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Das Video Fired besteht aus einer Trainingssituation in der Manager lernen wie Angestellte zu entlassen. Der erste Teil des Videos zeigt ein Rollenspiel eines auszubildenen Managers und einer Schauspielerin. Im zweiten Teil des Videos erklaert eine Psychologin was sich bei Angestellten in dieser Situation abspielen kann. In der Rollenspiel Situation verwendet der Manager den Begriff ?Bewegen- -Mobility- anstelle ?Entlassen-. Die Angestellte konfrontiert den Manager im Laufe des Gespraechs mit diesem Ausdruck und verlangt von ihm die Sache beim Namen zu nennen. Waehrend des Rollenspiels besteht der Eindruck, dass es sich um eine inszenierte Situation handelt. Erst gegen das Ende des Videos wird klar, dass es sich um eine reale Situation handelt, oder genauer um eine ?reelle gestellte Situation? im Rahmen eines ?Verhaltenstrainings? was die Absurditaet der Situation weitertreibt.

Née en Suisse en 1970, Marianna Flotron vit et travaille actuellement à Amsterdam (Pays-Bas). Après deux années d'études d'histoire à Zurich, elle a suivi les cours de l?Ecole des Beaux-Arts de Genève (Suisse) où elle a obtenu son diplôme en 2001. Actuellement, Marianna Flotron est en résidence artistique à la Rijksacademie voor Beeldende Kunsten d?Amsterdam. Elle a remporté le Swiss Art Awards en 2003 et en 2007. En 2008, elle a reçu la bourse Aeschlimann Corti du canton de Berne. Son ?uvre est actuellement modelée plutôt par la déconstruction d?un objet ou d?une situation donnée que par l?adition de couches successives. De par son intérêt pour l?interrelation entre les systèmes (politiques ou économiques) et le comportement humain, elle essaie de retrouver la trace des manipulations qui peuvent potentiellement influencer le comportement humain (et vice-versa). Son point de départ est souvent une forme de comportement qui, hors contexte, a tendance à devenir abstrait ou absurde.

By sourcing multiple digital images of the same place from different archives this experiment in film makes use of frame by frame montage to discover hidden forms, patterns and references thereby giving new meaning to the prevailing redundancy of these pictures.

Adrian Flury was born in 1978 in Zug, Switzerland. He started out in an apprenticeship as an electrician, after which he studied animation at the Lucerne University of Arts. He has been working in the field of moving images since 2005.

"Sealed Faithful Halls" - un poème transformé en film expérimental - fait référence à une série de vidéos tournées dans différents endroits, sur une période de plusieurs années, soit dans le cadre de projets artistiques (mais n’ayant jamais été utilisées), soit comme un enregistrement de situations, de sentiments et de moments dans le temps, en vue d’être utilisées pour de futurs projets artistiques. Ce matériel d'archive est devenu le moteur d'une œuvre d'art vidéo, réalisée pendant la pandémie de 2020, alors que les déplacements étaient limités et que l'enfermement était imposé: aucune nouvelle vidéo de pouvait être tournée. En s'inspirant des formes rectangulaires du peintre expressionniste Mark Rothko, une juxtaposition d'images en mouvement et de sons a été créée, une illusion de situations, où des espaces réels sont transformés en espaces imaginaires. "Sealed Faithful Halls" devient un enregistrement des pensées, des sentiments et de la manière dont l’artiste "voit" tout ce qui se passe devant elle, et devient la cause de la relation allégorique entre forme et espace, réalité et illusion, langage et texte.

