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Dans Mistelpartition (2006), une lignée d?arbres défile « en travelling » comme une partition musicale. Le silence est interrompu par une musique. Celle-ci est visualisée par des illuminations dans le gui des branches hivernales ? lointain reflet d?une mélodie oubliée.

Su-Mei TSE 1973 Luxembourg (L) SU-MEI TSE est une artiste plasticienne basée au Luxembourg et à Paris. Elle choisit son médium (installations, vidéos, photographies, objets, etc.) en fonction de l?idée qui fonde l??uvre à réaliser. Son, rhythme et musique sont des éléments importants dans son travail. La mise en suspension, les moments de silence et l?invitation à une certaine introspection caractérisent l??uvre de Su-Mei Tse. Su-Mei`s work has recently been exhibited at Tim Van Laere Gallery in Antwerp, at Peter Blum Gallery and PS1 in New York, at Albion Gallery in London, and at Casino, Forum d`Art Contemporain in Luxembourg and at the Kunsthaus in Zürich. Prix 2006 SR-Medienkunstpreis, Saarländischer Rundfunk, Saarbrücken, 2006 2005 Edward Steichen Award, bourse et résidence d?artiste à NY pour 2006, 2003 Lion d?Or pour la meilleure participation nationale, 50. Esposizione Internazionale d?Arte, Biennale di Venezia, Venise 2000 Prix d?art Robert Schuman, prix interrégional SaarLorLux

No land to live In the production process of this piece of work. I feel the transition of political atmosphere in Taiwan. The atmosphere of distrust spread around the society. In this work, all of these are just like after leaving an anxious scene. Maybe a insurrection, a late night party, an end of a sex, or on the way return after a rebellion protest. Don’t want to return, the so-called home, the place to live. No one will wait there, or it doesn’t matter anymore. Thinking of where can self exist. And the body rather stay at the interim middle, somewhere no where. I shoot 56 street scene in midnight Taipei. Those bodies have no intent to return to the place they live. Maybe they feel too strong about the place they just left, and the feeling can’t be soothed. They need a place in the middle, just stay there, exist there. Let self feel the existence of self. To recover the senses of the body. And this status becomes a kind of ceremony. The ceremony of trying to cover or stop what just happened. The fluttering insects are the summon of ghost. It’s a foretell of the past and those unhappened. Entrenching the body, waiting for the evidence left, becoming the existence.

TSENG YU-CHIN Born in 1978 Documenta 12 Germany Kassel Lectorate at the Shih Chien University Communication Design Lectorate at the Taipei National University of the Arts CCAA Best Young Artist of Chinese Contemporary Art Awards 2008 Paris La Cité internationale des Arts International Artist Residency Program New York Location One International Artist Residency Program honour 2003 Shih Chien University Communication Design Graduate with honor 2007 Technical Art at Taipei National University of the Arts outstanding alumni 2013 Shih Chien University Communication Design outstanding alumni Overseas Exhibition 2004 MOMA CONTEMPORARY The New Identity Part-5 Tracing Self 2005 The 10th Hong Kong Independent Short Film and Video Awards ( ifva Asian New Force) 2005 First 2005 The 3rd Fukuoka Asian Art Triennale 2006 England Asian Art Now ! 2006 Red Carpet : Art Video Screening `Taipei Croquis:Single Channel Video Works from Taiwan` Yokohama, Japan 2006 Rencontres internationales Paris/Berlin 2007 sensitivity:memories of twelve artisce works DIMENSIONS ART CENTER(Beijing) 2007 Documenta 12 Germany Kassel 2007 Soft Power: Asian Attitude Shanghai Zendai Museum of Modern Art Shanghai, China 2007 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，JEU DE PAUME 2007 Natura Dèi Teatri`s Performing Arts Festival-XII edizione opere turbate Italy，Parma 2007 TAIWAN CROSSOVER Austria ok-centrum 2007 KonstBio (ArtCinema) Swiss Kulturhuset 2008 Bubble Tea: Art of Taiwan and its Contemporary Mutations The Moravian Gallery in Brno 2008 Penumbra: Contemporary Art from Taiwan . Anne & Gordon Samstag Museum of Art Samstag Museum 2008 New York 5th (Asian Contemporary Art Week 2008)-- Snake Alley 2008 Daniel Andersson and Tseng Yu-chin . New York Location One Gallery 2008 China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy 2008 Daniel Andersson + Tseng Yu-Chin Location . One Soho . New York 2008 CCAA chiese contemporary art awards Creative Center of Bund18 , shanghai 2008 CCAA chiese contemporary art awards Ullens Center for Contemporary Art , Beijing 2008 “ The Program”the video art exhibition Conduit Gallery , USA Texas Dallas 2008 A Voice of Taiwan Art , Japan , Tokyo , O Art Museum 2009 Rites de Passage Heerlen The Netherlands SCHUNCK* 2009 ratorial incubator v.6 The Dark Arts:magic and intuition Canada Toronto Vtape 2009 Love me tender exhibition Germany Kunstverein Wolfsburg 2009 PORTRAIT OF THE YOUTH China Shenzhen J&Z Gallery 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Shanghai Art Museum 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Beijing Today Art Museum 2010 RESHAPING HISTORY Chin art from 2000 to 2009 China Beijing 2011 ART STAGE SINGAPORE 2012 ART HK Hong Kong 2012 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，Palais de Tokyo，Paris 2013 FOKUS 2013 video kunst festivalGörlitz，German 2013 「urbanity」Asia Video Festival cutlog NY program，New York，USA 2013 Ars Electronica 2013 / Schizophrenia Taiwan 2.0 Linz Austria 2013 St. Petersburg Cyberfest / Schizophrenia Taiwan 2.0 St. Petersburg Russia 2014 Berlin Transmediale 2014/ Schizophrenia Taiwan 2.0 Berlin ，German

Tseng Yu-chin graduated from Shih Chien University and the Graduate School of Technical Art at Taipei National University of the Arts. His works have been exhibited at Documenta 12 Kassel, Germany (2007); MOMA Contemporary: The New Identity, Part 5 (2006); The First Taipei Digital Art Festival (2007); China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy (2008). Tseng is also a poet and filmmaker. He currently teaches at Shih Chien University.

I hate New York! From the day I?ve stepped into the city, I?ve been feeling this way. It has never left my mind, and never denied, except for a few minor surprises or some little goodness. Eating brownies, or the dazzling lights of the Broadway, reduced my dislike of New York. It?s like when I repeatedly write ?I HATE NEW YORK? on the blackboard, at the same time erasing it with a duster, but yet, traces of the words remain, as though I haven?t had any intention to rub it off more forcefully and deliberately. This is a very uninteresting game, where you cannot hide too far in, you cannot hide yourself completely, or camouflage yourself as any item in the darkness under the bed hoping that you won?t be found, whilst listening to the noises outside, you feel safe as you hide. All because, you want to be found, and this is no longer innocent child?s play. You can recklessly hide, because of anger or simply because you wish to hide away with a friend, just the two of you. You can no longer do that! You must be found, and you must show yourself, and face the music! This indeed, is no longer child?s play. Ever since I came to New York, I?ve unconsciously begun to force myself to get along with myself, and even though I?m pretty used to getting along with myself. From the time back in my home country, the solitary me, has been forced to go out and face plenty of things, and this had been repeating itself. And eventually, I took a 15-hour flight and arrived in New York, and I?m left with only myself. It is really a test of inner strength, when you?re all alone, and the only thing you can rely on is the lingering scent of your home country that?s left in your suitcases. All I want to do is to curl up and sleep while embracing the scent, and even more often, I stay indoors, inside this so-called temporary apartment of mine. I confess about my initial insecurity. Amidst the noise that goes on every hour of the day, there is hardly any serenity, and any freedom to ponder. One thinks he can travel to many places, but the truth is, you can?t. The so-called travelling, is merely a physical shift of territory, and subsequently imprisoning oneself again. Forgive my use of vocabulary ? imprisoning. I?m imprisoned. By myself, by words and speech, by this conformity of a life that isn?t mine, by the responsibilities and obligations which I need to bear. I am imprisoned. I?m so perturbed in the winter of New York, that I can?t even be sure of the magnitude of the effects that this major illness that I?m going through is bringing me. I only recall the many feverish nights, dry-coughing, which kept me awake. I groaned with a slight growl, but still I can feel the trembles from the subway beneath my apartment. And I saw a kid, facing me, all curled up, and watching me restlessly, or at least I think he?s watching me! Perhaps?? his gaze isn?t at all on me. He may be simply staring straight, as though a beast is approaching. Or like stealing glances curiously, or perhaps not. I am unable to interpret his feeling. The complexity is preventing him from focusing. It?s a thought of speaking up, but he can?t, except for the urge to speak up, displayed through the shivering of his lips.

Tsen Yu-Chin

"Ne me renie pas encore une fois. J'ai beau être endurant, je n'aime pas la mascarade. Je dois en fait emprunter l'apparence de la pureté, pour que tu croies que tout va bien. Tu seras sûre alors que la vie est parfaite. Et il faudra que je sache où j'en suis et que l'on me dise sans détour ce qui m'attend. Tu me croiras toujours car j'afficherai cet air innocent et un sourire inexpressif. Ce sera ma manière de te convaincre."

Tseng Yu Chin est né en 1978. Il est diplômé de l'Université Shih Chien en communication et design, et en Arts Appliqués à l'Université Nationale des Beaux-Arts de Taipei. Il a travaillé dans le milieu de la réalistion, du théâtre et de l?opéra. Son travail a été montré à Taipei, au festival du court métrage de Hong Kong, à la troisième biennale de Fukuoka.

