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xenia yvon lesniewski GERADE AUS Die künstlerin stellt eine schwarzweiss animation mit dem titel ?gerade aus? vor. zeichnungen sind der ausgangspunkt von xenia yvon lesniewskis arbeit, welche sie dann in stilistische animationen überträgt. kurze szenen werden durch ein flimmern ineinander übergeleitet. szenen, in denen zum beispiel eine mit einem maulkorb versehene, der künstlerin stark ähnelnde person, nach luft schnappt oder in einer unterwürfigen pose auf dem boden liegt. fetisch und sadomasochismus werden in ihrer arbeit thematisiert, gefühle plakativ und direkt wiedergegeben. ?der betrachter ist ein teil meiner arbeit.? dem zuschauer werden innere verlassene landschaften vor augen geführt. man erhält unweigerlich einen offenen blick in eine innere folterkammer. für die künstlerin handelt es sich hierbei um eine sehr intime arbeit ?die grenzen zwischen realität und fiktion verschmelzen. ein zwischenraum entsteht und zwar ? GERADE AUS.? der eingeschobene text gibt hinweise und lenkt den betrachter. der abstrakte sound der arbeit nimmt unmittelbar einfluss auf seine befindlichkeit. aus dieser fragmentierung von bild, text und ton resultiert eine provokative und kompromisslose aussage über die erfahrung von kunst und wirklichkeit. text anna kalinski

biografie xenia yvon lesniewski xenia yvon lesniewski geboren 1985 in frankfurt, deutschland: bildende künstlerin; studiert seit 2005 an der hochschule für gestaltung offenbach freie kunst mit dem schwerpunkt malerei und neue medien. malerei prof. adam jankowski freies zeichnen/film prof. mariola brillowska experimentelle raumgestaltung prof. heiner blum warum sie etwas tut? alles immer nur mittel zum zweck. aber sie hätte sich auch auf die zunge beissen können, sie hat eine schöne, gesunde zunge - rot von blut.

Das Fehlen eines konkreten Bildes. Autobiografische Bruchstücke zwischen Fiktion und Realität vereint zu konstruierten Erinnerungssequenzen und endlosen Variationen davon. Das Gegenteil des Vergessens. Aber was ist wirklich passiert? Es gibt nur die eine Wahrheit. Die eigene. Entscheidungen trifft man, weil man sie treffen muss.

1985 in Frankfurt am Main geboren, seit 2005 Studium der freien Kunst an der Hochschule für Gestaltung Offenbach mit dem Schwerpunkt Malerei und neue Medien und seit 2010 Studium der Malerei, Animation und Tapisserie in der Klasse von Judith Eisler an der Universität für Angewandte Kunst Wien. Ihre Videoarbeiten wurden bereits bei vielen nationalen und internationalen Filmfestivals wie z.B. den Kurzfilmtagen Oberhausen, der Kunstfilmbiennale Köln/Bonn oder den Rencontre Internationales Paris/Berlin/Madrid gezeigt.2008 erhielt Xenia Lesniewski den ?3 Sat Förderpreis? bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen sowie das Stipendium der Deutschen Studienstiftung. 2009 gewann ihre Arbeit EGODYSTON den "Movies and Stills" Award der Videor Art Foundation sowie den zweiten Muvi-Preis bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen. 2010 erhielt sie beim Internationalen Filmfest Dresden den Drematrix Förderpreis. Ebenso nahm Lesniewski an zahlreichen Ausstellungsprojekten sowie weiteren internationalen Film- und Medienkunstfestivals teil.

?Supersensibel? : Des crottes d?enfants anal-ysées entre sodomie et peur de la mort. La vidéo ?Supersensibel? de Xenia Yvon Lesniewski est une animation provocante qui traite de sexe, d?érotique, d?obscénité et de peur individuelle. Une représentation enjouée de la sexualité polymorphe commentée avec des phrases et bruits en forme de devinette qui donnent au film une énergie colérique.

Xenia Yvon Lesniewski est née en 1985 à Francfort, elle étudie depuis 2005 à l?Ecole de réalisation d?Offenbach dans la spécialité Peinture et Nouveaux Médias.

