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"Ce qui se passe quand quelqu'un meurt, c'est que nous, les vivants, contenons leur mémoire en nous... Ils continueront à vivre en nous, et nous les célébrerons. Et nous danserons comme s'il n'y avait pas de lendemain." Diane Torr Une danse dédiée à l'artiste, drag king et activiste du genre Diane Torr, décédée en mai 2017. Un an plus tard jour pour jour, je danse dans une pièce noire: un seul plan fusionnant masculin et féminin comme une ode à la vie et à la mort. Le zeïbekiko, danse traditionnelle urbaine de la musique Rebetiko, était réservée aux hommes - par le passé. Elle est dansée ici par ma manifestation hybride - aspects mélangés de mon identité. En silence, j'entends les mots de Diane: "Prends l'espace de tout ton être. Approprie-toi l'espace". Je lève les bras et danse comme s'il n'y avait pas de lendemain, tandis que la caméra me suit. Pas de montage ou de reprise: le but n'est pas de plaire ou de séduire, mais de m'offrir comme lieu de soulagement collectif.

Fenia Kotsopoulou est artiste pluridisciplinaire, et primée dans les domaines de la performance, de la danse, de la vidéo et de la photographie. D’origine grecque, elle habite à Lincoln (Royaume-Uni). Elle est titulaire d'un Master en Chorégraphie d'art vivant de la University of Lincoln (Royaume-Uni), d'un BA Honours en Danse de la National Dance Academy of Rome (Italie) et d'une licence en Langue et littérature italiennes de la Aristotle University of Thessaloniki, Thessalonique (Grèce). Au cours des dix dernières années, la réalisation de vidéos et la photographie sont devenues des éléments dominants et constants de sa pratique artistique. Les thèmes centraux de ses projets récents sont, entre autres, le corps en tant que réceptacle des émotions et lieu de transformation, la mémoire personnelle et collective, la fragmentation, la (dé)construction de l'identité féminine, l'inconvenance, la honte et la pilosité. Ces dernières années, ses œuvres en tant qu'interprète (de danse), productrice et praticienne visuelle, ainsi que celles de son proche collaborateur, l'artiste numérique Daz Disley, ont été présentées dans de nombreux festivals et plateformes artistiques, dans les domaines de la danse, de la performance expérimentale, des arts vivants et de l'art vidéo, et ont reçu plusieurs prix et récompenses. Parallèlement à sa pratique artistique, elle est Maître de conférence dans le Master of Performance Practices à l'université ArtEZ, Arnhem (Pays-Bas) et, depuis 2016, elle est artiste en résidence à x-church, Gainsborough (Royaume-Uni).

In a hinterland within the “elsewhere” a lone character meanders in search of meaning and understanding. Hither and dither doth he wander reflecting upon all things that came before and all things hereafter. The work is a companion piece to “ttingâ” latest feature film LEK AND THE DOGS and was shot in the Atacama desert in Chile. Produced to run on a loop in a gallery “space” or as a single screen the film exemplifies “ttings ability to take an idea and run with it until it spills over into the expanded cinematic “elsewhere”. With the beguiling presence of French performance artist Xavier Tchili and sublime cinematography by Nick Gordon-Smith the work is designed to be experienced within the pitch black and the sound up high.

