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WAR ZONE explore les tensions entre les technologies et leur héritage militaire. La majorité des ruptures technologiques profondes étant issues de la recherche militaire, leur diffusion dans le domaine public n`est-elle pas une propagation des valeurs idéologiques dans lesquelles elles ont été produites? "Il n’est pas superflu de rappeler [...] le lien originel entre technologies militaires et technologies du réseau (l’arpanet, ancêtre d’internet, a été développé par la DARPA, l’agence américaine chargée des projets en recherche avancée pour la Défense). [...] L’artiste reconstitue en vision subjective trois trajectoires de missiles dans le logiciel Google Earth, à partir des coordonnées réelles. Celle d’un missile V2, développé par les nazis, tiré de la Hollande vers l’Angleterre en 1945 (dont l’impact est encore visible dans les images satellites actuelles), un Scud tiré du Koweït vers l’Arabie Saoudite pendant la guerre du golfe et, enfin, un missile air sol tiré d’Israël vers Gaza en 2014. «C’est grâce à la fusée V2 équipée d’une caméra qu’on a pu voir la première image de la Terre vue de l’espace et l’incurvation de la planète». Le résultat est hypnotique, générant un sentiment mitigé de fascination et d’effroi. En train de chevaucher notre missile à la manière d’un Docteur Folamour, on observe pensif l’évolution de ces instruments de mort, de la précision médiocre des V2 aux frappes chirurgicales d’Israël, la nation qui compte le plus grand nombre de start-up, notamment dans la cyberdéfense, et où l’armée est le principal creuset de l’innovation." Marie Lechner

The artist Nicolas Maigret exposes the internal workings of media, through a reflection on their errors, dysfunctions, limitations or failure thresholds. As a curator, he initiated the disnovation.net research, a critique of the innovation propaganda. After completing studies in intermedia art, Maigret joined the LocusSonus lab in France, where he explored networks as a creative tool. He teaches at Parsons Paris and cofounded the Art of Failure collective in 2006.

Trois hommes travaillent sur un chantier. Le travail a été interrompu par cinq mois d'emprisonnement. La pluie tombe soudainement comme le silence qui précède une expulsion.

Mieriën Coppens est un cinéaste belge né en 1992, diplômé de l'école des arts LUCA à Bruxelles. Depuis 2015, il documente la lutte des membres du collectif bruxellois 'La Voix des Sans Papiers'. En 2017, il commence à travailler avec le cinéaste belge Elie Maissin, né en 1990, diplômé du RITCS à Bruxelles. Depuis six ans, Elie Maissin et Mieriën Coppens ont réalisé plusieurs courts métrages : Carry On, On se sauve, Almost At Rest, This House, We Are Stubborn, La Vingtième Commune et Caught In The Rain. Ils recherchent un équilibre entre l'attestation d'une existence réelle et l'évocation d'autres possibilités d'existence.

Des centaines de lettres de convocation arrivent dans le ba?timent occupe? par La Voix des Sans Papiers. Avec soin, Kande? et Taslim trient et distribuent les lettres aux occupants qui devront comparai?tre devant le tribunal. Les jours se de?roulent comme d'habitude, les occupants restent vigilants. La nuit, dans une pie?ce au fond du couloir, ils re?pe?tent ensemble avec Modou, un occupant aguerri, comment comparai?tre devant un juge. Le jour du proce?s tout le monde se pre?sente au fur et a? mesure, dans les couloirs du tribunal re?sonnent les bruits d’une occupation.

Elie Maissin 1990° et Mieriën Coppens 1992° sont des cinéastes belges. Depuis 2015, ils documentent la lutte du collectif militant bruxellois " La Voix des Sans Papiers ". Depuis sept ans, Elie Maissin et Mieriën Coppens ont réalisé plusieurs courts métrages : Carry On, Almost At Rest, This House, We Are Stubborn, A new street, Caught In The Rain et And Their Letters. Ils recherchent un équilibre entre l'attestation d'une existence réelle et l'évocation d'autres possibilités d'existence.