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ces vidéo montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

Je m`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion de mort et respect de l'environnement. Ainsi la vidéo, qui a pour titre " à mort la mer" montre des images en Noir et Blanc d`un paysage marin. La jeune fille filmée au bord de la mer, la présence du vent,un bateau échoué au milieu d`un champ créent une atmosphère étrange, ou temps, espace et mouvement sont modifiés. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers suréaliste semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. La jeune fille les mains tachées de goudron manipule un poisson dans l`eau, joue t `elle ? , est ce qu`elle le lave de son jus noir ? avant de finir triomphante sur son bateau échoué brandissant son trophée à la main: un poisson vierge de toute pollution!

Isabelle Lévénez (1970) vit et travaille entre Trélazé (49) et Paris. Elle est représentée par la Galerie Aeroplastic à Bruxelles. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l`étranger au cours desquels son travail a été exposé: New York, Milan,Barcelone, Madrid, Berlin, Moscou, Tokyo, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Reykjavik.... En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs (Los Angeles). Différents lieux en France (musées, centres d`art, Fracs...) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives notamment: Le centre d`art de Meymac (2007),Musée de Grenoble (2007), Le Palais de Tokyo (2006),Le lieu Unique, Nantes (2004),Le Centre d`art de St Fons (2002), Le Frac Haute Normandie ( 2002), Le rac Alsace (2000), La Fondation Guerlain, Paris (1999), La Box, Bourges (1997)...

Depuis 1991 et à travers ses vidéos, dessins ou photographies, Isabelle Lévénez révèle le mal être de l`individu ou son inquiétude identitaire dans sa dimension cachée sans que le dysfonctionnement mental ne soit jamais mis en avant.Les vidéos de la serie animaux domestiques forment pour elle, une seule et même ?uvre considérée à des stades différents de sa conscience du monde. Elle s`interroge ici sur la dualité humaine, déchirée entre pulsion animale et respect de la loi. Ainsi les vidéos ayant pour titre de série "Animaux domestiques", montrent le corps de personnages dénudés portant un masque (lapin, loup, âne, mouton?) Les protagonistes sont souvent silencieux, par exemple en partageant un repas qui se termine par un cri proche de celui d?un animal. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, un univers hybride, humain/animal, semble évoluer, monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire. Les visages recouverts d?un masque d?animaux nous renvoient à la construction d?un système où désir, violence et pulsions rencontrent la morale d?un monde codifié. Cette violence ne fait jamais l`objet d`une quelconque fascination, elle n`est pour l`artiste que le reflet du monde dans lequel elle vit.

Isabelle Levenez est née à Nantes en 1970. Artiste enseignante à l`école des Beaux arts d`Angers, elle se considère comme une artiste multimédia, c`est à dire qu`elle passe d`une production de dessin à une réalisation d`installation vidéo ou de photographie numérique. Entre réalité et fiction son travail ne cesse d`interroger l`individu. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment à la galerie Anton Weller, à LOOP Barcelone , au CCC de Tours, à l?Abbaye du Ronceray, Angers, au Musée de Grenoble, à l?ARCO, au Musée National des Beaux Arts de Lettonie à Riga, à la National Art Gallery à Sofia, dans plusieurs Instituts Français à l?étranger : à Barcelone, Budapest, Cologne, Berlin. Elle a également exposé au Palais de Tokyo, Paris, au Musée Péra d?Istambul, au Musée Benaki, Athènes, au Musée Zadkine à Paris, à l?Orangerie du Sénat et Jardin du Luxembourg, Paris, au Musée des Beaux arts de Tourcoing, au Lieu unique à Nantes, au Musée d`art contemporain de Milan. Son travail fait partie des collections du FNAC et de plusieurs FRAC. Elle a obtenu la bourse de la villa Médicis hors les murs à Los Angeles.

La vidéo met en scène le corps de personnages dénudés filmé en caméra infra rouge semblant errer dans un espace vert, enveloppés de silence. Les corps se heurtent, se touchent, se bousculent. La caméra abandonnée à elle-même en plan fixe construit une image anonyme et saisit sans émotion le cours indistinct du temps qui s?écoule. Dans le fragment de ce cadre, entre violence et douceur les hommes semblent monologuer et construire de toutes pièces une mise en scène imaginaire.

