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An experimental, non-narrative film and an information collage of experiences in America of the middle 1960. Juxtaposed are the worlds of politics, anti-Vietnam war protests, the Rock`n Roll scene, and transcendental meditational influences from Asia. The film was purchased by the New York Museum of Modern Art Archive in 1967.

Schneider, born in New York, 1939. Lives in Berlin. Between 1962 and 1968 produced 8 short experimental films including "Lost in Cuddihy" and "The Ghost of Wittgenstein". The installation "Wipe Cycle" produced with Frank Gillette presented in the first video art group show, also including Nam June Paik, N.Y. 1969. Schneider was co-originator & editor of the video journal, "Radical Software". Schneider`s "Manhattan is an Island" a video installation was exhibited in the Kitchen, Everson Museum in 1974, and at the Whitney Museum, N.Y. in 1977. In 2006 it was purchased by the Reina Sofia Museum in Madrid & exhibited until April 2007. He co-edited "Video Art, an Anthology", N.Y. 1976, with Beryl Korot. The video installation "Time Zones" (in which one could see all around the earth at the same time) was shown in the Whitney Museum 1981 and over the next years in the Palais de Beaux Arte, Brussels, Kunsthalle Mannheim, Museum of Modern Art, Vienna, Nouvelle Museum, Lyon and the Barbican Center, London. He has had exhibitions at the Museum of Image & Sound, Sao Paulo, ZKM, Karlsruhe and has been the recipient of Guggenheim and Fulbright Fellowships. He is the Hannah Hoech Prize winner for 2006. In 2007 & 2008 he has had solo exhibitions at the Wewerka, Lecoq Galerie and Kunstpunkt, Berlin and at the Emily Harvey Foundation, NYC. In 2009 he had solo screenings at the Anthology Film Archives, NYC and Image Movement, Berlin a one man show Groznjan, Istria, Croatia. 2008 he has participated in group shows at the Les Rencontres Internationales, Pompidou Centre, Paris Caixe, Spain Viva Festival, Spain U.FO, Hamburg, Germany ?Inseln ? Archipelle ? Atolle Symposium?, Mannheim Kunstsalon, Berlin photo edition berlin, Berlin L.A. Center for Digital Art, California. 2009 he has participated in group shows Celeste Prize adjacent to the Venice Biennale Les Rencontres Internationales (also included 2010), Madrid and Hamburg Documentary Film Weeks Festival. 2010 Emily Harvey Foundation, video presentation MUMOK, Vienna featured in the "Changing Channels" video history exhibition "Schuster/Schneider 2" group show, Berlin 2010

‘Green Storm’ depicts actors and filmmakers rehearsing scenes in a tree nursery situated at the edge of the desert in Egypt. The film’s location is a metaphor for a traditional green screen studio. ‘Green screens’ are primarily used in filmmaking to replace or remove specific backgrounds. While filming in green screen studios, actors can’t directly interact with their surroundings; the consequences of their actions become evident only in post-production. In the film, the ‘green screen’ metaphor is a critique of our relation to nature - one where we don’t immediately see or understand the impact of our interactions. Today, the lush greenery serves as a backdrop of political discourse. This film explores the uncanny green connection to examine the politics of screening and greening. Between natural disaster films announcing dramatic upheavals and the shocking announcement of current climate scientists, the boundaries have become very blurry.

The collectif_fact comprised Annelore Schneider and Claude Piguet. They live and work between London and Geneva. Their projects, mainly video based, are often a deconstruction of what we see as cinematic codes within our visual culture. They are fascinated with the daily repetition, stereotypes and clichés that suffuse our popular culture. They deal mainly with aspects of (anti)spectacle, simulacra, and appropriation. To do so, they investigate the ways that narrative can be appropriated, disrupted, and re-edited to construct different stories and alternative meanings. Their videos frequently use the spectator’s ability to construct stories from ruptured narrative fragments. In fact, their videos weave together a complex mesh of references: fragments of dialogues, citations, and music extracts. A collage of recognizable, familiar images with a multitude of allusions to cinema classics. Collectif_fact play with our desire to be gripped and even deceived by images and stories. By creating works that appropriate cinematic codes and strategies, they encourage the viewer to reflect critically on the habits that condition our perceptions of reality. The artists are represented by Wilde Gallery, Geneva www.collectif-fact.ch

In this speculative fiction, all the world’s photographs have suddenly turned into the objects they represent. The video “White Shadow” depicts a vertiginous architecture, so devastating that it created new uncontrollable borders and isolated people. Piles of selfies, cats, and meals are scattered everywhere. Text messages evoke a new society living with limitations and suffering from media saturation, sensory overload, and crushing ecological impact. A world where images have taken over, invading and transforming space. They become the only reality that is still visible, as the whole world is turning inwards.

The collectif_fact comprised Annelore Schneider and Claude Piguet. They live and work between London and Geneva. Their work investigates how narrative and cinematic codes can expand our relation to space and objects. Their research considers storytelling, editing and filming as a tool to speculate and critically reflect on the habits that condition our perception of reality. Their film frequently uses the spectator’s ability to construct stories from ruptured narrative fragments and their desire to be gripped and even deceived by images and stories. collectif_fact’s films have been shown internationally in art festivals and exhibitions, including Maison européenne de la photographie, Paris, Centre d’art contemporain, Geneva Centre Culturel Suisse Paris, Hiroshima Museum of Contemporary Art, Lianzhou Foto Festival, Metropolis Art Center, Beijing, Fotomuseum Winterthur. They received numerous awards such as the Swiss Art Award and recently Grand Prix Culturel Migros, Swiss Art Council Pro Helvetia Production Grant and residency Art + Tech Space Studios, London.

Dans un salon, une caméra tourne lentement sur elle-même, à environ trente centimètres du tapis. On ne voit personne dans la pièce. Un chat apparaît subitement et quelques instant plus tard, un autre entre dans la pièce. Un chien boit l?eau d?un petit aquarium, un oiseau se joint à la compagnie, un lapin arrive en sautillant, une oie se fraie un chemin parmi eux, un cochon fouine quelque part, une chèvre, un lama, il n?y a pas de fin. Petit à petit, la pièce se remplit de plus en plus d?animaux qui se reniflent entre eux, qui se font sursauter entre eux ou bien qui mangent une plante verte ensemble. Dans l?introduction de ?Living a Beautiful Life? (2003), une des ?uvres précédentes de Corinna Schnitt, on voyait toute sorte d?enfants très jeunes assis, allongés, en train de marcher ou de jouer ensemble nus, dans un paysage idyllique. L?association romantique ou religieuse avec un monde primitif dans lequel les créatures auraient autrefois coexisté vient également de ?Once Upon a Time.? L?habitat naturel dans lequel ces animaux vivaient autrefois a été remplacé par l?intérieur d?une maison. Est-ce que le mot ?naturel? a toujours une signification lorsqu?on parle d?animaux qui, dans notre culture, ont pratiquement tous été domestiqués ? Ils ne sont plus que des animaux de compagnie et des animaux domestiques, et sont dons en quelque sorte à leur place ici. Comme c?est souvent le cas dans le travail de Schnitt, là encore, elle semble parler de la qualité artificielle et névropathe du comportement humain et du contraste problématique entre ?nature? et ?culture?. Bien que l?Homme soit absent de cette ?uvre, dans cette absence, il fait tout de même partie de la représentation. L?observation de ces animaux, qu?on ne trouvera pas souvent dans ce genre de décors, nous amène à réfléchir sur le comportement que l?on pourrait avoir dans ce genre de pièce.

Corinna Schnitt est née en 1964. Artiste et réalisatrice, elle évolue dans le milieu artistique tant sur la scène allemande qu'internationale. Après un apprentissage de sculpture sur bois, elle étudie à la Hochschule für Gestaltung à Offenbach et à la Kunstakademie de Düsseldorf. Depuis de nombreuses années elle a recours au médium cinématographique pour ses créations artistiques. Elle a ainsi réalisé une série de court-métrages expérimentaux dans lesquels des phénomènes quotidiens sont poussés jusqu?à l?absurde telle une spirale sans fin, comme en témoigne Raus aus seinen Kleidern. Outre de nombreuses installations vidéo projetées dans des musées et des galeries, Corinna dévoile ses travaux dans le cadre de festivals de films ainsi qu?à la télévision allemande.

