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“I can`t look at the sea too long, otherwise I lose interest in what happens on land."

Salomé Lamas (1987, Lisbon, Portugal) studied Cinema in Lisbon and Prague, MFA in fine arts in Amsterdam, and is a Ph.D candidate in film studies in Coimbra. She has been working with time-based image and has exhibit both in art spaces and film festivals. After a couple of awarded short films A COMUNIDADE, ENCOUNTERS WITH LANDSCAPE 3x her debut film TERRA DE NINGUÉM (NO MAN’S LAND) swept most of the domestic awards at Doc Lisboa, had its international premiere at Berlinale Forum and was later presented at MoMA Documentary Fortnight, FidMarseille, Viennale, etc. Lamas is a MacDowell Colony fellow, a Rockefeller Foundation Bellagio Center fellow, a Bogliasco Foundation fellow and DAAD Berliner Künstlerprogramm fellow.

Maybe Kolja’s experiment of merging his body (human) with the tree (nature) venturing into a border zone between the earth and the sky is due to his purity of spirit, to the grandeur of the idiots, or the foolishness of the mystics; or is it all this together? Maybe it is a symptom of the enlightened – or simply an elaborated suicide.

Salomé Lamas (1987, Lisbon, Portugal) studied Cinema in Lisbon and Prague, MFA in Amsterdam and is a Ph.D candidate in film studies in Coimbra. She has been working with time-based image and has exhibited both in art spaces and film festivals. After a couple of short films, her debut film NO MAN’S LAND premiered internationally at Berlinale (Forum) and was exhibited in a number of other festivals. Lamas is a MacDowell Colony fellow, a Rockefeller Foundation Bellagio Center fellow and DAAD Berliner Künstlerprogramm fellow.

Ubi Sunt. Porto. Cartography of an imaginary place attracted by the margins (social and geographical). Hybrid and eclectic project, it is the outcome of a audiovisual research residency of humam and urban exploration of an expanding city. Ubi sunt qui ante nos fuerunt?, meaning "Where are those who were before us?". Reflective essay on mortality and life`s transience, it emerges from that dialectic, of a and episodic and fragmented structure with a choreographed cinematography; where the memory intersects the contemporary. The project hosts two performances - `One Life to Live` and `Requiem` by Christoph Both-Asmus and counts with the participation of CESA.

Salomé Lamas (b.1987, Portugal) is a filmmaker whose work dissolves the apparent border between documentary and fiction. With an interest in the intrinsic relationship between storytelling, memory and history, Lamas uses the moving image to explore the traumatically repressed, seemingly unrepresentable or historically invisible ‘ from the horrors of colonial violence to the landscapes of global capital. Her debut feature No Man’s Land [Terra de Ninguem] (2012) premiered internationally at Berlinale and went on to screen at many major international film festivals. Her short films have been presented in art and film institutions including Museum of Modern Art, New York; Guggenheim Bilbao; Hammer Museum, Los Angeles; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Viennale, Vienna; Bozar Centre for Fine Arts, Brussels; and Biennial of Moving Images, Geneva. Lamas is currently a PhD candidate in film studies at the University of Coimbra, Portugal.