Je me réveille ce matin. J'ai rêvé de ma grand-mère cette nuit. Elle gémissait et gisait à mes côtés. Je reçois un coup de fil. Ma grand-mère a rendu l'âme. Elle m'était très chère. En ce moment, je pense sans arrêt à quand, étant enfant, j'arrivais en courant dans la cuisine de ma grand-mère. Grand-mère me parlait toujours en hakka, elle me demandait alors de sa voix douce d'où je venais, ou bien si je voulais quelque chose à manger. La cuisine et la vapeur, la buée. Grand-mère a les cheveux blancs. J'attrape le gâteau du nouvel an sur la table et je fixe ma grand-mère d'un air stupide. Ma grand-mère me manque tellement. Mon enfance n'a pas été particulièrement joyeuse, c'est certain, mais c'est ma grand-mère qui m'a offert tous les moments de joie que j'ai eu. En ce moment, à chaque fois que je fait du vélo, j'ai envie pleurer. J'ai l'impression d'étouffer.

Né en 1978, Yu-Chin Tseng étudie en ce moment à la Graduate School of Technical Art de la National University of the Arts de Taipei. De 1999 à 2002, il a participé au In-Between Visual Art Design. En 2001, il est devenu membre du Theater Group Visual Art Design de Tai-tung (Taïwan) et du AFA International Ltd. Visual Art. Il a ensuite, en 2003, travaillé au sein du Performance Group Visual Art Design de Taishun et de l'orchestre symphonique national, opéra "Faust", Documentary Film Post Production. Tseng YU-CHIN consacre beaucoup de temps à l'écriture. En 2000, il a publié ses poèmes "Something Trivial" et "My Illness" dans 'In-Between - volume 2', et son roman "Age 20 and 40" dans "In-Between - volume 3". Son texte "Don't Worship Things That Dangle" a été publié dans le DPI Magazine volume 55, en 2003. Il a par ailleurs travaillé avec le groupe de théâtre "Our Snake" à Taitung, en tant qu'inspecteur d'art visuel. Enregistrement de l'installation performée au Chung-cheng No. 2 Stage Fang Feng Art Festival 2003.　Il a également travaillé à la performance du groupe "Audience" Visual Art Design de Taishun. Yu-Chin a reçu les prix suivants : un Golden Harvest taïwanais pour "Our Snake" en 2001, et une distinction au Golden Horse Film Festival pour "Projection and Reflection During That Time" en 2002. En 2004, son oeuvre "Projection and Reflection During That Time" a été sélectionné pour le Spring Film Festival. "I'm Leaving" a été présenté au 10° Hong Kong Independant Short Film and Video Awards 2005 (IFVA Asian New Force). Il a une grande expérience des expositions. Ses oeuvres majeures : "Projection and Reflection During that Time", "Who's listening?", "What had been done?", et "I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few", a déjà participé à de nombreux festivals, dont le Poor Film Festival, le Golden Horse Film Festival, le Spring Film Festival, le "Noisy" Art Festival; il a également participé à des expositions en ligne : Non Sign Internet Art, The Whimsical and the Fantastic, et l'exposition en ligne des artistes taïwanais du domaine des médias.

Je méprise les présomptions. Mais si c?était possible au tout début, alors en sauverais-je quelques-unes Je perds le langage, surtout le langage oral En général, il fonctionne avec une violence rare Mais il a été finalement remplacé par d?épisodiques vomissements et bile Ceux qui d?habitude parlaient avec moi ont peu à peu disparu Lorsque je parle aux autres, ma gorge me fait mal et je n?arrive pas à reprendre mon souffle Mon corps, ma bouche sont asséchés. Et, je le sens, mes deux incisives de devant vont se briser Je veux parler, mais je reste coi, la poitrine endolorie La création n?a plus rien d?un plaisir A l?origine, elle devait guérir mon auto-indulgence pitoyable Mais maintenant, ce n?est plus ça Je ne peux pas parler de tout, D?habitude les images me rendent fou Mais maintenant je renie la folie Ne pas être compris. Ne pas même me comprendre Je me suis rendu compte que j?allais devenir malade et psychotique Surtout lorsque mes émotions débordent Les mains tremblantes m?effrayent, je dois me pincer les mains, je m?efforce de raidir mes muscles jusqu?à la déchirure Oui, je l?admets. Je désire des émotions pures Mais rien qu?en avalant, j?ai peur d?avoir mal Les choses se répètent, la nuit particulièrement Le son d?une respiration s?approchant de moi. Je vis son épaule se lever et s?abaisser Tout m?était égal Il ne m?importe pas de savoir ce que c?est, si ? Je vois et je suis malade Je soupirai à nouveau. C?est une vieille habitude, j?aime soupirer C?était moi ? C?était moi-même ? ou bien le dos de quelqu?un d?autre ? Au moins L?odeur des gens se fait rare Je déteste les présomptions, oui vraiment En tous aspects En fait, je me suis forcé Que devrait-on regretter ? Oui, voilà un autre signe à égalité La présomption et le regret, à mes yeux, sont égaux, absolus Parce que je me suis forcé Le mot « regret » n?a aucun sens Quoiqu?il en soit, il n?a aucun sens Lui, il ne peut rien changer dans ce corps. Ni le tourner, ni le laver Ou bien est-ce ce qu?on appelle justement « sagesse » ? Le ton de présomption a toujours été perçu comme celui d?un je-sais-tout Je ne sais pas, mais au moins il m?est impossible de présumer Je ne me le permettrais pas Mais ce soir-là, il y avait le dos de cette personne, quelques odeurs La chaleur corporelle s?élevait Je me sens mal. Ma peau se collait aux organes, c?était douloureux Difficulté à respirer calmement Vraiment Si vraiment je le pouvais, si je fermais mes yeux depuis le début Comme au jeu de la vérité Laissons cela me guider Laissons l?air, la chaleur corporelle, les sons Sentir Le début, ce qu?on appelle le début C?est quand les choses arrivent à leur point le plus tortueux Quand je suis encore propre, quand tout est autour de moi, Quand le corps est encore pur et blanc, Vraiment, Si vraiment je le pouvais Peut-être, sans doute Pourrais-je sauver quelque chose Je ne peux pas parler : j?ai perdu le langage Eau, soleil Je ne sentirais plus la douleur de mes organes. Mon corps est blanc, et maintenant sans souillure Je ne me dirigerais plus vers les émotions couvert de taches. Désormais même ces choses minimes n?existent plus Je regrette Je me suis forcé, que devrait-on regretter ? je déteste les présomptions Et ce soir-là, le dos de cette personne Quelques ronflements Je vois un mur blanc que l?obscurité rend gris Soudain Je me vois dans un bus en marche Je suis en train de dormir les yeux fermés Les bruits qui passent. Le soleil qui passe. L?air qui passe Soudain, voilà que je pense A un vieil homme, dans un bus, qui touche mes hanches en haut de mon uniforme Et à une écolière assise en face de moi Dans une attitude aguicheuse. Son uniforme et sa jupe légèrement relevés M?observent et me sourient Je n?arrive pas à dormir. Mon cerveau se remet à fonctionner. Je n?arrive pas à parler A qui puis-je parler ? pas de cela. Mais au plus profond, au plus intime, au plus triste Jusqu?au matin Ce son de respiration près de moi existe Et je suis bien assis dans le bus Les yeux fermés Mais il m?observe Les yeux fermés Qu?est-ce que c?est Je ne sais pas Je n?arrive pas à dire

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Je ne vais pas si mal. Je ne veux pas heurter trop gravement les autres en disant : « Savez-vous? » Je traînais dans un silence immense, je me renferme étroitement en moi-même, moi et mon passé. Et mon nez coule et mes larmes ruissellent. Je perds mon corps, je m?en vais. La chaleur me fait suffoquer, je veux ouvrir ma gorge qui étouffe de sanglots. Et je coupe tout avec un couteau. Je saisis un papier et le balance doucement. Voilà le processus mis en ?uvre, sur le papier. Je le balance, le balance, puis le repose. Un papier noir, dense, couvert de caractères serrés. Je le reprends, à nouveau le balance encore et encore. Ça s?est passé. Voilà tout. J?entendis le heurt du papier. C?est comme lire des mots mais en oublier la forme que le balancement dissipe. Lacunaire? une nuit? lacunaire et dense?comme si quelque chose se passait. Je n?ai pas besoin de dire tout cela, parce que je ne vais pas si mal.

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

No land to live In the production process of this piece of work. I feel the transition of political atmosphere in Taiwan. The atmosphere of distrust spread around the society. In this work, all of these are just like after leaving an anxious scene. Maybe a insurrection, a late night party, an end of a sex, or on the way return after a rebellion protest. Don’t want to return, the so-called home, the place to live. No one will wait there, or it doesn’t matter anymore. Thinking of where can self exist. And the body rather stay at the interim middle, somewhere no where. I shoot 56 street scene in midnight Taipei. Those bodies have no intent to return to the place they live. Maybe they feel too strong about the place they just left, and the feeling can’t be soothed. They need a place in the middle, just stay there, exist there. Let self feel the existence of self. To recover the senses of the body. And this status becomes a kind of ceremony. The ceremony of trying to cover or stop what just happened. The fluttering insects are the summon of ghost. It’s a foretell of the past and those unhappened. Entrenching the body, waiting for the evidence left, becoming the existence.