Eight protagonists distributed over Marls central Rathausplatz in front of the Skulpturenmuseum use megaphones to call out everyday phrases to each other as if they were carrying out a conversation: “ Do you think he will have won the Lotto ” or “ You will have told me much about your experiences“. Formulated in future perfect, these shouts play with the expectation that certain events will have happend by a certain time in the future. This construction has a distancing effect on the here and now and on the ease of normal everyday conversation, showing the extent to which a present experience is determined by expectations of the future. The use of megaphones seems antiquated today and thus deals ironically with present-day forms of communication. Like on the Web, banal experiences from one`s own life are communicated to an imaginary public without controls or personal contact. Marl`s Rathausplatz and the Skulpturenmuseum were constructed in the 1970s and document the city`structural rebirth, carried out with the goal of turning the urban core into a vibrant place and optimally combining diverse functions. Previously regarded as amuch lauded model solution, it is now obvious that the utopian promise of a city that radically deviates from traditional urban structures has not been fulfilled in the long run.

Born in Duisburg, Germany, lives and works in Braunschweig. From 1986 to 1989 apprenticeship as a carver (diploma), Michelstadt, from 1989 to 1996 studies at the Hochschule für Gestaltung (Academy for Visual Communication), Offenbach, as well as at the Kunstakademie (Art Academy) in Düsseldorf (1995 Masterstudent). Since 2009 Professor for Film/Video at the University of Art Braunschweig.

In a single shot the film shows different time-periods and creates a fairytaile atmosphere. A stillife is presented in an outside garden in front of a modern architecture, that has a fake- wooden-outside design.The paradox longing for both experiencing adventure and wanting to feel at home is part of the children-song.

CV Corinna Schnitt was born in Duisburg,Germany. From 1989-96 she studied art and film at the Hochschule für Gestaltung, Offenbach and the Kunstakademie Düsseldorf

Dans « Von einer Welt » (« À propos d'un monde »), le monde est un idyllique paysage alpin fait de forêts et de prairies. Un homme traverse à grandes enjambées ce paysage, seul, puis, dans la scène suivante, se tient debout sur une prairie, entouré d?une douzaine de femmes nues, couchées dans l'herbe haute ; chacune d?entre elles est drapée. L'homme approche toutes les femmes une à une, tantôt tendrement, tantôt de façon plus ouverte. Ses tentatives de rentrer en contact avec elles restent cependant vaines et ne produisent absolument aucune réaction. Les femmes semblent désormais faire partie de la nature, comme si elles venaient « d'un autre monde ». Avec des dispositifs de mise en scène minimalistes, l'artiste ouvre un débat sur les formes d?aphasie entre les sexes, entre le corps et l'intellect, entre l'émotionnel et le rationnel, entre nature et culture, entre un monde et l?autre.

Corinna Schnitt est née à Duisburg (Allemage) et a étudié l'art et le cinéma à l'Université des Communications Visuelles d?Offenbach ainsi qu?à l?Académie d?Art de Düsseldorf.

Deep Interview represents a conversational situation : not based on identities, but comparing different language systems. The subject of the conversation is going to emerge due to asking questions taken from two different (complementary) contexts: the one mirroring the systemic "need" for monitoring the need for a picture of the EU borders, the other focussing on corresponding unmonitored substances, the needs and perspectives of asylum seekers. The origin of the video is the plot of a performance based on asking questions and dedicated to practices of (machine-like) monitoring. The origin of the performance plot is a particular text technique suitable technique for unpleasant objects of investigation, which treats them as very literally. Of the so-called deep interview we only experience the questions. On a more abstract, level Deep Interview enbodies the desire to treat (and deconstruct) the law and its both argumentative and operational logic as an image, shaped in order to define phenomena and entities to be managed.

Part of the artistic production methods of the media artist Susanna Schoenberg are experimental videos and video installations, public actions and camera setups. Her media practise focuses on the idea of emergence (of reality and forms of reality), intermediality and the techno-image. The contingent waiving of technical and conceptual control can be part of her "realistic" (image giving) strategy. In the last years she has been producing works explicitly dedicated to (machine-like) monitoring, in particular of the monitoring of the European borders.

Le plus long parking d?Allemagne utilisé comme métaphore métrique de l?histoire de la pensée ; une silhouette masquée qui court après son moi utilisée comme métaphore de la souveraineté du sujet ; les geste futiles de la mégère qui n?évolue pas et continue à n?en faire qu?à sa tête.

Susanna Schoenberg est née en 1967 en Italie et a grandi à Bolzano, ou Bozen en allemand. Elle a vécu et étudié à Milan mais s?est souvent rendue à Berlin. Depuis 1999, elle habite à Cologne en Allemagne. Elle a étudié les sciences sociales, les techniques cinématographiques et les arts médiatiques. Depuis 1990, ses productions artistiques sont principalement centrées sur la vidéo, la photographie et les installations. Dans sa production artistique, elle se concentre notamment sur les arts en rapport avec les media et plus particulièrement sur les installations pilotées par ordinateur ; la vidéo expérimentale ; le documentaire et la photographie.

Two giants that exist here - a German fairy tale confronts us with the right-wing spiritual movement in Germany, which gained a strong following during the COVID-19 pandemic. In symbolic encounters, such as a train ride passing by the Lorelei, underscored by Wagner's Ride of the Valkyries, original audio recordings from the scene of right-wing extremist conspiracy are juxtaposed with the visual aesthetics of German fairy tales. In reference to Grimm's "Hansel and Gretel," the film explores the unsettling transformation from innocent belief in gnomes and fairies into the dangerous realm of belief in a Jewish world conspiracy. The question arises whether the comforting spiritualism is merely a Trojan horse for an anti-Semitic, racist, and misogynistic worldview.

Gianna Scholten is a writer and filmmaker from Switzerland and Germany. She graduated from the German Film and Television Academy Berlin (dffb) in 2020 and continued her studies at the Academy of Media Arts Cologne (khm). During her time at the khm, she dedicated herself to creating film projects and radio plays. Her work has been awarded the Prix Alice Guy Prize of the FID Marseille and the New Signs Award of the Film Fest Lago.

Micki rides across the night through a palm forest. With the quiet and the loneliness, the repressed heartbreak pushes to the surface and Cassi becomes real. Like two homopolar magnets charged with their tangled traumas, they fail to find each other this time once again. But at dawn the wounds heal. Cassi disappears and the last video is deleted. But you can't force goodbyes, because feelings are real.

Gianna Scholten is a writer and filmmaker from Switzerland and Germany. She graduated from the German Film and Television Academy Berlin (dffb) in 2020 and continued her studies at the Academy of Media Arts Cologne (khm). During her time at the khm, she dedicated herself to creating film projects and radio plays. Her work has been awarded the Prix Alice Guy Prize of the FID Marseille and the New Signs Award of the Film Fest Lago.

While the turbulence that led to the European financial crisis in 2011 raged, a new skyscraper was built for the European Central Bank in Frankfurt. This film was realised using super 8 footage taken over a year observing said construction site. Notions of time and crisis are expressed in the titles of the three chapters: “Exchange rate”, “Slow motion" and "Stills". And more characters appear in this 7-minute-long experimental film in the final chapter "credits. To conclude, atop a golden dome of the shells of towers, a Greek flag flies high.

Sabine Schöbel is a film studies scholar and artist. She studied History of Art, German, Romance Language Studies and Architecture in Regensburg, Granada, Madrid and Potsdam and completed her doctorate at Frankfurt University on the first generation of female filmmakers in Europe. Sabine Schöbel work spans film studies, cinema, production design and experimental film. Her films LUPINEN LÖSCHEN, GRUNSKE and HEINRICH are all part of Arsenal’s distribution range. From 2010–2012 she was managing director of the Bundesverband kommunale Filmarbeit in Frankfurt am Main, since 2012, she works at the Berlin University of the Arts.

The demise of the `Palace of the Republic` in Berlin, at sunset. This is a portrait of a powerful symbol of nostalgia for the GDR that was re-used, restored and then, eventually, demolished, becoming a changing, magical emblem of the new centre of the city. The last glimpses of its `skeleton` evoke thought-provoking experiences: the last bits of stairwells are reminiscent of other images of ruins, such as Berlin in the 1940s, when it was a bombed-out city, or of the World Trade Center in New York. It also conjures notions of the Romantic era in the 17th and 18th centuries, when ruins where expressly built. "GRUNSKE" is, in an odd way, the name of the sculptor responsible for this accidental monument: it`s the name of a company that recycles metal. Over the course of months, their machinery carried out the contract of dismantling the Palace, for the public good in a public space.

