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Trantor, planète la plus peuplée de cette région de l`univers, est le siège d?intrigues politiques qui se jouent en silence. Un archéologue cherche la planète originelle de l?humanité, un homme l?épie. Il ne sait pas encore que Trantor fut un jour appelé "Terre".

Jérôme Laniau est un réalisateur français dont le travail est à la croisée du documentaire, du cinéma et de l`art vidéo.Son premier film "Keite ka so", a reçu le prix du jury du festival "Tolosa tourne".

Texte du film, liste des armées présentes sur l'île de Chypre. Garde Nationale Grecque Chypriote (GNGC comprend des éléments de l’armée de l’air et navale), Régiment des Forces Helléniques à Chypre (ELDYK), Police Grecque Chypriote; Forces de Sécurité Turques Chypriotes (FSTC), Unités de l’Armée de terre turque, Soldats de Nations Unies (NU), Armée Britannique (2 bases souveraines…) Le film pourrait être séparé en quatre plans; au premier plan, rapidement, une paire de jambes portant des chaussures à talons aiguille (fabriquées localement). Un second plan, au fond, un film tourné en caméra cachée à partir de deux points de contrôle à Nicosie après “l'ouverture” des frontières en 2003 et d’un autre point de contrôle situé à une frontière censée être ouverte d’ici peu. Tous les points de contrôle sont devenus des attractions touristiques majeures comme le dernier vestige au monde d'une ville divisée (un point de contrôle est même appelé mur de Berlin 2). Le tout est projeté à l'envers. Comme troisième plan, au-dessus des points de contrôle, un texte nous informe brièvement des forces militaires actuellement présentes sur l'île. Le quatrième plan est sonore: la voix d'une jeune fille qui essaie d'apprendre à chanter et à jouer sur sa guitare le premier couplet de la chanson des Clash 'Should I stay or should I go?'. Le film se termine sur la description de Chypre comme l'un des pays les plus militarisés au monde, avec 19 soldats au km2. L’île arrive au troisième rang concernant le port d'arme, 891 000 pour 1 million de personnes. Le film espiègle et empreint d'humour noir, est aussi truffé de contradictions et de symboles; la routine comme symbole de l’isolement des habitants de l’île, les chaussures turquoises (sont-elles aux pieds d’unTurc ou d’un Chypriote Grec ?), la course en sur place, les jambes (animées ou en partie amputées?), les textes politiques, les femmes exclues de l'armée, la chanson chantée faux ...à moins que ce ne soit fait exprès ? Note: après 1974, 67% des citoyens chypriotes turcs avaient émigrés des zones turques occupées. Ce qui n'a pas été le cas des chypriotes grecs dont seulement un tiers sont devenus réfugiés. Après que Chypre ai rejoint l'UE en 2005, il y a eu une arrivée massive de chypriotes turcs traversant la ligne verte afin de demander un passeport chypriote.

