted and hence doesn?t even need to be realised ? a future that is now our past.
Romana Schmalisch studied Fine Arts at the University of the Arts in Berlin. She was a resident artist in several stipend programs, among others as a researcher at the Fine Art Department of Jan Van Eyck Academy, Maastricht, and in the Berlin Senate`s stipend program in London. Robert Schlicht studied philosophy at Humboldt University Berlin. Together they develop projects at the interface of film and theory, investigating cinematic representations and the representability of historical processes and social structures.
Catalogue : 2012Recitando | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 35:1 | Allemagne | 2010
Romana Schmalisch, Robert Schlicht
Recitando
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 35:1 | Allemagne | 2010
The film ?Recitando? is the documentation of an encounter between workers from the Moscow paper factory ?October? and two filmmakers from abroad. The film experiments with and combines modes of documentary and fiction, and strategies of theatre and film, in order to investigate into and construct models of cinematography. The paper production process which seems to be captured in documentary shots is in fact staged for the camera by the workers, since the factory does not pro¬duce anything at the moment ? and this nonproduction is the condition for their appearance as actors in the film. For at the same time, the workers recount and reflect upon their current situation ? being filmed instead of producing paper ? in choric recitations and two songs, delivered in a manner reminiscent of Brechtian ?Lehrstücke?. The customary contrast of documentary and fictional modes, of reality ?caught unawares? and scripted enactment is thus being twisted and deconstructed. Additionally, the film is continually interrupted by intertitles citing discussions from late 1920s? Soviet cinema ? e. g., about documentarism à la Dziga Vertov and Esfir Shub, about Sergei Eisenstein?s reenactment of the October revolution ten years after the event and the film?s mixed reception, and of the relation between images and text ? thus evoking a friction between early avant-garde cinematography and today?s filmic modes, as well as rendering the question as to who speaks even more uncertain. The two filmmakers may not only come from a different country but even from a different era. The film thus experiments with different cinematographic models. Instead of pur¬porting to present something which could be considered as a finished film, it at¬tempts to create fissures in the cinematographic texture as spaces for the reflection on different filmic modes, on the interrelations of history of film, and on representa¬tion and reality. ?Recitando? was shot in the Moscow paper factory ?October? (formerly ?Red October?), which was founded in 1924. During Soviet times one of Moscow?s largest paper mills, the residual staff only rarely produces paper today. Parts of the com¬plex have been transformed into the art space PROEKT_FABRIKA, where the film premiered in January 2010.
Romana Schmalisch (1974) born and based in Berlin Romana Schmalisch graduated with an MFA from the Universität der Künste, Berlin, in 2002. She focuses on the architectonic urban space, its changes and the accompanying social changes. In her film works, she combines sequences shot by herself with image and film quotations and with text fragments in the form of a collage, juxtaposing different layers of times and imagery. Romana Schmalisch collaborated on various film projects with Robert Schlicht. Robert Schlicht (1975) born and based in Berlin Robert Schlicht has studied philosophy and literature and graduated from the Humboldt University Berlin. His thesis with the title ?Passage au Cinéma? examined the relation of Walter Benjamin?s film theory and his theory of history and historiography. Subsequently, Robert Schlicht was concerned with the interface of theory and film, and collaborated on various film projects with Romana Schmalisch. Recent exhibitions/screenings (selection): National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2011), centre d?art passerelle, Brest (2010), Proekt_Fabrika, Moscow (2010), Utopiana, Yerevan, Armenia (2009), National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2009), Centre for Contemporary Art at Ujazdowski Castle, Warsaw (2009), Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg (2007), STUK Theater, Leuven (2007), Arsenal/Freunde der deutschen Kinemathek, Berlin (2007), Arsenal/Freunde der deutschen Kinemathek, Berlin (2005)
Catalogue : 2011Real Estate Avantgarde | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 5:20 | Allemagne | 2010
Romana Schmalisch
Real Estate Avantgarde
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 5:20 | Allemagne | 2010
Real Estate Avantgarde »Real Estate Avantgarde«, HD, 5:20 min., 2010 ?Real Estate Avantgarde? is a fictitious promotion trailer for a real estate investment project in St Petersburg. The investor Igor Burdinsky has purchased the former textile factory ?Red Banner?, a masterpiece of avantgarde architecture, and is now seeking partners to realise a cultural and/or business centre. While the investor draws on the symbolic power of avantgarde architecture, the film in turn appropriates this business strategy.
Romana Schmalisch is based in Berlin. Recent exhibitions/screenings include: centre d?art passerelle, Brest (2010) Transmission Gallery, Glasgow (2010), Proekt_Fabrika, Moscow (2010) FormContent, London (2009), National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2009), Contemporary Art Centre, CAC, Vilnius (2009), Centre for Contemporary Art at Ujazdowski Castle, Warsaw (2009), Museum Folkwang, Essen (2008), MuseumKunstPalast, Düsseldorf (2008), Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg (2007), STUK, Leuven (2007)
Catalogue : 2010Decision of the party | Film expérimental | super8 | couleur | 5:33 | Allemagne | 2008
Romana Schmalisch
Decision of the party
Film expérimental | super8 | couleur | 5:33 | Allemagne | 2008
Decision of the Party (2008) is a film, which combines Super8 material from today?s Volgograd with parts of the sound track from the Soviet propaganda film The Promise (Kliatva, 1946). In this movie, Joseph Stalin plans and realises ?his? city, Stalingrad (now Volgograd). Thus, the real city of today is juxtaposed with its past medial vision, in turn becoming a projection of its own history within the film.