Le phénomène d?ensemble fini des perceptions est une source d?inquiétude pour l?homme qui espère légitimement que les outils technologiques et leurs performances agissent non seulement en médiateur mais en créateur. L?ordinateur additionne, soustrait, multiplie, divise des valeurs de 0 et de 1, à l?infini, tout juste contraint par la puissance de son processeur. J?ai donc émis l?hypothèse qu?une image soustraite à elle-même devenue différente, serait l?image de la différence. Cette opération conduirait, à l?infini, à une image sans détails, à de la lumière ; une image qui serait en quelque sorte imperceptible pour l?homme. J?ai choisi une boucle d?un paysage comportant des évènements récurrents, des plans distincts, des bosses, des creux, des surfaces et des profondeurs, etc. J?ai filmé X fois ce paysage en mouvement avec le plus de rigidité possible, en m?appliquant à enregistrer la même chose que précédemment de manière à laisser advenir les accidents. La superposition progressive de toutes ces pistes vidéo (plus de 2 millions) crée des nouvelles images qui glissent de la représentation analogique à l?image de synthèse en effleurant le langage pictural. Coïncidence 3 rend compte du processus de l?évanescence de l?image, de sa mutation au fil de l?accomplissement de la boucle. Le spectateur est invité à contempler en silence ce paysage et se laisser emporter par l?évanouissement de son regard.

Née en 1980 à Dijon, je vis et travaille à Paris. Après un cursus universitaire d?Art et Spectacle à l?Université de Montpellier, j?ai souhaité intégrer l?Ecole Nationale Supérieure de la Photographie pour développer un travail de recherche et création autour de la très large interrogation «qu?est-ce que l?image, quelles sont ses limites?». Diplômée en juin 2006, je poursuis mon travail avec une direction toujours assez expérimentale, en utilisant la photographie et la vidéo.

I Remember When I Was A Soldier is an experiment of memory put together through a collage of archival footage and sound taken from various war museums in the US and Britain. While in these archives, there exist overlaps and discontinuities that connect, through a lack of subjectivity, different non-white bodies, this work attempts to reconstruct the history of the millions of Africans who fought as soldiers during the WWII for the British. As Stuart Hall notes in “Cultural Identity and Diaspora”, the European presence is that which in visual representation has positioned the black subject within its dominant regimes of representation: the colonial discourse, the literatures of adventure and exploration, the ethnographic and travelling eye, the violent, pornographic languages of urban violence. Presence Europeenne is about exclusion, imposition and expropriation. As such, this work puts together a non-linear argument for how we perceive history and attempts to forge a new language about the WWII.

Keli Safia Maksud (b. 1985) is Kenyan-Tanzanian-Muslim-Christian visual artist based in Nairobi and Toronto. Concerned with the histories of the colonial encounter and its effects on memory, Maksud’s interdisciplinary practice uses multiple voices, rather than one narrator, to work towards destabilizing received histories about “African” identities. Maksud graduated from the Ontario College of Art and Design in 2007 and her works have been shown in galleries and venues in Kenya, South Korea, Brazil, Canada and the United States.

Over the course of eighteen months, artist Tommy Malekoff travelled extensively throughout the United States, filming arranged events as well as natural patterns occurring in one of America's most ubiquitous and banal open spaces – the parking lot. His video, titled Desire Lines, is a fifteen minute loop with orchestrated sound that cycles through moments of strange spectacle. These flat, concrete grids behave as stages for all types of activation and rituals, positing a location for expression and a future of meaning.

Tommy Malekoff, born 1992 in South Boston, Virginia, lives and works in New York, NY. His film Desire Lines was exhibited this January at Morán Morán Gallery in Los Angeles.