Sabine Schöbel was born in 1962. She works in architecture/design, set design, and film studies. Her first film, LUPINEN LÖSCHEN, premiered in 2007 at Forum expanded. Presently she is managing director at Arbeitskreis Film Regensburg / Regensburger Kurzfilmwoche.

"Lupinen löschen" montre à la fois la beauté et le caractère effrayant d'un petit incident pas tout à fait banal: des bouteilles de vin rouge tombent et volent en éclat. Elles font de superbes taches rouges sur le parquet blanc. Et celles-ci reflètent la lumière provenant des fenêtres. La caméra effectue ensuite un travelling arrière très lent en filmant d'abord le sol, puis les fenêtres, le stuc du plafond, la tapisserie, puis revient au parquet et aux deux fenêtres. D'un seul coup, le sol devient propre et les taches se retrouvent dehors, non plus à l'intérieur. Cette oeuvre se refuse à toute interprétation clairement définie. Elle répète une expérience qui s'étire entre cette manière langoureuse de filmer le quotidien, la lumière et le mouvement, et les images, pleines de significations de l'horreur et du malheur différentes. Selon Sabine Schöbel, "Lupinen löschen" reste, en dehors de ce 'jeu' des apparences, la réalisation dans l'espace du souvenir et de la mémoire.

Sabine Schöbel est née à Bayreuth. Elle a étudié à Ratisbonne, Grenade, Madrid, Francfort-sur-le-Main et Potsdam. Elle a obtenu sa thèse sur le théâtre, le cinéma et les médias à l'université de Francfort. Elle oeuvre dans les domaines de l'architecture/design, de la mise en scène et de la cinématographie: elle a par exemple travaillé en tant que collaboratrice scientifique dans le département de sciences des médias de l'université de Paderborn (2003-2005) et assistante de la mise en scène pour le film "Herr Lehman" (Allemagne, 2002). Parmi ses réalisations personnelles figurent les lumières de la villa Tiedke à Potsdam (2003), le projet pour la maison Claudia Heser à Warmensteinach (réalisé en 2005) ainsi que le projet de mise en scène et de préparation pour le jeu télévisé 'Die Überflüssigen' (ZDF 2006). "Lupinen löschen" est son premier film.

The Richest Family; The Early Episodes is a project by artist Floris Schönfeld in collaboration with Frank Chu. At the center of The Richest Family; The Early Episodes is the internal world of Frank Chu, intergalactic movie star and well-known San Francisco Bay Area protestor. Frank believes that he is the victim of an intergalactic conspiracy that is based around him being the star of a popular television sitcom called The Richest Family. This show features him and his family and is recorded without his consent and broadcast to huge audiences in a number of alternate galaxies known as the 12 Galaxies. He can often be found at large public demonstrations in the San Francisco Bay Area protesting for impeachment of various public figures who he sees as complicit in this conspiracy. For the work The Richest Family; The Early Episodes two bootleg episodes of the television show The Richest Family were made. As well as staring in the episodes Frank was instrumental in the co-directing, and scripting of the pieces together with artist Floris Schönfeld. The Richest Family; The Early Episodes will be the first episodes of The Richest Family to be seen on Earth that have Frank?s full consent.

Frank Chu (b. 1960, Oakland, California, US; based in Oakland) is a professional protester and intergalactic television and movie star. He studied Business Administration at the University of California, Berkeley; California State University, Hayward; Merritt College, Oakland; and Laney College, Oakland, before receiving an Associate?s Degree in Business Administration from The College of Alameda, California, US. Since 1998, Chu has presented his ongoing series of signs in daily protests throughout the San Francisco Bay Area. His work is the subject of "Jretdrostrenikal Exhibitions", an ongoing and undefined solo exhibition at Objectif Exhibitions, Antwerp (2012-ongoing); and he has recently participated in group exhibitions including "Portable Holes", San Francisco Pavilion, 9th Shanghai Biennale, China (2012); "Sõida tasa üle silla (Ride gently over the bridge)", Galerii Noorus, ART IST KUKU NU UT Festival, Tartu, Estonia (2012); and "Psymulation: Reenactments of the Present", Photo Epicenter, San Francisco, US (2008). Floris Schönfeld (1982) is a visual artist currently based in London and San Francisco. He works mainly with film and performance. The focus of his work in the last years has been the relationship between fiction and belief. In his work he is constantly trying to find the line between defining his context and being defined by it. In 2010, Floris completed the multi-disciplinary project ?u? in which he reconstructed the first ever authentic Klingon opera on Earth and made the film The QiH Act based on the performance of the opera for an entirely Klingon audience. In 2011, he made the film Discours de Fou as part of the International Ghetto Biennale in Port-au-Prince, Haiti and in 2012 he was commissioned to make work for the San Francisco Pavilion at the 12th International Shanghai Biennale. Schönfeld?s work has been shown at many film festivals and intsitutions throughout the world including the Amsterdam Film Biennale, Rencontres International Paris/Madrid/Berlin, the Rotterdam International Film Festival, the Haus der Kulturen der Welt Berlin, the Kassel Documentary & Film Festival (where it was nominated for the A38-Prodcution Grant) and the Kadist Foundation in San Francisco. Floris is currently a graduate fellow at the Headlands Center for the Arts in the San Francisco Bay Area.

Weight is a series of short films that are each based on different excerpts from literature. The selected excerpts served as the scenario for the films, and demonstrate the moments of subtle tension that precede a significant event in the plot. A search for the moment, and for the physical state of the decision making. Removed from the context of the original story these excerpts are enigmatic, but retain the same tension inherent to their former position. As they start to interact on a suggestive level a new, highly tense, charged story emerges. The project strives to convey the `weight` of the moments without the context of their original narratives. The series currently consists of four films; 1. Oracle Night based on Oracle Night by Paul Auster 2. Miso Soup based on In the Miso Soup by Rui Murakami 3. End of the World based on Hard-boiled wonderland and the End of the World by Haruki Murakami 4. The Outsider based on The Outsider by Albert Camus

Floris Schönfeld (Houston, VS, 1982) is a visual artist and filmmaker working in Amsterdam and The Hague. He studied time-based arts at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and has recently completed a masters at the Interfaculty ArtScience at the Royal College of the Arts/Royal Conservatoire The Hague. In his film and performance work he is primarily concerned with the awesome power of fiction and it?s effects on humanity. Michaël Sewandono (1979) studied audiovisual art at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and he studied at the Escuela Internacional de Cine Y Television de Cuba, Havana. Between 2005 and 2008, he has been working on film projects, commercials and music videos. Sewandono currently works on the completion of short films and the development of two feature films.

A filmic tryptic of three landscapes.

video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

A transformation of Nam June Paik`s text "film scenario" into a movie. Hollywood stars speak Paik: "You can make any Hollywood movie interesting, if you cut the movie several times ..." Michael Caine, Humphrey Bogart, Elizabeth Taylor, John Torturro, Katharine Hepburn and other protagonists of mainstream cinema are assembled to speak a text about deconstructing film watching.

Volker Schreiner video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

A pair of hands, a pair of rings, two candles, cards, cables, fingers, photos, needles, glasses, chairs ? a couple, a pair, pairwise, pairs of words ? close-distant, longing-leaving, connecting-separating, remembering-forgetting, inside-outside, ahead-behind, before-after.

Volker Schreiner video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

?Clips from Curtiz to Lynch, from A Place in the Sun to White Noise. Assembled under the aspect of the dominating light source in each particular excerpt, which in this unsettling four minutes work shows off as the merciless ruler over the sound. Or, in the words of found-footage-virtuoso Volker Schreiner: ?Rooms illuminated by oscilling light, lightened up in rhythmic intervals by lamps and neon signs or irregular flashes of light . People are waiting, awaiting, pondering, searching, worrying.?? (catalogue Viennale 10, 2010)

VOLKER SCHREINER 1988/89 grant Cité Internationale des Arts Paris, 1993 lectureship HfG Karlsruhe, 1994-98 lectureship HBK Braunschweig, 1998/99 grant Deutsche Akademie Villa Massimo Rome, 2000/01 visiting professor HBK Braunschweig, 2002/03 visiting professor Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz, lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Ankara, Casablanca, Jerusalem, Bangkok, participation in numerous festivals and tours, works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum www.volkerschreiner.de

Traces, devices, indications, found and discovered, clues and hints referring to absentees - a compilation of excerpts from movies and feature films.