BIOGRAPHIE 1979-1983 Etude d'histoire de l'art, UCSC, USA, obtient une licence En parallèle, elle étudie l'architecture, licence de design. 1984 Master d'histoire de l'art, Université de Lancaster 1989-1991 Diplôme d'architecture, Université d'Art et de Design , Canterbury 1994 Master en éducation, Université du Pays de Galles PRIX 2001 4ème prix, Biennale de Florence, Italie 1999 Grand Prix, 20ème Biennale d'Alexandrie, Egypte 1988 Prix littéraire, livre pour enfant illustré, Ministère de la Culture 1983 Prix d'un festival étudiant, Santa Cruz, université de Californie EXPOSITIONS COLLECTIVES 2006 - Prospective Sites, public Art (conservateur Walter Seidl), Vienne, Autriche 2005 - Untouchable things, Backlight 2005 7th International Photography Triennial, Tampere, Finlande - Somatopia: Mapping Sites, Sitting Bodies , Hellenic Centre, Londres, RU - Capturing Utopia, Fournos Centre for Digital Culture, Athènes, Grèce. - Venice Open, Lido-Venise, Italie - Xperimental 4.0, International Experimental Film Festival, Pantheon Cultural Association, Nicosie, Chypre - Accidental Meetings, Nicosia Municipal Centre, Nicosie, Chypre 2002 - "The Room" Manifesta 4, Frankfurter Kunstverein, Allemagne 2001 - 3rd Biennale of Florence, Italie. 2000 - `Medi@terra 2000` International Art and Technology festival and symposium, Athènes, Grèce. - 100 years of Cyprus sculpture, National Art Gallery, Nicosie, Chypre - 12 Cypriot painters by Ioannina municipality, Grèce 1999 - 20th International Biennale of Alexandrie, Egypte. - 4 Women’s Work on the occasion of International Women’s Day by the American Centre, Nicosie, Chypre 1997 - Brushstrokes Across Cultures III, Famagusta Gate, Nicosie, Chypre 1996 - Women creators of two seas, Mediterranean and Black Sea (UNESCO), Thessalonique, Grèce - Modern Goddess contemporary art by women artists from Cyprus and England, Famagusta Gate, - Nicosie, Chypre - “Cyprus, Its People and Culture” banner, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre - Exhibition of the Van Gogh foundation, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre - Cyprus through Leontios Mahairas’ history, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre 1995 - Nicosia Cultural month of Europe, Art Exhibition, Ayios Andreas Market, Nicosie, Chypre 1992 - Imeroessa Lapithos,Stage design, Nicosia Municipal Theatre and Pattichio Municipal Centre, Limassol, Chypre 1987 - Pan-Hellenic Art Exhibition, Athènes, Grèce - 1st Biennale of Europe’s Fine Art Schools, Toulouse, France 1986 - 2nd Biennale New Mediterranean Artists, Thessalonique, Grèce - Seven New Cypriot Artists, The Cyprus Popular Bank, Nicosie, Chypre EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2003 - “Inhale – Exhale”, Pantheon Gallery, Nicosie, Chypre 2001 - "Operating Theatres", Diatopos Gallery, Nicosie, Chypre 1998 - Gloria Gallery, Nicosie, Chypre 1997 - Monohoro Gallery, Athèns, Grèce 1996 - Gloria Gallery, Nicosie, Chypre 1995 - Gloria Gallery, Nicosia, Cyprus 1993 Artist’s Studio, Nicosie, Chypre 1989 - Opus Gallery, Nicosie, Chypre 1987 - Gloria Gallery, Nicosia, Cyprus 1985 - University Art Gallery, Lancaster, R.U 1983 - Oakes Gallery, Santa Cruz, Californie, U.S.A. COURT METRAGES 2005 - Grafting/ All my children - Should I stay or should I go now? 2003 - 26 weeks 2001 - Interactive CD-Rom ‘Operating Theatre’ (includes 8 short films; Eye Operation/ Endoscopy/ Gastric Binding/ Nose Operation/ Gender Blending/ Leg Operation/ Split-brain and Cryonics)) 2000 - Enchanted Pear Tree 1991 - E tripa (The hole) RECOMPENSES POUR COMPETITIONS D’ŒUVRES IN SITU 2005 - First price for Lyceum Ayiou Spiridona, Limassol, Chypre 2005 Second price Gymnasium Ayiou Theodorou, Paphos 1997 - Police Station, Pera Orinis, Chypre Professional associations: Member of Royal Institute of British Architects (RIBA), Member of Cyprus Architects Association (ETEK), Member of the Fine Artists Association (EKATE). PUBLICATIONS 2003 - “Inhale Exhale”, Nicosia ISBN 9963-8604-1-9 2001 - “Operating Theatres” Nicosia ISBN 9963-8604-0-0 PUBLICATIONS OFFICIELLES, ENTRES AUTRES, DANS: - Leonardo journal (MIT) / The International Society for the Arts, Sciences and Technology, CA, USA. For books reviews, visit MIT Leonardo Journal - Northlands Kunstmuseum, Denmark. - Finnish National Gallery Library, Finland. -Centre pour l`image contemporaine, Geneva, Switzerland.