Anna Fo (Fotiadou) est d’origine chypriote. Elle est artiste multidisciplinaire et éducatrice, spécialisée en l'art vidéo et en réalisation. Elle est titulaire d'une Licence en design graphique et d’un Master en conception et pratique de la performance. Anna est graphiste indépendante et a remporté des prix pour son travail d’illustratrice. Elle a travaillé en tant que vidéaste, directrice artistique et metteuse en scène pour plusieurs pièces de théâtre, performances et spectacles de danse, à Chypre et en Europe. Elle est la co-scénariste du film primé "Pause" (Chypre, Grèce, 2017). Anna Fo a réalisé son premier film court, "Drained" (Chypre, États-Unis, 2020), qui sortira en 2021 et explore les questions de féminité, d'abandon et de vengeance, à travers une relecture contemporaine du mythe de Clytemnestre. Elle a présenté ses réalisations - tant dans des expositions individuelles que collectives - dans des galeries, des salles d’exposition, des festivals et des biennales à Chypre, en Grèce, en Italie, en Espagne, en Allemagne, en France, au Royaume-Uni, aux Pays-Bas, en Autriche et au Mexique. Elle travaille sur des projets artistiques collectifs, et collabore avec des artistes issus de différentes pratiques et disciplines. Sa recherche artistique se concentre sur le thème de la réalité et de l'illusion, en explorant les concepts de juxtaposition de la dualité entre le texte et l'image, dans le cadre d'un examen de la performance, des médias numériques et du placement de l'art dans l'espace.

The first part of Nude Descending a Staircase is a composition of clips found online that were made by visitors—pilgrims—to the remote memorial site of Walter Benjamin in Portbou, Spain. Each of these individual registrations is anchored in the specificity of the location. They start with the arrival to Portbou, go through the small town up to the cemetery, and end in a dramatic descent down Dani Karavan’s iconic staircase, which was created as an homage to Walter Benjamin. The assembly this audiovisual material transforms the autonomous experiences into one collective trajectory, and entangles collective memory, experience and the production of images. The second part reveals another staircase, abandoned and barricaded, on a small stage-like platform, outside the former Espai Memorial Walter Benjamin. The second staircase modestly suggests an alternative mode of framing memory. The title, borrowed from Marcel Duchamp’s 1912 painting, proposes to dialogue Walter Benjamin’s writing on history and reproduction with Duchamp’s attempt—in relation to the developments in photography—to capture movement autonomous from a body. Nude Descending a Staircase is the first chapter in a series of works titled Gathering Series.

Sirah Foighel Brutmann and Eitan Efrat (both °1983 in Tel Aviv) have been working in collaboration for several years and are creating works in the Audiovisual field. Living and working in Brussels. Their works have been shown in film festivals as IDFA and Rotterdam Film Festival (NL); Courtisane (BE); New Horizons (PL); on ARTE/WDR; exhibited in solo exhibitions at Kunsthalle Basel (CH) and Argos (BE), and group exhibitions in STUK (BE); EMAF (DE) and The Petah-Tikva Museum for Contemporary Arts (IL). Their works have been produced by Auguste Orts and Argos (BE) and distributed by EYE institute (NL), they have won prizes in IMAGES (CA) and Oberhausen Film Festival (DE). Sirah and Eitan have presented their work as featured artists at the 59th Flaherty Film Seminar (US), and have participated in artists talks and presentations in institutions such as FLACC, Genk, LUCA BFA class, Brussels, L`erg BFA class, Brussels, DocNomads 2014, and Bezalel MFA class, Tel Aviv. Sirah and Eitan`s practice focuses on the performative aspects of the moving image. In their work they aim to mark the spatial and durational potentialities of reading of images – moving or still; the relations between spectatorship and history; and the temporality of narratives and memory. Sirah and Eitan are members of the artists-run collective Messidor

Looking at two locations— the public sculpture White Square commemorating the founders of Tel Aviv, and the shrine of Palestinian village Salame in today’s Israeli Kafar Shalem—Orientation focuses on the ability of architectural material, and of sound and image, to register collective experience of forgetfulness. In 1989, the Israeli sculptor Dani Karavan, completed his sculpture White Square. The work was commissioned by the Municipality of Tel Aviv, and by the end of the building process Karavan decided to dedicate the sculpture to the founders of Tel Aviv—among whom his father Abraham Karavan, who was the city’s landscape architect for four decades from 1930’s onwards. The sculpture is composed of simple geometrical shapes and is made of white concrete, influenced by the International Style of early architecture in Tel Aviv. White Square—situated on the highest point in the area located in the eastern outskirts of Tel Aviv—overlooks through the skyscrapers all the way to the Mediterranean Sea in the west. The commonly used name of the hill on which White Square is exalted is pronounced in Arabic: “Giv’at Batih” (Watermelon Hill). The remains of the shrine of Salame, in today’s Tel Avivian neighbourhood Kfar Shalem is located a few hundred meters south of this hill. The abandoned dome-structure was once at the centre of the ancient Palestinian village Salame. The village, dating back to the 16th century up until 1948, was located on the highway from Jaffa Port to the mainland. During the ‘Nakba’ of 1948 it was occupied and depopulated by the Israeli Army and the new Zionist state. Weeks after expelling the Palestinian villagers from their land, the Israeli authorities—managing waves of Jewish immigration—re-inhabited the village with Yemenite Jews. Those, were settled in the original Palestinian stone houses. Today, decades later, the ownership of the land is still in dispute, and the Jewish-Israeli residents of Kfar Shalem are threatened with evacuation due to a construction-corporations’ plan to destroy the stone houses and to build a new profitable neighbourhood. Orientation is the second chapter in a series of works titled Gathering Series.