VOLKER SCHREINER 1988/89 grant Cité Internationale des Arts Paris, 1993 lectureship HfG Karlsruhe, 1994-98 lectureship HBK Braunschweig, 1998/99 grant Deutsche Akademie Villa Massimo Rome, 2000/01 visiting professor HBK Braunschweig, 2002/03 visiting professor Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz, participation in numerous festivals and tours, works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum

Le monde est ce que le bruit est: le motif central de ?Scope? est le haut-parleur sur des pylônes, dans les halls des gares, sur les toits, dans les autoradios, dans les radios de salon, dans les écouteurs, les combinés téléphoniques ou dans les postes émetteurs-récepteurs. On n?aperçoit les auditeurs que dans les coupes ou dans les flous. Les haut-parleurs diffusent des montages de tons et de sons, morceaux incompréhensibles de communication, des musiques déformées, des annonces et des ondes brouillées. Volker Schreiner prête au bruit général et tout contemporain, que l?on ne perçoit plus depuis longtemps en raison de son omniprésence dans le monde moderne, une voix nouvelle, autre, oubliée.

En 1988/89 Volker Schreiner obtient une bourse de la Cité Internationale de Paris, en 1993, il est chargé de cours à la HfG de Karlsruhe, et de 94 à 98 à la HBK du Braunschweig. En 1998/99, il bénéficie d?une bourse de l?Académie allemande pour la Villa Massimo à Rome, il est professeur invité successivement à la HBK du Braunschweig en 2000/2001, et à l?Université Johannes Gutenberg à Mainz en 2002/2003. Ses travaux ont été acquis par la NBK de Berlin, la ZKM de Karlsruhe, le Musée Ludwig de Cologne, le Musée pour les Nouveaux Arts de Karlsruhe, et le Musée du Film d?Amsterdam parmi d?autres.

Des salons froidement éclairés par l'écran blanc d'une télévision sont des présages familiers d'une apocalypse approchante dans la plupart des films. Dans Cell c'est justement cet element troublant qui est étudié à la loupe. Un montage de multiples fragments d'écran couvert de cette neige vascillante tirés de films hollywoodiens. L experience de meta-cinema ultime. Pas de message, juste du medium.

Volker Schreiner, since 1988 videos, video-installations and video sculptures/ a.o. grant Villa Massimo Rome, grant Cité des Arts Paris, grant Kunstfonds Bonn, prize winner of the 5th Marl Video-Kunst-Preis/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig, associate professor at the HBK Braunschweig and the Johannes Gutenberg-University Mainz/ works owned a.o. by NBK Berlin, ZKM Karlsruhe, Museum Ludwig Cologne, Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, Film Museum Amsterdam

Une compilation de 200 citations extraites de films.

Volker Schreiner, since 1988 videos, video-installations and video sculptures/ a.o. grant Villa Massimo Rome, grant Cité des Arts Paris, grant Kunstfonds Bonn, prize winner of the 5th Marl Video-Kunst-Preis/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig, associate professor at the HBK Braunschweig and the Johannes Gutenberg-University Mainz/ works owned a.o. by NBK Berlin, ZKM Karlsruhe, Museum Ludwig Cologne, Museum für Neue Kunst Karlsruhe, Film Museum Amsterdam

Une compilation de faisceaux lumineux provenant de lampes de poche. "Radar" conduit à une inquiétante recherche. Des faisceaux de lumière tâtonnants, montés à partir des fragments d'innombrables films, éclairent de façon sporadique un chemin qui mène vers le néant. Une réflexion métaphorique sur les parts d'ombre de l'existence comme sur la lumière de la connaissance. (Kristina Tieke:"Lumière de la connaissance", in:Hannoversche Allgemeine Zeitung, 9.5.2006)

Volker Schreiner est né en Allemagne en 1957. Ses films sont présentés dans des musées et festivals nationaux et internationaux, par exemple Berlin, au festival du film d'Oberhausen, à Paris au centre George Pompidou, à La Haye, au festival du film de Rotterdam, à la Viennale, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, à Rome, au Portugal à Curtas Vila do Conde, à Moscou, Montréal, New York, Tokyo, Sydney, au Musée d'art moderne de New York, au Musée d'art contemporain de Washington. Il participe à de nombreux programmes de tournées, et réalise des travaux pour le Neuen Berliner Kunstverein, la médiathèque du ZKM de Karlsruhe, l'Université du Québec de Montréal, le Ludwig Museum de Cologne, le musée d'art contemporain de Karlsruhe, le musée du film néerlandais d'Amsterdam, entre autres. Il est invité à diverses conférences, séminaires et ateliers. Il est également d'enseignement et professeur invité dans plusieurs écoles d'art et universités. Il a bénéficié de divers prix et bourses, parmi lesquelles, en 1988/89 la résidence de la Cité Internationale des Arts à Paris, en 1998/99 une résidence à l'académie allemande Villa Massimo, Rome.

?This is a work based on found footage. Schreiner extracted sequences with numbers from many movies, both classic and obscure. Using these short fragments he compiled a countdown starting from the number 266. A strong effect of suspense is created, the tight-paced montage holding the viewer`s attention.? (catalogue Invideo, Milan 2004)

Né en 1957 à Isingerode/Harz. 1977-83 Hochschule für Bildende Künste (école supérieure d'arts)de Braunschweig/ 1993 enseignant à la Staatliche Hochschule für Gestaltung (école nationale supérieure d'arts) de Karlsruhe/1991 premier prix du 3ème festival Sound Basis Visual Art de Breslau/ 1992 premier prix du 5ème Prix d'art vidéo de Marl/ 1994-98 enseignant à la Hochschule für bildende Künste de Braunschweig/ 1998/99 résidence à la Deutsche Akademie Villa Massimo, Rome/ 200-01 professeur invité à la Johannes Gutenberg-Universität de Mayence/ présentations dans différents festivals nationaux et internationaux, entre autres à Berlin, Oberhausen, Bonn, Paris, La Hague, Rotterdam, Madrid, Rome, Moscou, Montréal, New York, Osaka, Tokyo, Sydney; travaux avec le Neuen Berliner Kunstvereins, la médiathèque du centre d'arts et de technologies des médias de Karlsruhe, l'Université du Québec Montréal, de l' Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris, du musée Ludwig à Cologne , du musée d'art contemporain de Karlsruhe, du musée du cinéma d'Amsterdam;

Les artistes vus dans les films, dont la vie est fabriquée, des artistes fictifs : qui sont-ils, comment vivent-ils, comment travaillent-ils ? Quels genres de clichés transportent-ils ? Est ce qu'ils reflètent la vision qu?ont les artistes contemporains d?eux-mêmes, ou représentent-ils une image anachronique de l?artiste dans une société extrêmement influencée par les médias modernes? Les douze montages, issus d?extraits de plus d?une centaine de films, allant du classique à la série B, engagent avec ces questions un jeu subjectif.

Christoph Girardet est né en 1966, à Langenhagen, en Allemagne. Il étudie à l?Ecole des Beaux-Arts de Braunschweig. Il a bénéficié de plusieurs bourses et obtenu des prix pour son travail : du DAAD pour une résidence à Tokyo, le Preis des Kunstvereins de Hanovre, le prix de la critique allemande du meilleur film expérimental, l?Award for the best international film and video à l?Image Festival de Toronto. Il obtient en 2002 une bourse pour une résidence, et le programme curatorial à New York. Il obtient également en 2002 et 2003 le prix pour la meilleure contribution allemande au festival du film d?Oberhausen. En 2004, il séjourne à l?Académie Allemande à Rome, la Villa Massimo. Il travaille seul ou en collaboration, notamment avec Matthias Müller. Ces deux artistes étaient présents à Paris lors des précédentes Rencontres internationales Paris/Berlin. Il travaille également en collaboration avec Volker Schreiner. Le travail de Christoph Girardet est présenté dans les festivals nationaux et internationaux, à Berlin, Oberhausen, Bonn, New York, Montréal, Toronto, Venise, Vienne, Rotterdam ; et dans des musées et centre d?art, comme la Fondation de Appel, à Amsterdam ; au PS1 à New York ; au Stedelijk Van Abbemuseum, à Eindhoven, au New Museum for Contemporary Art de New York. Volker Schreiner est né en 1957, à Isingerode. Il étudie à l?Ecole des Beaux-arts de Braunschweig, puis à l?Ecole de Karlsruhe. En 1991, il obtient le premier prix au troisième festival au Sound Basis Visual Art de Breslau, et en 1992, le premier prix aux 5ème Marler Video-Kunst-Preis. Il séjourne en 1998-1999 à l?Académie allemande de Rome, la Villa Massimo. Il est professeur invité en 2000-2001 à l?Ecole des Beaux-Arts de Braunschweig, puis en 2002-2003 à la Johannes Gutenberg-Uniersität de Mainz. Son travail est présenté dans les festivals internationaux, à Berlin, Oberhausen, Bonn, Paris, La Haye, Rotterdam, Madrid, Rome, Moscou, Montréal, New York, Osaka, Tokyo, Sydney. Son travail est présent dans les collections de plusieurs institutions et écoles, notamment au Neuen Berliner Kunstvereins, à la Médiathèque du Zentrums für Kunst und Medientechnologie de Karlsruhe, à l?Université du Québec de Montréal, à l?Ecole Nationale des Beaux Arts Paris, au Musée Ludwig à Cologne, au Museums für Neue Kunst à Karlsruhe, au Musée du film d?Amsterdam.