Electricity Un film de 2.5 minutes de Lia Lapithi Shukuroglou ("Electricity" fait partie d'une série de quatre courts métrages interconnectés sur la Chypre contemporaine, comprenant "Should I stay or should i go now?" "Rabbits have no memory" et "Marinated Crushed Olives". Durant la tétralogie, le texte oscille entre les politiques narratives, le documentaire d'archive et l'expérimental) La dernière fois que je me suis sentie triste c'était quand le plus grand drapeau du monde, 1000m, fût placé dans mon jardin. Maintenant ce drapeau a des lumières tout autour et pendant toute la nuit à partir de huit heures, il s'allume. Cette "extravagance" peut être vue en entrant sur l'autoroute vers Nicosia et de la ville même. Le drapeau est sur la montagne Pentadactylos, il y'a écrit sous le drapeau national turc "si content d'être turque" et de couleurs inversées le "drapeau chypriote-turque". Mais encore, ce qui est plus surréel dans cette situation est de savoir qui fournit l'électricité pour allumer ce double drapeau. (De 1963 à 1974, les Turques Chypriotes ont reçu de l'électricité gratuitement. Cela a continué aussi après l'invasion par l'armée turque en 1974 au prix de 43 millions de dollars US, même si en plus des consommateurs chypriote-turques, il y avait la force d'occupation turque. Les autorités chypriotes continuent à fournir les terres occupées et leur armées pour leurs besoins en énergie. Ce court documentaire expérimental commence par la musique de la Chypre Occupée de CyBC-radio, continue avec des bruits de manufacture électrique et finit sur le rythme d'une marche militaire ottomane. Un documentaire expérimental sur les identités séparées de l'île, imprégné de ma propre tristesse et de mon incrédulité.

Lia Lapithi is a Cypriot multimedia artist with BA/MA degrees in Fine Arts and Diploma of Architecture (UK RIBA part 2). Her gama of work includes film, large sculpture and photo installations, and has won many art competitions both in her native country and abroad. Works of hers can be found in the Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus, at the Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria and at the Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI.), Paris, France. For a more extensive biography and to view her work visit www.lialapithi.com

Religion and Nationalism are often used as excuses for War. The film explores the Greek-Cypriot dual identity to their Ethnic and Religious origin. Symbolic to this, is the Greek celebrations of March 25 that is both a National (revolution against the Turks) and religious holiday (Annunciation). Situated across the church, checkpoint (Charlie) in Nicosia shows the inherent tension of Cyprus bi-ethnic state. The nostalgic ?Torn between two lovers? song is superimposed throughout the film, a 70?s tune of a time long ago, perhaps a longing to be able to live together. Many wonder whether Cyprus political problems are fueled so as to ensure that the ?great powers? can better control the island, and its strategic position in the Middle East.

Works in multi-media installations | video | photography and publications in Nicosia, Cyprus. Studied: BA Art and Environmental Design UCSC, California, USA | Mphil Art Lancaster University, UK |Diploma of Architecture Canterbury Institute of Art and Design. Recent Group Exhibitions: Dans la nuit, des images, Création numérique en Europe, Grand Palais, Paris, France | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain |Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Germany| Universite des BeauxArts, Paris, France. Museums collection: Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus | Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria | Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI) Paris, France.