Isabelle Lévénez aime à manier les contraires et l?ambiguïté. Les images, les titres de ses ?uvres, les phrases qu?elle écrit sont autant de jeux d?ombres et de lumières qui définissent la posture générale de l?artiste, développé par les multiples pièces de son travail tournant autour du thème du secret », nous proposant une réalité fragmentée, un jeu entre innocence rêves et fantasmes, entre douceur et violence. Biographie : Isabelle Lévénez Après des Etudes à l?école des Beaux Arts de Nantes elle décide de s?installer à Paris ou elle obtient en 1997 un DU en psychopédagodie à l?université paris V. En 1994 elle est sélectionnée pour le master de l?institut des Hautes études en arts plastiques crée par Pontus Hulten. En 1995 elle effectue un master multi média aux Arts et métiers à Paris. Depuis 1995 Isabelle Lévénez a effectué plusieurs séjours à l?étranger au cours desquels son travail a été exposé : New York, Milan, Madrid, Berlin, Moscou, Bratislava, Budapest, Prague, Amsterdam, Rotterdam, Ottawa, Nagoya, Reykjavik, Athènes, Riga, Barcelone, Istambul, Sofia. En 2001, elle a obtenu la bourse de la Villa Médicis hors les murs à Los Angeles. Différents lieux en France et à l?étranger (Musées, Centres d?art, Fracs, Galeries?) lui ont consacré des expositions personnelles et collectives , notamment

Communists Like Us is an ambient music video made from a few seconds of archival footage of Mao Zedong applauding and members of the Red Guard chanting. The title Communists Like Us was taken from the 1985 text of the same name written by Felix Guattari and Toni Negri.

Les LeVeque received an MFA in Video Research from the Department of Art Media Studies at Syracuse University. He is a Visiting Associate Professor in Film and Electronic Media at Bard College and co-Chair of the Film/Video program in the Milton Avery Graduate School of the Arts. His work has been exhibited internationally including 2000 Whitney Biennial, Georges Pompidou Center, Museum fur Neue Kunst ZKM, Australian Centre for the Moving Image, Museo de Arte Moderno Buenos Aires, Laboratorio Arte Alameda, Centre Culturel et de Cooperation Linguistique Bilbao, Pacific Film Archive, Palm Beach Institute of Contemporary Art, The Hammer Museum and The New Museum of Contemporary Art. Festival screenings of his work include Transmediale Berlin, San Francisco International Film Festival, and Sundance Film Festival. The Video Data Bank distributes his single channel video work. He is represented by KS Art in New York City.

Dramatically Repeating Lawrence of Arabia est un remix de l'orientaliste Laurence d'Arabie de David Lean en une dissonante hallucination de poses masculines répétées, costumes et gestes théâtraux.

Pendant la dernière décennie, Les LeVeque ont produit des ?uvres en vidéos où des structures des montage algorithmiques qui sont appliquées ont des médias de culture de masse, de films d'Hollywood, de publicités, de diffusions présidentielles et des auditions de publicités TV. Ces mots utilisent une utilisation impropre de la persistance de la vision et du phénomène de phi pour générer des hallucinations des sens, qui activent un espace aléatoire entre les images.

Nine Hamlet RGB engages a simple algorithm to destabilize the timing of the red, green and blue frame sequential display system while incorporating fragmented, appropriated “to be or not to be” excerpts from nine Hamlet films. The audio is the synced sound from the appropriated excerpts laced with low frequency binaural tonal pulsations. The physicality of the constructed optical and aural experience is seeking a mechanism of unconscious disarticulation. The ghosting of colors, evanesent Hamlets, and somatic tones are looking for a “dream-work” that can be ciphered, displaced, or not.

Les LeVeque works with digital and analog electronic technology. His projects include single and multi-channel videos and video/computer based installations. His projects have been exhibited and screened internationally. Video Data Bank distributes his single-channel video work. He is represented by Kerry Schuss Gallery in New York City.

« Stammering Forward Backward GIANT » est un re-montage du film « Giant » de George Stevens (1956) ? une histoire épique sur le Texas, le pétrole et le racisme. Condensé en 17 minutes et commençant au milieu, « Stammering Forward Backward GIANT » met en ?uvre des structures de montage improvisées et percussives, image par image, afin de dérouler le film simultanément vers la conclusion du début et de la fin.