Sirah Foighel Brutmann and Eitan Efrat (both b.1983 in Tel Aviv) have been working in collaboration for several years and are creating works in the Audiovisual field. Living and working in Brussels. Their works have been shown in filmfestivals as IDFA and Rotterdam Film Festival (NL); Courtisane (BE); New Horizons (PL); on ARTE/WDR; exhibited in solo exhibitions at Kunsthalle Basel (CH) and Argos (BE), and group exhibitions in STUK (BE); EMAF (DE) and The Petah-Tikva Museum for Contemporary Arts (IL). Their works have been produced by Auguste Orts and Argos (BE) and distributed by EYE institute (NL), they have won prizes in IMAGES (CA) and Oberhausen Film Festival (DE). Sirah and Eitan have presented their work as featured artists at the 59th Flaherty Film Seminar (US), and have participated in artists talks and presentations in institutions such as FLACC, Genk, LUCA BFA class, Brussels, L’erg BFA class, Brussels, DocNomads 2014, and Bezalel MFA class, Tel Aviv. Sirah and Eitan’s practice focuses on the performative aspects of the moving image. In their work they aim to mark the spatial and durational potentialities of reading of images ? moving or still; the relations between spectatorship and history; and the temporality of narratives and memory. Sirah and Eitan are members of the artists-run collective Messidor

A man is sitting at a desk opposite a lion, whose paws rest on the desk, an implicit, strictly formal cross-reference to a painting by Antonio Colantonio, Saint Hyeronimus in his study (1455) in which the saint extracts a thorn from a lion`s paw. The imagine focuses on the two figures and on the strange interaction between the animal`s paw and the man`s hands. As a result of the bare surroundings, both the interplay between the hands and the paws and the man`s closeness to the enormous beast sitting solemnly opposite his minute body stand out. The hands and the paws rest on the table at a proximity emphasized by the black background.

Mauro Folci Lives beetween Rome and Milan. Visual artist and Performative Art professor at Brera Art Accademy Milan.

Ce qui commence comme une expérience de laboratoire sur des animaux conduit, à l'avenir, au développement d?êtres artificiels capables de mener à bien les tâches les plus variées et complexes. Ces êtres, qui ressemblent parfaitement à des hommes, sont intelligents et polyvalents ? ils sont capables de faire des choses simples comme arroser des plantes, mettre la table, faire la lessive ou donner à manger aux animaux de compagnie. Mais ce n'est pas tout. Ces êtres sont presque autonomes et peuvent même parler ou interagir avec nous. Ils ont été conçus pour être plus qu?une machine parfaite ; ils peuvent pourvoir à ce que le client veut qu?ils soient ? ils peuvent être de simples aides domestiques, des jouets pour enfant, mais ils peuvent aussi être des amants sophistiqués ou le compagnon idéal des personnes solitaires. Avant d'être livrés à leurs clients, le constructeur développe une sorte de test final de contrôle qualité, supervisé par un technicien, où certaines compétences (comme l'apprentissage de la langue du client) sont améliorées. Cette partie du processus se produit toujours dans un environnement fermé, généralement une maison dotée des principales caractéristiques du domicile du client. Alpha est l'un de ces êtres artificiels. Lui et Beta se mettent en couple seulement quelques semaines avant d'être expédiés à leurs futurs propriétaires, au Japon.