Recipe for Marinated crushed olives, 3 minutes ("Marinated Crushed Olives" fait partie d'une série de quatre courts-métrages interconnectés sur la Chypre contemporaine, comprenant "Should I stay or should i go now?" "Rabbits have no memory" et "Electricity". Durant la tétralogie, le texte oscille entre les politiques narratives, le documentaire d'archive et l'expérimental) Connues en Chypre sous le nom de "tsakistes elies", les olives sont préparées de cette manière depuis l'ère byzantine. Elles sont aussi appelées olive craquées, fendues ou cassées. Le film fait un paradoxe ironique entre le problème de la Chypre et la façon dont ces olives sont préparées. Elles sont séparées, le sel en a enlevé l'aigreur et elle marinent depuis (1974). La recette des olives concassées est filmée sur un journal quotidien chypriote avec les titres suivants: "Η Ευρωβουλή εξαφάνισε το κυπριακό, Το κυπριακό δεν είναι προτεραιότητα" (Le parlement européen a oblitéré le problème Chypre. Le problème Chypre n'est pas une priorité.) et Δεν είμαστε τόσο όμοιοι όσο νομίζουμε?( Nous ne sommes pas aussi similaires que nous le pensons?) Recette: Ingredients: - Olives vertes(cueillies en Octobre ou Novembre encore vertes, pas mûres sans trop d'huile d'olive dans leurs chairs.) - sel de mer - eau pour conserver les olives - graines de coriandres séchées et broyées - citrons coupé en petits quartiers et jus de citron - gousses d'ail, pelées et légèrement broyées - huile d'olives, assez pour couvrir Méthode 1. Concasser les olives pour les ouvrir, traditionnellement, cela se fait entre deux pierres. Ne les broyer pas trop forts, juste assez pour les ouvrir mais pas pour changer leur formes, et soyez particulièrement précautionneux de ne pas brisez le noyau de l'olive. 2. Préparation de la saumure pour conserver les olives: pour chaque tasse d'eau, une tasse de sel. Bien mélanger pour dissoudre le sel. Placer les olives dans des récipient et les recouvrir de saumure, puis changer le liquide quotidiennement pendant au moins huit jours, ou jusqu'à que les olives ne soient plus âpres au goût. Faites attention pendant le changement d'eau méticuleux sinon les olives vont êtres gâchées. 3. Pour servir: lavez les olives doucement pour les rincer du sel et égouttez. Faîtes marinez avec le citron et le jus, l'ail et le coriandre. Enfin, ajoutez l'huile d'olive pour couvrir le tout. Servez à température ambiante.

Lia Lapithi is a Cypriot multimedia artist with BA/MA degrees in Fine Arts and Diploma of Architecture (UK RIBA part 2). Her gama of work includes film, large sculpture and photo installations, and has won many art competitions both in her native country and abroad. Works of hers can be found in the Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus, at the Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria and at the Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI.), Paris, France. For a more extensive biography and to view her work visit www.lialapithi.com

Dans le silence et la monotonie d’une résidence pavillonnaire, des hommes, des femmes, debout devant leurs maisons se mettent à chuter de manière aléatoire et irrévocable. De la découverte des interprètes figés à leurs effondrements chorégraphiés, le film questionne la fatalité du corps humain ainsi que notre époque, nos responsabilités individuelles et collectives, par le biais d’une réinterprétation contemporaine de la danse macabre du Moyen-âge.

Diplômée de La Femis en 2012, Ludivine Large-Bessette travaille sur l’image du corps. Que ce soit en jouant des codes cinématographiques, ou en créant des scènes surréalistes, il s’agit toujours d’interroger le spectateur sur la place du corps dans nos jeux sociaux et sur son rôle dans notre environnement contemporain. Ses oeuvres ont été exposées, entre autres, au TanzFilmPlattform de Berlin, aux Instants Vidéo de Marseille, à La cité internationale des Arts à Paris et au 62e Salon de Montrouge.

Pairing up jazz improvisation with the vastness of big data, Across Lips attempts to decode what it means to tell a story for a digital age. Framed by the gradual and comprehensive expansion of the Internet Archive, this film questions what it means to truly believe in something.

Alyona Larionova (b. 1988 Moscow) earned her MFA from the Slade School of Fine Art in 2013 and her BA in Photography from LCC in 2010. Her work has been exhibited internationally, including at HOW Art Museum in Wenzhou, II Moscow Biennial of Young Art, National Center for Contemporary Arts Moscow, Temnikova & Kasela, and Bermondsey Project Space, among others. The artist has recently premiered her latest film at Picturehouse cinema, supported by Outpost Norwich and Ed Atkins; the film was also nominated for Tenderflix 2016 Award, organised by Tenderpixel London.

Grimpez-là, sautons, les champs sont verts et les maisons grises. Nous sommes tous petits. Je sens que les pores de ma peau deviennent géants.