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Salomé Lamas (Lisbon) studied cinema in Lisbon and Prague, visual arts in Amsterdam and is a Ph.D candidate in contemporary art studies in Coimbra. Her work has been screened both in art venues and film festivals such as Berlinale, BAFICI, Museo Arte Reina Sofia, FIAC, MNAC “ Museu do Chiado, DocLisboa, Cinema du Réel, Visions du Réel, MoMA “Museum of Modern Art, Museo Guggenheim Bilbao, Harvard Film Archive, Museum of Moving Images NY, Jewish Museum NY, Fid Marseille, Arsenal Institut fur film und videokunst, Viennale, Culturgest, CCB - Centro Cultural de Belàm, Hong Kong FF, Museu Serralves, Tate Modern, CPH: DOX, Centre d’Art Contemporain de Genêve, Bozar , Tabakalera, ICA London, TBA 21 Foundation, Mostra de Sào Paulo, CAC Vilnius, MALBA, FAEMA, SESC Sào Paulo, MAAT, La Biennale di Venezia Architettura, among others. Lamas was granted several fellowships such as The Gardner Film Study Center Fellowship “ Harvard University, The Rockefeller Foundation “Bellagio Center, Fundaço Calouste Gulbenkian, Fondacion Botà¬n, Sundance, Bogliasco Foundation, The MacDowell Colony, Yaddo, Berliner Kànstlerprogramm des DAAD. She collaborates with Universidade Catàlica Portuguesa and Elias Querejeta Zine Eskola. She collaborates with the production company O Som e a Féria and is represented by Miguel Nabinho Gallery.

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Salomé Lamas (Lisbon) studied cinema in Lisbon and Prague, visual arts in Amsterdam and is a Ph.D candidate in contemporary art studies in Coimbra. Her work has been screened both in art venues and film festivals such as Berlinale, BAFICI, Museo Arte Reina Sofia, FIAC, MNAC “ Museu do Chiado, DocLisboa, Cinema du Réel, Visions du Réel, MoMA “Museum of Modern Art, Museo Guggenheim Bilbao, Harvard Film Archive, Museum of Moving Images NY, Jewish Museum NY, Fid Marseille, Arsenal Institut fur film und videokunst, Viennale, Culturgest, CCB - Centro Cultural de Belàm, Hong Kong FF, Museu Serralves, Tate Modern, CPH: DOX, Centre d’Art Contemporain de Genêve, Bozar , Tabakalera, ICA London, TBA 21 Foundation, Mostra de Sào Paulo, CAC Vilnius, MALBA, FAEMA, SESC Sào Paulo, MAAT, La Biennale di Venezia Architettura, among others. Lamas was granted several fellowships such as The Gardner Film Study Center Fellowship “ Harvard University, The Rockefeller Foundation “Bellagio Center, Fundaço Calouste Gulbenkian, Fondacion Botà¬n, Sundance, Bogliasco Foundation, The MacDowell Colony, Yaddo, Berliner Kànstlerprogramm des DAAD. She collaborates with Universidade Catàlica Portuguesa and Elias Querejeta Zine Eskola. She collaborates with the production company O Som e a Féria and is represented by Miguel Nabinho Gallery.

"Extraction: The Raft of the Medusa" est à la fois une méditation sur le modifications importantes de la planète par l'humanité, et un pamphlet dystopique sur l'anthropocène. "Extraction: The Raft of the Medusa" dépeint un bref moment d'euphorie, alors que les occupants du radeau à la dérive semblent entrevoir une possibilité de salut, espérant et priant pour être secourus. Nous pouvons presque entendre les cris rauques par lesquels ils tentent d'attirer l'attention sur leur situation désespérée, rassemblant une dernière once de force avant le vide. C'est leur dernière chance de survie. "Extraction: The Raft of the Medusa" fait référence à la vision du monde, aux technologies et au paradigme coloniaux qui délimitent les régions à forte biodiversité, afin de réduire la vie à sa transformation en ressource par le capitalisme, au coût d’un énorme impact environnemental et social. Il s'agit d'une allégorie des états d'urgence en matière de politique environnementale, de climat et de migration, avec un objectif éthico-politique.