Charlie Malgat est née en 1990. Elle a obtenu en juin 2012 son diplôme national d`arts plastiques aux Beaux Arts de Paris en vidéo. De 2007 à 2010 elle a travaillé en tant qu`assistante décoration sur des tournages à grosse production pour la télévision et le cinéma français. Dès ses 18 ans, elle devient chef décoration pour des publicités, court-métrages et clips. Depuis, son travail vidéo s`articule autour de la machinerie de la fiction et base sa réflexion sur l`expérience cinématographique. Elle tente de mettre en scène des scénarios complexes en focalisant l`action sur les aléas et les conflits provoqués par l`urgence du tournage. Aussi, elle a participé au prix des Amis des Beaux Arts 2012, une association privée parrainée par d`Agnès B et Thaddaeus Ropac.

Janvier 2021. Le musée était vide. L’exposition en cours se retrouvait portes closes, abandonnée du regard de ses spectateurs. Seule le vide et le silence, cruels, morbides, habitaient encore cet espace devenu angoissant.

Artiste et réalisatrice, mon travail de l’image se situe entre la fiction, le cinéma documentaire et la vidéo d’art. Il questionne et explore les espaces en marges, en mouvements ou en conflits. Il interroge la façon dont l’être humain déraciné et déplacé arpente des zones de passages et de frontières, une façon mouvante d’habiter le monde, parfois fragile. J’explore les croyances, les rituels et les mythes dont les hommes se nourrissent pour vivre, survivre et construire leur identité. Je présente mes films dans de nombreux festivals de cinéma, dont Clermont-Ferrand – Cabourg – St. Petersbourg – Pantin – Cinémathèque française – Festival Tous Courts d’Aix-en Provence où je reçois le Prix du Jury – Le coup de coeur du jury au Festival Point Doc ou encore la Mention Spéciale au Festival de Contis. Je vends mon court-métrage de fiction “Feux” à Arte et au programme Le Radi. En 2019 je présente mon long-métrage documentaire “La maison” à Visions du Réel à Nyon, film lauréat du Sesterce d’Or Canton de Vaud, meilleur film de la compétition internationale Burning Lights. En 2019 je présente une sélection de mes travaux lors d’une exposition personnelle au sein de l’exposition Futur, ancien, fugitif au Palais de Tokyo avec la collaboration de Claire Moulène. En 2020, je présente une exposition personnelle au FOAM Museum 3H, Amsterdam, avec la collaboration de Hinde Haest. Entre 2020 et 2022 : Centre Phi, Montréal – CEAAC, Strasbourg – Art Genève, Suisse – FRAC Champagne-Ardenne – MAMCS, Strasbourg – Abbaye de Maubuisson, CNAP – Institut Français, Kyoto et Tübingen – Biennale de Montrouge JCE – Shadok, Strasbourg – Around vidéo, Lille – Refresh, Bretagne – Fondation EDF / Le Credac. Je suis également invitée à montrer mon travail lors de la prochaine Biennale de Lyon 2022 par les commissaires Till Fellrath et Sam Bardaouil.

Cette vidéo met en scène « La forêt aux arbres tordus » qui se situe en Pologne en bordure de la frontière nord allemande. À travers ce travail, j’observe la façon dont les traces d’un passé venant d’une légende ou d'un mythe, existent encore dans un temps contemporain. Cette forêt interroge et génère une forte dimension mystique, mystérieuse, imaginative et narrative. Est-ce une trace de la guerre, de la sorcellerie ou l’énergie d’un lieu qui a tordu si mystérieusement ces arbres ? Ou est-ce simplement l’action des Hommes ?

Artiste et réalisatrice, mon travail de l’image se situe entre la fiction, le cinéma documentaire et la vidéo d’art. Il questionne et explore les espaces en marges, en mouvements ou en conflits. Il interroge la façon dont l’être humain déraciné et déplacé arpente des zones de passages et de frontières, une façon mouvante d’habiter le monde, parfois fragile. J’explore les croyances, les rituels et les mythes dont les hommes se nourrissent pour vivre, survivre et construire leur identité.