A filmic tryptic of three landscapes.

video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

A transformation of Nam June Paik`s text "film scenario" into a movie. Hollywood stars speak Paik: "You can make any Hollywood movie interesting, if you cut the movie several times ..." Michael Caine, Humphrey Bogart, Elizabeth Taylor, John Torturro, Katharine Hepburn and other protagonists of mainstream cinema are assembled to speak a text about deconstructing film watching.

Volker Schreiner video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

A pair of hands, a pair of rings, two candles, cards, cables, fingers, photos, needles, glasses, chairs ? a couple, a pair, pairwise, pairs of words ? close-distant, longing-leaving, connecting-separating, remembering-forgetting, inside-outside, ahead-behind, before-after.

Volker Schreiner video works since 1988/ grants at the Cité Internationale des Arts Paris, the Deutsche Akademie Villa Massimo Rome/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig/ visiting professorships at the HBK Braunschweig and the Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz/ lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Casablanca, Jerusalem, Bangkok/ participation in numerous festivals and tours/ works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum/ distribution by Heure Exquise! and Light Cone Paris/ internet: volkerschreiner.de

?Clips from Curtiz to Lynch, from A Place in the Sun to White Noise. Assembled under the aspect of the dominating light source in each particular excerpt, which in this unsettling four minutes work shows off as the merciless ruler over the sound. Or, in the words of found-footage-virtuoso Volker Schreiner: ?Rooms illuminated by oscilling light, lightened up in rhythmic intervals by lamps and neon signs or irregular flashes of light . People are waiting, awaiting, pondering, searching, worrying.?? (catalogue Viennale 10, 2010)

VOLKER SCHREINER 1988/89 grant Cité Internationale des Arts Paris, 1993 lectureship HfG Karlsruhe, 1994-98 lectureship HBK Braunschweig, 1998/99 grant Deutsche Akademie Villa Massimo Rome, 2000/01 visiting professor HBK Braunschweig, 2002/03 visiting professor Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz, lectures, workshops and seminars a.o. in Rome, Istanbul, Ankara, Casablanca, Jerusalem, Bangkok, participation in numerous festivals and tours, works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum www.volkerschreiner.de

Traces, devices, indications, found and discovered, clues and hints referring to absentees - a compilation of excerpts from movies and feature films.

VOLKER SCHREINER 1988/89 grant Cité Internationale des Arts Paris, 1993 lectureship HfG Karlsruhe, 1994-98 lectureship HBK Braunschweig, 1998/99 grant Deutsche Akademie Villa Massimo Rome, 2000/01 visiting professor HBK Braunschweig, 2002/03 visiting professor Johannes-Gutenberg-Universitaet Mainz, participation in numerous festivals and tours, works owned a.o. by the NBK Berlin, the ZKM Karlsruhe, the Ludwig Museum Cologne, the Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, the Amsterdam Film Museum

Le monde est ce que le bruit est: le motif central de ?Scope? est le haut-parleur sur des pylônes, dans les halls des gares, sur les toits, dans les autoradios, dans les radios de salon, dans les écouteurs, les combinés téléphoniques ou dans les postes émetteurs-récepteurs. On n?aperçoit les auditeurs que dans les coupes ou dans les flous. Les haut-parleurs diffusent des montages de tons et de sons, morceaux incompréhensibles de communication, des musiques déformées, des annonces et des ondes brouillées. Volker Schreiner prête au bruit général et tout contemporain, que l?on ne perçoit plus depuis longtemps en raison de son omniprésence dans le monde moderne, une voix nouvelle, autre, oubliée.

En 1988/89 Volker Schreiner obtient une bourse de la Cité Internationale de Paris, en 1993, il est chargé de cours à la HfG de Karlsruhe, et de 94 à 98 à la HBK du Braunschweig. En 1998/99, il bénéficie d?une bourse de l?Académie allemande pour la Villa Massimo à Rome, il est professeur invité successivement à la HBK du Braunschweig en 2000/2001, et à l?Université Johannes Gutenberg à Mainz en 2002/2003. Ses travaux ont été acquis par la NBK de Berlin, la ZKM de Karlsruhe, le Musée Ludwig de Cologne, le Musée pour les Nouveaux Arts de Karlsruhe, et le Musée du Film d?Amsterdam parmi d?autres.

Des salons froidement éclairés par l'écran blanc d'une télévision sont des présages familiers d'une apocalypse approchante dans la plupart des films. Dans Cell c'est justement cet element troublant qui est étudié à la loupe. Un montage de multiples fragments d'écran couvert de cette neige vascillante tirés de films hollywoodiens. L experience de meta-cinema ultime. Pas de message, juste du medium.

Volker Schreiner, since 1988 videos, video-installations and video sculptures/ a.o. grant Villa Massimo Rome, grant Cité des Arts Paris, grant Kunstfonds Bonn, prize winner of the 5th Marl Video-Kunst-Preis/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig, associate professor at the HBK Braunschweig and the Johannes Gutenberg-University Mainz/ works owned a.o. by NBK Berlin, ZKM Karlsruhe, Museum Ludwig Cologne, Museum fuer Neue Kunst Karlsruhe, Film Museum Amsterdam

Une compilation de 200 citations extraites de films.

Volker Schreiner, since 1988 videos, video-installations and video sculptures/ a.o. grant Villa Massimo Rome, grant Cité des Arts Paris, grant Kunstfonds Bonn, prize winner of the 5th Marl Video-Kunst-Preis/ lectureships at the HfG Karlsruhe and the HBK Braunschweig, associate professor at the HBK Braunschweig and the Johannes Gutenberg-University Mainz/ works owned a.o. by NBK Berlin, ZKM Karlsruhe, Museum Ludwig Cologne, Museum für Neue Kunst Karlsruhe, Film Museum Amsterdam

Une compilation de faisceaux lumineux provenant de lampes de poche. "Radar" conduit à une inquiétante recherche. Des faisceaux de lumière tâtonnants, montés à partir des fragments d'innombrables films, éclairent de façon sporadique un chemin qui mène vers le néant. Une réflexion métaphorique sur les parts d'ombre de l'existence comme sur la lumière de la connaissance. (Kristina Tieke:"Lumière de la connaissance", in:Hannoversche Allgemeine Zeitung, 9.5.2006)

Volker Schreiner est né en Allemagne en 1957. Ses films sont présentés dans des musées et festivals nationaux et internationaux, par exemple Berlin, au festival du film d'Oberhausen, à Paris au centre George Pompidou, à La Haye, au festival du film de Rotterdam, à la Viennale, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, à Rome, au Portugal à Curtas Vila do Conde, à Moscou, Montréal, New York, Tokyo, Sydney, au Musée d'art moderne de New York, au Musée d'art contemporain de Washington. Il participe à de nombreux programmes de tournées, et réalise des travaux pour le Neuen Berliner Kunstverein, la médiathèque du ZKM de Karlsruhe, l'Université du Québec de Montréal, le Ludwig Museum de Cologne, le musée d'art contemporain de Karlsruhe, le musée du film néerlandais d'Amsterdam, entre autres. Il est invité à diverses conférences, séminaires et ateliers. Il est également d'enseignement et professeur invité dans plusieurs écoles d'art et universités. Il a bénéficié de divers prix et bourses, parmi lesquelles, en 1988/89 la résidence de la Cité Internationale des Arts à Paris, en 1998/99 une résidence à l'académie allemande Villa Massimo, Rome.