TSENG YU-CHIN Born in 1978 Documenta 12 Germany Kassel Lectorate at the Shih Chien University Communication Design Lectorate at the Taipei National University of the Arts CCAA Best Young Artist of Chinese Contemporary Art Awards 2008 Paris La Cité internationale des Arts International Artist Residency Program New York Location One International Artist Residency Program honour 2003 Shih Chien University Communication Design Graduate with honor 2007 Technical Art at Taipei National University of the Arts outstanding alumni 2013 Shih Chien University Communication Design outstanding alumni Overseas Exhibition 2004 MOMA CONTEMPORARY The New Identity Part-5 Tracing Self 2005 The 10th Hong Kong Independent Short Film and Video Awards ( ifva Asian New Force) 2005 First 2005 The 3rd Fukuoka Asian Art Triennale 2006 England Asian Art Now ! 2006 Red Carpet : Art Video Screening `Taipei Croquis:Single Channel Video Works from Taiwan` Yokohama, Japan 2006 Rencontres internationales Paris/Berlin 2007 sensitivity:memories of twelve artisce works DIMENSIONS ART CENTER(Beijing) 2007 Documenta 12 Germany Kassel 2007 Soft Power: Asian Attitude Shanghai Zendai Museum of Modern Art Shanghai, China 2007 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，JEU DE PAUME 2007 Natura Dèi Teatri`s Performing Arts Festival-XII edizione opere turbate Italy，Parma 2007 TAIWAN CROSSOVER Austria ok-centrum 2007 KonstBio (ArtCinema) Swiss Kulturhuset 2008 Bubble Tea: Art of Taiwan and its Contemporary Mutations The Moravian Gallery in Brno 2008 Penumbra: Contemporary Art from Taiwan . Anne & Gordon Samstag Museum of Art Samstag Museum 2008 New York 5th (Asian Contemporary Art Week 2008)-- Snake Alley 2008 Daniel Andersson and Tseng Yu-chin . New York Location One Gallery 2008 China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy 2008 Daniel Andersson + Tseng Yu-Chin Location . One Soho . New York 2008 CCAA chiese contemporary art awards Creative Center of Bund18 , shanghai 2008 CCAA chiese contemporary art awards Ullens Center for Contemporary Art , Beijing 2008 “ The Program”the video art exhibition Conduit Gallery , USA Texas Dallas 2008 A Voice of Taiwan Art , Japan , Tokyo , O Art Museum 2009 Rites de Passage Heerlen The Netherlands SCHUNCK* 2009 ratorial incubator v.6 The Dark Arts:magic and intuition Canada Toronto Vtape 2009 Love me tender exhibition Germany Kunstverein Wolfsburg 2009 PORTRAIT OF THE YOUTH China Shenzhen J&Z Gallery 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Shanghai Art Museum 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Beijing Today Art Museum 2010 RESHAPING HISTORY Chin art from 2000 to 2009 China Beijing 2011 ART STAGE SINGAPORE 2012 ART HK Hong Kong 2012 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，Palais de Tokyo，Paris 2013 FOKUS 2013 video kunst festivalGörlitz，German 2013 「urbanity」Asia Video Festival cutlog NY program，New York，USA 2013 Ars Electronica 2013 / Schizophrenia Taiwan 2.0 Linz Austria 2013 St. Petersburg Cyberfest / Schizophrenia Taiwan 2.0 St. Petersburg Russia 2014 Berlin Transmediale 2014/ Schizophrenia Taiwan 2.0 Berlin ，German

Tseng Yu-chin graduated from Shih Chien University and the Graduate School of Technical Art at Taipei National University of the Arts. His works have been exhibited at Documenta 12 Kassel, Germany (2007); MOMA Contemporary: The New Identity, Part 5 (2006); The First Taipei Digital Art Festival (2007); China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy (2008). Tseng is also a poet and filmmaker. He currently teaches at Shih Chien University.

I hate New York! From the day I?ve stepped into the city, I?ve been feeling this way. It has never left my mind, and never denied, except for a few minor surprises or some little goodness. Eating brownies, or the dazzling lights of the Broadway, reduced my dislike of New York. It?s like when I repeatedly write ?I HATE NEW YORK? on the blackboard, at the same time erasing it with a duster, but yet, traces of the words remain, as though I haven?t had any intention to rub it off more forcefully and deliberately. This is a very uninteresting game, where you cannot hide too far in, you cannot hide yourself completely, or camouflage yourself as any item in the darkness under the bed hoping that you won?t be found, whilst listening to the noises outside, you feel safe as you hide. All because, you want to be found, and this is no longer innocent child?s play. You can recklessly hide, because of anger or simply because you wish to hide away with a friend, just the two of you. You can no longer do that! You must be found, and you must show yourself, and face the music! This indeed, is no longer child?s play. Ever since I came to New York, I?ve unconsciously begun to force myself to get along with myself, and even though I?m pretty used to getting along with myself. From the time back in my home country, the solitary me, has been forced to go out and face plenty of things, and this had been repeating itself. And eventually, I took a 15-hour flight and arrived in New York, and I?m left with only myself. It is really a test of inner strength, when you?re all alone, and the only thing you can rely on is the lingering scent of your home country that?s left in your suitcases. All I want to do is to curl up and sleep while embracing the scent, and even more often, I stay indoors, inside this so-called temporary apartment of mine. I confess about my initial insecurity. Amidst the noise that goes on every hour of the day, there is hardly any serenity, and any freedom to ponder. One thinks he can travel to many places, but the truth is, you can?t. The so-called travelling, is merely a physical shift of territory, and subsequently imprisoning oneself again. Forgive my use of vocabulary ? imprisoning. I?m imprisoned. By myself, by words and speech, by this conformity of a life that isn?t mine, by the responsibilities and obligations which I need to bear. I am imprisoned. I?m so perturbed in the winter of New York, that I can?t even be sure of the magnitude of the effects that this major illness that I?m going through is bringing me. I only recall the many feverish nights, dry-coughing, which kept me awake. I groaned with a slight growl, but still I can feel the trembles from the subway beneath my apartment. And I saw a kid, facing me, all curled up, and watching me restlessly, or at least I think he?s watching me! Perhaps?? his gaze isn?t at all on me. He may be simply staring straight, as though a beast is approaching. Or like stealing glances curiously, or perhaps not. I am unable to interpret his feeling. The complexity is preventing him from focusing. It?s a thought of speaking up, but he can?t, except for the urge to speak up, displayed through the shivering of his lips.

Tsen Yu-Chin

"Ne me renie pas encore une fois. J'ai beau être endurant, je n'aime pas la mascarade. Je dois en fait emprunter l'apparence de la pureté, pour que tu croies que tout va bien. Tu seras sûre alors que la vie est parfaite. Et il faudra que je sache où j'en suis et que l'on me dise sans détour ce qui m'attend. Tu me croiras toujours car j'afficherai cet air innocent et un sourire inexpressif. Ce sera ma manière de te convaincre."

Tseng Yu Chin est né en 1978. Il est diplômé de l'Université Shih Chien en communication et design, et en Arts Appliqués à l'Université Nationale des Beaux-Arts de Taipei. Il a travaillé dans le milieu de la réalistion, du théâtre et de l?opéra. Son travail a été montré à Taipei, au festival du court métrage de Hong Kong, à la troisième biennale de Fukuoka.

Je me réveille ce matin. J'ai rêvé de ma grand-mère cette nuit. Elle gémissait et gisait à mes côtés. Je reçois un coup de fil. Ma grand-mère a rendu l'âme. Elle m'était très chère. En ce moment, je pense sans arrêt à quand, étant enfant, j'arrivais en courant dans la cuisine de ma grand-mère. Grand-mère me parlait toujours en hakka, elle me demandait alors de sa voix douce d'où je venais, ou bien si je voulais quelque chose à manger. La cuisine et la vapeur, la buée. Grand-mère a les cheveux blancs. J'attrape le gâteau du nouvel an sur la table et je fixe ma grand-mère d'un air stupide. Ma grand-mère me manque tellement. Mon enfance n'a pas été particulièrement joyeuse, c'est certain, mais c'est ma grand-mère qui m'a offert tous les moments de joie que j'ai eu. En ce moment, à chaque fois que je fait du vélo, j'ai envie pleurer. J'ai l'impression d'étouffer.

Né en 1978, Yu-Chin Tseng étudie en ce moment à la Graduate School of Technical Art de la National University of the Arts de Taipei. De 1999 à 2002, il a participé au In-Between Visual Art Design. En 2001, il est devenu membre du Theater Group Visual Art Design de Tai-tung (Taïwan) et du AFA International Ltd. Visual Art. Il a ensuite, en 2003, travaillé au sein du Performance Group Visual Art Design de Taishun et de l'orchestre symphonique national, opéra "Faust", Documentary Film Post Production. Tseng YU-CHIN consacre beaucoup de temps à l'écriture. En 2000, il a publié ses poèmes "Something Trivial" et "My Illness" dans 'In-Between - volume 2', et son roman "Age 20 and 40" dans "In-Between - volume 3". Son texte "Don't Worship Things That Dangle" a été publié dans le DPI Magazine volume 55, en 2003. Il a par ailleurs travaillé avec le groupe de théâtre "Our Snake" à Taitung, en tant qu'inspecteur d'art visuel. Enregistrement de l'installation performée au Chung-cheng No. 2 Stage Fang Feng Art Festival 2003.　Il a également travaillé à la performance du groupe "Audience" Visual Art Design de Taishun. Yu-Chin a reçu les prix suivants : un Golden Harvest taïwanais pour "Our Snake" en 2001, et une distinction au Golden Horse Film Festival pour "Projection and Reflection During That Time" en 2002. En 2004, son oeuvre "Projection and Reflection During That Time" a été sélectionné pour le Spring Film Festival. "I'm Leaving" a été présenté au 10° Hong Kong Independant Short Film and Video Awards 2005 (IFVA Asian New Force). Il a une grande expérience des expositions. Ses oeuvres majeures : "Projection and Reflection During that Time", "Who's listening?", "What had been done?", et "I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few", a déjà participé à de nombreux festivals, dont le Poor Film Festival, le Golden Horse Film Festival, le Spring Film Festival, le "Noisy" Art Festival; il a également participé à des expositions en ligne : Non Sign Internet Art, The Whimsical and the Fantastic, et l'exposition en ligne des artistes taïwanais du domaine des médias.