Who builds the city and for whom? How do we organize our lives together? Modellarkivet portrays the archive of architecture models at Stockholm’s Urban Planning Department, as a departure point for a tentative reflection on what it means to build a city. Through slow takes along the shelves of the archive we are confronted with stacked models and cast miniature buildings, fabricated and named according to a system envisioned in the 1960s, but never completed. The camera closeups reveal the room bit by bit, contributing to a confusion of scale and offering a possibility to imagine the city anew. A constantly moving camera forms the backdrop of a narrative, where questions, fragments and references are woven together. It touches upon diverse themes such as the city as a political space, the idea of utopia, archives and collecting, artefacts, language and words. The film was conceived for the exhibition The Promise at Index, The Swedish Contemporary Art Foundation, Stockholm, in 2017. It is distributed by Filmform and has so far only been screened in Stockholm.

Malin Pettersson Öberg (b. Falun, 1979) is a Swedish visual artist and filmmaker working in a variety of media. She holds a master’s degree in Fine art from Konstfack University in Stockholm (2007) and has studied video art and experimental film at ENSAD in Paris and the Royal Institute of Art in Stockholm (2011). Pettersson Öberguses essayist formats to explore how we perceive time and describe places and cultural or national identity. Through meditative and intimate works she sets focus on forgotten and overlooked aspects of our built environments, in order to open for new interpretations and evaluations of our surroundings. Since 2007, Pettersson Öberg has taken part in screenings and exhibitions in Sweden and abroad, a.o. at ArkDes (upcoming 2018), Index- The Swedish Contemporary Art Foundation (2017), Kalmar konstmuseum (2016), Iaspis (2015) and Bonniers Konsthall (2011, 2007) in Sweden and JD Centre of Art, India (2017), International Short Film Festival Oberhausen (2016, 2014) and the Swedish Institute in Paris (2012). Her films are distributed by Filmform - The Art Film & Video Archive. She is a teacher and co-organiser of the studio space Slakthusateljéerna since 2010 and a board member of the Nordic Art Association.

“I have no words to say” is the phrase one can often hear when the reality of the war is so striking that language seems to be incapable to describe it. While studying in Brussels, Daryna Mamaisur is caught up in the russian full-scale invasion of her country. In the springtime, when chestnut trees are blooming at the same time in Brussels and Kyiv, she makes a film capturing that spring in the distance. Keeping a visual correspondence with a friend from Kyiv, she faces the question: while making a film about war, how to speak about the wound that is fresh and ongoing?

Daryna Mamaisur is a visual artist and filmmaker, born in Kyiv, Ukraine. Having a background in art theory and philosophy, she developed her practice at the intersection of different disciplines. Her works were related to transformations of public space, and landscape due to their connection to visual culture and memory. Besides, she is particularly interested in situations when language and vocal expression appear fragile and incapable of seizing reality. In 2022, she graduated from the DocNomads, a joint master’s program in documentary filmmaking, based in Lisbon, Budapest and Brussels. Her films participated in the film festivals as Kassel Dokfest, Visions du Réel, FIDMarseille, Docudays UA etc.

5 ready media files by Vasile Carlova film by calin man a.k.a. reVoltaire duration: 11:27 min year: 2012 a project initiated by Ion Dumitrescu and Stefan Tiron based on unused soundtrack by Rodion and rare footage by reVoltaire and Zsiga Ioan. dedicated to the fabulous poet Vasile Carlova. track list: 1_ Trip departure. {Marșul oștirei române / Romanian Military March} 2_ La Debel A Gora. {Înserarea / Eventide} 3_ Carnival in Sanicolaul Mic. {Ruinurile Târgoviștii / Ruins of Târgoviște} 4_ Heroes: Jakob & Johann Schmeltzer and A Short Visit At The Shoe Factory "Libertatea" . {Rugăciune / Prayer} 5_kapet. {Păstorul întristat / The sad shepherd} * Vasile Carlova 1809 - 1831 - romanian poet. he wrote only 5 poems: 1. Romanian Military March; 2. Eventide; 3. Ruins of Târgoviște; 4. Prayer; 5 .The sad shepherd. * Rodion SA - experimental new wave band with no albums released (early 80`s). * Zsiga Ioan - amateur filmmaker from Sanicolaul Mic (late 60`s). * Mikalaka Aesotheric and Second Administration - part of Esoth Eric project (since 2000) by calin man * the term ready media was coined by reVoltaire / kinema ikon (1995)