?This is a work based on found footage. Schreiner extracted sequences with numbers from many movies, both classic and obscure. Using these short fragments he compiled a countdown starting from the number 266. A strong effect of suspense is created, the tight-paced montage holding the viewer`s attention.? (catalogue Invideo, Milan 2004)

Né en 1957 à Isingerode/Harz. 1977-83 Hochschule für Bildende Künste (école supérieure d'arts)de Braunschweig/ 1993 enseignant à la Staatliche Hochschule für Gestaltung (école nationale supérieure d'arts) de Karlsruhe/1991 premier prix du 3ème festival Sound Basis Visual Art de Breslau/ 1992 premier prix du 5ème Prix d'art vidéo de Marl/ 1994-98 enseignant à la Hochschule für bildende Künste de Braunschweig/ 1998/99 résidence à la Deutsche Akademie Villa Massimo, Rome/ 200-01 professeur invité à la Johannes Gutenberg-Universität de Mayence/ présentations dans différents festivals nationaux et internationaux, entre autres à Berlin, Oberhausen, Bonn, Paris, La Hague, Rotterdam, Madrid, Rome, Moscou, Montréal, New York, Osaka, Tokyo, Sydney; travaux avec le Neuen Berliner Kunstvereins, la médiathèque du centre d'arts et de technologies des médias de Karlsruhe, l'Université du Québec Montréal, de l' Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris, du musée Ludwig à Cologne , du musée d'art contemporain de Karlsruhe, du musée du cinéma d'Amsterdam;

Les artistes vus dans les films, dont la vie est fabriquée, des artistes fictifs : qui sont-ils, comment vivent-ils, comment travaillent-ils ? Quels genres de clichés transportent-ils ? Est ce qu'ils reflètent la vision qu?ont les artistes contemporains d?eux-mêmes, ou représentent-ils une image anachronique de l?artiste dans une société extrêmement influencée par les médias modernes? Les douze montages, issus d?extraits de plus d?une centaine de films, allant du classique à la série B, engagent avec ces questions un jeu subjectif.

Christoph Girardet est né en 1966, à Langenhagen, en Allemagne. Il étudie à l?Ecole des Beaux-Arts de Braunschweig. Il a bénéficié de plusieurs bourses et obtenu des prix pour son travail : du DAAD pour une résidence à Tokyo, le Preis des Kunstvereins de Hanovre, le prix de la critique allemande du meilleur film expérimental, l?Award for the best international film and video à l?Image Festival de Toronto. Il obtient en 2002 une bourse pour une résidence, et le programme curatorial à New York. Il obtient également en 2002 et 2003 le prix pour la meilleure contribution allemande au festival du film d?Oberhausen. En 2004, il séjourne à l?Académie Allemande à Rome, la Villa Massimo. Il travaille seul ou en collaboration, notamment avec Matthias Müller. Ces deux artistes étaient présents à Paris lors des précédentes Rencontres internationales Paris/Berlin. Il travaille également en collaboration avec Volker Schreiner. Le travail de Christoph Girardet est présenté dans les festivals nationaux et internationaux, à Berlin, Oberhausen, Bonn, New York, Montréal, Toronto, Venise, Vienne, Rotterdam ; et dans des musées et centre d?art, comme la Fondation de Appel, à Amsterdam ; au PS1 à New York ; au Stedelijk Van Abbemuseum, à Eindhoven, au New Museum for Contemporary Art de New York. Volker Schreiner est né en 1957, à Isingerode. Il étudie à l?Ecole des Beaux-arts de Braunschweig, puis à l?Ecole de Karlsruhe. En 1991, il obtient le premier prix au troisième festival au Sound Basis Visual Art de Breslau, et en 1992, le premier prix aux 5ème Marler Video-Kunst-Preis. Il séjourne en 1998-1999 à l?Académie allemande de Rome, la Villa Massimo. Il est professeur invité en 2000-2001 à l?Ecole des Beaux-Arts de Braunschweig, puis en 2002-2003 à la Johannes Gutenberg-Uniersität de Mainz. Son travail est présenté dans les festivals internationaux, à Berlin, Oberhausen, Bonn, Paris, La Haye, Rotterdam, Madrid, Rome, Moscou, Montréal, New York, Osaka, Tokyo, Sydney. Son travail est présent dans les collections de plusieurs institutions et écoles, notamment au Neuen Berliner Kunstvereins, à la Médiathèque du Zentrums für Kunst und Medientechnologie de Karlsruhe, à l?Université du Québec de Montréal, à l?Ecole Nationale des Beaux Arts Paris, au Musée Ludwig à Cologne, au Museums für Neue Kunst à Karlsruhe, au Musée du film d?Amsterdam.

To speed up the process of becoming an independent self-employed artist and to end my dependence on Hartz 4 unemployment benefit, I had to participate in a program for business optimization, carried out by a management consultancy that was engaged by the Jobcenter. My proposal to make a film documentation of the process was denied. I transformed recordings of conversations, hand-outs, correspondence, my dream diary and the pre-printed form F 5.5 into a scenario about my “project on the artistic business personality,” in which the role models of artist, entrepreneur and welfare recipient, all represented by myself, clash and make me grapple with their compatibility. What does optimization mean? Which language is used? How are my actions and how am I described, adapted and, if so, deformed?

Studies in art education, art history, communication science, Greifswald University. Organisation of WBS70, independent culture centre, Greifswald. Participant of art squat project prora.allinclusive Guest student in media art at HFG Karlsruhe. Exchange student at Villa Arson, Nice. Studies in photography at HGB Leipzig. Participant of Professional Media Master Class / PMMC LAB at Werkleitz e.V. Halle/Saale. Member of the Cinematic Initiative Leipzig FILZ https://filz.works/de/about. Supervisor/teacher for digital photography and image editing, Kulturbahnhof e.V. Markkleeberg. Participant of Pilot Programme for emerging filmmakers, MDM. www.schroederstefanie.de

`UNAMERICA Relocating memories’, by the artist Luise Schröder, deals with the commemoration of the internment of Japanese-Americans at the former War Relocation Center in Manzanar, USA during World War II. Once a year survivors, their relatives, as well as sympathizing groups come together to commemorate the forced displacement and detention of more than 10,000 people to Manzanar authorized by president Roosevelt through the Executive Order 9066. In 1985 the place was declared a national memorial site. Since 9/11 the Japanese-American community intensively expresses its solidarity also with Muslim communities in the USA and invites them to participate in the events at Manzanar. The video focusses on different historical, political and visual narratives with the purpose to understand how and in which way the historical events are represented and reconstructed today. The historical photos used in the video are taken by Ansel Adams and Dorothea Lange.

Luise Schroeder is a visual artist, photographer and filmmaker, who is based in Potsdam, Leipzig and Berlin. Within her artistic practice she is dealing with aspects of “history in the making” from a today’s perspective and how cultures of remembrance and commemoration are influenced and formed by media and image production. In recent years, the artist has taken part in solo exhibitions at the Kunstverein Bielefeld and the C/O Berlin Amerikahaus in Germany and in numerous group exhibitions. Among others in the Brno House of Arts (Czech Republic), in the 7th Berlin Biennale for Contemporary Art in 2012 and in the Gallery Eigen+Art in Berlin as well as in the Goethe Institut Washington DC, USA. In 2016 she was awarded a three-months scholarship in Los Angeles at the Villa Aurora and in 2018/19 she was holding a residency at the Cité des Arts in Paris, France.

Rainbow's Gravity is a cinematic study on the Agfacolor-Neu colour film stock made in Nazi Germany. Along its three layers of emulsion, the film digs deep into the escapist colourised landscape of this time and asks for the material requirements, retentions and ideological continuities of the Agfacolor palette. The film sequences, projected in the former production line, dismantle not only themselves, but also our view accustomed to historicise. Those scenes aim to visualise what the colour does not show. The film tries to realise, not only how it had been - in the darkrooms of the Agfa film factory - but also how it can be possible at all to face this reality today within film, in images and movements without a final or even conciliatory view of the past

Mareike Bernien (Berlin) and Kerstin Schroedinger (London / Zurich) working in collaboration since 2006 in joint film, exhibition and text projects. In their work they seek to critically interrogate image productions and to produce and reproduce images as material of thought. They work with film, radio play, music and text with a historiographical practice, questioning the means of production, historical continuities and ideological certainties of representation. They are interested in an experimental and critical approach to media formats, with an implicit entanglement of content and form.