Salomé Lamas est née à Lisbonne (Portugal), et a étudié le cinéma à Lisbonne (Portugal) et à Prague (République tchèque), les arts visuels à Amsterdam (Pays-Bas), et est doctorante en études d'art contemporain à Coimbra (Portugal). Son travail a été projeté dans divers lieux d'art et festivals de cinéma, notamment à la Berlinale, Berlin (Allemage); au BAFICI – Festival Internacional de Cine Independente de Buenos Aires (Argentine); au Museo Arte Reina Sofia, Madrid (Espagne); à la FIAC – Foire internationale d’art contemporain, Paris (France); au MNAC - Museu do Chiado, Lisbonne (Portugal); à DocLisboa, Lisbonne (Portugal); à Cinéma du Réel, Paris (France); à Visions du Réel, Nyon (Suisse); au MoMA - Museum of Modern Art, New York (USA); au Museo Guggenheim Bilbao (Espagne); à la Harvard Film Archive, Cambridge (USA); Museum of the Moving Images, New York (USA); au Jewish Museum, New York (USA); au FIDMarseille (France); au Arsenal Institut für Film und Videokunst, Berlin (Allemagne); à la Viennale, Vienne (Autriche); à Culturgest, Lisbonne (Portugal); au CCB - Centro Cultural de Belém, Lisbonne (Portugal); au Hong Kong Film Festival (Chine); au Museu Serralves, Porto (Portugal); à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au CPH: DOX, Copenhague (Danemark); au Centre d'Art Contemporain Genève (Suisse); au Bozar, Bruxelles (Belgique); au Tabakalera, Saint-Sébastien (Espagne); au ICA – Institute of Contemporary Arts in London, Londres (Royaume-Uni); à la TBA 21 Foundation, Madrid (Espagne); à la Mostra de São Paulo (Brésil); au Contemporary Art Centre Vilnius (Lituanie); au MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Argentine); au FAEMA; au SESC São Paulo (Brésil); au MAAT – Musée d’Art, Architecture et Technologie, Lisbonne (Portugal); et à La Biennale di Venezia Architettura, Venise (Italie). Salomé Lamas a reçu plusieurs bourses, notamment la bourse du Gardner Film Study Center - Université Harvard, Cambridge (USA); de la Film Study Center-Harvard Fellowship, Cambridge (USA); de la Rockefeller Foundation – Bellagio Center (Italie); de la Brown Fondation – Maison Dora Maar, Ménerbes (France); de la fondation Botín, Santander (Espagne); de la Fondation Calouste Gulbenkian, Lisbonne (Portugal); de Sundance, Park City (USA); de la Bogliasco Foundation, Bogliasco (Italie); de la MacDowell Colony, Peterborough (USA); de Yaddo, Saratoga Springs (USA); de la Fondation Camargo, Cassis (France); et du le Berliner Künstlerprogramm des DAAD, Berlin (Allemagne). Elle collabore avec la Universidade Católica Portuguesa, Lisbonne (Portugal), et avec la Elias Querejeta Zine Eskola, Saint-Sébastien (Espagne). Elle travaille avec la société de production O Som e a Fúria, Lisbonne (Portugal), et est représentée par la Galeria Miguel Nabinho, Lisbonne (Portugal) et la Kubikgallery, Porto (Portugal).

Récit anonyme d`un exil.

Vianney Lambert est réalisateur de films documentaires. L'image de la vieillesse est au coeur de plusieurs de ses films : Hall, Matricule 1141, mort pour la France, Suzanne. Son travail croise d'autres problématiques comme l'enfermement (Une heure seulement), l'exil (Le meilleur âge) et côtoie des formes parfois à la limite de l'expérimental (Quelque part, un peu partout). En 2001, il fonde avec Mohamed Ouzine et Charlie Rojo l'association Cent Soleils à Orléans, qui programme des films documentaires et organise des ateliers cinéma. Depuis 2007, Cent Soleils développe une production associative de courts métrages documentaires. Vianney Lambert travaille également comme opérateur. Aujourd'hui, il développe plusieurs projets qu'il souhaite réaliser en pellicule.