Andrew ‘tting was born between the mountains and the sea in Elmstead Woods in 1959. After some early forays into market trading and scrap-metal dealing he travelled to Scandinavia to become a Lumberjack. He returned home in the 80’s to study for a BA Honours Degree in Fine Art at Ravensbourne College of Art and Design and then graduated with a Masters Degree from The Slade, London. He currently lives and works between Hastings in England and Fougax-et-Barrineuf in the French Pyrenees. He teaches part-time at the University for the Creative Arts where he is Professor of Time Based Media. He has made numerous experimental short films, which were awarded prizes at international film festivals. Gallivant (1996), was his first feature film, a road/home movie about his four-month journey around the coast of Britain, with his grandmother Gladys and his daughter Eden, which won the Channel 4 Prize at the Edinburgh Film Festival for Best Director and the Golden Ribbon Award in Rimini (Italy). The film went on in 2011 to be voted number 49 as Best British Film of all time by the UK publication Time Out. In 2001 he directed the first of his Earthworks Trilogy; This Filthy Earth, in 2009 Ivul, and in 2018 Lek And The Dogs. All three films were released theatrically throughout the UK and France. As well as exhibitions of his work in the UK he has also presented retrospectives of his work in Belgium, France, Germany, Holland, Ireland and Switzerland. His twenty-eight year oeuvre to date has moved from early live-art inflected, often absurdist pieces, through darkly comic shorts teasing out the melancholy surrealism at the heart of contemporary Englishness to eight resolutely independent feature films that take biography, landscape and journeys as springboards into the making of visually striking and structurally inventive enquiries into identity, belonging, history and notions of the folkloric.

"Le léopard se couchera près du chevreau 
Le loup habitera avec l’agneau 
Et le jeune garçon lesconduira" 12 + 1 enfants et la carcasse d`une baleine échouée

Konstantina Kotzamani is a graduate student of Film Department of Fine Arts of Thessaloniki. Her short movies have participated in major International Festivals and have received several awards. Her film Washingtonia premiered in Berlinale 2014 and was nominated for the Golden Bear. Washingtonia participated in more than 120 International Film Festivals and in 2014 was awarded by the Greek Film Academy as the best Short Film. One year later Washingtonia received the EFA (European Film Academy) nomination for the best European Short. Konstantina Kotzamani was chosen to take part and present her work in Future Frames at the 50th Karlovy Vary Film Festival 2015 and at the same year, her short film Yellow Fieber premiered in Locarno Film Festival 2015 in international competition Pardi di Domani. Her last short film Limbo co- produced between Greek Film Centre and French CNC, premiered in Cannes , Semaine de la Critique 2016 and after that gained awards in many other International festival such as Palm Springs ( future filmmaker award) , Vila do Conde ( Best Fiction ) , Rio de Janeiro ( Best Short Film , Best director) ect.. Limbo was also nominated for the European Academy Awards 2016 as best European Short.

Washingtonia starts when the giraffes heart can no longer be heard. Washingtonia is an alternative name for Athens, a place where people, like animals, fall into summertime sadness because of the heat. Washingtonia is the only palm tree which heart is not devoured by the red beetle. Because its heart is small and dry and no one likes small and dry hearts.

Konstantina Kotzamani was born in Komotini in 1983. She has studied Pharmacy and then Cinema at Aristotle University of Thessaloniki, Department of Fine Arts. She has participated at Berlin and Sarajevo Talent Campus as a director. Her short movies have been selected in several International Festivals and have gained many awards.

Dans un village de Tchétchénie, une mère et une fille parlent du retour d'une connaissance.

Zaur Kourazov (né en 1994) a obtenu en 2019 son diplôme de la KASK – Académie royale des beaux-arts de Gand (Belgique), avec la mention très bien, pour son œuvre "Time Is" [2020]. Son travail s’intéresse à des thèmes tels que la mémoire, l'identité (culturelle) et les amitiés qui naissent dans un contexte interculturel. Comme il se sent lié à sa culture ethnique et à la culture assimilée, son travail se situe dans une position unique, explorant un "entre-deux", un espace très particulier où l'on comprend les deux mondes mais où l'on n’est adapté à aucun d'entre eux.

The daily life of migrants (Syrian, Kurdish, Pakistani, Afghani and other) in the camp of Idomeni, in Greece. People waiting in queues for food, tea and doctors; waiting to cross the border. One day, Europe closes the West Balkan Route for them once and for all. The «residents» of Idomeni decide, in their turn, to occupy the train tracks, blocking the trains that carry goods across the border.

Niki Giannari: Greek writer, born in 1968. Maria Kourkouta : Greek filmmaker born in 1982. She lives between France and Greece. Since 2008, she made several films, mostly on 16mm at different artist-run labs in France (such as L’Etna and L’Abominable) where she is still active as a member. Most of her films are distributed by Light Cone (Paris).

