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En juin 2005, Jem Finer a construit un observatoire sculptural dans le parc de l'Université d'Oxford qu'il a appelé "The Center of the Universe". Cette sculpture en bois et fils de fer a été installée dans une tour spirale de 15 mètres de haut comme une "assiette de radio" (la réunion des anciens et nouveaux observatoires), dans laquelle a vécu Jem Finer. Dans ce bâtiment, les signaux reçus, témoignant de l'expansion du cosmos, ont été recueillis grâce à un équipement électronique dont un vieil enregistreur graphique avant d'être décodés en sons. Le film présenté nous montre une sélection des nombreux films sur la fin du temps que Jem Finer a réalisé pendant sa résidence dans le parc, regardant et filmant les ombres quotidiennes tournant autour de lui.

Jem Finer est un artiste pluridisciplinaire, créant des ?uvres mélangeant la vidéo, la musique, la photographie, la sculpture,... La plupart de son travail traite du temps et de l'espace sur des échelles extrêmes comme "Longplayer", une pièce musicale millénaire, ou "Wave/Particle", un film explorant le monde en gravité zéro. Cette année, Jem Finer a construit deux observatoires sculpturaux explorant également les thèmes du temps et de l'espace mais cette fois-ci sur des échelles cosmologiques : "Landscope" à Lough Neagh en Irlande du Nord et "The Center of the Universe" à Oxford en Angleterre. Récemment, il a reçu le premier prix de la Fondation PRS Pour La Nouvelle Musique pour son projet musical "Score for a Hole in The Ground" dont les instruments principaux dont le vent et la pluie. Jim Finer travaille actuellement sur cette nouvelle composition dans une forêt du sud-est de l'Angleterre.

L'oeuvre d'Ulrich Fisher, les 4 courtes pièces, fait suite à une commande de la chaîne suisse alémanique SFDRS pour l`émission philosophique STERNSTUNDEN. Elle se compose de 4 clips: Ballast, Signes d´éconduite, La ville révée des grues et Mi rage. Ballast : Un quadrillage symétrique soutient et fait décoller l?image ? pas de mouvement sans ballast? Signes d´éconduite : Se laisser entraîner par des lignes fuyantes, jusqu?au point où l?espace du voyage se dissout en de multiples pistes : autant de signes qui bouclent le mouvement sur lui-même. La ville révée des grues Entre la ville cartographiée et la ville réelle, les grues ont leur mot à dire. Mirage : Que se passe-t-il quand des objets mouvants gèlent dans leur course et deviennent un solide qui marque l?espace ? On peut alors voir une sorte de mémoire d?un lieu, ce qui nous interpelle à nouer de nouvelles relations au contexte.

Né en 1971 à Genève, Ulrich Fisher réalise entre 1993 et 1996 divers films en super-8 et vidéo. Il obtient en 2000 le diplôme à l'Ecole Supérieure d'Art Visuel de Genève (ESAV). Il devient ensuite permanent au Cinema Spoutnik. Il est aussi producteur, monteur et caméraman pour Perceuse Productions.

des images de super 8 en noir et blanc défilent alors que le narrateur déplore la fin du film photographique.

Judy Fiskin est une artiste de Los Angeles. Elle a principalement travaillé avec la photographie entre 1973 et 1994. En 1995, elle a abandonné la photographie pour des raisons de santé, et depuis, elle travaille avec la vidéo et le super 8. Ses oeuvres ont été présentées à travers le monde et aux Etats Unis, notamment au Musée d'art contemporain de Los Angeles et au Musée d'art moderne de New York.