Eduardo Williams studied at the Universidad del Cine in Buenos Aires (Argentina), then at Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains (France). Tôi quên rồi ! (I Forgot !) is his sixth short film. He previously directed the following short films : Que Caigo ? (That I`m falling ?), 2013 El ruido de las estrellas me aturde (The sound of stars dazes me), 2012 Pude ver un puma (Could see a puma), 2011 Tan Atentos (Beware), 2010 Alguien los vio (They were seen), 2010

Une peinture et un tableau vivant se répondent, dans un étonnant parallélisme. Peinture de genre, scène de rue, de chambre et de musée. Une jeune femme marche dans la rue, vers un rendez-vous. Une femme noire assise sur un lit regarde avec persistance une jeune femme nue blanche endormie, reproduisant une peinture de genre. Cette vidéo apparaît comme l'élucidation psychologique de la passivité, des rapports de force contenu dans un tableau. Questionnement du regard, au travers du rapport entre deux femmes.

Sally Grizzell Larson est une artiste visuelle basée à Philadelphie. Ses vidéos ont été projetées à New York lors des Archives du Flim d´anthologie (Anthology Film Archive), au Musée de l´Image et du Son de Sao Paulo, Brésil, à la galerie Smack Mellon de Brooklyn lors d´une exposition commissariée par Electronic Arts Intermix, New York; au Festival de médias Electroniques de Rio de Janeiro - Prog: ME; au Festival du Film Femmes de Couleur à New York. "Certain Women" a été nommé "Best of Festival - Experimental (Meilleur du festival dans la catégorie "Expérimental") lors du Festival du Film et la Vidéo de Berkeley (2006).

Quand immobile, la douleur s?enfonça trop profond en lui et tournant comme une mèche l?écrasant vers le sol, il ne fut plus possible d?éviter la fuite. Oublier la dureté du chemin en s?égarant sur la route. Avancer vers la paix, retrouver en soi une voie à emprunter, à prendre ou à voler. Ne jamais se retourner ; redevenir maître, en un sens, de sa liberté. Faire taire les doutes, aplanir les chocs, gravir les échelons de son intériorité, Prendre un rond point qui n?est pas final et quand passés les multiples dédales, Sans savoir comment - les plus beaux chemins ne sont-il pas dedans ?- Revenir dans la rue où jadis on pleurait comme un gosse et sentir Sous ses pieds un chemin ouvert et une force gagnée...

Après 10 années de photographie (1995 ? 2005) qui mêlent la rencontre humaine à celle du paysage, Renan Larzul aborde l?image en mouvement par la pratique du Super 8 mm en tourné-monté utilisant le photogramme comme un rappel direct des cadrages « fixes » de la photographie pour des portraits en image par image... mais aussi pour des mouvements de caméra : pano, zoom... supports d?une narration par un traitement expérimental de la pellicule. ... puis logiquement par le montage en série d?images fixes - photographies argentiques noir et blanc ou couleur numérisées - pour des « histoires courtes », récit-sommaires et ramassés de rencontres furtives ou éternelles...

Design or Destroy Are we born to design or to destroy? video 5.00min 2013 We see "the critic" seated in the grass in a garden on a summer day. He is pondering about questions of nature, animals and landscape. He creates a theory that tries to explain how the human being was born to design his environment and even his life. Furthermore he speculates wether it`s right to breed i.e monster like hormone beef. He wonders if and how crazy we really are.

Biography NINA LASSILA born in Helsinki Finland 1974, lives and works currently in Gothenburg SE and Belgium. Nina Lassila is a visual artist working mainly with video and performance. In many of her works she deals with questions of identity ? specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differences. Her other bodies of work explore issues of i.e supernatural phenomena, art and economic structures. For more information see www.ninalassila.com Education: Swedish Polytechnics FIN 1994-1997, School of Photography & film Gothenburg SE 2000-2002, Valand School of Fine Arts (MFA) 2004-2006, Guest at ENSAD Paris 2009.

A semi critical and humorous review on the showing and hanging of Art. Do we make artworks to impress or for what reason? What is the purpose of art again? To impress sexual mates or to gain fame and richness? Could art be as sexy as muscles and money? Or could the artist actually be a respected figure in society?

