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Dora Longo Bahia
Antígônadá
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 120:0 | Brésil | 2021
Taking Sophocles' Antigone as its starting point, “Antígônadá” deals with the contemporary political situation, exploring the revolutionary aspect of the main character, a woman who defies the established social order. After the death of their two brothers, Antigone and Ismene reflect on the laws of “God” and the laws of the State, the rights of the citizens and of the social excluded. “Antígônadá” is an experimental film, composed of 6 travelling shots of 20 minutes, with the camera in a circular continuing motion. Each shot represents one of the 4 elements: light, water, earth and air. The camera accompanies Antigone and Ismene - played by the same actress – whose journey follows the same path four times, reflecting on the status of women in patriarchal society.
Dora Longo Bahia is a visual artist, born in São Paulo, Brazil, in 1961. As of 1984, she has worked with various media: painting, photography, video, sound, set design, illustration and performance art. She has also played bass with several bands: Disk Putas, Verafischer, Maradonna, Sujos de Dora, Osmacaco, Blá Blá Blá and Cão. In 2010 she completed her PhD on visual poetics at ESchool of Communication and Arts of the University of São Paulo - ECA/USP where she currently teaches. In 2016 she completed her postdoctoral studies at the Faculty of Philosophy, Letters and Human Sciences of the University of São Paulo – FFLCH/USP that resulted in her first long feature film, The Dora Case. Since the 1980’s, she participated in several exhibitions and festivals, amongst them: We Never Sleep, at Schirn Kunsthalle Frankfurt (2020); Bienal Sur, in Argentina (2019); 9th Busan Biennale: Divided We Stand, Busan, South Korea (2018); 35o Panorama da Arte Brasileira – Brasil por multiplicidade, São Paulo, Brazil (2017); Eloge du Vertige, Maison Européenne de la Photographie, Paris, France (2012); The Spiral and the Square, Bonniers Konsthall, Stockholm, Sweden (2011); IX Biennial of Monterrey, Monterrey, Mexico (2009); 28th International Biennial of São Paulo, São Paulo, Brazil (2008). Among the artist’s audiovisual achievements are: petit a (2011), part of the Brazilian version of the Destricted project that brought together directors such as Gaspar Noe, Larry Clark and Matthew Barney and the feature film The Dora Case (2017).
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Valeriano Lopez
Salvem la Diada de la Toma
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 13:0 | Espagne | 2006
Dans ce travail, Valeriano Lopez fait un bilan des aspects de l'histoire qui se perpétuent à partir des célébrations qui incorporent les coutumes et le folklore. La vidéo montre la Toma de Granada, une célébration qui a lieu chaque année depuis le balcon de la Mairie de la ville où un conseiller municipal s'adresse à la ville avec la devise " Granada pour les Rois et Reines catholiques vénérés", alors qu'on brandit la bannière, résonne l'hymne national. La mise en scène résulte du complet anachronisme de ce ton triomphal et de l'imposition d'une quintessence associant l'espagnol à un catholicisme fanatique. Dans ce travail, conforme aux différents prises de la célébration, s'opère un plan séquence du sermon de l'archevêque basé sur l'unité de l'Espagne. L'acte apparaît comme une exaltation du nationalisme espagnol qui a sa contrepartie ironique dans ce travail, avec le sous-titrage en catalan.
Valeriano Lopez est un artiste espagnol qui dans son oeuvre recours principalement à la vidéo, au langage du jeu vidéo ou à la publicité, produits de la société de consommation, pour attirer l'attention des spectateurs sur les problèmes tels l'immigration ou les différences qui s'établissent intentionnellement pour éloigner le tiers monde. Son ironie réfléchie sur ses phénomènes produit une réflexion critique sur les stéréotypes culturels et introduit le doute chez le spectateur. Il dissout les frontières de la séparation artificielle construite pour l'Occident avec le seul mobile de se protéger de cet "autre" qu'il craint et dans l'objectif de justifier les comportements xénophobes et racistes qu'y se traduisent dans les systèmes établis pour le contrôle de la population qui a émigré des pays pauvres ou en voie de développement.
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Rafaela Lopez
Showtime
Documentaire | mov | couleur | 39:10 | France, USA | 2022
Le film suit pendant deux ans le quotidien d’un groupe de danseurs du métro new yorkais. Des trains à leurs domiciles, de leur lieu d’entrainement aux événements organisés par leur communauté, c'est un portrait de cinq individus et du milieu de la danse Hip Hop de New York. C’est aussi un portrait de la ville, de la société dans laquelle ils évoluent. Malgré les obstacles, leurs origines sociales et le racisme, ils sont déterminés à réussir et se débattent par tous leurs moyens contre un système méritocratique illusoire.