This two-channel video draws its inspiration from Carl Jung's ideas of the near-death-experience, and the title refers to his archetype Death Mother. To the left you see a AI generated character dressed as an air stewardess, speaking intensely to the viewers. She has been given the deep voice of the Jungian analyst Joseph Lee. On the right screen we see real drone videos of fault ruptures caused by earthquakes, and hear sounds from inside the crust of the earth. In the vague relations between these two dream spaces - one floating on top of the other - there is a bizarre death fantasy unfolding. The underlying topic of the film can be found in the conflict between the artificial and the analogue, the vulgar and the sublime. The work won the artist BiT Elite price at Stipendutstillingen in 2024, Telemark Kunstsenter, Norway

Tor-Finn Malum Fitje is a video artist, writer and film teacher based in Oslo, Norway. He holds an MFA from the Royal Academy of Art in Stockholm, a BFA from Konstfack and a Bachelor in Film Production from Bergen University, specializing in directing. His work includes multi-channel video installations as well as feature length essay films. Malum Fitje has exhibited his films at The National Museum and Gallery of Photography in Oslo and the Museum of Modern Art in Stockholm

The age-old dispute between the open and the closed kitchen solution have reached a dramatic climax where “The Separatists” face the “The Open Kitchen Radicals” in one final heated battle. From there the film also debates the existential properties of the bar, as in opposition to the conservative breakfast table, and attempt to explain differences in psychological temperament through people’s preferences of kitchen worktop. The End of Kitchen Politics is the second film of the umbrella project Ad Nauseam, a series of essayistic videoss portraying a society where doubt no longer exists. In this day and age, neurologists have discovered the center of consciousness, the open kitchen solution has been ruled mandatory by law, and every new parent follows the hand book How To Raise a Child obediently. While Christianity and Neo-atheism have merged to form The Faitheist Church, a universal understanding of all the rules of football have been reached. And yet, this society is permeated by a chaos so disruptive that it’s hard for people even to breathe. Through hyper stylized 3D animations and what they call “clear-cut narration”, video artist duo Tor-Finn Malum Fitje and Thomas Anthony Hill comment on the current paradigm of truth, and attempt to challenge the post-modern notion that all ways of looking at the world can be equally true.

Tor-Finn Malum Fitje (1989) was born in Porsgrunn and grew up in Bergen, Norway, where he first studied Film Production, specialising with a Bachelor’s degree in Directing. He went on to do a BFA at Konstfack, before earning his Master of Fine Arts at the Royal Institute of Art in Stockholm, graduating in 2016. Currently based in Oslo, Malum Fitjes work comprises essayistic video and audio installations, as well as text-based art. He has screened his films at the Modern Museum in Stockholm, the Gallery of Photography in Oslo and is currently working on three new films called Ad Nauseam: National Treasures Explained, that will be exhibited at the opening of the new National Museum in Oslo. Thomas Anthony Hill (1989) born in Coffs Harbor, Australia, grew up in Bergen, Norway and has lived in Oslo since 2017. In 2014 he graduated with a Master’s degree in Comparative Literature at the University of Bergen and has since then worked as a film critic and translator. Together with Malum Fitje he has created the works Hyphenic (2018) and Ad Nauseam (2020), the latter currently being exhibited at Galleri Golsa in Oslo.

Quelle est votre plus grande ambition dans la vie? Laser-imprimée sur un film de 35mm recyclé en 2015.

S.F. is a visual artist (Libra) from YWG, whose film and video work has screened at underground festivals and marginalized venues worldwide. He studied film theory and production at the University of Manitoba, and began conducting lo-fi moving image experiments in 2010. Primarily a filmmaker, also invested in photography, re-photography, kaleidoscope and collage.

Laser-printed onto recycled 16mm film in 2015.

S.F. is a visual artist (Libra) from YWG, whose film and video work has screened at underground festivals and marginalized venues worldwide. He studied film theory and production at the University of Manitoba, and began conducting lo-fi moving image experiments in 2010. Primarily a filmmaker, also invested in photography, re-photography, kaleidoscope and collage. In addition to producing his own work, S.F. presents the work of others through the Winnipeg Underground Film Festival and Open City Cinema.