calin man b.: 1961; place of residence: Arad, Romania. education: B.A. in literature, Timisoara University, Romania; chief-editor and designer of intermedia magazine; member of kinema ikon group. net.art work and interactive installations exhibited at: Venice Biennial, Centre Pompidou, Sao Paulo Biennial, FILE Sao Paulo, EMAF Osnabrueck, ISEA Liverpool and Paris, Rencontres internationales Paris/Berlin, Cornell University NY, d>art Sydney etc.

Riza Manalo was born 1969 in Manila, Philippines. She received her Bachelor of Fine Arts in Painting from the University of the Philippines and studied film at the Mowelfund Institute. Her early body of work explored questions of identity and environment through the modes of painting, installation and video. One work, on these specific themes was ?Paper Planet? an installation of traditional mannequins that she molded herself using layers of printed magazine and rubber latex and then filled with symbolic objects that she found. The asked the public: Should we resign ourselves to remaining constructed beings who fit into molds shaped by society? Manalo uses her life experience as reference in her work. Her concern for the environment is integrated into many of her compositions, such as the traveling site specific installation ?Lulan ( To bring back )? which involves a 35-yard long strip of quilted velvet cloth installed in 15 different urban and rural sites. This work suggests the element of water which for her is synonymous to energy, life, and regeneration in any form. She wished to address different ways of reformulating meaning and rehabilitating sites. As in her personal journal, Manalo's video and photographs of Lulan tell the stories of her many travels and her relationships with people she has met along the way. Having had to constantly move as she was growing up, she worked on a series of queen sized mattress, rolled and bound with industrial cable with metal plates etched with text. Her Bed Series, ?Grassland,? serves as both an autobiography and a commentary of the nomadic existence of many Filipinos as a result of the social conditions in the Philippines. In her recent move to New York, Manalo experimented on various media and formats to explore the issue of the borders in existence, as well as geographical, social, political migration and isolation. Her recent video, ?Homebound,? is about a migrant worker who sends her dead mother back home in a coffin, nevertheless intent on bringing the taste of a better life at all costs. The unpacking of gifts that were shipped with the deceased unfolds the absurd but practical realities of mixing consumerism along with tradition in a developing nation. ?Homebound? has won 3 awards for best experimental film. Riza Manalo has been exhibiting since 1994. Her work has been shown in many exhibitions and film festivals in the Philippines and abroad, including Cultural Center of the Philippines; Vargas Museum, Quezon City, Philippines; the Contemporary Museum of Honolulu, HI; New York Video Festival, Lincoln Center, New York, NY; National Geographic All Roads Film Festival, Washington, DC; the Rotterdam International Film Festival, Nertherlands, among others. Manalo lives and works in Brooklyn, New York.

Un studio d'information,24 heures sur 24, vide, luit en silence sur un écran. L'arrière-plan est figé, mais le téléscripteur de nouvelles continue de taper haiku dans la nuit.

Michael Mandiberg est un artiste, programmeur d'ordinateur et un drôle d'économiste qui se sert de l'Internet, la vidéo et de la performance pour explorer la subjectivité, le travail et le commerce. Son travail en cours s'emploit à des "plug-ins Firefox et s'ouvre sur des plate-formes API afin de nous éclairer sur les coûts réels de l'économie mondiale pour l'environnement. Ses projets les plus récents sont "Oil Standard", un navigateur plug-in qui convertit tous les prix de n'importe quelle page de web dans leur valeur, l'équivalent en barils de pétrole, et "All Haiku, All the time", une vidéo d'un studio d'informations vide (24 heures sur 24), avec haiku défilant le long du télescripteur de nouvelles. En 2001, il distribua des copies parfaites faites à partir d'autres copies (AfterSherrieLevine.com), et il mit tous ses biens en vente sur Shop Mandiberg (Mandiberg.com/shop). Son oeuvre est exposée et analysée internationalement. Il vit et surtout en bicyclette violette dans le quartier de Brooklyn.