Prepend Bunny fut créé par un programme écrit en Max/MSP qui transforme les acronymes en couleurs numériques en calculant la place d'une lettre dans l'alphabet et avec l'index de couleurs standard RGB. Ainsi, un élément d'information déjà compressé est encore réduit à une couleur unique comme un moyen de négocier la langue anglaise qui s'étend sans cesse. Dans les vingt dernières années, trois lettres acronymes sont devenues non seulement un lieu commun mais nécessaire pour la gestion d'un ensemble de mots toujours grandissant. Les ordinateurs et la technologie militaire ainsi que la technologie pour les nouvelles inventions et les produits de consommation ont gonflé la langue anglaise. À cette fin, il est devenu plus simple de communiquer en condensant des suites de mots. Preprend Bunny réalise ce phénomène et va encore un peu plus loin en compressant des acronymes en de simples couleurs. Peut-être que la technologie du futur va donner à nos yeux la possibilité de décompresser les bits de couleurs en de longues suites de texte écrit. Les arcs en ciel et les coupons remplaceront peut-être notre langage écrit et l'apprentissage visuel en serait décuplé. Procédé : Il y a 26 lettres dans l'alphabet. On donne à chaque lettre un nombre : A=0, B=10, C=20... Z=250. Cela crée une fourchette de nombres entre 0 et 250 qui est aussi la fourchette numérique utilisée pour l'index des couleurs RGB de l'ordinateur. C'est grâce à cet index que l'on peut créer toutes les couleurs sur un écran d'ordinateur à partir de trois couleurs ou canaux de base : rouge, vert et bleu. Ces trois couleurs sont capable d'en créer des millions de couleurs différente selon la quantité ou la valeur de rouge, de vert ou de bleu qui est utilisé. Une valeur numérique élevée dans le canal rouge va donner un rouge éclatant, une valeur numérique basse donnera un rouge foncé. Ensuite, la première lettre de l'acronyme est assignée au canal rouge, la seconde au vert, la troisième au bleu. Le nombre de la lettre entre 0 et 250, va déterminer la valeur du canal de couleur. Enfin, les trois canaux seront combinés pour créer une couleur finale. Dans son essence, il s'agit de la couleur de l'acronyme. Trame de fond : Prepend Bunny est influencé par le domaine en expansion de la visualisation des informations. Organiser les données en une composition visuelle suppose une variété de formes : des cartes, des hit-parades, des illustrations, des diagrammes et des interfaces logicielles graphiques. Ces manifestations sont vitales pour la compréhension de notre univers. Le professeur de l'Université de Yale, chercheur et artiste Edward Tufte fut un pionnier dans le domaine de l'Art-art cognitif utilisé comme imagination. Il a provoqué une attention critique sur le sujet tout en attirant des penseurs artistiques et créatifs dans l'arène. Prepend Bunny va plus loin que le discours par lequel l'information mot en particulier peut être réalisée et comprise, en apportant une autre manière de voir.

Luke Lamborn a exposé et projeté ses ?uvres artistiques dans tous les Etats-Unis et internationalement. Il a obtenu un BFA en Média Numériques à l'université du Colorado, à Boulder, et fut aussi diplômé de Summa Cum Laude. Il a travaillé comme web-designer, comme designer graphique et technicien dans le secteur commercial. En ce moment, Lamborn continue son MFA en arts informatiques à la Syracuse University, dans le département Transmedia tout en travaillant comme professeur assistant et technicien de laboratoire.

La série vidéo "Square millimeter" ("millimètre carré") cherche à imiter la possibilité d'événements extraordinaires mais négligés, comme capturés par un vidéaste qui passait par là. Ces vidéos prennent forme à travers les écrits de Carlos Castaneda, anthropologue qui a décrit des moments rares pendant lesquels notre perception normale de la vie quotidienne est bouleversée sans que ces bouleversements aient pu être anticipés.

Luke Lamborn est un artiste média qui examine de nouveaux moyens d'amplifier la perception à travers les technologies numériques. Il étudie actuellement aux États-Unis.

Two men measure the heights of pine trees. A woman listens to what the trees are saying. The children of the village set up the camp. A cloud of digital dots reveals the forest. The pines have said that we can ask. They always called this place “Paraíso”. Machines will come soon.