East of Paradise est le dernier volet de la trilogie Wild Wild East du réalisateur Lech Kowalski. Réalisé après The Boot Factory et On Hitler`s Highway, son nouveau documentaire est de loin le plus personnel. Dans la première partie d`East of Paradise il laisse la parole à Maria Werla Kowalsi, sa mère, qui évoque ses années de guerre. Avec une précision inédite et un sens naturel de la langue, elle conte sa déportation de Cracovie aux goulags soviétiques, survenue au début de la Seconde Guerre Mondiale. Madame Kowalski est convaincue que quiconque n`a pas vécu semblable drame, n`est pas à même de pleinement appréhender cette sombre période de l`histoire. Comme défié par la profondeur et la portée de l`horreur et de la tragédie vécues par sa mère, Kowalski plonge ensuite dans son propre passé mouvementé. Réutilisant des images d`?uvres antérieures (Gringo, Walter and Cutie, D.O.A.) dont la qualité contraste fortement avec celle, très nette, des images de sa mère, il montre les ghettos sociaux du porno et de la drogue. Les images de Lech renvoient à une existence marginale librement choisie, alors que le récit de sa mère est un hommage au désir de survie humain. Ce que raconte Lech n`est comparable au récit oppressant de sa mère que dans une mesure toute modeste. Toutefois, c`est précisément ce fossé infranchissable qui transforme la juxtaposition de deux mondes foncièrement différents en un double portrait aussi controversé qu`intrigant. East of Paradise a remporté, en 2005, le prix du meilleur Film Alternatif à la Mostra - Festival de Venise.

Lech Kowalski est issu d`une famille polonaise. Né à Londres, il grandit aux Etats-Unis. A l`âge de 18 ans il part pour New York où il découvre la musique punk, la drogue et le porno. Du point de vie cinématographique, Kowalski est tributaire de Shirley Clarke. Ses films sont générés par une réalisation fébrile, des enchaînements associatifs et des lignes de récit qui s`entremêlent. Parmi les documentaires antérieures de Kowalski, citons Sex Stars (1977), Death On Arrival (1978), Gringo ? Story of a Junkie (1985), Rock Soup (1991), Born to Lose (1999), Hey is Dee Dee Home (2002), Camera Gun (2003) et Charlie Chaplin in Kabul (2003).

Manuel Saiz l?a fait ! Le célèbre acteur hollywoodien a encore une fois gracieusement accepté d?être ou de ne pas être ce qu?il est. En témoigne le film qui a inspiré le jeu de mot dans le titre de ce court-métrage ? quelques piques lancées à sa personne ou son statut ne lui font pas peur. Il a probablement une petite armée d?agents, de managers et d?assistants à ses ordres afin de garder à distance tous ceux qui essaient de l?utiliser pour son nom. Peut-être que Manuel Saiz a eu de la chance, peut-être qu?il connaît les amis des amis de ? peut-être qu?il a attendu sur le pas de la porte, accroché au téléphone et rendant folle l?armée entière. Il a probablement juste utilisé un argument compatissant qui a touché la corde sensible : est-ce que l?acteur qui aime inverser les rôles pourrait pour une fois prêter sa voix charismatique à un homme qui a précisément l?habitude de prêter sa propre voix ? Un homme qui reste toujours obligeamment dans l?ombre mais qui est, pour la partie de la population mondiale qui parle espagnol, la voix de l?acteur et donc en grande partie, qui est lui. ?Being Luis Porcar? fait partie de la série ?Specialized Technicians Required?, et il nous fait nous demander qui est au juste le technicien spécialisé dans cette construction. Est-ce que c?est le personnage principale, l?homme qui fait le doublage, est-ce que c?est l?artiste lui-même, qui de nos jour doit savoir faire tellement de choses différentes pour être capable de faire son métier comme il faut ?

Manuel Saiz est né à Logroño (La Rioja) en Espagne, il vit maintenant à Londres, en Grande-Bretagne. Il est artiste visuel et conservateur indépendant.