THE FILM WAS SHOT IN THE POCONOS IN PENNSYLVANIA USA WHEN HURRICANE IRENE WAS HAMMERING AROUND. Early on August 27, Irene further weakened to a Category 1 hurricane as it approached the Outer Banks of North Carolina. At 7:30 am EDT (11:30 UTC) the same day, Irene made landfall near Cape Lookout, on North Carolina's Outer Banks, with winds of 85 mph (140 km/h). After having tracked over land for about 10 hours, the eye of Irene became cloud-filled, although the center remained well-defined on radar images. Later on August 27, Irene re-emerged into the Atlantic near the southern end of the Chesapeake Bay in Virginia. Shortly before sunrise, at about 09:35 UTC on August 28, Irene made a second landfall at the Little Egg Inlet on the New Jersey shore with winds of 75 mph, and soon after moved over water again. Hours later, Irene weakened to a tropical storm with winds of 65 mph (100 km/h) near New York City.

Frode Fjerdingstad (born 1975) is a photographer, born in Oslo, Norway. He studied photography at the London College of Printing. Frode has exhibited his work at the National Artcenter Tokyo and at several other occasions in London, Oslo, Zürich.

Dans Impromptu n°. 3, le calme apparent, cependant d?une répétition mécanique, du geste d?une caresse d?un visage est intensifié via l?utilisation d?images inversées. Le mouvement fragmenté de la vidéo inversée apporte une analyse plus profonde du personnage et suggère une existence encore plus affligée. Par l?utilisation de scripts synchronisés, l?image vidéo inversée a été manipulée, à partir du film de départ d?une recherche médicale dans un sanatorium mental, afin de montrer une ?réalité psychologique? du patient plus exacte. Ainsi, obtenant via une manipulation une représentation peut-être plus accrue des sentiments du malade que ce que la source documentaire avait espéré.

Né à Rome, en Italie, Adrea Flamini habite actuellement à Kansas City, dans le Missouri aux Etats-Unis, où il est professeur assistant dans le département de photographie et nouveaux médias à au Kansas City Art Institute. Les installations de Flamini créent des environnements cinématiques qui testent nos perceptions de la mémoire, de l?espace et la narration. Dans cette base de données, les narrations, de courtes fables de conflits et de résolutions, sont développées avec des variations infinies qui résistent aux logiques conventionnelles de cause à effet de la narration. Le travail de Flamini est exposé dans des festivals des médias, des galeries et des musées aux Etats-Unis et ailleurs.

Approaches to a Theory of Punctuation speaks about quotes, punctuation and movement, all terms that have a musical connotation. In this work, the objects present in an internal environment reflect external places, and these reflections, like some sort of narration, are treated like quotes yet they are released from the expressive repetition that characterizes them. Here, the use of quotation marks as a visible and mental engine anticipates the landscape itself as a possible form of quotation. Furthermore, the continuously circling pan movement of the camera, is not treated as an autonomous essence, but becomes an interdependent system acting between the internal and external, capable of existing only by influencing other systems or objects. The internal is shot inside the house in which Flatform lived during the residency at Headlands Center for the Arts in Sausalito USA, and the external is shot in the bay outside. This film is dedicated to the memory of the american novelist Paul La Farge, narrating voice of the film.

Flatform is a collective artist based in Milan and Berlin, founded in 2006. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions including, among others, Centre Pompidou in Paris, Hirshhorn Museum in Washington DC, Wexner Center for the Arts in Columbus Ohio, MAXXI Museum in Rome, Fondazione Prada in Milan, EMPAC Experimental Media and Performing Arts Center in Troy NY, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, Argos Centre for Arts in Bruxelles, Palazzo Grassi in Venice, MSU-Museum of Contemporary Art in Zagreb, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Cineteca Matadero in Madrid, Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, Eye Filmmuseum in Amsterdam, PAC in Milan, Museu da Imagem e do Som in San Paolo. Flatform has been invited in several film festivals including, among others, Quinzaine des Realisateurs de Cannes, Venice Intl. Film Festival, IFFR in Rotterdam, BFI Film Festival in London, LOOP in Barcelona, Festival du Nouveau Cinema in Montreal, Lo Schermo dell’Arte in Florence, IFF in Melbourne. Selected Awards: Go Shorts in Nijmegen 2020 and 2016; Nashville Intl Film Festival 2016, Jihlava Intl Doc Film Festival 2015, Lago Film festival 2010 in Lago, 25FPS 2009 in Zagreb, Screen Festival 2008 in Oslo.