Romana Schmalisch 1974 born in Berlin, Germany lives and works in Berlin, Germany Education 1995 Universität der Künste, Berlin 2000 Hunter College, New York, USA 2001 Surikov-Institut, Moscow 2002 MFA, Universität der Künste, Berlin 2006/2007 Researcher Fine Art, Jan van Eyck Akademie, Maastricht Grants 2009 International Residency, Berlin Senate`s Department of Science, Research and Culture in collaboration with the Whitechapel Gallery and Studio Voltaire, London | 2007 Karl-Hofer-Gesellschaft Art Award, Berlin | Provinzial Förderprojekt 2005 Goldrausch Künstlerinnenprojekt art IT | film grant from the Berlin Senate for Cultural Affairs, Berlin 2004 DAAD stipend, Paris 2003 project grant from the Berlin Senate for Cultural Affairs, Berlin for ?Dom Sovietov? 2002/2003 Kyoung-an Artist-in-Residency, Seoul
Catalogue : 2009Weg zum Klub. Erholung durch Kultur | Vidéo expérimentale | 16mm | couleur | 11:0 | Allemagne | 2007
Romana Schmalisch
Weg zum Klub. Erholung durch Kultur
Vidéo expérimentale | 16mm | couleur | 11:0 | Allemagne | 2007
Le film rapproche - sous forme de collage - des bâtiments soviétiques d'avant-garde datant des années 1920 à des films et enregistrements audio de la fin des années 1930, dans lesquels le sujet de l'évolution de Moscou joue un rôle majeur. Ces changements très rapides dans la politique et le paysage architectural deviennent le sujet central du film. Le regard sur le début de l?avant-garde est confronté aux plans mégalomanes staliniens. Le film examine l'image de Moscou telle qu?elle a été rapportée par les médias à un moment de radicaux changements politiques et sociaux.
Romana Schmalisch est née à Berlin en 1974 où elle vit et travaille actuellement. L'artiste a obtenu un diplôme de l'Universität der Künste de Berlin en 2002 (AMF) et a été chercheuse en Beaux-Arts à la Jan van Eyck Akademie de Maastricht (Pays-Bas) en 2006/2007. L??uvre de Schmalisch a été exposée internationalement.
Romana Schmalisch
Catalogue : 2013Preliminaries | Doc. expérimental | hdv | couleur | 48:0 | Allemagne, Russie | 2011
Romana Schmalisch, Robert Schlicht
Preliminaries
Doc. expérimental | hdv | couleur | 48:0 | Allemagne, Russie | 2011
The film ?Preliminaries? traces the history of the statue ?Worker and Kolkhoz Woman? by Vera Mukhina. This statue was originally designed for the Soviet pavilion at the 1937 World Exhibition in Paris, where it stood opposite the pavilion of Nazi Germany, enacting an antagonism that would result in a catastrophic war. It was later moved to Moscow and erected in front of the Exhibition of National Achievements of the Economy, which to the contemporaries appeared as a promise of a radiant future. After World War II, the statue became the emblem of the biggest film company of the Soviet Union, Mosfilm, and is shown at the beginning of every Mosfilm movie since 1947. In deciphering the statue?s diverse symbolisms and connections to the historical contexts, the film investigates into the notion of future as a central topic in the politics and culture of the Stalinist era. Exploring subjects like the War, Socialist Realism, and show trials, the film attempts to deconstruct a politics of the symbol that results from an ideology of the future, in which the present is neglected since it is considered as nothing but the preliminary future. Images from present-day Moscow ? the statue in front of a post-Communist amusement park, the surroundings of the Mosfilm studios, and the Red Square populated by Party leader doppelgangers ? are combined with stills from Stalinist films as well as with projected interviews (with Naum Kleiman, Gayane Ambartsumyan, Sergei Nikitin) set up in a situation slightly reminiscent of a trial hearing. The film thus enacts a preliminary inquiry on issues inherent in the notion of a future that is taken for granted and hence doesn?t even need to be realised ? a future that is now our past.
Romana Schmalisch studied Fine Arts at the University of the Arts in Berlin. She was a resident artist in several stipend programs, among others as a researcher at the Fine Art Department of Jan Van Eyck Academy, Maastricht, and in the Berlin Senate`s stipend program in London. Robert Schlicht studied philosophy at Humboldt University Berlin. Together they develop projects at the interface of film and theory, investigating cinematic representations and the representability of historical processes and social structures.
Catalogue : 2012Recitando | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 35:1 | Allemagne | 2010
Romana Schmalisch, Robert Schlicht
Recitando
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 35:1 | Allemagne | 2010
The film ?Recitando? is the documentation of an encounter between workers from the Moscow paper factory ?October? and two filmmakers from abroad. The film experiments with and combines modes of documentary and fiction, and strategies of theatre and film, in order to investigate into and construct models of cinematography. The paper production process which seems to be captured in documentary shots is in fact staged for the camera by the workers, since the factory does not pro¬duce anything at the moment ? and this nonproduction is the condition for their appearance as actors in the film. For at the same time, the workers recount and reflect upon their current situation ? being filmed instead of producing paper ? in choric recitations and two songs, delivered in a manner reminiscent of Brechtian ?Lehrstücke?. The customary contrast of documentary and fictional modes, of reality ?caught unawares? and scripted enactment is thus being twisted and deconstructed. Additionally, the film is continually interrupted by intertitles citing discussions from late 1920s? Soviet cinema ? e. g., about documentarism à la Dziga Vertov and Esfir Shub, about Sergei Eisenstein?s reenactment of the October revolution ten years after the event and the film?s mixed reception, and of the relation between images and text ? thus evoking a friction between early avant-garde cinematography and today?s filmic modes, as well as rendering the question as to who speaks even more uncertain. The two filmmakers may not only come from a different country but even from a different era. The film thus experiments with different cinematographic models. Instead of pur¬porting to present something which could be considered as a finished film, it at¬tempts to create fissures in the cinematographic texture as spaces for the reflection on different filmic modes, on the interrelations of history of film, and on representa¬tion and reality. ?Recitando? was shot in the Moscow paper factory ?October? (formerly ?Red October?), which was founded in 1924. During Soviet times one of Moscow?s largest paper mills, the residual staff only rarely produces paper today. Parts of the com¬plex have been transformed into the art space PROEKT_FABRIKA, where the film premiered in January 2010.