Une immersion dans les eaux sauvages et mystérieuses du Carnaval Indépendant de la Plaine et de Noailles. Sur fond d’aménagement de Marseille, les foules carnavalesques se cherchent, basculent, s’entrelacent. Des bras déchirent le présent et la foule part à l’assaut de l’hiver.

Alexandre Frigoult est ingénieur du son et monteur son. Bercé dès son plus jeune âge par le monde vibratoire et musical des chants de sa mère lorsqu'elle passait l'aspirateur, il peaufine en parallèle son oreille à l'école de musique d'à côté. Il étudiera par la suite l’ethnomusicologie à l'université Paris 8 Saint-Denis (France) et se passionnera pour le pouvoir narratif sonore lors de sa formation à l'ESAV - École Supérieure d'AudioVisuel, Toulouse (France). Actuellement ingénieur du son et monteur son pour le cinéma, il collabore aussi à d'autres formes telles que la musique, la radio et le spectacle vivant. Stephanos Mangriotis est photographe, réalisateur et chef opérateur. Il est né à Athènes (Grèce). Il a d’abord étudié les mathématiques et la philosophie à Bristol (Royaume-Uni), puis la photographie à Paris 8 - St. Denis (France). Dans son travail, il utilise l’image et les formes multimédias pour créer des récits autour des frontières, des migrations et du sentiment "d’entre-deux". Il aime bien prendre le temps de comprendre et discuter avec les gens avant de déclencher son appareil. Il est co-fondateur de la plateforme Dekadrage avec laquelle il élabore des projets depuis 2009. Gaël Marsaud est sociologue indépendant et vidéaste. Né en Guadeloupe en 1984, il est titulaire d'un doctorat en science politique à l'Université Paris 8 (France). Sa thèse consacrée à un ensemble de films documentaires tournés à Marseille (France) et Saint-Denis (France) au début des années 2000 aborde les questions suivantes: Comment les réalisateurs, leurs équipes et les publics politisent voire dépolitisent leurs films? Comment appréhender la fabrique collective des documentaires? Quelle méthode mobiliser pour analyser ces images? Comme vidéaste, il s’intéresse aux luttes et pratiques d'auto-organisation, là où elles sont les moins attendues et pourtant bien vivantes. Réalisées collectivement, ces chroniques vidéo donnent à voir Marseille et ses résistances.

A forest. A cave. A woman and her bird skin. A body animated by past and future lives. Film Credits Actress: Liana Lessa Screenwriter and Director: Barbara Marcel Cinematographer: Rodrigo Levy Sound Mixing: João Polido

Barbara Marcel (Rio de Janeiro, 1985) is an artist and filmmaker, interested in the cultural roots of nature and the problematic heritage of colonial imagery. In her current artistic research PhD at the Bauhaus-University in Weimar, Marcel investigates the essayfilm as a historiographical tool for decolonial thinking with and through images, with the Botanical Garden Berlin-Dahlem and its tropical plants being her current material of study. Barbara Marcel is a scholarship holder of the Heinrich Böll Foundation and lives in Berlin.

Série de phénomènes de rues.

Charlène Marchand est née en 1985 à Nancy, vit et travaille à Nancy. Après une année en Mise à niveau en Arts Appliqués, elle décide de développer sa pratique artistique en intégrant l?École des Beaux-arts de Metz pendant 5 ans, obtenant son DNSEP. Sa production s?emparant notamment des images du quotidien, elle s?oriente par la suite dans un Master cinéma et audiovisuel intitulé «filmer le réel» à l?IECA à Nancy. En parallèle et depuis 2007, elle s?investit en tant que reporter photo/vidéo au sein de l?association Monptidoi. "Comme écrit Pierre Tilman à propos de Robert Filliou, je tente de « donner une charge de sens aux actes de la vie ordinaire ». Ainsi, mon travail s?articule autour du quotidien, sa banalité, ses accidents et ses dérapages ; comme une peinture des choses qui nous entourent, traitée avec humour, ironie et/ou sensibilité. A travers des médiums tels que la photographie, la vidéo et l?édition notamment, je développe un travail où la notion d?association est quasi omniprésente : association d?images, de situations, d?états des choses? Partant d?une observation, d?un regard singulier sur le quotidien, mes images, issues d?une collection, créent du sens en se confrontant et proposent une dimension inopinée?"