On the stage of an empty museum auditorium, a small amateur theatre company rehearses fragments of the novel Ochered’ for the first time. The backdrop is Soviet Russia’s Banner of Victory. As they articulate the phrases, the actors taste the rhythm and flow of Sorokin`s dialogues. Nine young people thus try to familiarize themselves with the writers` notations of1980s (street) language, and with the novel`s overall dark humour. Vladimir Sorokin’s avant-garde novel Ochered’ was completed in1983 and first published in France. Written in dialogues only, it illustrates a scene in which Russians standing in a long queue in the streets of Moscow, wait to obtain their cut of scarce supplies. The waiting people joke, chat about the news, solve crossword puzzles and argue. The dialogue format, more importantly, the leitmotif of waiting and suspended desire, inspired Lamers to re-edit parts of the novel into a ‘play’ for nine actors. Ochered (the rehearsal) examines how contemporary young Russians interact with precedent social and political circumstances and ideologies. It also explores how past rhetoric and convictions can still be traced in the bodies and gestures of today’s people

Ine Lamers lives and works in Rotterdam, Netherlands Artist Ine Lamers has been active since 1990 as an independent fine artist. Her medium of primary interest has been photography, but since 2000 video has also played an important role in her work. Large format colour photos, slideshow or video installations in which narrative and abstract elements are juxtaposed with one another illustrate urban still-lives with traces of human activity, or paralyzed scenes on which actors take stage. The works form a study after subjective experience and a research into the narrative potentialities of photographic and video media. Lamers seeks out stories and buried memories. She travels to countries where ideology is encapsulated in the architecture and the city space. Socialist city architecture and the traces of communist ideology have central significance in recent photographic and video works. The dystopian scenes in urban peripheries are often captured at dusk or at night, or with actors on theatrical stages. The obscurity and artificiality evoke a view on how the past is still part of the present. Lamers` photos and videos purposefully offer us fragments. In exhibitions the viewer becomes part of the reconstruction of a non-linear visual narrative.

In 1973, Robert Altman`s THE LONG GOODBYE was both a critical and commercial flop. Set in a time transposed, neo-noir Los Angeles, Elliott Gould`s bumbling performance as gumshoe Philip Marlowe left Raymond Chandler aficionados dismayed, as did Vilmos Zsigmond;s kinetic camera work and John Williams` cheeky score. The film quickly disappeared from theaters and was never shown on television. While the film was released on RCA`s short-lived Video Disc format in 1981, the movie has not been seen since. All known prints were destroyed, and the original production elements perished due to a leaky sprinkler system in a Culver City in 1983. THE LONG GOODBYE was written off as permanently lost, an all too important missing link from Altman`s greatest period. It has for years remained a film that is impossible to reassess. Filmmaker and archivist Andrew Lampert’s serendipitously purchased a mysteriously film titled EL ADIOS LARGOS from a collector through the mail in 2002. Closer examination revealed that this 16mm, black and white, cropped, Spanish-language dubbed print was actually a reduction copy of Altman’s 35mm, color, widescreen, English-language masterpiece. Knowing the importance of his discovery, Lampert and a team of volunteer preservationists, including colorization expert Jody Blyer, set out on a decade-plus mission to preserve this unearthed gem using the latest digital technology. Lampert has gone to extensive lengths to painstakingly produce the most authentic, thoroughly accurate version that can be made given the considerable difference in materials.