Romana Schmalisch (1974) born and based in Berlin Romana Schmalisch graduated with an MFA from the Universität der Künste, Berlin, in 2002. She focuses on the architectonic urban space, its changes and the accompanying social changes. In her film works, she combines sequences shot by herself with image and film quotations and with text fragments in the form of a collage, juxtaposing different layers of times and imagery. Romana Schmalisch collaborated on various film projects with Robert Schlicht. Robert Schlicht (1975) born and based in Berlin Robert Schlicht has studied philosophy and literature and graduated from the Humboldt University Berlin. His thesis with the title ?Passage au Cinéma? examined the relation of Walter Benjamin?s film theory and his theory of history and historiography. Subsequently, Robert Schlicht was concerned with the interface of theory and film, and collaborated on various film projects with Romana Schmalisch. Recent exhibitions/screenings (selection): National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2011), centre d?art passerelle, Brest (2010), Proekt_Fabrika, Moscow (2010), Utopiana, Yerevan, Armenia (2009), National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2009), Centre for Contemporary Art at Ujazdowski Castle, Warsaw (2009), Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg (2007), STUK Theater, Leuven (2007), Arsenal/Freunde der deutschen Kinemathek, Berlin (2007), Arsenal/Freunde der deutschen Kinemathek, Berlin (2005)
Catalogue : 2011Real Estate Avantgarde | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 5:20 | Allemagne | 2010
Romana Schmalisch
Real Estate Avantgarde
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 5:20 | Allemagne | 2010
Real Estate Avantgarde »Real Estate Avantgarde«, HD, 5:20 min., 2010 ?Real Estate Avantgarde? is a fictitious promotion trailer for a real estate investment project in St Petersburg. The investor Igor Burdinsky has purchased the former textile factory ?Red Banner?, a masterpiece of avantgarde architecture, and is now seeking partners to realise a cultural and/or business centre. While the investor draws on the symbolic power of avantgarde architecture, the film in turn appropriates this business strategy.
Romana Schmalisch is based in Berlin. Recent exhibitions/screenings include: centre d?art passerelle, Brest (2010) Transmission Gallery, Glasgow (2010), Proekt_Fabrika, Moscow (2010) FormContent, London (2009), National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscow (2009), Contemporary Art Centre, CAC, Vilnius (2009), Centre for Contemporary Art at Ujazdowski Castle, Warsaw (2009), Museum Folkwang, Essen (2008), MuseumKunstPalast, Düsseldorf (2008), Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg (2007), STUK, Leuven (2007)
Catalogue : 2010Decision of the party | Film expérimental | super8 | couleur | 5:33 | Allemagne | 2008
Romana Schmalisch
Decision of the party
Film expérimental | super8 | couleur | 5:33 | Allemagne | 2008
Decision of the Party (2008) is a film, which combines Super8 material from today?s Volgograd with parts of the sound track from the Soviet propaganda film The Promise (Kliatva, 1946). In this movie, Joseph Stalin plans and realises ?his? city, Stalingrad (now Volgograd). Thus, the real city of today is juxtaposed with its past medial vision, in turn becoming a projection of its own history within the film.
Romana Schmalisch 1974 born in Berlin, Germany lives and works in Berlin, Germany Education 1995 Universität der Künste, Berlin 2000 Hunter College, New York, USA 2001 Surikov-Institut, Moscow 2002 MFA, Universität der Künste, Berlin 2006/2007 Researcher Fine Art, Jan van Eyck Akademie, Maastricht Grants 2009 International Residency, Berlin Senate`s Department of Science, Research and Culture in collaboration with the Whitechapel Gallery and Studio Voltaire, London | 2007 Karl-Hofer-Gesellschaft Art Award, Berlin | Provinzial Förderprojekt 2005 Goldrausch Künstlerinnenprojekt art IT | film grant from the Berlin Senate for Cultural Affairs, Berlin 2004 DAAD stipend, Paris 2003 project grant from the Berlin Senate for Cultural Affairs, Berlin for ?Dom Sovietov? 2002/2003 Kyoung-an Artist-in-Residency, Seoul
Catalogue : 2009Weg zum Klub. Erholung durch Kultur | Vidéo expérimentale | 16mm | couleur | 11:0 | Allemagne | 2007
Romana Schmalisch
Weg zum Klub. Erholung durch Kultur
Vidéo expérimentale | 16mm | couleur | 11:0 | Allemagne | 2007
Le film rapproche - sous forme de collage - des bâtiments soviétiques d'avant-garde datant des années 1920 à des films et enregistrements audio de la fin des années 1930, dans lesquels le sujet de l'évolution de Moscou joue un rôle majeur. Ces changements très rapides dans la politique et le paysage architectural deviennent le sujet central du film. Le regard sur le début de l?avant-garde est confronté aux plans mégalomanes staliniens. Le film examine l'image de Moscou telle qu?elle a été rapportée par les médias à un moment de radicaux changements politiques et sociaux.
Romana Schmalisch est née à Berlin en 1974 où elle vit et travaille actuellement. L'artiste a obtenu un diplôme de l'Universität der Künste de Berlin en 2002 (AMF) et a été chercheuse en Beaux-Arts à la Jan van Eyck Akademie de Maastricht (Pays-Bas) en 2006/2007. L??uvre de Schmalisch a été exposée internationalement.
Max Philipp Schmid
Catalogue : 2012DAS GESPENST DES GLÜCKS | Vidéo expérimentale | | couleur | 10:20 | Suisse | 2011
Max Philipp Schmid
DAS GESPENST DES GLÜCKS
Vidéo expérimentale | | couleur | 10:20 | Suisse | 2011
A man and a woman practise the great embrace. Ardently they try to simulate the vibrant style of a Hollywood musical ?.
Max Philipp Schmid (geboren 1962) realisiert seit 1990 experimentelle Film- und Videoarbeiten. Diese wurden u.a. im Schweizer Pavillon an der Weltausstellung Zaragoza 08, im plug_in Basel (Einzelausstellungen), im ZKM Karlsruhe, Swiss Institute New York, Museum für Gegenwartskunst Basel, der Kunsthalle BL und an zahlreichen Festivals gezeigt. Er ist Mitglied der VIA, AudioVideoKunst, Basel und unterrichtet an der SfG Basel.