Je méprise les présomptions. Mais si c?était possible au tout début, alors en sauverais-je quelques-unes Je perds le langage, surtout le langage oral En général, il fonctionne avec une violence rare Mais il a été finalement remplacé par d?épisodiques vomissements et bile Ceux qui d?habitude parlaient avec moi ont peu à peu disparu Lorsque je parle aux autres, ma gorge me fait mal et je n?arrive pas à reprendre mon souffle Mon corps, ma bouche sont asséchés. Et, je le sens, mes deux incisives de devant vont se briser Je veux parler, mais je reste coi, la poitrine endolorie La création n?a plus rien d?un plaisir A l?origine, elle devait guérir mon auto-indulgence pitoyable Mais maintenant, ce n?est plus ça Je ne peux pas parler de tout, D?habitude les images me rendent fou Mais maintenant je renie la folie Ne pas être compris. Ne pas même me comprendre Je me suis rendu compte que j?allais devenir malade et psychotique Surtout lorsque mes émotions débordent Les mains tremblantes m?effrayent, je dois me pincer les mains, je m?efforce de raidir mes muscles jusqu?à la déchirure Oui, je l?admets. Je désire des émotions pures Mais rien qu?en avalant, j?ai peur d?avoir mal Les choses se répètent, la nuit particulièrement Le son d?une respiration s?approchant de moi. Je vis son épaule se lever et s?abaisser Tout m?était égal Il ne m?importe pas de savoir ce que c?est, si ? Je vois et je suis malade Je soupirai à nouveau. C?est une vieille habitude, j?aime soupirer C?était moi ? C?était moi-même ? ou bien le dos de quelqu?un d?autre ? Au moins L?odeur des gens se fait rare Je déteste les présomptions, oui vraiment En tous aspects En fait, je me suis forcé Que devrait-on regretter ? Oui, voilà un autre signe à égalité La présomption et le regret, à mes yeux, sont égaux, absolus Parce que je me suis forcé Le mot « regret » n?a aucun sens Quoiqu?il en soit, il n?a aucun sens Lui, il ne peut rien changer dans ce corps. Ni le tourner, ni le laver Ou bien est-ce ce qu?on appelle justement « sagesse » ? Le ton de présomption a toujours été perçu comme celui d?un je-sais-tout Je ne sais pas, mais au moins il m?est impossible de présumer Je ne me le permettrais pas Mais ce soir-là, il y avait le dos de cette personne, quelques odeurs La chaleur corporelle s?élevait Je me sens mal. Ma peau se collait aux organes, c?était douloureux Difficulté à respirer calmement Vraiment Si vraiment je le pouvais, si je fermais mes yeux depuis le début Comme au jeu de la vérité Laissons cela me guider Laissons l?air, la chaleur corporelle, les sons Sentir Le début, ce qu?on appelle le début C?est quand les choses arrivent à leur point le plus tortueux Quand je suis encore propre, quand tout est autour de moi, Quand le corps est encore pur et blanc, Vraiment, Si vraiment je le pouvais Peut-être, sans doute Pourrais-je sauver quelque chose Je ne peux pas parler : j?ai perdu le langage Eau, soleil Je ne sentirais plus la douleur de mes organes. Mon corps est blanc, et maintenant sans souillure Je ne me dirigerais plus vers les émotions couvert de taches. Désormais même ces choses minimes n?existent plus Je regrette Je me suis forcé, que devrait-on regretter ? je déteste les présomptions Et ce soir-là, le dos de cette personne Quelques ronflements Je vois un mur blanc que l?obscurité rend gris Soudain Je me vois dans un bus en marche Je suis en train de dormir les yeux fermés Les bruits qui passent. Le soleil qui passe. L?air qui passe Soudain, voilà que je pense A un vieil homme, dans un bus, qui touche mes hanches en haut de mon uniforme Et à une écolière assise en face de moi Dans une attitude aguicheuse. Son uniforme et sa jupe légèrement relevés M?observent et me sourient Je n?arrive pas à dormir. Mon cerveau se remet à fonctionner. Je n?arrive pas à parler A qui puis-je parler ? pas de cela. Mais au plus profond, au plus intime, au plus triste Jusqu?au matin Ce son de respiration près de moi existe Et je suis bien assis dans le bus Les yeux fermés Mais il m?observe Les yeux fermés Qu?est-ce que c?est Je ne sais pas Je n?arrive pas à dire

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Je ne vais pas si mal. Je ne veux pas heurter trop gravement les autres en disant : « Savez-vous? » Je traînais dans un silence immense, je me renferme étroitement en moi-même, moi et mon passé. Et mon nez coule et mes larmes ruissellent. Je perds mon corps, je m?en vais. La chaleur me fait suffoquer, je veux ouvrir ma gorge qui étouffe de sanglots. Et je coupe tout avec un couteau. Je saisis un papier et le balance doucement. Voilà le processus mis en ?uvre, sur le papier. Je le balance, le balance, puis le repose. Un papier noir, dense, couvert de caractères serrés. Je le reprends, à nouveau le balance encore et encore. Ça s?est passé. Voilà tout. J?entendis le heurt du papier. C?est comme lire des mots mais en oublier la forme que le balancement dissipe. Lacunaire? une nuit? lacunaire et dense?comme si quelque chose se passait. Je n?ai pas besoin de dire tout cela, parce que je ne vais pas si mal.

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Deep in the future the massive Event that by definition cannot be remembered separates the Revolution from its history. A man, historical agent of the future socialist authority, believes he has found evidence of the Event`s origins in 20th century The Union. The post-industrial wasteland The Union previewed Earth`s future before it happened. So too, the Man believes, it previewed, and glimpsed the Event, and proved its true nature. The event was Metallic. Amnesialand is the whole world. Our inability to remember the past mirrors their inability to see their future.

Stefanos Tsivopoulos (b. 1973) lives and works in Amsterdam. He participated in international art residencies such as the Rijksakademie van beeldende kunsten Amsterdam, Netherlands; Platform Garanti Istanbul, Turkey; IASPIS Stockholm, Sweden; and ISCP NY, USA. Recent solo shows include The Blind Image, ISCP NY, USA; Amnesialand, Heidelberg Kunstverrein, Germany; The Real The Story The Storyteller Smart Project Space Amsterdam, Netherlands; Lost Monument, Art Forum Berlin, Germany. Group shows include The Rest is History, Manifesta 8 Murcia, Spain; On Morality-Act III, Witte de With, Rotterdam, the Nethrlands; One Giant Leap, BFI Southbank London, UK; Practicing Memory, Fondazione Pistoletto, Biella, Italy; And the moral of the story is... APEXART New York, USA; Hors Pistes-Un Autre Mouvement des Images, Centre Pompidou Paris, France; Monitoring, Friedericianum Kunstverein Kassel, Germany; Destroy Athens, 1st Athens Biennale, Athens, Greece, In Present Tense, Museum of Contemporary Art, Athens. He is recipient of the Golden Cube Award at the 25th edition of the Kasseller Documentary Film Festival in Kassel Germany for his film Untitled (The Remake). He was shortlisted for the 4th edition of the DESTE Prize for Contemporary Art, Athens Greece and the 7th edition of the "Future of Europe" Award.

"Object Reconnaissance" is a work of fiction that depicts actual artifacts, historical archives, and museum collections from the Netherlands. The story is set in the 1960s and references events such as the Indonesian mass killings, the Free Papua Movement, and stories of forced displacement. The narrative follows the fictional character Ratna "Merah Muda" Bakti, an Indonesian activist associated with the Gerwani movement who fled to the Netherlands in 1965 during the political crisis. In the present day, her granddaughter, Ria Bloem, seeks to uncover Merah's past by exploring letters, family albums, and Super 8 films. During her investigation, Ria discovers photos of a significant ceremonial object, a seashell, which has gone missing. Intrigued, she sets out to find the shell, leading her to uncover family secrets that shed light on Dutch colonial history.

Stefanos Tsivopoulos is an interdisciplinary visual artist, filmmaker, writer, and educator who divides his time between Amsterdam, New York, and Athens. Known for his research-based work on archives and the unique visual style of his films, which blend found footage with cinematic sequences, Tsivopoulos is motivated by a pressing need to delve into the anthropological aspects of contemporary global crises. These include ecological, economic, political, social, and cultural issues. His body of work focuses on personal and collective histories, examining their influence on present-day socio-political discourses. Throughout his 15-year career, Tsivopoulos has written, directed, and produced over 30 short and medium-length films across different countries.

Tsui’s works explore the adaptive relationship between humans and social systems, questioning the established structure through actions, and creates survival methods, and redefining reality through his behaviors and experiments. Tsui regards such behaviors as means to measure environmental tolerance, and attempts to highlight the absurdity behind certain social values within the system we are accustomed to. By transforming reality in this way, Tsui’s actions crossed various obstacles, and declares a guerrilla-style intervention, and uncovers invisible relationships in everyday environments.