"Chaos in the Trolley" est une installation sonore et picturale qui joue avec le système d'information des transactions - des codes barres. L'information sous forme de code barre est transformée en sons influencés par des algorythmes chaotiques. Sur le plan visuel du travail, le chaos devient visible via des produits fictifs. Le sujet, de type publicitaire, d'un charriot rempli avec des des produits "chaotiques" est montré devant un supermarché et les champs environnants.

Schuda et Schmeiser travaillent ensemble dans le domaine de l'espace publique et des installations médias fixes depuis 1998. Florian Schmeiser est né en 1973 à Graz. Il a étudié la philosophie à l'université de Vienne et a été diplôme dans les médias visuels à l'université des arts appliqués de Vienne. Il travaille avec un large panel d'installations, de vidéos, de son et aussi sur le web. Susanne Schuda est née en 1970 à Vienne. Elle est diplômée en médias visuels à l'université des arts appliqués de Vienne. Elle travaille dans les limites de l'art dans l'espace public, les installations vidéos, le web et les collages numériques.

Dans un futur proche, des événements étranges se produisent au cœur d’un Berlin inondé. L’eau monte jusqu'au premier étage des immeubles, mais la vie continue. Ce film combine des scènes surréalistes filmées dans une maquette, des scènes narratives jouées par des acteurs et actrices, ainsi que des montages des deux. Le quotidien laconique de la ville oscille entre catastrophe et catharsis, mais les images donnent aussi l'espoir de nouvelles façons de vivre. Malgré la précarité contre laquelle luttent les personnages, leur environnement est celui d'une société post-capitaliste qui a réalisé des changements positifs par nécessité: de nouvelles dispositions spatiales et architecturales dans les maisons, une source locale de nourriture et d’énergie sur le toit, l'autonomie. Le film présente donc différentes possibilités pour le futur, des possibilités qui sont accessibles à partir de l’état actuel des choses, des futurs porteurs d'espoir et de menace.

Florine Schueschke est artiste et architecte. Elle vit à Berlin (Allemagne). Elle a étudié l'architecture à la Universität der Künste Berlin (Allemagne) et à la University of Illinois at Chicago (USA).

More recently, the artist duo has looked at the artistic practice of the emblem. This is to consider an emblem as a variety of being a symbol, a trick, or a figure of thought. By so doing, Hanakam & Schuller rely on their profound examination of the formal language of everyday objects, liberating these from their context or their supposedly mysterious meanings. Inspired by the “Building Duke” research, Hanakam & Schuller worked on Duke University’s (Durham, NC) variety of architectural forms during their stay in spring 2019. In other words, the idea is to develop a short film featuring both physical architectural details of the campus buildings, and also virtually twisting these by means of a playful range of emblems.

Markus Hanakam (1979) and Roswitha Schuller (1984) both studied at the Universtiy of Applied Arts in Vienna. Since 2004 they collaborate as duo, their work is shown at Museums and Festivals in an international context, including Rencontres Internationales at Haus der Kulturen der Welt, Berlin and Palais de Tokyo, Paris, Eyebeam Center for Art and Technology, New York, , SIGGRAPH 2012 Los Angeles, ISEA 2011, Istanbul, 4th Moscow International Biennale for Contemporary Art 2011 among others. Recently they have been visiting artists at Duke University, Durham, NC. The artefacts made by the two artists who live in Vienna are often shape-shifters, changing their exterior forms and reappearing in different contexts. As artists and researchers they are engaged in restructuring the visual art rulebook and building up idiosyncratic systemic orders and new visions of the world in their videos and objects. In the process they reflect and make ironic various historical and contemporary artistic strategies as well as their means of expression. They work primarily in the realm of video, interactive computer applications and applied forms of art.

In the pieces by Hanakam & Schuller, the device is a recurring motif. That is to say, all that apparatus that is used to render optical imagery and also generate their specific formats, to control or trigger images or even manipulate them. The device - or gadget - is a type of artifact, a functional object that is charged with both everyday and mystical meaning. In their recent video piece Mobile, two hands move one object after the other into focus, creating an endless sequence of object chains. In his allegorical reference to a kind of Jacob’s ladder of the media, the video in the loop becomes a sort of perpetuum mobile. The mobile can also be understood as a mobile. The mobile device allows data to flow and data to be exchanged. The accompanying voice over with a computer-simulated voice reproduces several tracks from Tree of Technologies of the classic computer game Civilization that was released again in 2016, revealing the absurdity of the strictly linear development of technology and culture, as illustrated here by the game.

Many of the artifacts of Hanakam & Schuller, an artist duo that lives in Vienna, are shapeshifters, changing their outer form and then reappearing in a variety of contexts. As artists and explorers, Markus Hanakam and Roswitha Schuller redesign the rules of the fine arts for their own purposes and create unconventional arrangements and new world designs in videos and objects. They also work with applied artforms. Their works have been shown in Berlin’s Haus der Kulturen der Welt, the Eyebeam art and technology center in New York, Paris’ Palais de Tokyo, Moscow’s Garage Museum of Contemporary Culture, Vienna’s MAK, the MAK Center for Art and Architecture in Los Angeles, and Tokyo’s National Art Center.

In all chaos there is a cosmos, in all disorder a secret order. In C.G. Jungs sense the archetype as an object conduce to determination of a “big picture” - of wholeness - as a subject it serves as structure for universal and individual experiences. Like a role-play-gaming kit Markus Hanakam & Roswitha Schuller’s video-work Trickster provides a card index on archetypical places, figures, artifacts and actions; a mode of narration on a coherent world design. To support the layer of moving image a text layer is composed by assembling passages from a historical inventory catalogue of the National Gallery of Scotland. A traditional spectrum of subjects, mostly Genre painting like landscape and portrait, declares the semiotics of art historical reading and puts it into a gaming context.

Markus Hanakam was born 1979 in Essen, Germany. After studying two years at the University Essen (Faculty for Art and Design), 2000-2002, he graduated in 2006 with a Master degree in Art Education, 2009 Master degree in Sculpture and Multimedia from the University of Applied Art Vienna. Roswitha Schuller was born in 1984 in Friesach, Austria. She graduated 2007 with a Master degree in Art Education, 2009 Master degree in Sculpture and Multimedia from the University of Applied Art Vienna; she holds a Doctoral Degree in Art Sociology. Since 2004 they collaborate as duo, their work is shown at Museums and Festivals in an international context, including Videodumbo Festival 2013 at Eyebeam Center for Art and Technology, New York, Recontres Internationales 2012 at Palais de Tokyo, Paris, ISEA 2011, Istanbul, 4th Moscow International Biennale for Contemporary Art 2011. They gained several awards like the MAK Schindler Fellowship in Los Angeles as well as an Artist in Residency at the Citè International des Art, Paris. Their short Film “INVASION” is awarded as Jury Selection Work at Japan Media Arts Festival 2012. Markus Hanakam & Roswitha Schuller have been visiting curators at Medienwerkstatt Wien 2014.

In her videos, Schulz provides a candid approach to her subjects through careful camerawork, ever- oscillating between proximity and distance. These slow observations demand significant concentration on the subject matter, for instance in her 'Home Series', in which she portrays men in their apartments. Here Schulz asks strangers if they would be open to develop a relationship in which the camera functions as the main instrument of communication. By doing so, she breaks the tension of subject/object relations, race and gender. As time goes by, we see these men in their apartments pondering over their lives, while further intimacy is being developed with the artist.

Jana Schulz (*1984 in Berlin) received her MFA in 2018 from the Academy of Fine Arts Leipzig. Recent exhibitions, film screenings, residencies and prizes include Galerie Eigen+Art Leipzig (2022), KW Institute for Contemporary Art Berlin (2021), Videoart at Midnight Berlin (2021), Center for Contemporary Photography Melbourne (2020), Kunsthalle Bremerhaven (2020), Eigen+Art Lab Berlin (2020), Rencontres Internationales Paris/Berlin (2020), Anca Poterasu Gallery Bucharest (2019), Galerie Eigen+Art Leipzig (2019), Kunsthalle Wien (2018), Museum der Bildenden Künste Leipzig (2018), BPA// Berlin Program for Artists (2020 – 2021), International Studio & Curatorial Program New York (2019), Marion Ermer Preis (2018) and Villa Aurora grant (2018) awarded by Studienstiftung des deutschen Volkes.