Miguel Fonseca est né à Lisbonne (Portugal) en 1973. Il a étudié à l'Universidade Clássica de Lisbonne où il a obtenu un diplôme en philosophie. Depuis 2001, il travaille à la société de production O Som ea Furia. ALPHA est son premier film.

A film about love inside a film about war. Every shot of the work belongs to the film ?First Blood?, directed by Ted Kotcheff in 1982. (The first Rambo film). I use only those shots without anyone, only empty shots. And I use every one of them.

Miguel Fonseca was born in Lisbon in 1973. He studied philosophy and in 2008 he directed ALPHA, his first film. He?s currently preparing his next short film ?The Waves?. He works as a director, as a writer and as a continuity supervisor.

“Primal” is a video that documents the layers of individual memories and how events take place from a subjective point of view. The stories originate from encounters that the videomaker had during his 4293 KM walk across the USA.

Marco B. Fontichiari was born in 1992, he is currently working and living in Bologna, Italy. In 2018 he graduated in Film Studies from the Academy of Fine Arts of Bologna. His works are mainly video and performance pieces that question the relationship between human limits and absolute concepts. Marco has presented his work in several galleries and festivals among which, P420, 2016, Ibrida Festival, 2017, METACINEMA, 2017-2018, FILE Festival 2018.

Un Rond point, des claquettes, les calanques, un frigidaire, un scooter, le matador du vier...

Vidéo réalisée à l?Hôtel-Dieu de Marseille. Un individu masqué déambule dans un hôpital désaffecté et interagit avec l?espace et les objets qu?il rencontre.

Né le 30 Avril 1977 à Marseille

Studio Visit (2013) is a nocturnal incursion in Pietro Fortuna`s atelier, where a feeble light discovers in the darkness artworks, materials, everyday objects and still figures.

Pietro Fortuna was born in Padua, and moved to Rome to study Architecture and Philosophy. He made a very early debut as assistant stage designer in prestigious theatre?s productions (La Fenice in Venice, S. Carlo in Naples, La Scala in Milan,). In the eighties he exhibited at the São Paulo Biennial; the Paris Biennial, at the Künstlerhaus in Graz and the Hildenin Taidemuseo in Tampere, at the Centre National d?Art Contemporain Villa Arson in Niece, and the Frankfurter Kunstverein. In that same period in Italy at the Galleria Comunale d?Arte Moderna in Bologna, the Eleventh Quadrennal in Rome, and at several other public institutions. He divided his life between Rome and New York, with a debut at the Pack Bulding. Over the first half of the nineties, his work was exhibited at a range of institutions, among which the PMMK Museum in Ostenda, the Museum of Contemporary Art in Caracas, the Museum of Modern Art in Bogotà, the Galleria d?Arte Moderna in San Marino, and the Sierkunst in Gand. His interest in theoretical foundations was manifested at the outset, leading to the production of a considerable body of writings. Between the years 1996-2004 he instituted Opera Paese as a continuing project over; a locus/work of meditation around the idea of community in which art events, music and theoretical speculation combined. The place saw artist like Philip Glass a Jan Fabre, Pistoletto a Kounellis, Kankeli and many others. From 2000 to 2004 he helds solo shows in public institutions such as the Kaohsiung Museum of Fine Arts in Taiwan, the Galleria Comunale d?Arte Moderna e Contemporanea in Rome, the Museo Pecci in Prato, and the Watertoren in Vlissingen. Between 2004 and 2011, both solo and group exhibitions, including ones at the Certosa di Padula, The Museo de Arte Contemporáneo Florencio De Lafuente in Requena, the Fondazione Morra in Naples, and the Twelfth Biennial of Sculpture in Carrara. 2010 saw the beginning of the cycle of works named Glory. At the Tramway in Glasgow he inaugurated Glory I - The Raft,. In 2011 his second cycle, Glory II - The Tears of the Angel at the Macro Museum of Rome and a third appointment in May 2012 at the Marca Museum of Catanzaro. In 2013 has a solo shows at La Quadriennale di Roma. Along his career he has numerous collaboration with private galleries like Luciano Inga-Pin in Milan, Massimo Minini in Brescia, Studio Guenzani in Milano, Nosei Gallery in New York, Eva Menzio a Torino, Montenay ? Delsol in Paris, Otmar Triebold in Basel, Giuliana de Crescenzo, La Nova Pesa and Giacomo Guidi Gallery in Rome.