Born in Taipei, in 1974. In 1997 he graduated from the National Institute of the Arts and has exhibited internationally since, including Venice Biennale, Liverpool Biennale, Werkleitz Biennial, Asian Art Museum San Francisco, ZKM Center, Contour Biennial, Chelsea Art Museum, Mori Museum, OK Centrum.

A travers cette vidéo, l'auteur a cherché des lieux, à la fois à Londres et Tapei, qui puissent être interprétés de différentes manières, et qui entretiennent des relations ambiguës avec leur environnement. Puis, il a imaginé dans ces lieux des actions spécifiques, en recourant à la vidéo pour transformer toute la scène en un moment de vie éphémère mais irréel. Par exemple, dans une rue très fréquentée, l'auteur agitait un drapeau à carreaux noir et blanc, comme s'il incitait les automobilistes à participer à une course de vitesse. Il jouait au golf sur un espace vert en pleine ville. Ou dans l'allée longue et étroite d'un parc, il lançait une balle de bowling sur un groupe de pigeons. En apparence, c'est un peu comme la redécouverte, dans un environnement stéréotypé, d'une nouvelle strate dans l'espace urbain qui nous ait familier, même si cette ville invisible apparaît seulement pendant quelques minutes ou quelques petites secondes durant le déroulement de l'action. Néanmoins, comparé à la vidéo?Superficial Circumstance?, dans laquelle l'artiste se transforme lui-même en s'adaptant à son environnement extérieur, l'action de mimétisme qui se déroule dans ?City Spirit?transforme et étend le symbole culturel du vêtement à une reconnaissance de similitude entre les environnements - les environnements sélectionnés possèdent réellement une certaine similitude avec la scène choisie que l'artiste impose à travers ses actions (comme imposer un terrain de golf sur le "gazon" d'un terre-plein central). Ces apparentes similitudes paraissent être un symbole incontournable, déterminant l'existence d'une relation systématique, bien que nous sachions aussi que ces similitudes sont factices. Ce que souligne en fait l'interjection de similitudes par l'artiste est sa limite- même, et cette limite provient de l'existence d'institutions. "Afin d'explorer les possibilités qui gisent au sein des fissures de la ville.. à tout moment, nous nous positionnons nous-mêmes dans une ambiance exotique qui provient du chevauchement de réalités fragmentaires et de la vie de tous les jours." Peut-être faut-il voir "City Spirit" comme une forme de mimétisme environnemental à très grande échelle : au nom de l'art, dans une série de contextes ordinaires, tous nos préjugés sont réactivés. Cette conscience de soi nous permet de nous engager dans ces incessantes confrontations sans lendemain, et de rester indemnes. Peut-être est-ce là le véritable triomphe de la vie contemporaine?

Tsui Kuang-Yu est né en 1974 à Taipei, Taiwan FORMATION 1997 Université Nationale des Arts de Taipei PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

The artist tries to perceive reality through the performer?s body movements, who confronts with the objects. He repeatedly jumps over different objects such as a window, mailboxes, and even a cow, and then rebounds. This repetitive action reveals his strong desire to be empowered in the physical world. Shao-Lin is a well-known Chinese temple where the legacy of martial art, known as Gong Fu, was originated. These legacies have been depicted in Chinese fictions, soap operas, and films, which represent Gong Fu in an overstated way. The eighteen Copper Guardians are monks who have mastered Gong Fu, and are assigned to protect the temple. They can use their bodies in many magic ways. For instance, they can use their heads to break hard objects. Tsui?s use of this title reveals his inspiration from Chinese legacy and popular culture ,however rather satirical. This Gong Fu monk lives in an urban environment. Gong Fu for him is not a way to show the magic power of body, but rather is just a way of living. He explores how easily he can deal with the obstacles that are in his way in reality. Will the performer?s strong will itself be enough to provide a "shortcut" to penetrate the obstacles and bring him to his desired destination quickly"? The question is apparently ironic and absurd.

PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

"Mes actions sont documentées au moyen d'une simple caméra numérique. Je fais ces actions dans l'environnement urbain, soulignant les 'interjections' individuelles. J'explore de manière plutôt provocante, j'expérimente les capacités de tolérance d'un environnement donné. Le concept essentiel de ces actions n'est pas seulement de fournir un sujet à l'intérieur d'un écosystème, mais il s'agit de réussir une stratégie dans laquelle le sujet altère de façon délibérée son apparence extérieure pour franchir les barrières environnementales. Ces vidéos incluent des actions où j'entre, je passe au travers et j'agite. Il s'agit d'une imitation, non d'une explication. C'est aussi une déclaration de dissonance parmi les nombreuses identités pré-établies. Vous arrivez dans un certain endroit, avec ses codes sociaux, et vous agissez avec un mode de comportement extrêmement divergeant par rapport à cet environnement. Vous jouez le drame intérieur vécu tous les jours par ceux qui vivent en ville.

BIOGRAPHIE Tsui Kuang-Yu / Né en 1974 à Taipei, Taiwan FORMATION 1997 Université Nationale des Arts de Taipei PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

Filmed in Moscow twenty years after Akerman’s d’Est and over ten years ago, COLDER addresses the deep conundrums of memory, place, and time. A camera locks on to past glories, lingers, skittishly- its tonalities are sombre, nonmetaphoric, obscure and difficult. Iandovka and Tsyrlina’s cinematic approach to memory is closer, more intimate, and more unstable and problematic—more true—to notions of remembrance than other sorts of cinematic representations. An almost graspable (post)cinematic spatiality - a space both interior (subjective and singular) and exterior (collective, communal) overcomes us - complete with an apparitional trace that haunts memory and event alike. COLDER opens the unstable spaces of memory to confront the presence/non-presence of events and our complicated and difficult relations to our histories and our selves.

Sid Iandovka and Anya Tsyrlina (both born and bred in Novosibirsk, USSR) are visual artists often working together on film and video.

Poussant la recontextualisation filmique à l'extrême sans modifier le contexte d'origine, ce conte de fée radical rassemble comme par magie des centaines de plans et de scènes subtilement énigmatiques à propos l'"égalité des sexes", extraites de la propagande de la fin de l’époque soviétique - créant un monde elliptique, sensuel et doucement subversif, qui provoque et évoque...

Anya Tsyrlina est artiste visuelle. Elle est d'origine russe. Son travail sur les images en mouvement a été présenté récemment dans des festivals de cinéma et dans des lieux tels que le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); la Viennale, Vienne (Autriche); le Berwick Art and Media Festival, Berwick-upon-Tweed (Royaume-Uni); le International Short Film Festival Oberhausen (Allemagne); les Internationale Kurzfilmtage Winterthur (Suisse); le EMAF – European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne); le MIEFF – Moscow International Experimental Film Festival, Moscou (Russie); les Rencontres internationales Paris/Berlin (France / Allemagne); le festival Bildrausch, Bâle (Suisse); la Haus der elektronischen Künste, Bâle (Suisse); la Anthology Film Archives, New York (USA); et la HKW – Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne).

Filmed in Moscow twenty years after Akerman’s d’Est and over ten years ago, COLDER addresses the deep conundrums of memory, place, and time. A camera locks on to past glories, lingers, skittishly- its tonalities are sombre, nonmetaphoric, obscure and difficult. Iandovka and Tsyrlina’s cinematic approach to memory is closer, more intimate, and more unstable and problematic—more true—to notions of remembrance than other sorts of cinematic representations. An almost graspable (post)cinematic spatiality - a space both interior (subjective and singular) and exterior (collective, communal) overcomes us - complete with an apparitional trace that haunts memory and event alike. COLDER opens the unstable spaces of memory to confront the presence/non-presence of events and our complicated and difficult relations to our histories and our selves.

Sid Iandovka and Anya Tsyrlina (both born and bred in Novosibirsk, USSR) are visual artists often working together on film and video.

Poussant la recontextualisation filmique à l'extrême sans modifier le contexte d'origine, ce conte de fée radical rassemble comme par magie des centaines de plans et de scènes subtilement énigmatiques à propos l'"égalité des sexes", extraites de la propagande de la fin de l’époque soviétique - créant un monde elliptique, sensuel et doucement subversif, qui provoque et évoque...

Anya Tsyrlina est artiste visuelle. Elle est d'origine russe. Son travail sur les images en mouvement a été présenté récemment dans des festivals de cinéma et dans des lieux tels que le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); la Viennale, Vienne (Autriche); le Berwick Art and Media Festival, Berwick-upon-Tweed (Royaume-Uni); le International Short Film Festival Oberhausen (Allemagne); les Internationale Kurzfilmtage Winterthur (Suisse); le EMAF – European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne); le MIEFF – Moscow International Experimental Film Festival, Moscou (Russie); les Rencontres internationales Paris/Berlin (France / Allemagne); le festival Bildrausch, Bâle (Suisse); la Haus der elektronischen Künste, Bâle (Suisse); la Anthology Film Archives, New York (USA); et la HKW – Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne).