Andrew Lampert is at the forefront of a new generation of artists engaging with film, video and performance, revisiting and extending the dialogue around an expanded cinema. Lampert pursues the alchemy between artist, art, and audience in a public space, especially that of cinema. Bringing unscripted and chance elements into cinema`s veneer of control, and often working with found material, he foregrounds the contingency of film as a medium. Reveling in cinema as a performative environment, Lampert reclaims this space from a mass media culture to emphasize its potential for immediacy and accident—and to make each of his screenings and performances a one-of-a-kind event. Lampert explores the cinematic experience as content, experimenting with the physical spaces between projector, projectionist, audience and screen, and with the experiences made possible through their convergence. The cinema becomes a site of abstract and magical production in his performances, videos and films, as Lampert investigates the gap between an artwork`s private intent and its public reception. Lampert`s media works defy strict categorization as films or videos. His projects are unified in their emphasis on the frame around the edges of narrative—the genres and clichés in which he cloaks on-screen action, the happy accidents during production, and the unexpected events during a screening that shape the audience`s response and foreground human activity in the cinematic context. Lampert was born in St. Louis, Missouri in 1976. His work has been shown at the 2006 Whitney Biennial; The Getty Museum, Los Angeles; Mitchell Algus Gallery, New York; British Film Institute, London; The Kitchen, New York, and Light Industry, Brooklyn, amongst many other venues. Lampert`s work has also been featured in a number of international festivals, including the New York Film Festival and the Rotterdam International Film Festival. In addition to his work as an interdisciplinary artist, he is the Film Archivist at Anthology Film Archives in New York.

Une femme africaine, assise à l'extérieur de sa hutte, prépare un repas pour son invitée. L'invitée, une femme blanche malade allongée sur un lit, accepte avec ambiguïté les faveurs de son hôte. Mais le "médicament" qui lui est administré ne semble pas faire effet. A travers de simples tableaux et clichés, cette oeuvre brève examine les aspects psychologiques de la relation post-coloniale entre Europe et Afrique confrontées à l'immigration illégale.

Ane Lan est né à Oslo, en Norvège, en 1972. Il a obtenu son diplôme en 2002 au National College of Art and Design d'Oslo. Il travaille actuellement dans les domaines de la performance, de la musique et du film et de la vidéo expérimentale. Il a participé à diverses expositions internationales, au Whitney Museum of American Art, à New York, au Paco das Artes, à Sao Paolo, à la 51ème biennale de Venise et à la 10ème biennale d'Istanbul. Lan a aussi participé à de nombreux festivals de film et de vidéo à travers le monde.

Entre les flammes brûlantes de Vesta, plusieurs "Vierges Vestales" posent des questions sur les vertus de la pureté et sur la condition passée et actuelle de l´apparence féminine. Ane Lan, qui incarne à la fois le peintre et la femme assise, soulève des questions sur le regard de la femme par rapport au regard de l´homme dans la peinture classique.

Ane Lan est né à Oslo, Norvège, en 1972. Il est diplômé de l´École Nationale d´Art et de Design d´Oslo (2002), et travaille avec les performances, la musique ainsi que les films/vidéos expérimentaux. Il a pris part à des expositions au Musée Whitney d´Art Américain, la Galerie Reiner Roterfeld et la Biennale 2002 de Venise. Lan a également pris part à des nombreux festivals internationaux du film et de la vidéo, et des projections dans le monde entier.

En se mettant lui-même en scène dans des costumes de femmes de différentes régions du monde, l?artiste Ane Lan soulève la question de l?image, de l?appartenance ethnique et du multiculturalisme dans le concept de la globalisation économique.

Ane Lan est né à Oslo (Norvège) en 1972. Il a obtenu son diplôme en 2002 au National College of Art and Design d?Oslo. Il travaille actuellement dans les domaines de la performance, de la musique et du film et de la vidéo expérimentaux. Il a participé à diverses expositions internationales, au Whitney Museum of American Art de New York (USA), au Paco das Artes de Sao Paolo (Brésil), à la 51e Biennale de Venise (Italie) et à la 10e Biennale d?Istanbul (Turquie). Lan a également participé à de nombreux festivals de film et de vidéo dans le monde entier.