Max Philipp Schmid
Catalogue : 2020Membran | Fiction expérimentale | 0 | couleur | 13:55 | Suisse | 2019
Max Philipp Schmid
Membran
Fiction expérimentale | 0 | couleur | 13:55 | Suisse | 2019
Est-ce que la catastrophe est déjà arrivée ou est-elle sur le point de l'être? Deux hommes et une femme sont assis dans leurs appartements de type bunker, comme s'ils étaient dans une salle d'attente. Ils sont accablés par le flot d'informations et de guides livres replis de parole de sagesse cherchant la stabilité dans le jeu du piano de la classe moyenne éduquée et auprès des techniques d'auto-optimisation de l'extrême-orient. Leur perplexité passive se transforme en activisme frénétique. Maintenant quelque chose doit se passer! Mais rien n’arrive.
Max Philipp Schmid (*1962) studied art history and visual arts. He has devoted himself to creating experimental films, musical films and video installations. His works and installations have been featured in solo and group shows and at numerous festivals worldwide.
Stephana Schmidt
Catalogue : 2008Handy moovie | Vidéo expérimentale | | couleur | 3:15 | Allemagne | 2006
Stephana Schmidt
Handy moovie
Vidéo expérimentale | | couleur | 3:15 | Allemagne | 2006
Arrival, finally again! But where is that? What sort of thing is a piano becoming when being transformed into distorted electronic streams by a mini-microphone? Elevated randomly from the archive, data have been put together into a memory package. This feeling between the places is, whose notion the entire metropolitan community can share. All takes have been shot with "handy devices". Time window: 5 years.
Stephana Schmidt was born 1976 in Halle/S., ex-GDR. After various daydreams, music experiments plus an education on classical piano he studied Philosophy and doing Photographs. He graduated in Visual Arts at Bauhaus Weimar and Fine Arts at Beaux Arts Toulouse. Ever since he lives and works as a "Multipurpose Artist" in Berlin running the "Gedankenschmied-Project".
Nicolaas Schmidt
Catalogue : 2023First Time [The Time for All but Sunset - Violet] | Fiction expérimentale | 0 | couleur | 49:0 | Allemagne | 2021
Nicolaas Schmidt
First Time [The Time for All but Sunset - Violet]
Fiction expérimentale | 0 | couleur | 49:0 | Allemagne | 2021
We listen to music and are on the way. In doing so, we see things and the world differently than before. So that things don't always go on like this, but may become better: Two boys meet on a train ride. Something is born – not much and yet everything. Enjoy a Golden Hour Carousel Ride. A Common Sensations Music Movie.
Nicolaas Schmidt lives and works as Filmmaker, Video- and Concept Artist in Hamburg, Europe. He studied Fine Arts, Time Based Media and Visual Communication (Film) at Hamburg Academy of Fine Arts. His works are shown at international film festivals, exhibitions and other contingencies.
Johanna Maj Schmidt, Charlotte Ruppert
Catalogue : 2021My Happiness Depends On You | Performance multimédia | mp4 | couleur | 60:0 | Allemagne | 2020
Johanna Maj Schmidt, Charlotte Ruppert
My Happiness Depends On You
Performance multimédia | mp4 | couleur | 60:0 | Allemagne | 2020
Prenant la forme d'une figure dédoublée inspirée de Dolly Parton, les interprètes sont assises sur une boîte dans laquelle un écran plat est intégré. L'écran montre une vidéo en streaming tirée d'un jeu de tir multijoueur en ligne. Assises au-dessus du personnage du jeu, les deux interprètes portent des robes de mariée, des perruques blondes aux longs cheveux ondulées, un maquillage excentrique et des faux seins gros à en être grotesques (monstruosité féminine). Elles tiennent dans leurs mains des paniers à quête, habituellement utilisés pour la quête dans les églises. De temps en temps, elles s’exclament en chevrotant "My happiness depends on you!" (extrait de la chanson "Jolene" de Dolly Parton, et qui se traduit par "Mon bonheur dépend de toi!") en chœur dans un refrain lancinant. Ce faisant, elles fixent chacune un visiteur dans les yeux avec intensité, une sorte de fureur, des attentes. Alors que la vidéo en streaming met en évidence un désir potentiellement nostalgique de la figure du héros, les deux Dolly remettent en question l'héroïsme en tant que tel. Si la figure du héros revendique traditionnellement une forme de singularité par le sacrifice d'un seul individu (homme) fort au nom d'une idéologie, une réponse (féministe) à l’attention portée au héros exceptionnel pourrait être de revenir à l'interdépendance. Dans ce contexte, la phrase "My happiness depends on you!" pourrait être perçue, positivement, comme une morale anti-héroïque ou, négativement, comme une soumission volontaire. Ainsi, elle fait allusion à la relation ambivalente entre dépendance et indépendance.
Johanna Maj Schmidt a obtenu un Master en art et politique à la Goldsmiths University of London, Londres (Royaume-Uni), en 2015. Depuis 2017, elle étudie les arts médiatiques à la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig (Allemagne) dans la classe de Clemens von Wedemeyer. Dans le cadre d'une école doctorale sur le populisme de droite, elle rédige son doctorat sur les représentations de la figure du héros dans les mèmes internet d'extrême droite au sein des sociétés dites post-héroïques. Ses œuvres ont été présentées à la 6e Athens Biennale for Contemporary Art, Athènes (Grèce); à la 3e NSK Folk Art Biennale, Trbovlje (Slovénie); et au Soundcheck Philosophie Festival au LOFFT – Leipziger Off-Theater, Leipzig (Allemagne). Charlotte Ruppert a suivi une formation professionnelle d’assistante de management spécialisée en communication de bureau au Statistisches Bundesamt, Wiesbaden (Allemagne). Ensuite, elle a décidé d'étudier les Beaux-Arts à la Hochschule für Gestaltung, Offenbach-sur-le-Main (Allemagne), où elle a terminé son premier cycle universitaire en peinture. Depuis 2017, elle poursuit ses études à la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig (Allemagne) dans la classe de Helmut Mark. Ses dessins et peintures ont été exposés à Rosa Stern, Munich (Allemagne) et à Westpol Airspace, Leipzig (Allemagne). Elle est cofondatrice et directrice artistique de Hitness Club e.v., une chaîne de télévision gérée par les artistes.