"An unremarkable random 70’s newsreel from the artists’ hometown in the Soviet Siberia forms the substrate for a relentless exploration of the representational and narratological technics: without ever collapsing into a ‘story’ or abstraction, horizõn recants the relationship between analog and digital, surface and reference, sense and experience, past and present" (Thomas Zummer)

TTrioreau a finalisé un projet mûri durant de longues années. Au centre de cette proposition, il y a le film de Dziga Vertov, « L`homme à la caméra ». Mais, ici encore, c`est un régime oppositionnel qui va présider au travail de TTrioreau. Dans quelle mesure ? Pour le résumer au plus court, on peut décrire le film de Dziga Vertov comme une tentative de mise à jour de l`activité citoyenne dans la ville d`Odessa en Ukraine ; au ras du sol, la caméra est cet ?il qui rend compte de la modernisation, de l`industrialisation de la ville : « L`homme à la caméra » est un quelque sorte le point de liaison entre le cinéma, la ville et la citoyenneté. Par ailleurs, Dziga Vertov promeut dans son film le montage cinématographique comme vérité, vérité plus pure que l`?il propre du corps. Or, la proposition de TTrioreau opère par rapport au matériau de base un strict décalage : en deux long métrages, TTrioreau court-circuite la thématique de Dziga Vertov. Pour le premier film, il s`agit d`un long panoramique aérien qui opère des cercles concentriques autour de l`actuelle Odessa. La ville est mise à distance en une vision panoptique, elle en devient manipulable au fur et à mesure que les architectures, les bâtiments se transforment en pures formes géométriques. Le second film, quant à lui, reprend une des annonces publiée par Dziga Vertov dans la Pravda avant la sortie de son film. Le contenu de cette annonce - Mais où est passé l`homme à la caméra ? (en alphabet cyrillique) - est tatoué sur le dos de l`artiste, opération filmée en un long plan séquence. Alors que les bâtiments deviennent géométries dans le premier film, ce sont maintenant les lettres de l`annonce qui se transforment en volumes, en quasi esquisses de bâtiments durant la séance de tatouage. Mise à distance contre proximité, montage contre plan-séquence : TTrioreau inverse ici les rapports. Pour autant, le jeu n`est pas gratuit car, au bout du compte, comme le montre la phrase tatouée sur la chair même de l`artiste, une plus grande proximité est atteinte. C`est de l`inscription de l`architecture, du sens toujours décalé de cette dernière sur le corps propre dont il est question ici : tout se passe comme si la peau prenait la place de l`?il, une peau comprise comme membrane sur laquelle vibre le sens polysémique de l`architecture. Les deux films sont projetés simultanément, en vis-à-vis, dans une même temporalité. Le point de liaison entre les deux projections n?est pas assuré par un acteur physique, mais par l`immatérialité d`une ellipse sonore qui boucle les deux moments dans une seule et même architecture. Ainsi une seule trame sonore pour les deux films, quadriphonie enveloppante où l`on redécouvre les vertus secrètes du montage. Aux deux pôles visuels muets répondent les éléments sonores utilisés dans l`ellipse. Le rotor de l`hélicoptère d`une part, fureur mécanique d`une géante toupie (« dziga ») et la petite machine à tatouer d`autre part avec ses aiguilles lancées à travers la chair en singulières rotations (« vertov »). 64 minutes 32 secondes d`une musique concrète mixée dans le souci d`être un élément structurel de l`installation contre l`expressivité naïve de l`illustration. La diffusion du son crée l`espace de rencontre des deux films. Arrachés aux deux dimensions de leurs écrans, ils deviennent l`espace architecturé d`un lieu déconcertant pour qui s`y avance, pour qui s`immerge dans cet environnement à échelles multiples que l`on appréhende de l`?il et de l`oreille. Ici la mémoire convoquée du cinéma-vérité (« kino-pravda » où l`?il produit autant le réel qu`il l`enregistre) questionne à son tour, dans les mouvements giratoires et bruyants, les espaces bâtis dans lesquels nos corps témoignent des contraintes à les habiter.

Ses propositions s?inscrivent dans une réflexion liée à la nature du réseau urbain. Ses installations agissent sur la structure même de l?espace construit. Elles mettent en place des déplacements qui en perturbent notre perception et désignent de façon politique le caractère normatif de l?architecture. Son travail intervient dans les intervalles urbains ; il établit des jonctions dans les rapports intériorité / extériorité. Prenant en compte les enjeux liés à l?urbanisme, et ne visant pas à la seule représentation, il crée nécessairement « in situ » et principalement hors des lieux d?exposition. TTrioreau, se concentre sur l`analyse des structures du tissu urbain. Ses interventions dans l`état des choses en architecture sont souvent très radicales et contraires aux idées établies sur le rôle et le sens du domaine de construction. Dans son système des transformations, le dedans et le dehors ne représentent que deux notions relatives, ainsi que le rapport entre le tout et le détail, entre l`espace réel et l`espace imaginaire. Là où l`on construit, on démolit également : la ville et les bâtiments sont des variables soumises à la logique du marché. Les édifices perdent leur caractère prestigieux de création architecturale pour devenir juste une bonne occasion pour l`investissement du capital qui, au moment où il ne rapportera plus, se déplacera ailleurs en laissant ces maisons se dégrader. Seuls les documents et les maquettes résistent à ces manipulations du marché. Les dispositifs de TTrioreau agissent sur les zones urbaines, sur leurs murs et leur mémoire. Cherchant à inclure tous les possibles ou devenirs, il crée des territoires hybrides qui se constituent par défaut ou hégémonie et mettent le corps à l?épreuve en le privant des partitions habituelles. Ce sont des espaces transgressés ou transgressifs qui n?offrent pas d?équilibre définitif puisque la limite s?estompe au profit de l?interférence. Si le changement paraît toujours imminent, il est en réalité déjà effectif : sans véritable lieu d?existence, il investit l?ensemble d?un territoire, le transforme en une zone hybride d?où les frontières se retirent. TTrioreau exhibe la production de structures anomales, immanente au champ de normalisation urbaine. L`architecture n`est statique que par l`identité contrôlée que celle-ci assigne. En proposant une perspective alternative, l`installation l`inscrit comme processus polémique. Elle interroge notre confiance en la solidité structurelle du bâtiment, en son immobilité et sa permanence, pour le décrire comme intervalle, passage, transition?

"Maquignon" se déroule à 80 kilomètres de Toulouse, aux Cammazes, une commune proche de la Montagne Noire. Là, il plonge dans l'atmosphère d'une foire aux chevaux en s'arrêtant sur les relations entre paysans et petits marchands de bestiaux "les maquignons", sur le langage des hommes et des animaux, parle? ou silencieux. Le film embrasse diffe?rents aspects de cet événement : aussi bien les négociations d'achat, la préparation et le soin des chevaux ou les moments de convivialité que les temps morts, quand la tension s'évapore.

Nicolas Tubéry est né en 1982 à Carcassonne. Il a étudié à l'Ecole Supérieure d'Art et de Céramique de Tarbes puis à l'Ecole Nationale Supérieure des beaux arts de Paris où il obtient le DNSAP. Sculpteur et vidéaste, Nicolas Tubéry conjugue les deux pratiques dans ses œuvres. Ses recherches récentes se concentrent sur le monde paysan d`où il vient : ses phénomènes atemporels, comme une foire aux chevaux, mais aussi plus conjoncturels comme les exploitations abandonnées par manque de repreneur. Quel que soit le sujet, il concentre son attention sur les gestes du travail, et sa fascination pour les détails est contagieuse. Observant tout en sculpteur, il adapte le matériel agricole en machinerie cinématographique, puis utilise les mêmes matériaux pour créer les structures monumentales dans lesquelles il projette ses films. Il parvient, avec affection et justesse, à donner une place à la ruralité dans l`art contemporain.

À l’automne 2023, j’ai été invité dans les Côtes-d’Armor, à Locquémeau, à porter mon regard sur le monde paysan le temps d’une résidence artistique. C’est ainsi que j’ai rencontré Audrey, qui a récemment repris la petite cidrerie de son père Gilbert. Le mois de novembre a été celui du ramassage et du pressage des pommes. Cette étape de quelques semaines est d’une importance capitale puisqu'il est question de récolter le jus des pommes pour l’année suivante. Durant cette période, il a été question pour moi d'investir ces différents espaces et temps de travail aux côtés d'Audrey et Aurélie qui est employée pour la saison. Cela m’a permis de comprendre, d’appréhender les éléments, ressentir les matières et leurs poids pour ensuite insérer le regard de ma caméra. Mec 65 Smeraldo est un film monté sur deux écrans différents, évoquant le travail à plusieurs mains, les différents points de vue et positionnements des corps ainsi que la question de la transmission et de l’apprentissage. Le geste et le vivant sont au centre du projet. Le scénario se construit naturellement au rythme des mains et des machines (Mec 65 Smeraldo est le nom de la pompe donnée par Gilbert), contournant les corps et les cuves pour assister à la transformation des fruits en jus.

ue: Nicolas Tubéry est né en 1982 à Carcassonne. Il a étudié à l’Ecole Supérieure d’Art et de Céramique de Tarbes puis à l’Ecole Nationale Supérieure des beaux arts de Paris où il obtient le DNSAP. Sculpteur et vidéaste, Nicolas Tubéry conjugue les deux pratiques dans ses œuvres. Ses recherches récentes se concentrent sur le monde paysan d'où il vient : ses phénomènes atemporels, comme une foire aux chevaux, mais aussi plus conjoncturels comme les exploitations abandonnées par manque de repreneur. Quel que soit le sujet, il concentre son attention sur les gestes du travail, et sa fascination pour les détails est contagieuse. Observant tout en sculpteur, il adapte le matériel agricole en machinerie cinématographique, puis utilise les mêmes matériaux pour créer les structures monumentales dans lesquelles il projette ses films. Il parvient, avec affection et justesse, à donner une place à la ruralité dans l'art contemporain. Marilou Thiébault

Le dispositif de tournage se développe autour de la lourde planche de bois sur laquelle le paysan y déposera ses brebis une après l`autre pour les aléger de leur laine. L`oeil des caméras disposées sur la structure d`acier accompagne de l’intérieur le déroulement de l’événement, s’appuyant sur les mouvements et les points de vue des barrières. Révélant une chorégraphie de l’effort et du travail des bêtes, Deman La Tonda propose en même-temps d’envisager les mécanismes de la vidéo et du sujet filmé comme un tout, un seul et même acte