Cette vidéo , qui fait partie de la série "In Art Dreams Come True", est une sorte de remake du clip de la chanson de Gwen Stefani "What Are You Waiting For?". Jouant avec les clichés de la féminité et de la masculinité, Kozyra endosse ici le rôle non d'une diva de l'opéra mais d'une popstar jouant une pompom girl dans un clip vidéo tourné dans les vestaires des hommes. Kozyra effectue le genre de danse et d'acrobatie de circonstances (la chorégraphie est de Anna Godowska), secouant ses pompons, vêtue d'une mini jupe blanche, et essayant d'attirer l'attention des athlètes masculins en train de se changer dans les vestiaires après l'entraînement. Parmi les chanteurs, on trouve des membres de l'équipe de la gallerie Zachêta. Dans ce bref clip vidéo, qui raconte une histoire de rébellion, Kozyra a inclus de nombreuses références à ces oeuvres précédentes.

Katarzyna Kozyra est née à Varsovie, en Pologne, en 1963. Elle a étudié les beaux-arts à l'université de Varsovie de 1988 à 1993. Elle travaille sur la réprésentation, la vidéo et l'installation vidéo. En 1999, elle a reçu la mention honorifique à la quarante-huitième biennale d'art visuel, à Venise. En 2003, elle a obtenu une bourse du Berlin artists program (DAAD). Elle vit à Varsovie, à Trente et à Berlin.

Melilla is a small spanish exclave on the North-African coast. A piece of Europe in Africa, a remnant of colonialism. A huge 12 km long fence here seperates rich Europe from the global South in order to keep away migrants seeking their fortune in Europe. Our films tells the story of three migrants who have made it across the fence. One foot on European soil, they wait for their papers or their final deportation. Opara is from Nigeria. For two years, he lives in the CETI detention camp at the outskirts of the city. He doesn´t want to indemnify with his situation and fights for the respect of the spanish population. He is an active member of the city´s small pentecostal church. Shahbaz from Pakistan lives in the camp for three years. Through his mobile phone, he organises a complex network of relationships to his family at home and to friends who already have reached Europe. The pictures and Hindi-Pop-Songs he has saved on his phone provide him an emotional connection to home. Ilham is from Morocco. Like many other Moroccans, she lives illegally in the city. For years, she fights for a legal status, lives on the street or stays occasionally with friends and does small jobs to survive.

Steffen Köhn Born on the 1st of December1980 in Kirchheimbolanden. Studies of social anthropology and film studies in Mainz and Berlin. Fieldwork and thesis on the West-african Videofilm-Industry. Since 2006 study of film directing at German Film- and Television Academy in Berlin. Paola Calvo Born on the 22nd of May 1980 in Caracas/ Venezuela. Media studies at Universidad Complutense Madrid. Since 2006 study of camera at German Film- and Television Academy in Berlin.

La vidéo entrecoupe deux vues prises par des caméras web, l'une d'une rue enneigée, filmée d'un immeuble adjacent, alors que l'autre est une vue similaire, mais d'une côte enneigée. Les deux scènes sont gelées et anonymes, le seul changement est celui de la lumière qui baisse, et d?une visibilité qui apparaît extrêmement graduellement, presque imperceptible au regard. En contraste, les sept pièces sonores semblent défiler trop rapidement. Si l?on n?y est pas attentif, ce son pourrait passer inaperçu ; minimaliste, il frappe le spectateur-auditeur comme étant trop simple. Cependant, NUUK récompense une écoute profonde, et offre des richesses magistrales à qui se concentre. L?idéal est de se donner la possibilité de descendre dans cette pièce comme en plongée les yeux ouverts, pour s?acclimater aux changements de pression, de lumière et de son.