Curtain! video, Hd cam, Sonore, 2007 Dans un espace sombre aux contours indéfinis, apparaissent les silhouettes des héros de dessins animés de l?enfance. Leurs couleurs acidulées ont disparues, seul demeure le contour des personnages, l?essence du dessin originaire, acte de leur naissance. Telles des envelopes vides, livrées au bon vouloir de notre désir projectif, elles s?avancent lentement vers le fond de l?espace, où elles disparaissent happées par une lumière diaphane dont elles ne reviendront plus.

Maïder Fortuné est née en 1973. Elle vit et travaille à Paris. Aprés une formation à l?école internationale de théâtre Jacques Lecoq à Paris, elle crée sa propre compagnie de théâtre physique puis rejoint le post-diplôme du Fresnoy, Studio national des arts contemporains à Tourcoing. Ses oeuvres (videos, photographies, films, installations) sont autant de mises en scène dessinant des fictions de présences corporelles, étrangement incarnées. Chaque image propose une situation où le corps semble prendre place dans un récit qui oscille entre fable et mystère. Son travail a été montré en Europe, au Canada, en Asie et aux Etats-Unis depuis 2001. Elle est représentée par la galerie Martine Aboucaya à Paris.

Dans un interieur contemporain dépouillé, deux fillettes se livrent à un étrange jeu : l?une se tient debout, au centre de la pièce et souffle en direction de sa compagne (sa s?ur?) qu?elle maintient ainsi, flottant dans l?air au dessus d?elle. Entre elles, la tension extrême d?une dépendance suspendue au bout des lèvres. Le désir se hisse au rang de la croyance qui actualise l?impossible. Entièrement absorbées par leur acte, dans cette concentration hallucinée inhérente au rituel, les fillettes ouvrent la porte aux forces magiques et accueillent l?étrange au sein de l?espace contemporain. L?intérieur domestique aux contours nets, se voit transfiguré, les objets usuels (d'outils technologiques, ces « nouveaux anges messagers », aux ustensiles de cuisine, en passant par un tapis de jouets) s?écartent de leur fonction pour acquérir une inquiétante vitalité. La caméra, dotée d?un appareillage steadycam, qui ôte au mouvement toute matérialité organique, glisse autour de la scène telle un esprit flottant (celui du souffle ?). Le temps d?une traversée, elle porte un regard sans corps et sans voix sur cet acte énigmatique. Une forêt au petit matin. Branchages touffus, eaux mortes étales, tapis de mousse, racines déterrées? , c?est un infini jeu de matières et de formes, d?échos et d?amalgames entre diverses catégories d?espèces, qui défilent sous le regard attentif et le mouvement lent des longs travellings horizontaux de la caméra. Entre deux troncs d?arbres, au c?ur de l?étang qu?entoure la forêt, une forme se laisse apercevoir : un cerf, dont seuls les bois émergés sont visibles, hante la mare. La double projection qui juxtapose sur un quasi même plan les deux films confronte deux espaces. D?un côté, l?appartement froid et design, intérieur protégé et clos, espace de la netteté qui renvoie au rationnel, au contemporain, de l?autre, celui de la forêt, extérieur exposé mais surtout espace fantasmatique par excellence, en qui se condense les premières peurs enfantines, (omniprésence de la forêt dans les contes de fées), et qui perpétue son jeu symbolique loin en avant dans l?inconscient adulte. De l?un à l?autre, porté par la similitude des mouvements flottants de la caméra, un jeu de combinaisons se forme : la présence du souffle de l?enfant répond à celle du vent, les formes de la forêt rentrent en écho avec celles des objets de l?intérieur domestique, la bande son d?un film bascule sur l?autre et vice versa ; les espaces deviennent perméables et tissent la toile de la pensée magique.