Les Leveque est un artiste média électronique basé à New York. Son travail a été exposé internationalement, notamment à la Biennale Whitney de New York (USA) en 2000, au Centre Georges Pompidou de Paris (France), au Museum für Neue Kunst ZKM de Karlsruhe (Allemagne), à l?Australian Centre for the Moving Image, au Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentine), au Laboratorio Arte Alameda de Mexico (Mexique), au Centre Culturel et de Coopération Linguistique de Bilbao (Espagne), aux Pacific Film Archives de Berkeley (USA), au Palm Beach Institute of Contemporary Art de Lake Worth (USA), au Hammer Museum de Los Angeles (USA) et au New Museum of Contemporary Art de New York (USA). Ses ?uvres ont été projetées notamment à la Transmediale de Berlin (Allemagne), au San Francisco International Film Festival, et au Sundance Film Festival. La Video Data Bank distribue ses vidéoprojections. Il est également représenté par KS Art à New York.

Last Person Shooter examine a range of both human and mechanical modes of vision. By way of a series of historical scenes reconstructed as 3D architectural models, the historical context of machine vision and its underlying concepts are conjured. These models are explored by an invisible protagonist, embodying the familiar, yet antiquated aesthetic of a first-person shooter. The work opens with a reconstruction of the assassination of Ahmed Jabri, a Palestinian militant who was targeted by an Israeli drone in November 2012. The assassination was documented simultaneously both by Palestinian passersby and by the IDF’s drone, creating two parallel, conflicting narratives: these were then uploaded to Youtube and tweeted, in what was in effect a war of images. The video leads into a dreamlike digital desert, evoking the Cuban Missile Crisis and its significance for the development of satellite reconnaissance during the 1960s. The protagonist embodies a birds-eye view, exploring the blind spots and prejudices of such varying perspectives. Finally, the film concludes with a reenactment of a video shot by an American soldier in Afghanistan in a first-person perspective. The footage offers an immersive, bleak representation of 21st century warfare and its mediation.

Adam Kaplan is an artist, ­a graduate of the Fine Arts department in Bezalel Academy in Jerusalem and the Academy of Fine Arts Vienna. Born in Jerusalem, he currently lives between Montreal and Berlin where he is studied under Hito Steyerl as a guest student in the Universität der Künste. Boaz Levin is an artist and writer based in Berlin. He studied at the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem and under Hito Steyerl at the Universität der Künste in Berlin.

The Guilty Sleep, filmed during more than 75 overnight ride-along shifts with the police, illuminates urgent issues related to the current state of policing. It's a composed collage of raw, slow paced, and evocative imagery and sounds that frame polarities such as justice/injustice, observer/observed, confined/free, power/disempowered, and innocence/guilt. The video highlights the landscape behind these dualities and focuses on their complex relationship to one another.

Erik Levine was born in Los Angeles, California in 1960. He has exhibited widely in the United States and Europe, most recently at Ludwig Forum Aachen with a solo survey exhibition of his videos from the past 15 years. His work includes video, sculpture, and drawings, and is in the public collections of the Whitney Museum of American Art, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Walker Art Center, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, and Des Moines Art Center, among several others. He has received numerous awards including a Guggenheim Fellowship and three Pollock–Krasner Foundation awards. In addition, he’s received two grants each from the National Endowment for the Arts, the New York Foundation for the Arts, the New York State Council on the Arts, and the Massachusetts Cultural Council, as well as grants from Awards in the Visual Arts, Nancy Graves Foundation, and the Jerome Foundation.

MIDSENTENCE, filmed over five years inside a county jail, lays bare larger truths about incarceration, institutional authority, confinement, shame, guilt, and power dynamics between those in and out of uniform.

Erik Levine was born in Los Angeles, California in 1960. He has exhibited widely in the United States and Europe, most recently at Ludwig Forum Aachen with a solo survey exhibition of his videos from the past 15 years. His work includes video, sculpture, and drawings, and is in the public collections of the Whitney Museum of American Art, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Walker Art Center, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, and Des Moines Art Center, among several others. He has received numerous awards including a Guggenheim Fellowship and three Pollock–Krasner Foundation awards. In addition, he’s received two grants each from the National Endowment for the Arts, the New York Foundation for the Arts, the New York State Council on the Arts, and the Massachusetts Cultural Council, as well as grants from Awards in the Visual Arts, Nancy Graves Foundation, and the Jerome Foundation.