1965 born in Bochum, Germany Education: 1985-1990 studying electronic music at CEM Studio, Arnhem 1987-1992 Conservatory of Music, Dortmund 1992-1994 Avid Operator, cutter- and soundassistant, Ruhr Sound Studios, Dortmund 1995 ? working as independant artist with sound, installation, film, music, video, theater and radio art Scholarships: 2001 Cité Internationale des Arts, Paris. 2006 Villa Aurora, Los Angeles Awards (selection): ARCO Award Best Young Artist at Arco, Feria International de Arte Contemporaneo Madrid 2005 Transmediale.05 Award, International Media Art Festival, Berlin 2005 TV5 Tiger Cub Award, International Filmfestival Rotterdam 2005 Golden Nica, Prix Ars Electronica, Linz 2004 German Sound Art Award Deutscher Klangkunst-Preis / Produktionspreis WDR, Marl 2004 Laureate, BBI Creation Contest, Fribourg 2004 Norman Award, Filmwinter Stuttgart 2004 New Media Prize, Montreal 2000 Nominations: 2004 MuVi Award, Short Film Festival Oberhausen 2004 Golden Cube, Monitoring Exhibition 21. Kasseler Dokumentarfilm- und Videofest 2004 & 2005 Viper Award, International Festival for Video and New Media, Basel Permanent installations: Musée Rimbaud / Maison Rimbaud, Charleville-Mézières Work in public collections: Centre Pompidou Musée national d`art moderne Paris, France Musée d`art contemporain Montreal, Canada Communidad Madrid Collection, Spain Ayuntamiento de Pamplona, Spain Exhibitions (selection): 2000 Sonic Boom Hayward Gallery London. 2004 Regarder, observer, surveiller Séquence Galerie Chicoutimi (Canada). Cyberarts Center for Contemporary Art, Linz. SoundART ArtCologne, Cologne. German Sound Art Award Skulpturenmuseum Marl. 2005 Gallery 44 Centre for Contemporary Photography, Toronto. Climax National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung. disappear Kunstpavillion Innsbruck. The Pantagruel Syndrome, Museo d`Arte Contemporanea Castello di Rivoli. Commissioned works: 1998 Musée National d`art moderne, Paris 2001 Centre d?art contemporain, Rennes 2004 Musée Rimbaud, Charleville-Mézières Remix (selection): 1999 Nine Inch Nails Remix for Nothing Records / Interscope 2002 Claude Debussy Remix for Universal Music 2003 ISIS Remix for Hydrahead Records Discography: since 1990 releases on more than 70 CD Live-Performance (selection): 1994 Louvre, Auditorium Paris. 1998 Spiral Hall Tokyo. 2001 New Zealand Film Festival. 2002 Kunsthalle Schirn Frankfurt. La Biennale Filmfestival Venice. Walker Art Center Minneapolis. 2003 Musée d?art contemporain Montreal. NYYD Festival for New Music Tallinn. 2004 Musée d?Orsay Paris. Festival de Carthage Tunis. 2005 La Biennale di Venezia, Teatro La Fenice. Palais des Beaux-Arts, Bruxelles. Serralves Museum, Porto. Radio art: 2001 Radio France 2004& 2005 Deutschlandradio Kultur 2006 Westdeutscher Rundfunk WDR Theatermusic: 1997 Krieg, Rainald Goetz, Schauspielhaus Dortmund Guest lectures & workshops (selection): 1998 Keio University Arts Center, Fujisawa. 2000 University of Traditional Music Theatre, Beijing. 2003 Musashino Art University, Tokyo. 2004 Dutch Art Institute, Enschede. 2004 Musrara School of Photography, Jerusalem. 2005 Hyperwerk, Basel.

Une traversée hypnotique entre deux visions du futur et deux utopies, réalisée à partir de fragments du film monumental “Metropolis” (Fritz Lang, 1927) et du film culte des années 80 “Tron” (Steven Lisberger, 1982).