Antoine Schmitt
Catalogue : 2011Systemic | Installation multimédia | | | 0:0 | France | 2010
Antoine Schmitt
Systemic
Installation multimédia | | | 0:0 | France | 2010
Systemic est une installation monumentale interactive in situ qui consiste en la relecture d`un lieu public existant par la vidéoprojection sur ses espaces architecturaux d`une population de vecteurs-flèches blancs extrêmement dynamiques qu`ils habitent ainsi, et qui incarnent les forces invisibles à l`oeuvre au sein des structures du bâtiment. Sensibles aux humains qui y passent, ils réinterprètent aussi les forces de mouvement et d`intention autour et entre des visiteurs, et entre les visiteurs et le bâtiment. Très fluides, dynamiques, autonomes, dotés de comportement individuels et de groupe, ces vecteurs-forces procèdent par attraction, répulsion, curiosité, ennui, désir, volonté propre et psychologie de foule. Grouillants, ils habitent le sol, les mur, le plafond du lieu, qu`ils considèrent comme leur territoire et dont ils connaissent les moindres recoins sur lesquels ils glissent et se frottent de manière physique. Systemic s`inscrit dans une approche artistique personnelle commencée il y a 15 ans et focalisée sur la plastique des forces à l`oeuvre, et dans un processus général de confrontation de cette approche avec des champs de création traditionnels tels la musique, la danse ou l`architecture.
Artiste plasticien, Antoine Schmitt crée des oeuvres sous forme d?objets, d?installations ou de situations à l?esthétique minimale et radicale, pour traiter de la notion de mouvement propre, en tant que forme et en tant que point de vue. Héritier de l?art cinétique et de l?art cybernétique, nourri de science-fiction dans sa dimension philosophique, il révèle et manipule littéralement les forces à l?oeuvre, pour questionner les modalités de l`être libre au sein de systèmes de réalité complexes. Son travail a reçu plusieurs prix dans des festivals internationaux, parmi lesquels transmediale.07 (deuxième prix 2007) et Ars Electronica (deuxième prix 2009). Il a été exposé entre autres au Centre Georges Pompidou (Paris), à Sonar (Barcelone), au CIAC de Sienne (Italie) et dans plusieurs Nuits Blanches (Paris, Bruxelles, Madrid, Metz, Amiens). Il fait partie des collections de l?Espace Gantner (Bourogne, FR) et du fond Digitalarti (Paris, FR).
Kirstin Schmitt
Catalogue : 2020Quítame la sal de encima | Vidéo | hdv | | 3:15 | Allemagne, Cuba | 2019
Kirstin Schmitt
Quítame la sal de encima
Vidéo | hdv | | 3:15 | Allemagne, Cuba | 2019
QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA (original Spanish title) The video installation QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA (englisch TAKE THE SALT OFF ME) takes a part in a group of works with called „MUNDO POR DELANTE - EL FUTURO NO ES NUESTRO“ which contains photographs, objects and video: THE WORLD AHEAD - The future is not ours; tales of anguish and perhaps some hopes... "And the day arrived that Ikú, the Death, after throwing down so many heads, got tired and did not want to knock down one more. So he went to see Olofi, the Creator, at his foam palace, giving him back his scepter of bone and dried flowers, he said: - „Agé Babá Olofi, since you invented the world and things, I am the one who keeps the last rest of your creatures. Even so, nobody thanks me, and to be honest, I?m tired of everyone running away from me, so I entrust that job to someone else.“ And without letting Olofi reply, he climbed to the top of a mountain and there ecstatic by the contemplation of nature, Ikú forgot the world. At first the Creator did not worry too much about the decision of the Death: „It will not be difficult for someone else to take his place," he told himself. But later he understood that he was wrong ... (Patakí - mythical Afrocuban parables of Yoruba origin) ___________SYNOPSIS - QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA Blackout in Havana - Life in the eye of the cyclone ... At the first level, the video deals inductively with the effects of global climate change in the microcosm of everyday life. But basically it's a metaphor that seems to be exposed to circumstances that seem to be beyond our control. ___________KEYFACTS about CITA ME LA SAL DE ENCIMA Installation / video / documentary / dystopia / La Habana, Cuba / Spanish with english subtitles / Cuba 2020 / part of the ongoing exhibition project „MUNDO POR DELANTE“ / 2K / color / unpublished / Video is presented in the exhibition as a loop director & camera: Kirstin Schmitt producer: SAILOR´S YARN collective, Maren Schmitt & Kirstin Schmitt
German documentary filmmaker and photographer lives since 2006 in Berlin and Havana. After studying Visual Anthropology, Mesoamerican Studies and filmmaking in Germany and Cuba, she worked 2010-2014 as filmmaking professor in Luanda, Angola. Schmitt's long-term-projects focusing the impact of transition on individuals. Recurrent topics are premonitions and liminal stages. She captures everyday life miniatures, which she understands as confession of how we are dealing with meaning and meaninglessness of life. Characteristics of her work are the use of the environment as manifestations of inner landscapes and intimate encounters with the strength and vulnerability of her protagonists who often seem to have a presentiment of something, yet it still isn't tangible. Her award-winning photographs (1 place Sony Award, 1place IPA Awards, USA, Px3 etc.) and moving-images have been exhibited internationally at art fairs and festivals (Art Basel Miami-Scop art show, Somerset house London, Shanghai International Film Festival, Dok-Leipzig, SIPF-Singapore international photography festival etc.). She had solo- and collective exhibitions in both Americas, Africa Asia and Europa. Her work got published in a variety of international press like TimeLightbox, the guardian, Spiegel, Zeit online, Huffington Post etc.