In the midst of the recent revolution in Egypt, Beduins in Israel get updated on the latest news from their car`s radio, in what seems to be the middle of nowhere. Suddenly a bus load of Polish "holyland" pilgrims fill the landscape, posing with Beduin`s camel and taking pictures.

Born in Tel Aviv, Israel, lives in New York 1998 PostGrad- Electronic Imaging Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee 1997- BA Camberwell College of Art, London . Won the Dumbo Arts Festival NYC best open studio award in 2010; Won the 2008 Young Israeli Artist Award, The Hamburg Film festival low budget jury award 2006, Took part in the Berlinale Talent Campus in 2006. Took part in various international artist residencies in the USA: New York 2009-2010, 2011, Florida 2001,Connecticut 2011; In France: Le Havre 2011; in Austria: Vienna 2005, Linz 2003, and in Italy Milan 2007. Solo exhibitions include at: Nicelle Beauchene NYC 2010, Habres+Partner Gallery Vienna 2009; Tavi Dresdner Gallery Tel Aviv 2008; Rosenfeld Gallery, Tel Aviv 2004; Haifa Museum of Art 2004.

Filmed in Maison de l`Armateur, One of the few houses in Le Havre, France that remained in tact after the city was almost completely destroyed in the allied bombings of 1944. The tower like mansion is a kind of museum. A woman, the curator, is rigorously organizing objects. All kinds of dishes, globes, shells, sculptures, paintings, taxidermy animals, maps, ship models etc... There is something obsessive about her preciseness and the time she invests in placing each item. It is clear that despite the objects useful proposes, they are not being used, lifeless. The more she organizes them, the more she kills them. The work is about a nostalgia to a world that no longer exists, and perhaps never did. The house is built like a spiral, where each floor has more and more rooms, full of treasures that all tell the story of western colonialism, particularly French 19th century bourgeoisie objects, with curiosity cabinets full of exotic oddities from faraway conquered lands. The woman seems to have a special relationship to the objects. Her love and care for the objects, also express her love of the culture she belongs to. The film makes references to suspense movies, such as Hitchcock Vertigo. And the soundtrack is based parts of Bernard Hermann?s Psycho soundtrack.

Born in Tel Aviv, lives in New York Levy?s solo exhibitions include World Order, Center For Contemporary Arts, Tel Aviv (2012); The Wake/ Silent Among Us, Loop Fair, Barcelona (2012); Wild Thing, Nicelle Beauchene Gallery, NYC (2010); and Dreams & Disasters, Habres+Partner Gallery, Vienna, Austria (2009). Her group exhibitions include Unnatural, Bass Museum of Art, Miami (2012); Art and Social Activism, Nicholas Cohn Art Projects, Long Island City, NY (2012); Magic Lantern: Recent Acquisitions in Contemporary Art, Israel Museum, Jerusalem (2012); Lush Life, Invisible-Exports Gallery, NYC (2010); and Trembling Time: Recent Videos from Israel, Tate Modern, London (2010). Levy was awarded residencies by the LMCC in 2012, Omi International Arts Center (2011), the I-Park Residency Program (2011), and the Institut Francais/Triangle Arts Association (2010), and received the Young Artist Award by the Ministry of Culture and Sport, Israel (2008). She received her B.A. from Camberwell College of Art and her Post Graduate Diploma from Duncan of Jordanstone ? College of Art, Dundee University.

Creatures of the Lines is an artist film and collaboration with anthropologist Heather Anne Swanson. It explores how desires for economic growth and linear progress have produced straightened forms in England’s watery terrains and asks what risks are associated with the conversion of once-curvy and braided worlds into a linearised landscape. Drawing on their longstanding research interests and conversations exploring the risks to and in aquatic ecologies with freshwater scientists, the film explores how English waterscapes have been transformed via the construction of canals. As arteries of British Empire, canals linked Indian cotton fields to domestic textile mills, facilitating vast ecological transformations from monoculture agriculture in the colonies to industrial discharges in England’s waters, soils, and air– and thus serve as a key site for exploring often-overlooked histories of colonial capitalism and their material presences in contemporary worlds. Attempting to work from within muddy, submerged sites, rather than from grand narratives or “god’s-eye” viewpoints, the work begins inside canals, telling stories from within the lines. Making use of the open-ended sensibilities of ethnography and natural history, it raises questions about ecological transformations and their ties to infra/structures of global political economy.