In the course of a long, slow take over Funafuti, both drought and floods appear in a constant uninterrupted rhythm. The state of flux between both type of events is reflected in the places and actions of the inhabitants making the island's extremes seem familiar: the air is riven with anticipation and surprise. The island of Funafuti, in the archipelago of Tuvalu, for some years now has become the stage for a unique phenomenon. Due to the unnatural warming of the sea, saltwater seeps into the subsoil bubbling up through the porous terrain provoking floods which put the future of life on this island at risk.

Flatform is a collective artist acting since 2006 and based in Milan and Berlin. Films by Flatform have been featured in several film festivals such as International Film Festival in Cannes, IFFR in Rotterdam, Venice Int’l Film Festival, IFFT in Toronto, Kurzfilmtage in Oberhausen, LOOP in Barcelona, Festival du Nouveau Cinema in Montreal, IFF in Melbourne, International Doc Film Festival in Jihlava among others. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions including Hirshhorn Museum in Washington, Wexner Center for the Arts in Columbus, Centre Pompidou in Paris, MSU-Museum of Contemporary Art in Zagreb, MAXXI Museum in Rome, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Garage Museum of Contemporary Art in Moscow, Museu da Imagem e do Som in San Paolo. Selected Awards: Nashville Intl Film Festival, 2016; Go Shorts in Nijmegen, 2016; Jihlava Intl Doc Film Festival, 2015; 25FPS Zagreb, 2009; Screen Festival Oslo,2008

The TV/video screen comes alive by a controlled beam of electrons in the cathode ray tube. For "Energie!" an uncontrolled high voltage discharge of 30,000 volts exposes photographic paper which is then arranged in time to create new visual systems of electron organization.

Thorsten Fleisch was born in Koblenz, Germany in 1972. He began experimenting with super 8 film while in high school, where he also exhibited his first film, a super 8 loop. After high school and community service in an institution for the mentally ill, he went to Marburg to study art, music, and media at Phillips Universität. One year later he changed to the Städelschule in Frankfurt in order to study film with Professor Peter Kubelka. There he started working with 16mm film. Shortly after his studies at the Städelschule he made "blutrausch/bloodlust" which not only earned him a lot of attention but also the Ann Arbor Filmcoop Award. Thorsten Fleisch has been a member of the board of artistic directors of the International Experimental Cinema Exhibition since 2001. He has received several grants, including one from the Filmbüro NW and one from the Museum of Contemporary Cinema. For "gestalt" he received an Honorary Mention at the Prix Ars Electronica, the number one festival for computer related art. He now lives and works in Berlin where he is also involved in organizing parties with the Kachelklub.

Le mystère du cristal sous une examination rapprochée. Qu?est-ce qui fait qu?ils possèdent ce pouvoir magique dont parlent les mystiques de par les âges ? En grossissant des cristaux directement durs le film, leurs qualités mystiques brillent directement sur l?écran, sans filtre, juste à l?aide de lumière avec de gracieuses cassures, ils rayonnent en de riches textures visuelles.