Antoine Schmitt
Catalogue : 2010Facade Life | Installation multimédia | | | 0:0 | France | 2010
Antoine Schmitt
Facade Life
Installation multimédia | | | 0:0 | France | 2010
Justin Schmitz
Catalogue : 2017Away from Here | Fiction | hdv | couleur | 6:47 | USA | 2013
Justin Schmitz
Away from Here
Fiction | hdv | couleur | 6:47 | USA | 2013
Away From Here is a look at young people growing up in the strip malls, skate parks, back seats, and empty parking lots of the American suburban landscape. This film explores the chasm between childhood and adulthood. In this film a young girl describes a dream in which she can fly. The description of her dream is the basis for exploring the world she and her peers inhabit. This film is a meditation on the reality of dreaming.
Born Peoria, Il 1981 Justin Schmitz is an artist living and working in Chicago, Il USA. He received a MFA from Yale University in 2013 and a BFA from Columbia College Chicago in 2004. He was awarded the Toby Devan Lewis Fellowship by the Yale University School of Art and the Tierney Fellowship for Excellence in Photography by the Tierney Family Foundation. Justin is also the recipient of The City of Chicago Community Artist Assistance Program Grant, The Union Civic and Art League Scholarship, and The Albert P. Wiesman Scholarship. He was a finalist for the Honickman First Book Prize at Duke University’s Center for Documentary Studies and the Photography Book Now Prize. His work has been included in The Museum of Contemporary Photography’s Midwest Photography Project and the Indie Photo Book Library. Schmitz has exhibited throughout Chicago at Johalla Projects, Gardenfresh, Heaven Gallery, the Evanston Biennial, and Version Festival. His work as also been exhibited at M+B Gallery in Los Angeles, The Aperture Foundation in New York, and Les Rencontres Internationales New Cinema and Contemporary Art Festival in Paris and Berlin.
Catalogue : 2015What Else Could This Be | Doc. expérimental | hdv | couleur | 20:9 | USA | 2013
Justin Schmitz
What Else Could This Be
Doc. expérimental | hdv | couleur | 20:9 | USA | 2013
What Else Could This Be is a portrait of a world that exists between childhood and adulthood. This is a view of American youth as seen in the strip malls, the backseats of cars, and the empty parking lots. These youth idly bide their time, waiting to grow up. This film is a meditation on youth, transition, and wanting to connect in the world.
Justin Schmitz is an artist living working in the Midwestern United States. He received a MFA from Yale University in 2013 and a BFA from Columbia College Chicago in 2004. He was awarded the Toby Devan Lewis Fellowship by the Yale University School of Art and the Tierney Fellowship for Excellence in Photography by the Tierney Family Foundation. Justin is also the recipient of The City of Chicago Community Artist Assistance Program Grant, The Union Civic and Art League Scholarship, and The Albert P. Wiesman Scholarship. He was a finalist for the Honickman First Book Prize at Duke University’s Center for Documentary Studies and the Photography Book Now Prize. His work was part of The Museum of Contemporary Photography’s Midwest Photography Project and the Indie Photo Book Library. Schmitz has exhibited around Chicago at C33, The Coat Check Gallery, Gardenfresh, Heaven Gallery, the Evanston Biennial, and Version Festival. His work has been exhibited elsewhere including The Aperture Foundation, Belfast School of Art, and Yale University School of Art. Schmitz is Currently the Photography Fellow at the Lamar Dodd School of Art at the University of Georgia.
Ira Schneider
Catalogue : 2016Somewhere on Orchard Street | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 8:6 | USA, Allemagne | 2015
Ira Schneider
Somewhere on Orchard Street
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 8:6 | USA, Allemagne | 2015
I was a member of the Max`s Kansas City club 1966-1974.Andy Warhol hung out there until he got shot in 1968.The Velvet Underground continued to go there.Lou Reed & I often said hello.Larry Rivers,Mel Brooks,Janis Joplin, Lauren Hutton,Julian Schnabel sometimes talked.The maitre d`invited me to film an evening with his friends above a bridal gown shop on Orchard St.They somehow got fabrics from the shop. I brought my Bolex.
Ira Schneider made experimental films in the 60s, than independent video in `69, participated in the “First Group Video Art Exhibition” in NYC May `69 with “Wipe Cycle” video installation, makes his own kind of non-narrative videos, video performances, comedies and multi- monitor video installations. Recipient of Guggenheim Fellowship 1977, National Endowment for the Arts 1978, “Time Zones” video installation, Whitney Museum, NYC 1981, Fulbright Advanced Fellowship 1993. One of winners, Mediakunstpreis, ZKM, 2003. Recipient of the Hannah Hoech Prize, 2006, Berlin Exhibitions: “Video Skulptur” Cologne, Berlin 1989; “Max`s Kansas City Club Show”, Nikolaj Gallery, Copenhagen, 2004; Reina Sofia Museum, Madrid 2006 with “Manhattan Is An Island” video installation; Galerie Walden, Berlin 2007; Kunstpunkt, Berlin 2008; Rencontres International Film Festival, Paris, Madrid, Berlin 2008, 2009, 2010, 2011; “Changing Channels”, MuMoK, Vienna 2010; Prima Center and Freies Museum, both Berlin 2011. “Remote Control” ICA London; “The Whole Earth” exhibition, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, April - July 2013; Zagreus Gallery, Berlin, 2014 video- and photo installation and cooking exotic menus. Award “Best Short Short Film” at the Paris Short Film Festival 2015 and award “Best Short Film” at the Berlin Short Film Festival 2015,best Experimental short film at the Paris IndependentFilm Festival,2015 Schneider has published two eBooks and two photography books 2014/15 and produced the video H2O #18.