Der Titel Golden Boys leitet sich von den Golden Boy Promotions in Los Angeles ab. Sie nehmen junge Boxer unter Vertrag und organisieren monatlichen Kämpfe in der Stadt. Mit Golden Boys assoziiere ich eine Band, eine Gang oder eine andere Männergemeinschaft. Ich sehe das Boxen als eine Art Gemeinschaftsritual, junge Männer trainieren in kleinen Gruppen und sind als Sparringpartner körperlich eng verbunden. Mich interessiert ihr Zusammenschluss als eine Abgrenzung von ihrer Umgebung und als Eintritt in eine eigene Gegenwelt. Der Soziologe Loic Wacquant schreibt in seinem Buch Leben für den Ring. Boxen im amerikanischen Ghetto, dass die Sporthalle einer Entbanalisierung des Alltags gleicht. Mittels Trainingsroutine und Körpermodellierung bietet sie Zugang zu einer anderen Welt, in der sich Abenteuer, männliche Ehre und Prestige mischen. Gleichzeitig ist das Boxen eine der einsamsten und individuellsten Sportarten. Jeder steht allein im Ring, in minimaler Bekleidung. Der Körper ist das Kapital des Boxers, er wird eingesetzt im Kampf und unterliegt dabei einem hohen Verletzungsrisiko. Es ist eine Aufführung des Körperlichen auf erhöhter Bühne, umringt von Zuschauern. Hierin spiegelt sich die Sehnsucht wahrgenommen zu werden und der Wunsch, unsterblich zu sein. Boxen ist ein Kampf um Anerkennung. Wenn du ins Profigeschäft einsteigen willst, musst du es dorthin schaffen. In den USA, da bist du als Boxer noch wer, erzählt mir ein Protagonist aus Golden Boys Igdir. In dem Video begleite ich eine Gruppe junger Boxer aus Berlin zu Vergleichskämpfen in die Türkei. Die ersten beiden Szenen zeigen Alen Rahimic bei der Rasur, die ein Ritual vor jedem Amateurkampf ist. Den Amateurboxern ist es versagt mit Bart in den Ring zu steigen, weil er eine Verletzung im Gesicht verdecken kann. Im weiteren Verlauf sieht man die Jugendlichen bei ihren nächtlichen Treffen in der Hotellobby, die zu dieser späten Stunde von einem halb öffentlichen zu einem privaten Ort und somit zu einem Freiraum für die Gruppe wird. In Golden Boys Maravilla beobachte ich Andre Perez, Martin Urias und Raymond Otanes wie sie mal für mal eine steil ansteigende Straße in East Los Angeles hinauf rennen. Das road work ist Teil des Trainingsprogramms kurz vor ihrem Kampf in Mexiko. Am Ende der Straße steht – unscharf – eine Gruppe Männer, die an eine Gang denken lässt, die mit ihrer Präsenz das Viertel markiert und die Jüngeren vor äußeren Einflüssen abschirmt. Es sind die Trainer und Väter, die einer Kontrollinstanz gleich, ihre Zöglinge überwachen und hüten.We wanna keep them off the streets. Das Boxen soll ihre Söhne von der Straße fern halten. Gleichzeitig machen sie sich die Straße auf eine andere Weise zu eigen. Sie ist ihr Trainingsfeld. In Golden Boys Monterey Park ist Rico Ramos, ehemaliger Weltmeister im Bantamgewicht, einziger Protagonist. Er befindet sich in einer ‚gewohnten Ausnahmesituation‘, hat seine Wohnung und sein soziales Umfeld verlassen und lebt bei seinem Coach im Trainingscamp. In dieser letzten Phase vor dem Kampf wird sein Körper zur Rüstung und Waffe geformt. Mich interessiert der Moment der Isolation. Ramos sitzt wochenlang alleine vor dem Fernseher zwischen den drei täglichen Trainingseinheiten im Gym. Hier beobachte ich die Bewegungen des Körpers, Gestik und Mimik. Auf der Tonebene sind Stimmen und Musik aus dem Fernseher zu vernehmen. Es sind Fragmente, die eine Soundcollage ergeben, die zwischen Realität und Künstlichkeit changiert, ähnlich dem Körper im Raum, der sich in dem bunt aufflackernden Fernsehlicht bewegt. Das Boxen zeige ich in dem dreiteiligen Video nie explizit, vielmehr schwebt es wie ein Versprechen über den Köpfen der Protagonisten und ist verbindendes Element.

Jana Schulz (*1984 in Berlin) lebt und arbeitet in Berlin und Leipzig. 2018 schloss sie ihr Meisterschülerstudium bei Prof. Tina Bara an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig ab. 2020 ist sie Teilnehmerin des Berlin Program for Artists, 2019 war sie mit einem Stipendium der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen am International Studio & Curatorial Program in New York. 2018 erhielt sie das Villa Aurora Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes und den Marion Ermer Preis. Schulz‘ Arbeiten wurden unter anderem im Eigen+Art Lab Berlin, bei Eigen+Art Leipzig, in der Anna Poterasu Gallery Bukarest, in der Kunsthalle Wien, im Museum der Bildenden Künste Leipzig und im Kunstquartier Bethanien Berlin gezeigt. Kommende Ausstellungen sind im Center for Photography Melbourne und im Kunstverein Bremerhaven. In ihren medienübergreifenden Arbeiten setzt sie sich mit Formen zwischenmenschlicher Kommunikation auseinander. In einer prozessualen Arbeitsweise beobachtet sie Strukturen und Dynamiken innerhalb sozialer Gruppen, reinszeniert einzelne Szenen und erweitert ihren dokumentarischen Ansatz um fiktive Elemente.

Pour Gerd Conradt, un pionnier de la video allemande, une nouvelle vie commence à 66ans. Comme beaucoup de retraités, il se tourne vers le jardinage. Et c'est dans son jardin qu'il céer un terroir pour les futures generations d'artistes, le flux Gerd-inier; Le film doit être compris comme un hommage au 66ème anniversaire de Gerd Conradt et a été édité sur i-movie avec sa chanson preferée de jimmy Cliff. Ses amis le fetant sur film comme en vrai sont: Kai Hoffman, Veit Loup, Wolfgang Lorenz, Hartmut Jahn, Lutz Gregog, Kain Karawahn etc...

Daniela Schulz ist ds-films. Geboren 1968 in Mannheim. Diplomierte Kulturwissenschaftlerin. Seit 1994 tätig als Regisseurin und Produzentin. 2004 Mitbegründerin der Kino-Kombat Filmmanufactur zusammen mit Fred Kelemen, Dr. Erika Richter und Jana Marsik. Von 2001-2005 Producer von LOLA, dem wöchentlichen Frauenmagazin auf Arte. Assoziierte im Graduiertenkolleg ?Bild-Körper-Medium? der HfG Karlsruhe, dem IPP ?Performance Studies der Johannes Gutenberg Universität Main und seit 2007 Member des PhD-Programms der ASCA, Universität Amsterdam mit dem Projekt ?Lei-Fragmente des Bildhaften im 21. Jahrhundert?. Mitbegründerin des gemeinnützigen Kunstvereins Art Kombat, der 2007 in Zusammenarbeit mit der Kulturstiftung des Bundes, der Akademie der Künste Berlin und dem Kino Arsenal die ?Retrospektive des armenischen Films - KAROT? veranstaltete.

The video Merchants Freely Enter explores new technologies to capture images and their impact on sight, representation and control on western landscape and nature. The picture and sound collage navigates through a world of an arcane imagination (costumes and masks), archaic appropriation (agriculture) and digital empowerment (drone mounted cameras). Similar to a visual archaeology of the future- the film calibrates the sight into an ongoing interplay between attraction and rejection.

Ani Schulze’s work has been shown in various screening programs, solo and group exhibitions, notably at Kölnischer Kunstverein, Cologne; Kunsthalle Schirn, Frankfurt; Oberhausen Short Film Festival; Galerie Nagel Draxler, Cologne; Extra City Kunsthal, Antwerpen; CEAAC, Strasbourg; Kunsthalle Darmstadt; Kunstverein Braunschweig; MMK- Museum für Moderne Kunst, Frankfurt and Museum für Neue Kunst, Freiburg. She received grants and residency opportunities by following institutions: Schloss Ringenberg, Kunststiftung NRW, Sitterwerk Sankt Gallen, RAVI Liège, AIR Antwerpen, MFJKS NRW, CEAAC- Centre Européen d`Actions Artistiques Contemporaines, Fondazione Bevilaqua La Masa. She received the innogy VISIT award to realize the project ‘Ancient Circuits’ in 2019.