A l’aube, une bande d’amis se retrouve sur les toits d’une école à Athènes. C’est leur rituel. Ils surplombent la ville, cette ville qui sera à eux jusqu’au matin suivant. Le film raconte l’errance d’un groupe d’adolescents à la périphérie d’Athènes. Ils traverseront un lieu gardé sous haute surveillance : Hellinikon. Pendant six décennies, Hellinikon a été le seul aéroport d’Athènes. En 2004, il accueille les infrastructures des Jeux Olympiques. Depuis, les mauvaises herbes ont envahi les ruines des équipements sportifs. Toutes les marques de son passé sont encore, comme sédimentées, inscrites à Hellinikon. Les jeunes décident de s’y introduire avant que le site ne soit rasé, transformé, avant que sa mémoire ne disparaisse.

Margot Lançon vit et travaille entre Genève et Paris. En juin 2019, elle obtient son bachelor en Arts Visuels à la Haute Ecole d’Art et de Design de Genève avec les félicitations du jury. Margot Lançon s’intéresse aux nouvelles formes d’écriture documentaire et développe une pratique mêlant films, vidéos et photographies. Aujourd?hui, elle poursuit son cursus en cycle master à l'École Nationale Supérieure d'Arts Paris - Cergy. Chloé Simonin vit et travaille à Genève. En juin 2017, elle est diplômée d’un bachelor Arts Visuels, filière Information/Fiction, de la Haute Ecole d’Art et de Design de Genève avec les félicitations du jury. Elle étudie actuellement l’anthropologie visuelle à l’université de Neuchâtel.

?Betty Creek? est un film fait à partir de matériaux provenant d?un endroit situé dans le sud des montagnes Appalaches. Différents éléments tels que de la terre, des végétaux, des sons et des images accélérées ont été rassemblés et collées sur la pellicule en utilisant diverses méthodes, afin de donner une idée "projetée" de l?environnement de Betty Creek.

Né à Jacksonville en Floride, Robbie Land a commencé à travaillé dans la vidéo, et particulièrement en super-8, au milieu des années 80 en produisant des animations et des expériences de ?live action? (films avec des acteurs réels et non pas des animations). Au début des années 90, il étudie les beaux-arts à la University of South Florida à Tampa en Floride. Après avoir reçu son diplôme il a exercé de nombreux métiers tout en continuant à produire des films et à photographier des natures mortes. Il a travaillé sur de nombreux projets en tant que directeur de la photo au Florida Lightning Research Facility et en enseignant la production de film à un niveau universitaire. Il vit actuellement à Atlanta en Géorgie et continue à expérimenter différentes méthodes filmiques pour des installations, des projections de film et divers événements. Le travail de Robbie a été projeté à la Kunst Film Biennale de Cologne en Allemagne, au Museu Do Chiado à Lisbonne au Portugal, à l?International Experimental Cinema Exposition à Denver au Colorado ainsi qu?à d?autres différents événements et projections individuelles et collectives.

?Betty Creek? est un film construit avec des matériaux récupérés dans un endroit au sud des montagnes Appalaches. De nombreux artéfacts comme de la saleté, de la vie végétale, du son, des enregistrements chrono cinématographique de la vie nocturne ont été rassemblés et appliqués sur du celluloïd en utilisant de nombreuses méthodes afin de donner une projection qui fasse ressentir l?environnement de Betty Creek.

Robbie est né à Jacksonville en Floride et il a commencé à travailler sur le film, plus particulièrement sur du Super 8 à la moitié des années 80 en produisant des animations et des performances. Dans le début des années 90, il est allé à l?université de South Floridia à Tempa pour étudier les beaux-arts. Après avoir été diplômé, il a travaillé sur de nombreux projets étranges et a continué à produire des films et des plans fixes. Il a travaillé sur des projets très différents en partant du cinématographe au Florida Lightning Research Facility jusqu?à l?enseignement à l?université de la production de films. En ce moment, il réside à Atlanta, et Georgie, et il continue à faire des expériences avec de nombreuses méthodes de film pour des installations, des festivals et diverses expositions.