Nourries d'une pratique approfondie du mouvement, mes images interrogent les instances d'apparition du geste. Le principe de mouvement qui fonde chaque corps y révèle une instabilité, le glissement de l'emprise, la dissolution de la saisie. Au travers de mises en scènes épurées à la dimension esthétique très présente, (fruit d?un important traitement numérique des images) et particulièrement attentives aux questions de dispositif filmique, se dessinent les fictions de présences corporelles énigmatiques, présences virtuelles, étrangement incarnées dans l`espace d?exposition. Photographique ou vidéographique, isolée ou plurielle, sonore ou silencieuse, chaque image propose une situation où le corps semble prendre place dans un récit qui oscille entre fable et mystère. « Maïder Fortuné utilise la vidéo avec une intuition liée à son expérience du corps et de la performance. Un corps ouvert, disponible, flottant, qui capte et retransmet ce qui le traverse du monde en évacuant toute psychologie et tout affect. Un corps capteur et émetteur à la fois, son propre corps qu?elle a souvent exposé dans ses vidéos et actions publiques. Son geste vidéographique, comme son geste corporel, est précis et utilise les possibilités offertes par le médium. La pause, la pose, le mouvement, la durée et le parcours ne sont pas dus au hasard ; ils correspondent dans chaque cas à une volonté de saisir un certain état de l?être humain, de son rapport à l?espace, à lui-même démultiplié. Le corps transparent et dédoublé de la série des I?Games, les corps figés dans le jeu de la mort de Playing Dead, le corps animal et aimanté du trampolineur de Everything is going to be alright , le corps flottant de I wasn?t crying but the ground wasn?t still, etc., sont autant de figures, de possibilités d?un corps actuel, traversé par les technologies communes mais soucieux de son origine et donc de son originalité, qu?explore la création contemporaine, en particulier dans le domaine de la danse. Maïder Fortuné s?inscrit dans cette quête d?un corps inouï, singulier, qui continue à se réinventer avec acharnement, contre tous les modèles exposés sur les présentoirs de la cosmétique mondialisée. » Françoise Parfait.

La cour intérieure du building Canebière, construit par Fernand Pouillon en 1952 comme vision d’un habitat populaire de qualité. La caméra suit lentement les lignes verticales et horizontales des fenêtres. Des traces d’habitation humaine ponctuent l’uniformité de la façade (linge, plantes en pots). Le rythme se syncope, s’accélère : des mouvements de balancier font suite aux panoramiques, le brouhaha des pas et des voix dans le hall amorce un crescendo. L’écran passe au noir, et la voix de James Baldwin s’exprime en français sur la place qu’accorde la société française aux Algériens. Entre le volet visuel sans paroles et le volet parlé sans images, un fil : l’héritage des luttes populaires au sein de la société française, de leur exigence de dignité et d’égalité.

Performeuse, artiste visuelle, cinéaste, autrice et enseignante française. Maïder Fortuné vit et travaille à Paris. Elle y suit une formation littéraire puis théâtrale à l’École Jacques Lecoq, avant d’intégrer le Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing. C’est là qu’elle rencontre l’artiste canadienne Annie MacDonell (1976-), avec qui elle collabore depuis 2015, notamment sur les films Communicating Vessels (2020) et Outhere (for Lee Lozano) (2021). M. Fortuné enseigne le film et l’écriture en école supérieure d’art depuis 2007. De Totem (2001) à Outhere (for Lee Lozano), l’inquiétante étrangeté imprègne l’univers filmique de l’artiste. Le monde qui s’y invente est résolument artificiel, travaillé par l’incertitude même de la dimension spectrale et mémorielle de toute image. Ses productions ne donnent pas à voir un tout mais le signe fantôme d’autre chose, un reste, une empreinte qui persiste dans le psychisme. Les images que M. Fortuné y convoque s’inscrivent dans l’inconscient collectif, icônes occidentales du monde du merveilleux (Licorne, 2007 ; Curtain !, 2007), de l’industrie du divertissement (Once forever, 2008), du monde du théâtre (Characters, 2008) ou des premiers temps du cinéma (Totem ; Aurore, 2011), ou encore de la littérature, empruntées à Rainer Maria Rilke, Vladimir Nabokov et Virginia Woolf pour Carousel (2015), LEJ (2013), Parnassus Mnemosyne (2015), The Yellow Blind (2015), images qui se font écho les unes aux autres. Tout y est transitoire, instable, voué à de constants glissements, dédoublements, errances, qui ouvrent les représentations à de nouvelles plasticités et plongent les spectateurs et spectatrices dans une véritable expérience de l’image et des procédés que l’artiste met en jeu. C’est la circulation poreuse d’éléments qui fonde et élabore – par répétitions, variations, superpositions – des structures visuelles et narratives non linéaires.