Rafaela Lopez (née en 1988 à Paris) est une artiste plasticienne travaillant à New York et à Paris. Son travail se déploir à travers des films, des performances, des sculptures, des dessins et des projets collaboratifs. Elle s'intéresse aux pratiques créatives marginalisées, aux cultures populaires et aux constructions socio-culturelles. Chacun de ses projets cherche un langage spécifique, adapté aux communautés impliquées, et questionne le rôle social de l’art. Rafaela Lopez a étudié au Royal College of Art (Londres), à la Villa Arson (Nice) et à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. En 2015, elle est lauréate du Prix de la Région Sud à Art-O-Rama (Marseille), en 2017 de la bourse des Mécènes du Sud (Montpellier / Sète), en 2020 elle est nommée pour le Prix Sciences Po pour l'art contemporain (Paris), en 2021 elle est lauréate de la Fondation des Artistes et en 2022 du prix Social Practice Arts, organisé par le Centquatre, la Fondation Calouste Gulbenkian et les Fondations Edmond de Rothschild. Elle a exposé dans divers lieux en France et à létranger tels que Waissac Project (Wassaic, NY, 2022), le Consulat Grec de NY (NY, 2020), FLAX (Los Angeles, 2018), la Fondation Louis Vuitton (Paris, 2018), le Palais de Tokyo (Paris, 2017), le Centre National d'Art Contemporain de la Villa Arson (Nice, 2012, 2014, 2017), Studio Voltaire (Londres, 2015), le Camden Art Centre (Londres, 2015), Flat Time House(Londres, 2014, 2015). Elle a été artiste en résidence à FLAX (2018, Los Angeles), à la Villa Arson (2017, Nice), aux Laboratoires d'Aubervilliers (2017, invitée par Grace Ndiritu), à la Villa Lena (2015, Palaia) et à la Casa de Velázquez (2014, Madrid). Rafaela Lopez est l'ancienne présidente de DOC!, un espace artistique indépendant situé dans le nord de Paris.
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Luciana Lopez Schütz
The Argentinian Neighbor
Doc. expérimental | mov | couleur | 5:0 | Argentine, Hongrie | 2021
A voice describes the relationship between two young neighbours and their encounter with a mysterious woman that reveals an augury about future times.
Luciana is an Argentinian born film director and photographer . Her main area of interest has been always the visual language. She started from an early age taking several courses on analogue photography and Super 8 film. She obtained her BA in Image and Sound Design at the University of Buenos Aires and a MA in documentary film directing at ULHT, SZFE and LUCA School of Arts as a scholarship student. She has directed several short films that have been featured in international film festivals such as BAFICI and FIDBA in its competitive section and selected by Berlinale Talents BA as director. In 2019, she attended Biographical Documentary Theatre Course with Gudrun Herrbold at UDK awarded with a fellowship and in 2021, she was chosen to participate as a jury at ELIA Academy (European League of Institutes of the Arts). Nowadays, she is based in Brussels working on both personal and commissioned projects.
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Colectivo Los Hijos
Enero, 2012 (o la apoteosis de Isabel, La Católica)
Vidéo | hdv | | 18:0 | Espagne | 2012
Ecoutons le guide pour un parcours touristique balisé, aux étapes attendues, entre statues des Grands hommes et sites qui furent le théâtre d?une geste mémorable. Regardons le paysage urbain de Madrid, un jour de janvier 2012. Deux fils se déroulent. Du frottement de oeil et de l?oreille, s?ouvrent des interstices.
Los Hijos audiovisual collective formed in september 2008 by Javier Fernández Vázquez (1980), Luis López Carrasco (1981) and Natalia Martín Sancho (1982). They work in Madrid, Spain.
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Colectivo Los Hijos
LOS MATERIALES
Doc. expérimental | dv | noir et blanc | 75:0 | Espagne | 2009
material. (lat.: materiālis). 1. adj. Having substance or capable of being treated as fact; not imaginary. 2. adj. Derived from or composed of matter. 3. adj. Having material or physical form or substance. 4. adj. Directly relevant to a matter especially a law case. 5. adj. Concerned with or affecting physical as distinct from intellectual or psychological well-being. 6. adj. Concerned with worldly rather than spiritual interests. 7. n. Artifact made by weaving or felting or knitting or crocheting natural or synthetic fibers. 8. n. Things needed for doing or making something. 9. n. Information (data or ideas or observations) that can be used or reworked into a finished form. 10. n. The tangible substance that goes into the makeup of a physical object.
In 2008, Javier Fernández (1980), Luis López Carrasco (1981) y Natalia Marín (1982) found the artistic collective Los Hijos, devoted to the research of cinematic form and the mechanisms of audiovisual representation. With their first work, El sol en el sol del membrillo, they competed in the official section of DocumentaMadrid. Afterwards, this short film has been selected in several other festivals as well as art galleries. Afterwards, they finished their second short-film, Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, video essay that attempts to question certain sequences which have become iconic in the history of Spanish cinema. Los materiales, their first feature-length film won the Jean Vigo award to the best direction in Punto de Vista International Documentary Film Festival of Navarre and a Jury?s Special Mention in FidMarseille 2010. Their second, feature-length film, Circo, was selected in the competition section section of Documentamadrid 2010. Currently, all their works are being screened at several contemporary art museums and art centres throughout Spain. In november 2010, Los Hijos enjoyed their first retrospective of their work in Mar del Plata Film Festival.