Filmer, se faire le témoin d’une action particulière, prélever des morceaux du réel et les assembler, donner une autre vision du spectacle en partant du quotidien. Les films de Nicolas Tubéry sont des témoignages subjectifs sans débuts ni fins, la mise en forme d’une manière de voir et d’être face aux choses. Dans sa volonté de rendre compte d’une situation, d’une atmosphère spécifique, il n’hésite pas à confronter les oppositions. Deux approches cinématographiques contradictoires sont utilisées selon les oeuvres, à savoir la mise en scène minutieuse et toutes les contraintes techniques qui y sont liées, et le cinéma direct caméra au poing qui autorise plus de spontanéité. Dans les deux cas, le hors-champ prend une place aussi importante que l’image elle-même, il en devient indissociable pour tenter de saisir les films dans leur globalité. Ce qui est donné à voir n’est qu’une partie de ce qui doit être vu, le spectateur ne peut pas se contenter de regarder passivement, il est conduit à plonger hors du cadre. Parfois le sujet est ailleurs, comme dans Rodeo où cheval et cavalier sont quasiment absents de l’image, occupée à saisir l’environnement, capter ce qui gravite autour de l’action principale. Ou bien à l’inverse c’est l’ailleurs qui est rendu invisible. Emballeuse nous fait suivre, par plans très rapprochés, chacun des mouvements d’une machine à compacter les bottes de paille. Chaque centimètre carré de l’emballeuse est disséqué par de lents mouvements de caméra. Toute perspective est bannie, pas un aperçu de l’espace alentours ne filtre. Cette décontextualisation quasi permanente isole les personnes ou les objets pour en faire des centres d’attention inhabituels. On retrouve souvent, comme dans Tsukiji, les techniques propres au cinéma comme le ralenti, l’utilisation d’une bande sonore, la mise en place d’une tension grandissante qui mène au climax. Mais à l’inverse du cinéma ces effets sont vains, ils ne servent pas la narration mais valent pour eux-mêmes, influant sur la manière d’observer l’action qui se joue à l’écran. Ils permettent seulement de déclencher une appréhension chez le spectateur, qui par habitude des images rentre dans l’intrigue et s’attend à un déroulement logique, à une suite qui finalement n’arrive jamais. Nicolas Tubéry cherche ainsi à retranscrire une vision personnelle, nous montrer une chose sous un angle bien précis pour nous contraindre à regarder de la même manière que lui, en nous invitant à voir au-delà. Aurélien Pelletier,2011 Formellement très différentes les trois oeuvres de Nicolas Tubéry s’articulent autour du même axe : l’attente d’un évènement spectaculaire à venir, qui n’arrive pas. Gros plans, tensions palpables Nicolas Tubéry nous propose une réflexion en trois actes sur la grammaire cinématographique et plus particulièrement sur le cadrage. L`artiste en appelle à nos capacités de narration, tout en jouant avec nos attentes. Il laisse le mystère entier… partiellement, puisque les titres font figure de prétérition. Supporter pose la question des frontières entre réalité et fiction en mettant en scène des gestes expressifs pouvant fonctionner comme emblème. Rodéo travaille l’omniprésence du hors-champ à partir de la bande son. Ces deux films pourraient être engloutis tout entier dans Screen qui les place hors-champ, pour ne s’intéresser qu’au phénomène de la projection. Leila Simon pour Jeune Création 2011 Dans son installation vidéo, Nicolas Tubéry met en regard trois moments suspendus, plongeant le spectateur dans une véritable frustration. Littéralement « en attentes », l’œuvre autant que celui qui la regardent abandonnent toute action, toute résolution. Car ce tryptique Rodeo, Screen et Supporter mêlant un cadre de projection vide, une foule en attente d’un évenement et ce qui ressemble à la fin d’un spectacle offre trois temporalités « déviantes » qui se répondent et viennent s’amplifier en jouant sur l’incidence d’un temps non pas seulement révolu mais bien condamné à ne plus jamais “passer”. Guillaume Benoit pour Slash Magazine,2011

L?événement n?est pas clairement défini. Le cadre plongeant défile lentement au dessus d?une longue table de jardin, laissant deviner la fin d?un barbecue un après-midi d?été. La caméra remonte et s?arrête sur un fanion plastique d?une guirlande annonçant la fête. De par la nature de l?image et notamment ses mouvements (panoramiques fluides, amplitude du cadre), le film semble être la reconstitution d?une petite fête de village. Il n?en est rien. 1408-Jorn Festiu documente le réel, usant d?un mode de captation directe faisant référence à celui utilisé dans l?événementiel. Une grue est introduite au centre d?une vrai fête privée dont les motifs sont habituellement saisis par les smartphones et autres outils portables. Ainsi nous reconnaissons la préparation d?un mechoui, la célébration d?un anniversaire, le coin bar, une piste de dance improvisée ou encore les fumigènes de fin de soirée. Le point de vue donne une certaine distance sur l?événement affectif et privé pour en proposer une analyse visuelle, un document, l?archive d?un jour de fête, un jour festif, jorn festiu.

Atmosfera Reduzida Vidéo réalisée spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Nuno Tudela Son de Pedro Tudela

Nuno Tudela est un artiste vidéo et un cinéaste, basé à Porto, Portugal.

"Guandong tuning tone" Vidéo, réalisée spécialement pour le DVD Cronica 021-2005 : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Nuno Tudela Son de Pedro Tudela

Nuno Tudela est un artiste vidéo et un réalisateur basé à Porto, Portugal.

L'œuvre clé, The Single Screen, donne un aperçu de la série de performances que Joëlle Tuerlinckx et son équipe That's it! ont réalisées au musée de renommée mondiale Dia:Beacon (États-Unis) entre 2015 et 2018 sur invitation de Jessica Morgan (Nathalie de Gunsberg Director, Dia Art Foundation). Ce faisant, l'artiste confronte, de manière conceptuelle et humoristique, l'expérience du temps et de l'espace d'un musée à celle d'une salle de cinéma. Sur un écran de projection, l'espace s'étend, déborde, déploie ses sujets, doubles et multiples. Une coproduction d'Escautville, Dia Art Foundation, VAF et S.M.A.K. (Gand, BE).

Since the 1990s, and mainly after her participation in Documenta 11 in 2002, the artistic journey of the Belgian artist Joëlle Tuerlinckx (°1958) has gained momentum, with solo and group exhibitions in major institutions around the world (including the Museo Reina Sofia in Madrid in 2009, the Haus der Kunst in Munich in 2013, the Hermitage in Saint Petersburg in 2014 and her participation in Skulptur Projekte Münster in 2017). Today Tuerlinckx is among the most internationally renowned Belgian artists of her generation.

The animated film depicts a female arctic fox’s epic journey from Norway to Canada in 2018. In her inter-continental journey, she covered 3507 km in seventy-six days, across vast and changing landscapes, transitioning from marine ecosystems to land-based prey. Her voyage highlights the understanding and adaptability of wildlife across diverse environments, providing exploration of survival and migration in the natural world.

Rojda Tu?rul is an interdisciplinary artist and researcher whose work focuses on identity in relation to space and time. Her early work examined the impact of war on ecological and cultural heritage within the socio-political framework of Kurdish territories, leading to her interest in analysing consciousness and cognition, both in human societies and the ecological world. Rojda examines sociopolitical landscapes as reflections of changes in cultural and ecological identity. Rojda holds an MSc in Veterinary Studies and a PhD in Practice from the Academy of Fine Arts Vienna.

?The story of Boris? montre des séances d?un réfugié de guerre traumatisé avec son psychiatre. Des séquences montées des dernières séances sont mises à jour régulièrement avec les autres de l?historique, les traitements et la vie du patient. De cette manière, un dossier est créé pour reconstruire le passé de Boris. Boris souffre de ESPT (état de stress post traumatique) résultant de la guerre qu?il a fuie. À cause de ce trouble, son histoire est fragmentée. Afin de guérir, la réalité de la guerre et ses souvenirs ont été détachés. Quels sont les évènements par lesquels Boris est passé ? Quel rôle-a-t-il joué pendant la guerre ? Le public est libre de mener une investigation dans le passé et présente de Boris en cherchant dans les dossiers, le site web et de prendre un point de vue indépendant dans la recherche de la vérité.

Jan Pieter Tuinstra - 1971 - est diplômé en 1985 de la Art Academy de St Joost (Breda, Pays-Bas). Son film mémoire `Voyage until the end of a journey` a reçut le Cinema Citroën Award comme meilleur Dutch Academy Film. Depuis, il a toujours travaillé comme directeur et auteur de script freelance. L?approche du documentaire de Tuinstra est caractérisée par des images profondément composées avec une utilisation attractive de commentaire et résulte en un film en plusieurs couches. Son ?il incisif pour les relations humaines garanties une narration honnête et illustrée.

I used to find the dusk a very unsettling time, as though the approaching night was something to be feared. It was as if, once night fell you could not flee, and had to face unspecified consequences. Maybe the land remembers and the night will reveal what we might have done...