An art professor tells the peculiar story of her student E., a strange young woman whose conceptual performance pieces and singular existence leave the professor increasingly unmoored. Combining fictional narrative, personal anecdote and private conversation, Communicating Vessels explores how we influence each other in ways that are sometimes good, sometimes bad, yet always urgent and necessary. An unusual tribute to art and its creation, channelling seminal performances by Joan Jonas and Lygia Clark.

Maïder Fortuné, studied literature and theatre (École Jacques Lecoq in Paris) before entering Le Fresnoy National Studio for Contemporary Arts, where she developed a performance-related practice of the technological image. With its great formal rigor, Fortuné’s work commands all the viewer’s attention for a genuine experience of the image and its processes. Recently, her practice turned to more narratives preoccupations. Lecture performances and films deeply rooted in writing, are the mediums she process to open up new narrative strategies. Her work has been exhibited internationaly (Europe, Brazil, Canada, China, Japan). In 2010 she won the Villa Medicis fellowship in Roma, Italy. Recent shows and performances have been held at Gallery 44, Toronto, Centre Pompidou Paris, and the Toronto International Film Festival. In 2019, her mid-length film L’inconnu de Collegno was part of IFFR Bright Future selection. In 2020, Communicating Vessels runs for the Accomodo Tiger award at IFFR Rotterdam. ANNIE MACDONELL- BIO Annie MacDonell is a visual artist. Her practice begins from the photographic impulse to frame and capture, and is concerned with the production and circulation of images in the present moment. Her work includes film, installation, sculpture, performance and writing in addition to photography. She received a BFA from Ryerson University in 2000, followed by graduate studies at Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, in France. Recent solo shows have been held at Gallery 44, Toronto, Parisian Laundry, Montreal, the Art Gallery of Ontario. Recent performances have been presented at Nuit Blanche Toronto, le Centre Pompidou and the Toronto International Film Festival. In 2019, her films have screened at TIFF and the Viennale. In 2012 she was short-listed for the AGO AMIA prize for photography, and she was long listed for the Sobey Art Award in 2012, 2015 and 2016. She is a founding member of Emilia Amalia, a feminist research and writing group. She is an assistant professor at Ryerson University and lives in Toronto with her family.

Un portrait visuel du réalisateur avant-gardiste Stephen Dwoskin, qui était handicapé, tel qu'il est représenté par son environnement. Le film est un mouvement très personnel à travers le passé et le futur de Steve, comme nous permettent de le percevoir la maison dans laquelle il a vécu ces trente dernières années ainsi que les objets qui s'y trouvent ; ces objets qui à la fois l'entourent et le représentent en tant qu'individu ayant un handicap mais aussi en tant qu'artiste-réalisateur qui a connu une longue carrière pleine de succès.

Claire Fowler est une réalisatrice britannique qui travaille sur des histoires documentaires et expérimentales. Diplômée du Royal College of Art et de l'université d'Oxford, elle partage son temps entre l'Europe, où elle vient de finir une résidence de trois mois à Paris, et les Etats Unis, où elle effectue en ce moment un documentaire d'une demi-heure qui explore les difficultés qu'ont les enfants palestiniens pour obtenir des soins médicaux essentiels en Cisjordanie (en association avec le fond de soutient pour les enfants de Palestine).

Cette farce est une farce ancienne, vivace dans les compilations de l'humour juif. Bien que les détails différent selon les versions, la scène est la même : un prêtre défie un rabbin dans un débat sur la condition du peuple juif.