Catalogue : 2010A Weekend at the Beach with Jean-luc Godard | Documentaire | dv | | 9:59 | USA | 2009
Ira Schneider
A Weekend at the Beach with Jean-luc Godard
Documentaire | dv | | 9:59 | USA | 2009
?A Weekend at the Beach, w. Jean-Luc Godard? Del Mar, Calif., USA 1978/1984/2009, 10min. with Godard, Wim Wenders, Heiner Müller and others. In 1978 I shared a house with Jean Pierre Gorin on the beach in Del Mar, California. We were both professors at the University of California, San Diego. Gorin once worked with Godard on a film and invited him to give a lecture at our school. Godard came and stayed at our house. Other filmworld & creative people came to hear Godard. They also stayed at our house. Among them Wim Wenders, Heiner Müller and Jim McBride. I videotaped some of our time at our house on the pacific ocean beach. By 1984 friends who saw it pressured me to make the tape public. Shortly before I edited it, I had seen some Godard political/very wordy films which I couldn?t stand. I therefore spoke a rather cynical narration. In 2009 I was asked to include an introductory verbal statement explaining the above & the sarcastic tone of the ?A Weekend at the Beach, w. Jean-Luc Godard? Del Mar, Calif., USA 1978/1984/2009, 10min. with Godard, Wim Wenders, Heiner Müller and others. In 1978 I shared a house with Jean Pierre Gorin on the beach in Del Mar, California. We were both professors at the University of California, San Diego. Gorin once worked with Godard on a film and invited him to give a lecture at our school. Godard came and stayed at our house. Other filmworld & creative people came to hear Godard. They also stayed at our house. Among them Wim Wenders, Heiner Müller and Jim McBride. I videotaped some of our time at our house on the pacific ocean beach. By 1984 friends who saw it pressured me to make the tape public. Shortly before I edited it, I had seen some Godard political/very wordy films which I couldn?t stand. I therefore spoke a rather cynical narration. In 2009 I was asked to include an introductory verbal statement explaining the above & the sarcastic tone of the video. With it the video now runs 10 minutes.
Schneider, born in New York, 1939. Lives in Berlin. Between 1962 and 1968 produced 8 short experimental films including "Lost in Cuddihy" and "The Ghost of Wittgenstein". The installation "Wipe Cycle" produced with Frank Gillette presented in the first video art group show, also including Nam June Paik, N.Y. 1969. Schneider was co-originator & editor of the video journal, "Radical Software". He co-edited "Video Art, an Anthology", N.Y. 1976, with Beryl Korot. The video installation "Time Zones" (in which one could see all around the earth at the same time) was shown in the Whitney Museum 1981 and over the next years in the Palais de Beaux Arte, Brussels and four other museums in Europe. He has been the recipient of Guggenheim and Fulbright Fellowships. He is the Hannah Hoech Prize winner for 2006, Berlin. His ?Manhattan is an Island? installation was presented at the Reina Sofia Museum, Madrid, 2006/2007. 2008 he has participated in group shows at the Les Rencontres Internationales, Pompidou Centre, Paris & 2009 in Madrid. 2009 he was one of the winners of the Celeste Prize, adjacent to the Venice Biennale and videos and installation were shown at Hamburg Documentary Film Weeks Festival. In 2009 he had solo screenings at the Anthology Film Archives, NYC and a one man show Groznjan, Istria, Croatia.
Catalogue : 2009More or less Related Incidents in Recent History | Vidéo expérimentale | 16mm | couleur et n&b | 37:54 | USA | 2008
Ira Schneider
More or less Related Incidents in Recent History
Vidéo expérimentale | 16mm | couleur et n&b | 37:54 | USA | 2008
« More or Less Related Incidents in Recent History » a commencé en 1968, comme un film sur la peinture d'une boutique de Greenwich Village, à Manhattan, New York, et sur la scène qui gravitait autour d?elle. Le film fait ressortir le contraste entre l'actualité de la guerre du Viet Nam et le monde de la mode de la fin des années 1960. L?artiste a filmé les séquences Rock?n?Roll en 1967 et 1968. Le quartier original de Greenwich Village a été filmé en 1976 et 2004. L?auteur a récupéré une vidéo d?Abbie Hoffman tournée en 1969 et inclue quelques images de George W. Bush dans la dernière édition de juin 2008 réalisée pour Berlin. Tout au long du film, l?auteur confronte la notion de guerre lointaine avec les préoccupations bourgeoises de la vie de tous les jours dans les pays relativement à l'abri.
Ira Schneider est né à New York en 1939 et vit actuellement à Berlin. Entre 1962 et 1968, il a produit huit courts-métrages expérimentaux, notamment « Lost in Cuddihy » et « The Ghost of Wittgenstein». Schneider a été co-auteur et rédacteur en chef du journal vidéo « Radical Software ». Son installation vidéo « Manhattan is an Island » a été exposée à Kitchen, à l?Everson Museum de New York en 1974, et au Whitney Museum de New York en 1977. En 2006, l??uvre a été achetée par le Musée Reina Sofia de Madrid et exposée jusqu'en avril 2007. L?auteur a coédité « Video Art, an Anthology » (New York, 1976) avec Beryl Korot. Plusieurs expositions ont été consacrées à ses ?uvres, notamment au Musée de l'Image et du Son de Sao Paulo, au ZKM de Karlsruhe. L?artiste a reçu plusieurs soutiens financiers, notamment une bourse Fullbright, et une aide de la Fondation Guggenheim.
Catalogue : 2006- + 2005 | Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 28:30 | USA, Allemagne | 2005
Ira Schneider
- + 2005
Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 28:30 | USA, Allemagne | 2005
"- + 2005" a été achevé en février 2005. C'est un collage documentaire, sans dialogues, de personnes, de lieux et de thèmes. Il comprend de courtes scènes de Michael Moore, de Yoko Ono, de Rome et d'Atlanta, et de plus longues séquences tournées à Venise, New York, San Francisco et Berlin. Il fait référence à l'art, la politique, la musique et la littérature. Il comprend des prises de vue de la vie nocturne à Berlin et des canaux de Venise, et induit une réflexion sur la culture du 21ème siècle.