Bruxelloise, « bourgeoise » et intellectuelle, Sonia a 52 ans et elle exerce la prostitution depuis 30 ans. Assise en vitrine, elle nous dit aimer son métier et ses clients. Mais comment définir cette manière d?aimer ? Quel est son rapport à la séduction, au corps et aux hommes ?

Nathalie Delaunoy est née à Etterbeek, en Belgique, en juin 1974. Après des études en communication elle participe, à divers postes, sur des productions belges, comme le documentaire Ouvrières du monde de Marie-France Collard en 1999 ou 25 degrés Celsius en hiver de Stéphane Vuillet en 2003. En 2004 elle réalise son premier documentaire Sonia.

A giant tiger mysteriously appears in a big city. It will reveal the hidden reality in an otherwise ordinary night.

Guilherme Marcondes was born in São Paulo, Brazil. He started working as an illustrator when he was still in Architecture school. In 2000 Guilherme went to the Brazilian animation studio Lobo where he worked for five years for clients such as Diesel, Cartoon Network, and Nickelodeon. After that he spent some time in London directing the build-up campaign for the Europe Music Awards 2005 for MTV Networks and then went back to São Paulo as a freelancer. Guilherme Marcondes is currently working at Motion Theory in California and directing short-films.

The work ?Seeds? explores the phenomenon of the buried mines that exist in Israel and the world over, exposing how these areas still carry the consequence of the war within their soil while supporting the new populations who must inhabit the conflict area. It examines the power of the present moment in these places where efforts are beginning to shift these death zones into places that consciously affirm life, embracing continuity in the very place where it once was blocked.

Shahar Marcus (b. 1971) is an Israeli based artist who primary works in the medium of performance and video art. His initial works dealt with the exploration of his own body and its limitations‐ incorporating various perishable materials, such as dough, juice and ice. His body served as an instrument, a platform on which various ?experiments? took place: lying on the operating table, set on fire, dressed in a ?bread suit? and more. Food is also a major theme in Marcus?s works. For instance, his recurrent use of bread as a symbol of essentiality and survival is juxtaposed with military symbols. By working with food, a perishable, momentary substance and by turning it into a piece of clothing or a set, Marcus also flirts with art history; transforming arbitrary objects and materials into something immortal and everlasting. His early video‐performances feature himself along with other artists, with whom he had collaborated in the past. However, in his recent works, Marcus appears by himself, while embodying different roles and characters. ?The man with the suit? is a personage that was born from an intuitive desire to create a ?clean‐cut? version of an artist, juxtaposed to the common visual stereotype of the artist as a laborer. Drawing influence from Magritte?s familiar figure‐ the headless suit, a symbol of Petite bourgeoisie, Marcus embodies this man with a suit as an artist who is in charge, a director. His most recent works deal with local political issues, by approaching iconic Israeli landmarks with a critical and humorous point of view. Thus, Marcus reflects on his own heritage, environment and the creation of local historical narratives. His works are influenced by the visual language of cinematography along with familiar themes and tributes to art ? history and artists, such as Ives Klein, Paul McCarthy, Peter Greenway and Jackson Pollack. *Shahar Marcus is an active artist for over a decade and has exhibited at various art‐ institutions, both in Israel and around the world, including: The Tate Modern ,The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art , Charlottenburg, Copenhagen‐ Kunsthalle , Moscow Biennale, Poznan Biennale, Moscow Museum of Modern Art and at other art‐ venues in Poland, Italy, Germany, Georgia, Japan, the USA and Turkey. Many of his works are a part of various important collections, such as The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art as well as art‐ intuitions in Poland and Italy.