Thomas Köner a étudié à l’Académie de musique de Dortmund, et au CEM- Studio à Arnhem. Son travail s’intéresse principalement à la combinaison des expériences visuelles et auditives, et se développe sous forme d’installations, de concerts, de vidéos, de photographies et d’oeuvres multimédias. En 2000, il reçoit le “New Media Prize” du Montreal International Festival New Cinema New Media. En 2004, il reçoit le “Golden Nica” de Prix Ars Electronica, le “Produktionspreis WDR / Deutscher Klangkunst - Preis” (prix allemand d’art sonore). Son installation média “Suburb of The Void” a reçu le prix Transmediale 2005 à Berlin et a été présenté à la Biennale de Venise, au théâtre de La Fenice, en performance live. La vidéo “Nuuk” a reçu le Tiger Cub Award (meilleur court-métrage) au Festival International du Film de Rotterdam en 2005. Plusieurs musées importants ont acquis ses oeuvres audiovisuelles pour leur collection: notamment le Centre Pompidou, le Musée d’art contemporain de Montréal, la Comunidad de Madrid, le FRAC Limousin. En 2008, il participe à la Media Art Biennal de Séoul. En 2009, il reçoit le Prix MuVi au Festival international du film court d’Oberhausen. Thomas Köner est nominé pour le prix Nam June Paik en 2012.

In a barque she sails across the high lands of the past. The barque heads shimmer and glow at stern and bow, and that lights her unseeable passage. She calls to the spirits of this hour, and that is how we come to even hear her voice. La Barca locates a radiance of memories by transforming the residues of recorded visual and sonic reality into imaginary music of urban spaces.

Dans la sa série d'oeuvres audiovisuelles "Pneuma Monoxyd", Thomas Köner cherche à détecter les fluctuations et frontières invisibles qui déterminent chaque instant. Dans la première partie, un plan fixe sur un marché des Balkans semble une fenêtre ouverte sur l?autre côté, révelant la frontière poreuse qu'est devenue le Hic et Nunc. Dissoute par un souffle léger, la banalité de la vie quotidienne est libérée pour embrasser le lugubre et la beauté dans une danse trouble.

Thomas Köner est né en 1968 en Allemagne. Après avoir suivi des cours au Conservatoire de musique de Dortmund et étudié la musique électronique au CEM-Studio d'Arnhem, il travaille comme monteur et ingénieur du son pour le cinéma jusqu'en 1994. Il obtient le prix New Media du Festival International du Nouveau Cinéma et des Nouveaux Médias de Montréal en 2000, le Golden Nica du Prix Ars Electronica en 2004 et le prix d'art sonore Produktionspreis WDR / Deutscher Klangkunst-Preis. Son installation "Suburbs of the Void" obtient le prix Transmediale 2005 et est présentée la même année à la Biennale de Venise sous la forme d'une performance au théâtre de La Fenice. Sa vidéo "Nuuk" obtient le Tiger Cub Award du meilleur court-métrage au Festival du Fim de Rotterdam en 2005. Il étudie la composition musicale et se consacre de manière intensive à la recherche sur le son en studio d'enregistrement, mettant de côté rythme et mélodie pour se concentrer sur le concept de couleur sonore. Il étend ses recherches à d'autres médias en collaborant avec l'artiste Jürgen Reble sur la performance Alchemie (1992), et compose des bandes originales de films et de la musique électronique pour accompagner en direct la présentation de films muets au Musée du Louvre et au Musée d'Orsay. En tant que producteur de techno progressive, il fonde le projet Porter Ricks en collaboration avec Andy Mellwig et remixe les musiques de Nine Inch Nails et Claude Debussy. Le Musée Rimbaud lui a commandé cinq installations sonores permanentes pour la Maison Rimbaud à Charleville-Mézières. Ses ?uvres audiovisuelles font partie des collections permanentes de musées d'art contemporain comme celui de Montréal.

« Pasajeros Pelegrinos Pilotos » montre des piétons et des usagers des transports pendant leurs trajets quotidiens. Un Doppelgänger (double) imaginaire, accompagnant chacune des personnes, apparaît. Selon l'artiste, le Doppelgänger représente un soi-même idéal, qui sait tout, ne prend jamais de mauvaises décisions mais, bien sûr, arrive toujours trop tard.