Nina Lassila is a visual artist born 1974 in Helsinki, Finland currently living and working in Berlin and Belgium. Nina Lassila works mainly with video and performance. In many of her works she deals with questions of identity – specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differences. Her other bodies of work explore issues of i.e supernatural phenomena, art and economic structures. She has taken part in several group shows and video festivals internationally.

A Groucho Marx like character analyzes 2 found objects - wooden trivets with the inscription Mutti and Günter on them. He makes up a story about Günter and Mutti . He also debates whether these trivets would work as art works exhibited in a gallery.

Nina Lassila is a visual artist born 1974 in Helsinki Finland, currently based in Berlin. She has taken part in several group shows and video festivals internationally i.e The Istanbul Biennial, Rencontres Internationals 2005 Kassel Documentary & Video art festival 2009, LOOP Barcelona, SHE DEVIL V Macro Museum Rome, Nordic Art Express - Nordic Video Art on tour. Education: Swedish Polytechnics FIN 1994-1997, School of Photography & film Gothenburg SE 2000-2002, Valand School of Fine Arts (MFA) 2004-2006, Guest at ENSAD Paris.

Something has happened and society as we know it does not function anymore. In this video I portray situations of an apocalyptic nature. The video is based on my thoughts of a possible future and on a lucid dream I had this year. What and how will survival function in case we have to live through it? And can I trust the ones I used to trust?

Nina Lassila is a visual artist working mainly with video, performance and writing. She was born 1974 in Helsinki Finland but lives and works currently in Belgium and Berlin. Nina Lassila has a MFA from The Valand Academy of Arts in Gothenburg SE. In many of her works she deals with questions of identity – specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differences. Her other bodies of work explore issues of supernatural phenomena, art and economic structures. She has taken part in several group shows and video festivals internationally. i.e The Istanbul Biennial, Rencontres Internationals Paris / Berlin / Madrid, SHE DEVIL V Macro Museum Rome, XV Art Fair Mänttä , Reykjavik Arts Festival, Kassel Documentary & Video art festival, Reality Check TSSK Trondheim , LOOP Barcelona, Une Chambre á soi at Gallery Christophe Gaillard in Paris, The Bristol Biennial. Education: Swedish Polytechnics FIN 1994-1997, School of Photography & film Gothenburg SE 2000-2002, Valand School of Fine Arts (MFA) 2004-2006, Guest at ENSAD Paris 2009.

"Piiskaa!" montre une femme en train de nettoyer un tapis. En fait, elle semble plutôt en train de le frapper...est-elle en colère, et pourquoi? Il y a quelque chose de provocant chez une femme forte physiquement; même un rire puissant peut être provocant pour certaines personnes. Les a priori voudraient qu'une femme physique et bruyante soit dérangée, incontrôlable. "La notion de genre est une idéologie vécue - un système d'idée sur les hommes et les femmes avec lequel nous vivons. En tant qu'idéologie vécue, ces idées sont transformées en pratiques corporelles spécifiques. Les différences sexuelles, construites socialement, sont incarnées et vécues comme réelles. Elles sont matérialisées comme habitude et considérées comme acquises, comme une seconde nature." (Bourdieu)

Nina Lassila is a visual artist working mainly with video, performance and photography. She was born 1974 in Helsinki Finland but lives and works in Göteborg, Sweden since 2003. In many of her works she deals with questions of identity ? specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differencies. The field of her interest spans from cultural & political issues to mumbojumbo sciene. She has taken part in several group shows and video festivals mainly in the Nordic and the Baltic countries, but also Germany and Canada. In 2004 she was awarded a Nordic Air residency in Tallinn Estonia by Nifca. In October 2008 she is attending the CAMAC residency in Marnay-sur-Seine in France. She is currently working on soloshows for gallery Formverk in Nyköping (SE) and Gallery SINNE in Helsinki (FIN) and she will participate in the Reykjavik Festival of Culture. www.ninalassila.com

This film rephotographs over 200 internet-sourced images of ‘Macbeth ColorChecker’ cards on to super-8mm cyanotype emulsion. Macbeth Cards (precision tools in colour film processing), were a popular accessory for small-gauge Kodachrome filmmakers in the 1970`s. They have since been re-adopted by contemporary digital photographers, who use them to compare lighting scenarios on internet blogs and forums. Tracing the history of the colour calibration card through many lenses, I effectively remove all colours, save one. (Commissioned by The 8 Fest)

Christine Lucy Latimer is an interdisciplinary artist working with lens-based and time-based forms. Her work in the past decade has been featured across 5 continents in over 250 film festivals and gallery exhibitions. She currently lives and works in Toronto, Canada.