Thorsten Fleisch est né à Koblenz, en Allemagne, en 1972. Il a commencé à essayer le super 8 au lycée où il a aussi montré son premier film, une boucle en super 8.. Après le lycée et son service militaire dans une institution pour malades mentaux, il est venu à la Phillips Univesität étudier l?art, la musique et les médias. Un an plus tard, il est parti à la Städschule de Frankfort pour étudier le film sous la direction du professeur Peter Kubella. Il a, là, commencé à travailler avec du 16mm. Peu après ses études à la Städschule, il réalisa ??Blutraush / Bloodlust? ? qui lui a valu non seulement beaucoup d?attention mais aussi un prix, le Arbor Filmcop Award. Depuis 2001, Thorsten Fleisch est membre du comité de directeurs artistes d?expositions internationales de cinéma. Il a reçu de nombreuses récompenses parmi lesquelles une du Filmbüro et une autre du Musée d?Art Contemporain. Pour ??Gestalt??, il a reçu une mention pour le prix Ars Electronica, le plus grand festival pour les arts en rapport avec l?informatique. Son film, ??Kosmos?? a reçu un Arbor Award dans la catégorie meilleur film 16mm et lors du Chicago Underground Film Festival, la récompense pour le meilleur film expérimental. Il fut aussi montré lors du prestigieux Festival du Film de New York. Dernièrement, il a présenté des ?uvres à Cal Arts ainsi qu?à la University of Southern California de Los Angeles.

Misz en évidence du processus artistique du modèle de robot tondeuse “Automower 320”. A travers les points, lignes, courbes, il envisage son jardin comme un médium d’expérimentation où pelouse coupée rime avec composition esthétique.

Né à la Ferté Macée en 1988, Arthur Fléchard vit et travaille entre Paris et Bagnoles de l`Orne. Après un baccalauréat STAV (science technique de l`agronomie et du vivant) au lycée agricole ST Lô Thère en 2009, il entre à l`école des Beaux-Arts d`Angers. Pendant ses trois premières années, il expérimente les formats vidéos et les logiciels de programmations. A cette période, il se noue d`intimité avec les “défibrillateurs publics” pour lesquels il écrira un pamphlet et réalisera une installation pour son DNAP nommé “La Transhumance Fantastique”. Après l`obtention de celui-ci en 2012, il entre aux Beaux-Arts de Paris dans l`atelier Tania Bruguera. Pendant deux ans, son intérêt sera particulièrement centré sur la “mécanologie” et plus précisément sur les objets ménagers à intelligence sommaire. Il obtient son DNSEP en 2014.

Un homme, la cinquantaine manque de renverser, la nuit, sur une route de campagne une jeune femme imprudente. Elle est jeune. Il la fait monter dans la voiture pour la conduire à l?hôpital. Elle refuse catégoriquement elle doit se rendre à un rendez-vous très important qu?elle risque de manquer à quelques kilomètres de là. L?homme propose de la déposer à son lieu de rendez-vous...

Nicolas Floc?h Plasticien et diplômé d?un master à la Glasgow School of Art, Nicolas Floc?h expose régulièrement dans des centres d?art et des musées en France et à l?étranger. Il travaille avec des danseurs dans le cadre de laboratoires (Edelweiss, Hourvari, Kyoto Creators Meeting...). Nicolas Floc?h réalise ses projets en collaboration avec des chorégraphes comme Alain Michard, Emmanuelle Huynh, Rachid Ouramdane ou l?éclairagiste Caty Olive. Il développe aussi des projets à partir d?une structure, Structure multifonctions, dans laquelle il invite divers artistes à intervenir. Nicolas Floc`h à réalisé plusieurs videos dont Anna`s life et market déjà présentées dans le festival Paris/Berlin. End est son premier court métrage de fiction. Le catalogue Nicolas Floc?h in Other Words, est paru aux éditions Roma en juin 2005. Une exposition personnelle a lieu actuellement au MAC/VAL à Vitry-sur-seine. Le catalogue structures odysséennes à été publié par le MAC/VAL à l`occasion de cette exposition.