Thomas Köner est né en 1965. Artiste médiatique, il travaille avec les installations audiovisuelles, le son, la vidéo, la photographie, le net art et les performances live. Ses ?uvres appartiennent aux collections de nombreux musées d'art prestigieux. Parmi les prix qui lui ont été décernés, citons notamment le Golden Nica au Prix Ars Electronica en 2004, le Transmediale Award en 2005, le Golden Tiger Cub au Festival du Film de Rotterdam (Pays-Bas) en 2005.

Trois scènes dans des lieux éloignés, incertains : second, tiers monde; des gens dans les rues de Harar, de Belgrade et dans une favela de Buenos Aires. La caméra effectue des mouvements fluides et aériens; nous voyons les visages devenir transparents, les images se désagréger obscurcissant les différents niveaux de la mémoire personnelle. Ce qui semblait à première vue être l'observation de trois fragments de vie distincts est rassemblé dans l'immense espace d'un moment donné, faisant surgir un microcosme temporel qu'on peut seulement pénétrer de loin, le côté insignifiant du monde. "Périphériques" la troisième section, montre des gens en train de marcher, zoomant sur le flottement des habits, figures fantômatiques sans être ni corps, comme si la personne et l'identité disparassaient quand on les convoque, révélant le vide agité qui habite la périphérie de leur centre.

Thomas Köner, né en 1965, a suivi les cours du Music college de Dortmund et a étudié la musique électronique au CEM-Studio de Arnhem. Jusqu'en 1994, il a travaillé sur des films en tant qu'ingénieur du son. Il a étendu son concept de son-couleur aux images en mouvement, à travers des installations vidéo et des films. En 2002, au Festival International du Nouveau Cinéma et des Nouveaux Médias de Montréal, il a reçu le "New Media Prize". En 2004, au Prix Ars Electronica, il a été récompensé par le "Golden Nica", et il a reçu le "Produktionspreis WDR" lors du "Deutsche Klangkunst-Preis" (prix d'art du son allemand). Son installation média "Suburbs Of The Void" a reçu le prix du Transmediale de 2005 à Berlin et la même année, a été présentée à la Biennale de Venise, au Théâtre La Fenice, comme une performance en direct. La vidéo de Thomas Köner, "Nuuk", a reçu le Tiger Cub Award (meilleur court-métrage) lors du Festival International de Cinéma de Rotterdam en 2005.

Daniel Kötter’s single take film “A Composer” documents a car ride by Lebanese composer Zad Moultaka, re-imagining a story that happened 10 years ago, when Moultaka was threatened for using the word “Israel” in one of his compositions. The political situation of his home country, its psycho-geography and the conditions of artistic practice in the Middle East, all this superimposed in the protagonist’s imagination. A film documenting the assimilation of past and present reflected in the recording situation.

Daniel Kötter is a director and video artist whose work oscillates deliberately between different media and institutional contexts, combining techniques of structuralist film with documentary elements and experimental music theater. It was shown in numerous galleries, video festivals, concert halls and theatres all over the world. Between 2008 and 2011, he developed the video-performance trilogy Arbeit und Freizeit. His music theatre performances in collaboration with composer Hannes Seidl are shown at numerous international festivals. Kötter`s series of installations, films, and discursive work on urban and socio-political conditions of performativity has been under development since mid-2009 under the title state-theatre: Lagos/Teheran/Berlin/Detroit/Beirut/Mönchengladbach (with Constanze Fischbeck). His film and text work KATALOG was shot in twelve countries around the mediterranean sea portraying sites and practices related to the definition of the public sphere. It was presented at the Venice Biennal for Architecture.