Sonia Levy's inquiry-led practice considers shifting modes of engagement with more-than-human worlds in light of prevailing Earthly precarity. Her work operates at the confluence of knowledge practices to interrogate Western expansionist and extractivist logics. She is the 2023-2024 recipient of the European Marine Board artist-in-residence programme. She was the 2022 selected artist of the S+T+ARTS4Water residency hosted by TBA21 in Venice and the 2021 commissioned artist at Radar Loughborough and Aarhus University's "Ecological Globalization Research Group". She has presented her work internationally, including shows and screenings at Ocean Space, Venice; Museo Thyssen, Madrid; Museo CA2M, Madrid; Sainsbury Centre, Norwich; ICA, London; The Showroom, London; Goldsmiths College, London; BALTIC, Gateshead; ZKM, Karlsruhe, Art Laboratory Berlin; HDKV, Heidelberg; Centre Pompidou, Paris; Musée de la Chasse et de la Nature, Paris; Muséum d'Histoire Naturelle, Paris, Verksmiðjan á Hjalteyri, Iceland Whale Museum, Iceland; Harvard Graduate School of Design, Cambridge USA; NYU Gallatin, New-York, Paris. Her work has been published by MIT Press and Thames & Hudson.

We Marry You, O Sea aborde Venise et sa lagune “par en dessous”, en déplaçant l’attention vers les processus bio-géomorphologiques immergés — vitaux, altérés, continuellement en mutation — plutôt que vers les récits, maintes fois racontés, de l’histoire politique et militaire de la ville. Le tournage sous-marin ouvre de nouvelles voies de connaissance des matérialités de la lagune et révèle un environnement fracturé, troublé, qui complique les récits historiques dominants, ceux qui ne commencent qu’au-dessus de la surface. En s’accordant au rythme du flux et du reflux, on commence à percevoir les interactions entre terre et eau, vie et décomposition, et les processus intimes qui composent ce milieu. Observer les formes de vie rendues possibles dans cet espace aquatique endommagé oblige à sonder les transformations profondes qu’il a subies. We Marry You O Sea as a Sign of True and Perpetual Dominion tire son titre de la formule prononcée lors du rituel vénitien des Épousailles de la mer, célébré chaque année le jour de l’Ascension entre le XI? et le XVIII? siècle : le Doge, figure souveraine de la République, “épousait” symboliquement la lagune en y jetant un anneau d’or, proclamant ainsi la domination de Venise sur les eaux. L’artiste revisite cette relation multiséculaire entre la ville et son milieu aquatique, en interrogeant l’héritage persistant de ces volontés de maîtrise. Comment imaginer d’autres futurs pour Venise si l’on commence par éprouver la lagune comme un espace vivant, habité par une multiplicité de formes de vie et de mort ? Dans la lagune — un espace façonné depuis des siècles par des interventions humaines continues — zones humides et infrastructures sont depuis longtemps imbriquées. L’essor de Venise comme carrefour commercial et centre d’innovation navale au Moyen Âge a entraîné des aménagements hydrauliques majeurs pour maintenir des eaux peu profondes à des fins défensives. Mais au XX? siècle, les impératifs de modernisation ont transformé des pans entiers des marais en raffineries de pétrole et en l’un des plus grands terminaux à conteneurs d’Italie, faisant de la lagune une frontière industrielle. L’anthropologue urbaine Clara Zanardi a montré comment ces mutations ont reconfiguré les divisions sociales tout en provoquant une dégradation écologique irréversible ayant profondément bouleversé les formes de vie lagunaires. Le film restitue ces histoires de modernisation en entrelaçant de rares photographies d’archives provenant du Fonds photographique Giacomelli de Venise avec des images sous-marines du présent. L’inversion négative noir-et-blanc appliquée aux vues immergées accentue la portée historique des archives, reliant passé et présent et laissant affleurer les futurs possibles dans les eaux contaminées de la lagune. Une bande sonore originale — mêlant chœurs humains et enregistrements subaquatiques — renforce encore les correspondances entre espaces immergés et domaines humains. La composition saisit les pulsations de la lagune et les empreintes de l’activité industrielle : des sons aquatiques noyés par le vacarme des embarcations aux battements réguliers des machines au milieu de la marée montante. Elle révèle ainsi les profondes imbrications entre les activités humaines et les faibles profondeurs de la lagune.