Biography Richard Tuohy (b. 1969, Melbourne, Aus.) began making works on super 8 in the late nineteen eighties. After a brief hiatus from cinema (including formal study in philosophy for seven years) he returned to film-making in 2004. Initially working exclusively in Super 8, the next five years saw an extremely productive period with dozens of experiments and works finished in the small gauge. In 2006 he, along with his partner Dianna Barrie, launched nanolab, a super 8 film processing laboratory based at their home in Daylesford Victoria. The establishment of this lab afforded the opportunity to set up darkrooms and install 16mm film processing and most importantly printing and sound recording equipment. Since 2009 he has been an active and vocal member of the international artist run film lab scene. In 2011 Richard and Dianna started the Artist Film Workshop which in 2012 became a membership based artist-run film lab, itself also part of the international labs network. AFW has become the center of experimental film practice on film in Australia, being the focus for regular experimental film screenings, touring artists programs, workshops and supporting numerous artists in their personal film practice.

Hong Kong marked 20 years since its hand over; half way through the planned 40 year `one country, two systems` transition. Taiwan, once imperial China, once Formosa, now ROC on the edge of the PRC. Multiple exposures of street scenes distort space and place creating a fluid sense of impermanence and transition, of two states somewhere between China and not China.

Richard Tuohy (b. 1969, Melbourne, Aus.) began making works on super 8 in the late nineteen eighties. Since 2009 he has been an active and vocal member of the international artist run film lab scene. In 2011 Richard and Dianna started the Artist Film Workshop which in 2012 became a membership based artist-run film lab, itself also part of the international labs network. An advocate for the possibilities of hand made cinema, Tuohy has devoted much time and effort in sharing his knowledge through workshops and classes both in his native Australia and internationally. His films and film based performances have screened at venues including the Melbourne IFF, EMAF (Osnabruck), Rotterdam IFF, New York FF, Ann Arbor and Media City and he has repeatedly toured Europe, North America and Asia presenting solo programs of his work and conducting experimental film-making workshops.

Jakarta traffic moves with the harmonious chaos of complex self organising entities everywhere. Through contact printer matteing techniques this mass transport becomes denser and denser until only the fluid futility of motion/motionlessness remains. Jakarta traffic stands as proof of the paradox of motion.

Richard Tuohy (b. 1969, Melbourne, Aus.) began making works on super 8 in the late nineteen eighties. In 2006 he, along with his partner Dianna Barrie, launched nanolab, a super 8 film processing laboratory in Australia. The establishment of this lab afforded the opportunity to set up darkrooms and install 16mm film processing and most importantly printing and sound recording equipment. Since 2009 he has been an active and vocal member of the international artist run film lab scene. Tuohy`s own works are firmly in the `hand-made` film tradition. An advocate for the possibilities of hand made cinema, Tuohy has devoted much time and effort in sharing his knowledge through workshops and classes both in his native Australia and internationally. His films and film based performances have screened at venues including the Melbourne IFF, EMAF (Osnabruck), Rotterdam IFF, New York FF, Ann Arbor and Media City and he has repeatedly toured Europe, North America and Asia presenting solo programs of his work and conducting experimental film-making workshops. He is the instigator of the AFW magazine Film Is and, along with Dianna Barrie and Sue K, was also a co-founder of the AIEFF experimental film festival in Melbourne.

By placing side by side four sequences from the movie Elephant (2003), by Gus Van Sant, the work explores the simultaneous actions in the film, revealing elliptical nuances in its filmic dispositif.

Arthur Tuoto works between visual art and cinema, producing a variety of works from video installations to experimental short and feature films. From appropriations to others audiovisual recontextualizations, the filmmaker`s body of work seeks to explore, by resignifying pre-existing materials, new possibilities in the audiovisual language, as well as to question the concept of intellectual property and authorship.

"Eva" is a sequence shot from an audiovisual performative video art piece that simulates an acting test, where a naked female body is positioned within the iconic biblical imagery of Eve and Adam. The performance is directed by a male voice behind the camera, guiding the attempt to embody and conform to these archetypal representations.

Bianca Turner works across a diverse array of mediums, including video, video art, video performances, video installations, expanded cinema, audiovisual actions, urban interventions, and video mapping. Her practice critically engages with the concept of the archive as an imperialist imposition, while also exploring how time and space can be expanded through audiovisual technologies and video projection, particularly in relation to the human body. Turner holds a BA in Design and Performance Practice from Central Saint Martins (2011, London) and a Master's in Scenography from the Royal Central School of Speech and Drama (2013, London). Her career has seen her participate in prominent exhibitions, such as BIENALSUR and the 2023 exhibition Ese Frágil Equilibrio in Buenos Aires, Argentina, as well as Mulheres em Luta! Archives of Political Memory at the Memorial of Resistance in São Paulo, Brazil (2023). Turner also collaborated with Neo Muyanga and the Collective Legítima Defesa on the opening performance of the 34th São Paulo Biennial (2020). Other notable appearances include the Verbo Festival of Performance Art (2018, 2022, Vermelho Gallery), the 40th Arte Pará and the 1st Salon of Art of Goiás (2022, MAC), the 46th SARP (MARP) in 2021, and the SSA Mapping Festival (2018, 2023). She also participated in the Reencontre Audiovisualle #7 in Lille (2024), with Honorable Mention from the Jury. Her work, which she defines as expanded video, utilizes video mapping, video performances, and video art to challenge and expand the notions of time-space, while reclaiming narratives and interrogating the role of archives in shaping history.

World Tree parle de la notion contemporaine d´'information'. Nous nous raccrochons à des textes écrits, croyant que nous pouvons en extraire toutes les significations, nous gardons des tonnes de supports écrits ou imprimés que nous ne lirons jamais mais qui nous donnent un faux semblant de sécurité. World Tree joue de ce phénomène, en nous laissant entrevoir des textes intrigants mais qui se désintègrent devant nos yeux. Les fragments dérivent comme les faits d´une histoire dont on se rappellerait mal. On promet le savoir, mais il se défile. La juxtaposition de textes écrits par l´auteur seul (formant le tronc et le feuillage) et de textes d´autres provenances (formant les fleurs et les pétales) est concue pour mettre en avant les tensions entre nos sensations subjectives et un univers auquel on accède en utilisant la communication numérique (qui émane de différents sites internet comme l´astronomie amateur, techniques de culture tissulaire et cellulaire). World Tree fait entrer la langue visuelle de l´'information', la tissant en une expérience synésthesique du monde physique. Nous comprenons le monde de manière systématique, c´est à dire avec tout notre corps, et non seulement avec nos yeux, nos oreilles, notre nez ou notre langue. L´Arbre est la métaphore, un système biologique complet à travers lequel on connaît le monde. World Tree est une application autonome écrite en REALBasic.

Colin Beardon Le travail de Colin Beardon englobe arts créatifs et informatique, et se concentre sur l´interaction entre connaissances technique et processus créatif. Il a développé ´Visual Assistant´, un logiciel de création en 3D, et a construit des systèmes mutimédia innovateurs pour des musées. Il s´intéresse désormais au développement de manières de programmer qui s´apparentent à la réalisation de croquis. Il est un membre fondateur de ?Computers in Art & Design Education?, et co-édite le journal ´Digital Creativity?. Après avoir travaillé en Australie, en Angleterre et en Suède, il retourna en Nouvelle Zélande en 2003. Il y détient une chaire de professeur invité au département d´Informatique à l´Université Waikato. Raewin Turner Raewin Turner travaille sur les perceptions au carrefour des sens, et les technologies qui créent une perception extra-sensorielle du monde. Ses travaux comprennent vidéo, couleurs, odeurs et sons pour l´écran, installations et performances live (dont des concerts pour malentendants avec un orchestre symphonique). Ses travaux ont été projetés dans de nombreuses expositions nationales et internationales dont le festival du film de Nouvelle Zélande, Te Papa, Los Angeles MOCA, Canada, Allemagne et Australie. Elle a beaucoup travaillé avec des lumières colorées pour des performances contemporaines lors de tournées internationales en Grande-Bretagne, aux Etats-Unis, au Canada, en Australie et en Europe. Son oeuvre a été publiée dans ?Art, Culture and Biotechnology?, EAF, Australie, et dans ?Performance Research?(On Smell), Royaume Uni.

Totem and Taboo is an opera/recitative for Video projection, Grand Synthesized Orchestra in Playback, Dancer and Heldentenor. The work is based upon Sigmund Freud's classic text "Totem and Taboo". This book is presented by Freud as an inquiry into incest taboos found in primitive cultures. In fact Freud used the book to give a psychoanalytic hypothesis of the origins of religion. At the end of his book, Freud writes a short but highly colorful chapter describing what he calls "the primal scene" which led to the foundations of all religions: repressed sexual desire, murder and cannibalism. My opera takes Freud's hypothesis and plants it into a real world situation. I call this a "mise-en-chair" meaning literally "a putting into flesh" that is, the incarnation of the idea. I have created a synthesized orchestral version of the score which accompanies a projected video. There is a scene for a dancer which can either be performed live or in projection. The work is sung by a baritone-tenor, the so-called Heldentenor imagined by Richard Wagner. The composer performs this part. The practical needs for a performance are basic: A projector, a sound system and a screen (or simply a white wall) and a microphone. It can be performed on a stage or in a normal room. There are a few simple accessories, flowers, electric candles and a piece of astro-turf.

I was born in Baltimore, Maryland and now live in Paris, France. My work is centered upon the expression of ideas and human freedom. I have composed music since 1977. I have composed around 70 pieces for a large number of ensembles, from solo piano and cello to an opera for 45 individual players, also I have done electronic music performances, improvisation. I have given concerts continually since the early 1980's. I can give you endless examples of recordings. I have painted since 1978. I have hundreds of paintings and have given many expos and been in salons like Montrouge. I am represented by the Gallery Au Fil du Canal in Paris. I'd be happy to send examples of my work. I began making films in 1979. Two of my films have come out in France, in 2012 and 2016.