Nouveau dispositif montrant en split screen les vidéos Autops et El Juego del No. Les deux vidéos jouent parfois en commun et parfois de façon séparée, l?une après l?autre, faisant se confronter mais aussi souvent se rejoindre les deux points de vue des protagonistes, d?un côté les étudiants, de l?autre les danseurs de rue. A partir de l?histoire argentine passé et récente, ces deux vidéos montrent des moments qui s?effritent (affiches trouées, tracts éparpillés, livres arrachés) et qui s?effondrent (démolition, ruines, et autres « maçons » perdus) tout en questionnant ce qui « résiste » : le crayon au poing ? pour les étudiants , l?appui sur le sol ? pour les murgeros. La promesse bafouée « Nous avions dit jamais plus » trouve ces lignes de force dans les mouvements tendus et contradictoires d?ascension « Arriba » des danseurs (en l?air ! = vive) et de descente « Abajo » des étudiants (é terre ! = à bas). Entre célébration et condamnation. Elles adoptent toutes deux l?esthétique du stencil, mode expressif de revendication propre aux années 70, utilisées pour les tracts et slogans peints sur les murs. Ce mode d?expression est toujours d?actualité en Argentine (les stencils y font partout « parler les murs ») ce qui confère une grande indécision quant à l?origine des images (s?agit-il de la fin des années 70 ou de trente ans plus tard ?). Ce brouillage passé/présent prend d?autant plus de force qu?aujourd?hui les pratiques utilisées pendant la dictature ? comme les menaces de disparition - recommencent envers ceux qui demandent justice et désirent témoigner (« les premiers disparus de a démocratie »).

Elise Florenty est née en 1978 à Bordeaux. Après des études en théorie et histoire du cinéma à la Sorbonne Nouvelle Paris 3, et à l?ENSBA de Cergy, elle a participé au post-diplôme de l?ENSBA de Lyon avec Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki puis au post-diplôme animation de l?ENSAD. Depuis, elle a bénéficié de résidences à Seoul, Buenos Aires, et dernièrement à Moly Sabata, dans l?Isère, sous la direction de Marie de Brugerolle. Depuis 2005, elle collabore pour la partie sonore de ses films avec Marcel Türkowsky, musicien et artiste sonore. Son travail a été notamment montré au Centre National de la photographie, à l?Espace Paul Ricard, à la galerie in situ, au Musée du Jeu de Paume, à Béton-Salon, à La Générale, à la Ferme du Buisson, au MAC de Lyon, au centre d?art La Passerelle à Brest, au Carré d?art à Nîmes, au Printemps de septembre à Toulouse, au Kunstraum de Munich, aux rencontres internationales Paris/Berlin/Madrid, au Festival d?Oberhausen. Dans son travail, Elie Florenty explore les déploiements physiques du langage, ouvrant les signes à leur propre matérialité pour en faire les monuments modestes d?un temps qui, à travers eux, vient à passer. Pour elle, le travail de l?artiste consiste d?abord en un travail de et sur l?écriture comprise comme ensemble des modalités (et des défauts, des impossibilités) de l?inscription d?un signe dans la réalité. Que ce soit à travers le montage vidéo ou dans la scénographie concrète des signifiants, dans l?animation d?un trait ou dans la scansion d?une comptine, Elise Florenty nous rappelle en effet à travers un origami temporel dense et subtil que le temps n?est jamais que le temps de le dire.

Une nuit d’été, dans un Japon plutôt tropical, plusieurs personnes isolées se retrouvent prises dans un jeu d’ombres et de lumières plus ou moins menaçants. Des opérateurs vêtus de noir semblent les manipuler alors qu’elles s’abandonnent à l’idée d’être des marionnettes. Pourtant ici pas de ventriloquisme, tout au plus quelques larmes, un rire caché derrière un cri, déchirant le silence de la nuit. Avec la participation de Junko (artiste-noise, membre de Hijokaidan)

Elise Florenty & Marcel Türkowsky partagent leurs connaissances théoriques du cinéma et de la musique pour réaliser des films créant un espace dans lequel la réalité rencontre les mythes, fables et utopies associés à un territoire donné ; enregistrant ainsi les survivances, trahisons et métamorphoses des résistances du passé. Chaque film s’ancre dans une géographie particulière, et convoque plusieurs signes historiques, politiques, mais aussi littéraires. Tous les films ont la particularité de suive un personnage marginal qui, dans sa solitude, délire de façon lucide le monde et le cosmos, et parvient par des moyens détournés, à se « brancher » sur le collectif.