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Marina Landia is a video and performance artist based in London. Born in Tbilisi, Republic of Georgia she studied at the State Academy of Arts in Tbilisi and worked eight years as a film set and costume designer for the Georgia Film Studio. After immigrating to Germany she studied at the Institute for Art in Context (post gradual Master studies), UDK in Berlin, where she is a lecturer since 2010. Main focus of her artistic work is exploration and critical evaluation of general social, economical and political trends, working at the point of intersection between art and other disciplines by involving people with different professional and cultural backgrounds. Alongside with her work as independent artist she developed more then 20 interdisciplinary video projects and workshops in co-operation with various institutions in Germany, Great Britain and Russia: Alfred-Toepfer Foundation, Hamburg; Accenture, Moscow; Wimbledon School of Art, London; Kulturamt Neuköln, Berlin; ESMT, European School of Management and Technology Berlin; Xynteo, Oslo.

Cette vidéo est composée d?une série de plans statiques de la fenêtre d?une chambre d?hôtel qui donne sur un collage abstrait de surfaces urbaines composées de portes, de murs et de toits. Ces images sont répétées plusieurs fois pour créer l?effet d?une fenêtre qui s?ouvre et qui se ferme toute seule. La fenêtre donne sur Staropramenna, une rue indistincte de Prague. La répétition est accélérée et altérée, anime la vision banale et la rend fascinante et hypnotique.

Artiste en vidéo et en installation depuis 1984, Paul Landon a exposé ses vidéos et ses installations dans des musées Québécois et Canadiens, dans des galeries et centres d?exposition Américains et Européens et dans des festivals à travers le monde. Diplômé en 1989 de l?academie Jan van Eyck à Maaastricht aux Pays-bas, M. Landon est actuellement professeur à l?École des arts visuels et médiatiques de l?Université du Québec à Montréal ou Il enseigne les arts médiatiques. Vous trouverez plus d?information sur l?artiste au site Internet http://www.paullandon.com

"Saariselkä" est une installation vidéo à propos de la neige, constituée de 40 000 images uniques envoyées depuis une webcam en Finlande du nord pendant une période de six mois. L'administration de la route finlandaise à Helsinki fournit plus de 300 de ces "caméras de météo des routes", pour informer la population des conditions rélles de la route. Dans le cas très probable où rien d'autre ne se produit dans les rues de Lapland, il s'agit de visualiser l'information binaire "neige ou pas neige"; tout ce qui ne suit pas ce but pragmatique a été retiré de la vidéo finale (plus de 500 voitures et camions, l'été, etc.). A la fin de ce processus pédant de nettoyage, la vidéo est devenue un "concentré optique". La bande son a été composée par l'artiste Florian Zwissler pour remplir l'espace dans le boîtier de la caméra/ dans la tête du spectateur.

Veit Landwehr, né en 1969 à Mülheim, Ruhr, a étudié l'architecture à BUGH Wuppertal. Son diplôme obtenu en 2000, il a travaillé pour b&k + architects, à Cologne. Jusqu'en 2002, il a réalisé plusieurs expositions et publications pour b&k: In Vitro Landscape (Weissenhof- Gallerie Stuttgart), H3K (Museum for Applied Art, Cologne), archilab 2002 (Orléans, France), etc.. Considérant l'architecture comme un medium peu efficace pour appliquer un pragmatisme simple, il travaille exclusivement en tant qu'artiste depuis 2002. A côté de la création d'installations publiques conceptuelles ("améliorations") et de quelques objets "paratechniques", il s'intéresse beaucoup aux installations vidéo. Comme on peut le voir dans WEB LAND (2004), la marque de fabrique de son travail vidéo est ce regard parfois "autiste" tourné vers le bas; des centaines de webcams fournissent du matériau pour des clichés grand format et des vidéos montrant le monde en petit, mais avec des contours très précis. Les parents de Veit Landwehr voudraient toujours qu'il soit architecte.