Sonia Levy est une artiste et cinéaste, d’ascendance berbère et polonaise. Son travail, fondé sur des enquêtes situées et interdisciplinaires, examine les implications des logiques occidentales d’expansion et d’extraction, et la manière dont ces forces s’inscrivent dans la transformation et la gouvernance des mondes hydrosociaux. Sa pratique cherche à sonder les seuils qui ont façonné — et continuent d’influencer — les conditions nécessaires à l’épanouissement du vivant.

Le film est construit à partir d'une suite de photographies prises par l'artiste dans une maison abandonnée, près du mur de séparation dans le territoire palestinien. Les graffitis sur les murs de la maison indiquent que l'armée israélienne occupait ce site. Il s'agit d'un jour ordinaire, les habitants ne peuvent pas partir sans permission, ils sont emprisonnes comme des moutons. Mais les enfants n'ont pas perdu la foi, ils font voler un cerf-volant noir fabriqué avec un sac en plastique.

Dana Levy est née en 1973 à Tel Aviv. Elle a un MA en imagerie électronique du Duncan of Jordanston College of Art (Dundee, Ecosse) et un BA en graphisme du Camberwell College of Art (Londres). Elle vit actuellement en Israel, où elle travaille la photographie numérique, la vidéo single channel et les installations vidéo et multimédia. Son oeuvre explore les notions d'indentité et de frontières, d'appartenance au lieu, d'architecture temporelle. Elle a participé à des résidences d'artistes en Autriche, en Finlande et aux Etats-Unis. Elle a également montré son oeuvre au Haifa Museum of Art, à la Rosenfeld Gallery à Tel Aviv, au Digital Art LAb en Israel. Elle a participé à diverses manifestations collectives, au Tel Aviv Museum of Art, au Smack Mellon à New York, à l'OK center for Contemporary art en Autriche, au Jewish Museum à New York. Ses vidéos ont été projetées dans divers festivals de films.

`Backstory` introduces the remaining stars of rear projection, a technique prevelant in cinema until the development of green screen. In Backstory, Lewis invited the Hansard family, which has been instrumental in the provision and development of rear projection for hundreds of Hollywood productions over several decades, to tell (with humour and straight-laced directness) their own story of the heyday of the techniques and their decline and disappearance as they are replaced by new technologies and new tastes in visibility.

Born in Ontario in 1957, Mark Lewis is an artist who lives and works in London. Solo Exhibitions include: the Vancouver Art Gallery (Canada), Hamburger Kunstverein (Germany), Musée d?art moderne (Luxembourg), BFI Southbank (London) and Museo Marino Marini (Italy) Forte Di Bard (Italy) and Monte Clark (Vancouver, Canada). In 2009 Mark represented Canada at the 53rd Venice Biennale with his exhibition Cold Morning. His films have been shown at a number of international film festivals including; Rotterdam International Film Festival 2010 (The Netherlands), Toronto International Film Festival 2009 (Canada) and Berlin International Film Festival 2010 (Germany).

Mark Lewis was born in 1958 in Hamilton, Ontario. From 1989 to 1997 he lived in Vancouver becoming part of the burgeoning photoconceptualism scene of the Vancouver School. Much of his work focuses on the technology of film and the different genres which have been developed in over 100 years of film history. His films are often short, precise exercises on particular techniques. His films tend to look at contemporary cities, film history, and the way film has impacted ideas about everyday life—subjects, for instance, have included ice skaters at Toronto’s Nathan Phillips Square and a custodial worker at Vancouver’s 1500 West Georgia Street. In 2009, Lewis represented Canada at the Venice Biennale. Other exhibitions include shows at the Power Plant, the Vancouver Art Gallery, the Hamburger Kunstverein, BFI Southbank and the Art Gallery of Ontario. His work is in many collections including the National Gallery of Canada, the Museum of Modern Art and the Centre Pompidou. Lewis is also co-editorial director of Afterall, which produces a journal and books on contemporary art.