«Iʼll live» (work song) is inspired by a poem of the american and modernist architect Frank Llord Wright written in 1896. The main idea was to combine architecture and language. At the beginning the poem is written by blocks of letters which represent abstract elements (T for thought, A for Action, W for Work, L for Life, D for Death). Some characters manipulate the letters and construct the poem stanza after stanza, as stone after stone. The elements are stacked up in a vertical, linear and logical way. Together they seem to build a vertical and rational tower for the community. But a man arrives to de-construct this vertical tower-poem in order to make one more playfull and close to the organic human beings. Then, the exploded elements start to make loose associations. As if they were not able to «illustrate» the poem any more and start to act and combine their own way.The Man (the artist, the architect) fight with the abstract elements Work - Thought - Action. He tries to find a way between fantasia and rationalism. To keep his freedom in his art he has to refuse some temptations : Favour (symbolized by the Mask) Fortune (symbolized by the Jade) Fame (symbolized by the Sheath of the blade). This video was made during a workshop in a art school in france. I choose to keep all the moment during which the students were thinking and hesitating in their gesture. This moments «in progress» sometimes say more about the poem than the choreographic development that we were searching for.

Born in December 78 in Pessac (33). After studying theory and history of Cinema, Elise Florenty gratuated from National Superior Fine Art School of Cergy-Paris, then from the master course of National Superior Fine Art School of Lyon with Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki and at last from the animation master course of National Superior Decorative Art School of Paris. She did Art residencies in Seoul, in Buenos Aires, in Moly Sabata (under the Artistic Direction of Marie de Brugerolle), in Naples and kuenstlerhaeuser Worpswede (as guest). Since 2005, she is doing sound and music collaboration with Marcel Türkowsky, musician and sound artist. Since 2002, she has regulary been exhibiting her work : Centre National de la Photographie, Espace Paul Ricard, Galerie In Situ, Jeu de Paume, Béton-Salon, La Générale, L?Antenne, La Ferme du Buisson, Centre d?art de Chelles Les Églises, Maison d?Art Bernard Anthonioz, Centre d?art Synagogue de Delme, MAC de Lyon, Centre d?art Passerelle à Brest, Carré d?art à Nîmes, Printemps de Septembre à Toulouse, Festival Photographique de Lectoure, Parc Saint Léger de Pougues-les-Eaux, Musée des histoires de Saint-Brieuc, NBK - Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, Kunst Verein de Göttingen, Kunstraum de Munich, Kolonie Wedding et Uqbar à Berlin, Galerie Pierogi à Leipzig, Galerie Etc. - Prague, Correo Central and Centre Culturel La Recoleta de Buenos AIres, Musée d?Art Contemporain - Rijeka, Fieldgate Gallery ? Londres, Kimusa ? Séoul.

Encombré de lettres démesurément grandes un homme s`efforce d'écrire le mot Kino. D'autres mots surgissent alors de sa mémoire. Alternant entre une attitude autiste et un monologue rempli de gestes maniaco-obssessionnels, cet homme raconte toutes sortes d'hallucinations morbides qu'il entretient dans ses rapports au langage, à l'espace et aux objets du quotidien. Face aux traumatismes de son histoire se mettent en place des mécanismes de défense qui tentent de faire le lien entre des choses qui semblent avoir perdu tout espace d'entente commun.