In the middle of Lisbon between Avenue Liberdade and the Natural History Museum lays a little gem of a garden, The Jardim Botânico da Universidade de Lisboa. It was inaugurated in 1873. The garden’s crown jewel is its subtropical collections which has a unique microclimate that enables unique tropical plants to survive. STEM is a film about the migration of plants and the beginning of botanical gardens decay. Years of neglects of the Lisbon University Garden have created a romantic environment where the garden is growing wild. The film investigates the displacement in migration and morphology of plants. And investigates some of the post-colonial environmental ramifications of transfer into new subjectivities of the"other." The film came together as is a collaboration between the filmmaker and the German sound artist Max Schneider. Together they traveled Brazil to sound record 17 unique plants. The film features an interview with professor James Clifford, author of "The Predicament of Culture: Twentieth-Century Ethnography, Literature, and Art" (1988), "Routes: Travel and Translation in the Late 20th Century" (1997), and Returns: Becoming Indigenous in the Twenty First Century" (2013).

Lasse Lau est né au Danemark en 1974. Il vit et travaille actuellement à New York. Il a récemment remporté le Nordic:Dox Award (2018) pour son film « Lykkelaender ». Il a étudié au Media Art Department de la Funen Art Academy (Danemark), à la Hochschule der Künste de Berlin et au Whitney Museum of American Art Independent Study Program (New York). Dans son travail, il traite de questions socio-économiques, de la négociation de conflits et de la notion d’espace à travers le langage cinématographique. Lasse Lau cherche à utiliser l’esthétique comme une structure ouvrant sur de nouveaux chemins dialogiques. Le travail de Lasse Lau a été exposé dans un grand nombre de musées et de galeries, notamment au Westfälischer Kunstverein, à Münster (Allemagne), à la Hamburger Bahnhof (Berlin); au Danemark, au Aarhus Art Museum et à la Brandts Klædefabrik (Odense); il a également été exposé au Musée d’art contemporain de Zagreb (Croatie), à la Biennale de Turin, au Contemporary Museum de Baltimore (USA), et au MoMA PS1 (New York). Lasse Lau est le cofondateur du Kran Film Collective à Copenhague et membre du Camel Collective, collectif d’artistes new yorkais. « Stem - Sound from the Tropical» a été réalisé en collaboration avec Max Schneider, professeur d’art et de musique à la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig et co-fondateur de l’agence de design sonore Aconica.

The protagonists in the film move through spaces like the desert, the city and the gallery space. All are production spaces of the film and combining different layers of time and contexts with each other. The Film follows the history of the gaze. The focus is on the phenomenon of the afterimage. This so-called phi-effect makes film sequences following a strong color stimulus appear in a complementary color. The effect is based on the fact that the retina continues to briefly perceive an image after the light stimulus and merges it with the following image. The sound sometimes refers to the previously perceived film still in some instances, letting the words speak at a different position. The brain requires a moment to connect what is heard with what is seen. Furthermore, the afterimage links different levels of time, the past with the present moment, which in the next instant is already the past again.

Daniel Laufer is an artist, filmmaker and curator, lives and works in Berlin. He has studied at the HBK-Braunschweig. Laufer is a recipient of the grant of the Arthur Boskamp Foundation for Space concepts, Stiftung Kunstfonds and the Berlin Senat among other awards.His exhibitions include: Artists Space, NYC; KM Gallery, Berlin; Galerie Kamm, Berlin, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg; Schaufenster, Kunstverein f. d. Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf; Fridericianum, Kasseler Kunstverein, Kassel; KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Jewish Museum Berlin, Kunstmuseum, Bonn; Van Gogh Museum, Amsterdam; Irish Museum of Modern Art, Dublin.