Nick Fox-Gieg est un animateur et scénographe de théâtre de La Haye. Ces films courts ont été diffusés lors des Festivals de films de Ottawa et Rotterdam, au centre Georges Pompidou et sur Canada's CBC Television.

« Tlada Tajuk » (« Sans titre », en malais) est une vidéo réalisée au cours d?une résidence artistique à Kuala Lumpur (Malaisie). La vidéo consiste en de gros titres de journaux anglais malais découpés, et en une sorte de karaoké marmonné. Un groupe d'artistes a été invité par l?École des Beaux-Arts de Paris et le Ministère de la Culture malais à passer quelques semaines à Kuala Lumpur afin de créer une ?uvre qui reflète leur expérience en Malaisie. Dans un pays complexe, où au moins trois ethnies, avec leurs langues, leurs cultures, leurs nourritures, leurs religions respectives interagissent ensemble, la langue anglaise a été choisie pour présenter la Malaisie au monde occidental. Elle sert à la fois comme moyen de communication et comme filtre. Tous les jours, l?auteur a lu et conservé les titres des journaux anglais de Kuala Lumpur (les seuls qu?elle pouvait comprendre), manière de prendre le pouls de la ville et de la comprendre. Tenter de se faire une idée de Kuala Lumpur en si peu de temps, comme toujours dans ce type d?expérience, s?est démontré impossible. Le résultat, bien sûr, est plus proche d'un journal intime qui, à travers les gros titres de Kuala Lumpur, en dit plus sur l'artiste que sur la ville elle-même.

L?artiste Daniela Franco est née au Mexique et vit actuellement à Paris. Elle emploie une variété de médiums pour présenter des projets généralement collectifs et interdisciplinaires. Elle archive les collections d?autres personnes, conserve précieusement des lettres adressées à des étrangers et des photographies de personnes qu?elle n?a jamais rencontrées. Elle fait la critique de concerts auxquels elle n?a jamais participé et d?expositions d?art qu?elle n?a jamais vues. Elle a reçu les bourses Fulbright et Rockefeller. Son travail a fait l?objet d?expositions collectives et individuelles dans le monde entier. Actuellement, elle travaille sur « Sandys at Waikiki », un livre de photographie réalisé en collaboration avec certains membres du groupe français Oulipo et d?autres écrivains, qui sera publié en 2009.

Le travail vidéo de Michel François est le plus souvent basé sur l'isolement des intervalles, événements minuscules et mouvements, la gravure de micro sculptures en temps réel. Il dessine un inventaire du monde autour de nous utilisant des antithèses : des oppositions non pas simplement formelles mais aussi philosophiques, économiques et politiques. Cette vidéo a été enregistrée en une seule nuit dans les studios de l'American TV-network FOX. La camera erre entre caméras abandonnées et écrans de télévision lumineux. A l'arrière- plan les dialogues résonnent de la bande son du programme diffusé à cette heure-ci, un épisode d'une série sur un avocat à la cour. La durée du film correspond aux dernières minutes du programme. L'apogée acoustique fait écho à travers le studio vide et déshumanisé.

Né en 1956, Michel François vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Fasciné par les gestes de la vie courante et par les tensions qu`ils révèlent, Michel François se démarque, depuis les années 80, par une pratique singulière où règnent désordre et ambiguïté. Parallèlement à la photographie, éditée sous forme d`affiche puis de livre, l`artiste a créé une approche particulière de la sculpture et de l`installation, où ses travaux et ses images sont souvent rassemblés, accumulés et réactualisés. Son travail a fait l`objet de multiples expositions tant en Europe qu`à l`étranger. Récemment, la Galleria d`Arte Moderna à Bologne, Italie, le Westfälischen Kunstverein à Münster et la Fondation Ursula-Blickle-Stiftung à Kraichtal, Allemagne, lui ont consacré une importante exposition. Ses travaux ont été présentés notamment dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal 2001, à la Fondation Miró de Barcelone (2001), au Printemps de Cahors (2000), à la Kunsthalle de Berne (2000), à la 48e Biennale de Venise (1999) où il représentait la Belgique, à la Biennale internationale d?Istanbul (1997) et au Witte de With, Center for Contemporary Art de Rotterdam (1997). Ses ?uvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques européennes.