Elise Florenty est née en décembre 1978 à Bordeaux. Elle vit et travaille entre Paris et Berlin. Après un double cursus à l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Cergy-Paris et à l'Université Paris 3 Nouvelle Sorbonne en Histoire et Théorie du cinéma, elle a suivi deux Post-diplôme : Post-diplôme Art à l`Ecole des Beaux-Arts de Lyon et Post-diplôme AII à l`Ecole Supérieure Nationale des Arts Décoratifs.

Entre fiction fantasmagorique et investigation historique, le film suit la rêverie d’un jeune mexicain vivant à Mexico City, qui le fait s'aventurer au plus profond de la plus grande forêt de cactus au monde. C'est là, sous les traits imaginaires d'un chasseur de cactus allemand, qu'il entrevoit les histoires de convoitise et de mort qui hantent cet extraordinaire et étrange "eldorado végétal".

La vidéo est une relecture actuelle d?une chanson et danse ancienne sur la peste appelée «ring-a-ring-a-roses» (voir texte en anglais si dessous). Réactivant le sens caché et oublié des différentes images que convoque le poème, elle questionne comment le jeu peut combattre le pouvoir, le maladif et la mort. Un homme à l?allure autiste tourne en rond sur lui-même. Sa solitude est peuplée d?enfants qui viennent jouer autour de lui en mimant avec humour différentes figures : le dirigeant, l?exécutant, la victime : l?un clame un slogan, l?autre parle dans un porte-voix qui ressemble à un télescope, un autre se prend pour une colombe, les derniers enfin décident de tous s?effondrer en même temps comme pris d?une mort subite. Les enfants s?amusent des figures de l?histoire alors que l?adulte reste inébranlablement enfermé dans une circularité mystérieuse et envoutante. Il fait pensé au joueur de flûte Hamelin. La bande son est constituée de deux signals d?appel : une cloche d?église se confondant en une sirène de police. Ces deux sons se relayent, incarnant différents corps de pouvoir. Ils fonctionnent comme des rappels à l?ordre, se propageant par ondes, cloisonnant les personnes du centre d?émission jusqu?à la périphérie. Ils continuent d?émettre leur contrôle même au moment où ils s?évanouissent. Les figures tristement ironiques des enfants déclinent des possibles figures de résistance à l?intérieur d?un système de multiples pouvoirs. ?Ring-a-Ring-a Roses? is a fine example of an apparently vacuous and harmless rhyme, sung by happy school kids perhaps ignorant of the song?s central macabre topic - namely, the Bubonic Plague . The Bubonic Plague is more commonly known as ?The Black Death? and this horrific disease swept through Europe in the 14th Century, spreading from China, killing 25 million people in just under five years, between 1347 and 1352. Thereafter, the plague was endemic throughout Europe. The rhyme details the effects of the plague on the sufferer. ?Ring-a-Ring-of-Roses? refers to the first sign of the onset of the disease. Before lesions would develop on the skin of those affected, small rings of red bruise-like marks would appear. ?A pocket full of posies? indirectly points to the fact that people didn?t know that it is germs that cause disease, and not smells. It was a commonly-held belief that bad smells - so often associated with the open sewers of London?s Thames area - were actually carrying the disease. As a caution therefore, doctors used to carry with them a pouch of sweet smelling flowersthinking it would ward off the infection. ?A pocket full of posies? would also go some way to mask the stench of rotting corpses. The third line, ?Atichoo!, Atichoo!? is particularly chilling in that the act of sneezing was final physical proof that you had indeed succumbed to the Plague. Sneezing was an audible harbinger of the worst news - that the disease was contracted and that much worse was to come. And of course, ?We all fall down? refers to that great inevitability; the end of life itself.

1999 : D.N.A.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2000 : licence théorie et histoire du cinéma avec mention bien, Paris III, NouvelleSorbonne 2001 : D.N.S.E.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2002 : Post-diplôme, Lyon avec Jean-Pierre Rhem et Marie José Burki 2004 : Post-diplôme Animation, ENSAD, Paris