Formation : 1964 - Université du Wisconsin, Madison-M.A./Magister de psychologie physiologique et de philosophie des sciences; 1961 - Université Ludwig Maximilians, Munich- histoire de l'art, philologie, littérature; 1960 - Brown University, Providence, Rhode Island, magna cum laude, phi beta kappa, Licence en Psychologie Experimantale, Littérature Comparative; Subventions & bourses : 2000-02 : Zentrum für Kunst &Medientechnology Video restoration Grant 1993 : Fulbright Senior Research Fellowship, Berlin, Allemagne; 1978 : National Endowment for the Arts; 1977 : John Simon Guggenheim Memorial Fellowship; 1971 ? 1976 : bourses du Creative Artist Program, N.Y., N.Y. State Council on the Arts & National Endowment for the Arts. Publications : 2005 - New York Times, May, 1. 2004 - Berliner Zeitung, by Alexander Osang 2002 - Artforum, May Radical Software 2001 - N.Y.Times /Sunday Art Section 1/21. 2000 - Berliner Zeitung, Berliner Morgen Post 1997 - chapitre dans "Kunst und Zeit", Scaneg Verlag, München, Von H.Paflik-Huber 1982 - Cahier du Cinema, Jean-Paul Farget 1976 ? "Video Art, an Anthology", Harcourt Brace Jovanovich; N.Y., Co-éditeur : Beryl Korot; 1970-1974 - "Radical Software", Raindance Foundation, N.Y., Co-founder, Co-éditeurs : Beryl Korot & Michael Shamberg. Enseignant à : 2002 - Hochschule für Gestaltung, Karlsruhe, Gast Dozent 1994 - Akademie der Künste, Saarbrücken seminar; 1980-1992 - Cooper Union for the Advancement of Science and Art, N.Y.C., Maître de conférences 1988-1992 Maître de conférences, 1980-1987; 1976-1980 ? Professeur associé, University of California, San Diego; 1980 - Artiste invité, Hochschule der Künste, Berlin; 1974 - Production Vidéo, Lehman College, N.Y.
Annelore Schneider, Claude Piguet (collectif_fact)
Catalogue : 2023Green Storm | Vidéo | 0 | couleur | 15:5 | Royaume-Uni, Suisse | 2022
Annelore Schneider, Claude Piguet (collectif_fact)
Green Storm
Vidéo | 0 | couleur | 15:5 | Royaume-Uni, Suisse | 2022
‘Green Storm’ depicts actors and filmmakers rehearsing scenes in a tree nursery situated at the edge of the desert in Egypt. The film’s location is a metaphor for a traditional green screen studio. ‘Green screens’ are primarily used in filmmaking to replace or remove specific backgrounds. While filming in green screen studios, actors can’t directly interact with their surroundings; the consequences of their actions become evident only in post-production. In the film, the ‘green screen’ metaphor is a critique of our relation to nature - one where we don’t immediately see or understand the impact of our interactions. Today, the lush greenery serves as a backdrop of political discourse. This film explores the uncanny green connection to examine the politics of screening and greening. Between natural disaster films announcing dramatic upheavals and the shocking announcement of current climate scientists, the boundaries have become very blurry.
The collectif_fact comprised Annelore Schneider and Claude Piguet. They live and work between London and Geneva. Their projects, mainly video based, are often a deconstruction of what we see as cinematic codes within our visual culture. They are fascinated with the daily repetition, stereotypes and clichés that suffuse our popular culture. They deal mainly with aspects of (anti)spectacle, simulacra, and appropriation. To do so, they investigate the ways that narrative can be appropriated, disrupted, and re-edited to construct different stories and alternative meanings. Their videos frequently use the spectator’s ability to construct stories from ruptured narrative fragments. In fact, their videos weave together a complex mesh of references: fragments of dialogues, citations, and music extracts. A collage of recognizable, familiar images with a multitude of allusions to cinema classics. Collectif_fact play with our desire to be gripped and even deceived by images and stories. By creating works that appropriate cinematic codes and strategies, they encourage the viewer to reflect critically on the habits that condition our perceptions of reality. The artists are represented by Wilde Gallery, Geneva www.collectif-fact.ch
Catalogue : 2022White Shadow | Fiction expérimentale | mov | couleur | 10:24 | Royaume-Uni | 2021
Annelore Schneider, Claude Piguet
White Shadow
Fiction expérimentale | mov | couleur | 10:24 | Royaume-Uni | 2021
In this speculative fiction, all the world’s photographs have suddenly turned into the objects they represent. The video “White Shadow” depicts a vertiginous architecture, so devastating that it created new uncontrollable borders and isolated people. Piles of selfies, cats, and meals are scattered everywhere. Text messages evoke a new society living with limitations and suffering from media saturation, sensory overload, and crushing ecological impact. A world where images have taken over, invading and transforming space. They become the only reality that is still visible, as the whole world is turning inwards.
The collectif_fact comprised Annelore Schneider and Claude Piguet. They live and work between London and Geneva. Their work investigates how narrative and cinematic codes can expand our relation to space and objects. Their research considers storytelling, editing and filming as a tool to speculate and critically reflect on the habits that condition our perception of reality. Their film frequently uses the spectator’s ability to construct stories from ruptured narrative fragments and their desire to be gripped and even deceived by images and stories. collectif_fact’s films have been shown internationally in art festivals and exhibitions, including Maison européenne de la photographie, Paris, Centre d’art contemporain, Geneva Centre Culturel Suisse Paris, Hiroshima Museum of Contemporary Art, Lianzhou Foto Festival, Metropolis Art Center, Beijing, Fotomuseum Winterthur. They received numerous awards such as the Swiss Art Award and recently Grand Prix Culturel Migros, Swiss Art Council Pro Helvetia Production Grant and residency Art + Tech Space Studios, London.