A quadruplet raised on a collie farm explores human-dog behaviors through queer “puppy play,” leading to nuanced discoveries of how people treat people “like animals.”

Lax’s films and video installations have screened and been exhibited at venues including Viennale (Austria), IHME Contemporary (Helsinki), MIX New York and MIX Brasil (São Paulo), table (Chicago), Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG), Los Angeles Contemporary Archive (LACA), Everson Museum of Art (Syracuse, NY), REDCAT, Film Forum, Winnipeg Underground Film Festival, The Drawing Center (New York), and CROSSROADS (San Francisco), among others. Lax’s organizational projects include those held at Anthology Film Archives (NY), Fellows of Contemporary Art (LA), and Human Resources LA. Lax’s writing has appeared in print and online publications including MARCH Journal, Los Angeles Review of Books (LARB), ArtPractical, and Texte Zur Kunst), as well a catalogue contribution with the Lawndale Art Center (Houston, TX) and a limited edition zine with Inga Books (Chicago).

A silent essay considers several key details of the production and legacy of Robert Flaherty`s seminal 1922 documentary, "Nanook of the North" (also known as, "A Story Of Life and Love In the Actual Arctic"). Critiquing notions around documentary and realism, the gaze, anthropology and institution, an image by an Inuk artist is discovered “missing” from the Museum of Modern Art (MOMA) collection.

Matthew Lax (b. Baltimore, Maryland, USA) is an artist, filmmaker and writer based in Los Angeles. His film and video work has been exhibited nationally and internationally in film festivals and art spaces including the Viennale (Austria), IHME Contemporary (Helsinki), MIX Brasil (São Paulo) and MIX New York, Los Angeles Municipal Art Gallery, Los Angeles Contemporary Archive (LACA) and the Everson Museum of Art (Syracuse, NY). He has organized curatorial projects with venues including Human Resources (LA), the Echo Park Film Center, Anthology Film Archives (New York, NY), etc. in addition to numerous pop-up exhibitions with various alternative spaces. His writing has appeared in various printed catalogs and publications including the Los Angeles Review of Books (LARB), Contemporary Art Review Los Angeles (CARLA), ArtPractical (San Francisco), and Art Observed (New York).

Dans cette ?uvre, qui mélange mélancolie et intense tristesse, comme un jour nuageux, Oliver Laxe se confronte une fois encore à l'« Autre » et démontre que, au fond, nous pouvons être étrangers en Galice, de même qu?au Maroc ou à Paris. Sans aucun objectif prédéterminé dans le script, Laxe filme la simplicité du fait de regarder. Le récit n'est pas nécessaire, car toute forme de structure risquerait de faire s?évanouir la subtilité de la vie quotidienne. Avec un certain degré de quiétude lyrique et de nostalgie exotique, il fait le portrait, le long de séquences éphémères, d?un groupe d?ouvriers travaillant à la construction du site d?un des stades prévus pour ce qui était censé être Coupe du monde de football au Maroc en 2010. À l'arrière-plan, on discerne un paysage vert, sous des nuages gris, envahi par la structure en ciment du stade. Certains hommes sont en groupe, et d'autres marchent de leur côté.

Oliver Laxe est né à Paris en 1982. Il a vécu à La Corogne jusqu?à ses 18 ans et il a étudié la communication audio-visuelle à l'Université Pompeu Fabra de Barcelone. Il est membre de la plate-forme de cinéma expérimental « No.w.here » de Londres, où il réside depuis un an. Son projet de fin d?études, réalisé avec Enrique Aguilar « les cheminées ont décidé d?échapper » a été choisi pour le Festival de Cinéma de Gijon, a obtenu le prix du festival de Grenade et a été choisi pour l'Échantillon d'Arts Visuels de l'Injuve. Le Bureau de la Culture de Galice a financé son film « Paris #1 ». Il participe à un atelier de cinéma avec un groupe d'enfants socialement exclus, en collaboration avec notamment la Cinémathèque de Tanger. A Tanger il a également rodé sa pièce « La trompette sonne », inclus dans un film en l?honneur de Tarkovski, « Une journée dans la vie d'Andrei Arsenevitch ».