L'échange de coups entre deux adversaires commence par des Aufschläge (ici: services, de tennis ou de badminton), ce sont les Aufschläge (ici:chocs) qui arrivent au bout de la chute, et les Aufschläge (ici:le soulèvement des paupières)qui ouvrent le jeu de la séduction. Mais ici le corps ne rencontre et n'atteint que lui-même: verticalement (Aufschläge). Il se poursuit lui-même sans la perspective de se rattraper un jour: horizontalement (canon). Les bras, les jambes, la tête, le visage, la chair se font face et entrent en contact dans un coin de la pièce. L'installation vidéo à 2 canaux ?Aufschläge ? Kanon? a été présentée pour la première fois dans le cadre du projet audiovisuel ?In der Gnade der Strafe sein? de Christoph Ogiermann (composition) et Daniel Kötter (vidéo)

Daniel Kötter Né en 1975; ses travaux de réalisation et ses installations vidéo ont été présentées entre autres au Hebbel-Theater Berlin, aux sophiensaelen, au KW- institute for contemporaray art de Berlin, à la Künstlerhaus Bethanien, à TESLA Berlin, à la Festspielhaus Hellerau de Dresde, Casa da musica Porto et dans le cadre du Ultraschall-Festival de Berlin, de la Ostseebiennale für Klangkunst, Tanz en Août ainsi qu'au printemps des arts de Brême et Rohkunstbau; collaboration entre autres avec les compositeurs John Lely, Helmut Oehring, Thierry Blondeau, Christoph Ogiermann, Iris ter Schiphorst, l' Ensemble Apartment House London, les musiciens Boris Baltschun, Daniel Teige und les chorégraphes Sasha Waltz, Paul Gazzola et Petra Sabisch, mise en scène vidéo entre autres pour des musiques de Luigi Nono, Iannis Xenakis, Helmut Oehring et Franco Evangelisti, depuis 2000 directeur artistique du "labor für musik:theater berlin".

The film Rift Finfinnee takes the viewer on a journey through the periphery of Ethiopian capital Addis Ababa. In strictly composed landscapes and architecture shots, and with a soundtrack that interweaves the original conversations in a complex way, the film travels along the Akaki river gorge, dissecting the more than symbolic rift between city and rural. It takes the concrete geography, architecture and the every day life of individual agricultural and construction workers in the east of Addis Ababa (in Oromo: Finfinnee) as the starting point for an allegorical narrative about the becoming urban of an African society on the edge of civil war.

Daniel Kötter is an international filmmaker and theater director. Visual research leads him again and again to the African continent and the Middle East. 2014-18 he worked with the curator Jochen Becker (metroZones) on the research, exhibition and film project CHINAFRIKA. Under Construction. In 2017-20 he worked on the documentary film trilogy Hashti Tehran (2017, 60 ’), Desert View (2018, 84’) and Rift Finfinnee (2020, 80 ’) about urban peripheries in Tehran, Cairo and Addis Ababa. Hashti Tehran won the special award of the German Short Film Award, Rift Finfinnee the DEFA Award at DOK Leipzig. Daniel Kötter is currently working on a series of spatial performances and 360° films on the landscape and social consequences of extractivism in Germany, West Papua, DR Congo and Estonia under the title landscapes and bodies.

Following the traces of Glenn Gould and his so-called ?Solitude-Trilogy? up north at Lake Superior seemed a welcome alibi for a middle-european to explore a little bit of what is called THE NORTH for Canadians, what it means to drive hours and hours without one single settlement, having the car radio and the camera as sole companions. And what community might mean under the circumstances of the periphery. What I brought back from there? The certainty that there is definitely no marxist in the White House! And that even in the most remote retreat: Beware of the dogs!

Daniel Kötter ist ein international tätiger Filmemacher und Musiktheater-Regisseur. Seine Arbeiten changieren zwischen verschiedenen medialen und institutionellen Kontexten. Sie wurden weltweit auf zahlreichen Film- und Videokunstfestivals, in Galerien, Theatern und Konzerthäusern gezeigt. Zu seinen Hauptwerken zählen neben experimentellen Videokonzertperformances (mit Hannes Seidl) die Mehrkanal-Trilogie Arbeit und Freizeit (2009-2011) sowie die Film-, Performance- und Diskursreihe state-theatre über die Bedingungen des Performativen in den Städten Lagos, Teheran, Berlin, Detroit, Beirut, Mönchengladbach (mit Constanze Fischbeck).