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Marie Losier
Cet air là
Fiction expérimentale | 16mm | noir et blanc | 3:0 | France, USA | 2010
Cet Air la is a famous french song from 1963, sung live by NY singer April March in acapela with Julien Gasc. The couple is singing while flying over a superimposed 16mm projection of a stop motion animation of a series of clouds, birds, bubbles, smoke machines and glitters?the song has the texture of a dream. Part of Residency Unlimited Project.
Marie Losier, born in France in 1972, is a filmmaker and curator working in New York City. She was born in 1972 in Boulogne, France. She has shown her films and videos at museums, galleries, biennial and festivals, including this year for the 2006 Whitney Biennial with her on Richard Foreman, The Ontological Cowboy and at MOMA with Electrocute Your Stars. Also P.S.1, Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, The Seoul Film Festival (Korea), The Lausagne Film Festival (Swiss), Andrew Kreps Gallery, White Column Gallery, The Black Maria Film Festival, The Biennial of Saint Etienne (France), The York Underground Film Festival, Lake Placid Film Festival, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) and many others. In 2000, she became the film programmer at the French Institute / Alliance Francaise in New York City, where she presents a weekly film series. She has hosted many notable directors and artists, including Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, and Anouk Aimée. She also programs experimental films at the Robert Beck Memorial Cinema (now at Participant Gallery, NYC) and Ocularis in Brooklyn and bring programs in Europe and all over in the States. She has also performed in films by George Kuchar, Mike Kuchar, and Jackie Raynal, and in plays by Juliana Francis, and Tony Torn. She is currently completing a short documentary on musician and filmmaker Tony Conrad and starting one on the musical genius Genesis P-Orridge, and her band Psychic TV.
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Marie Losier
Eat My Makeup!
Film expérimental | 16mm | couleur | 6:0 | France, USA | 2005
"Un toit de San Francisco est arpenté par de grands enfants en tutu jouant insoucieusement à se coller des tartes au visage. Avec George Kuchar." "Cinq charmantes damoiselles pique-niquent sur le toit d'un entrepôt dans la non moins charmante ville de Long Island, forêt de gratte-ciel se reflétant sur la rivière. Mais lorsqu'une nuée de mouches vient interrompre leur festin composé de bretzels au chocolat et de tartes à la crème, les jeunes femmes perdent tout contrôle d'elles-mêmes.
"Marie Losier est réalisatrice et conservatrice à New York. Elle est née en 1972 à Boulogne, en France. Ses films et ses vidéos ont été présentés au sein de musées, galleries, biennales et festivals, notamment au P.S.1, au Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, au Seoul Film Festival (Corée), au Festival du Film de Lausagne (Suisse), à la Andrew Kreps Gallery, à la White Column Gallery, au Black Maria Film Festival, à la Biennale de Saint Etienne (France), au York Underground Film Festival, au Lake Placid Film Festival, au Pleasure Dome (Toronto), à l?Anthology Film Archives, à l'Ocularis, au British Film Institute (Londres), Au Grand Action (Paris) et beaucoup d?autres. En 2002, elle est devenue programmatrice au French Institute/ Alliance Française à New york, où elle présente une série de films chaque semaine. Elle a accueillie de nombreux rélisateurs et artistes réputés, tels que Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films au Robert Beck Memorial Cinema (à présent à la Participant Gallery, New York City) et à l?Ocularis à Brooklyn et propose des programmes en Europe et dans tous les Etats-Unis. Elle a également joué dans des films réalisés par George Kuchar, Mike Kuchar, et Jackie Raynal, et dans des pièces mises en scène par Juliana Francis, et Tony Torn. Actuellement, elle tourne un court documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. On a récemment annoncé que le film de Marie sur Richard Foreman, The Ontological Cowboy, avait été sélectionné pour la Biennale de Whitney de 2006.
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Marie Losier
Papal broken dance
Vidéo | dv | couleur | 6:0 | France | 2009
Music video Papal Breakdance by PTV3-Genesis P-Orridge With Genesis Breyer P-Orridge and many friends. A campy music video in the style of a scopitone from the early 1960s, with the wonderful cast of 10 boys in sexy red singlets and girls in red tutus, all dancing with joy with Genesis P-Orridge in a boxing ring?all the ingredients for a slap stick boxing match in music.
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Marie Losier
The Onthological Cowboy
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 16:0 | France, USA | 2005
"Le théâtre est une question de sexe". En tout cas selon Richard Foreman, le fondateur du Ontological Hysterical Theater. "The Ontological Cowboy" illustre l'appel de Foreman, invoquant la 'destinée manifeste' du théâtre d'avant-garde, tandis que King Cowboy Rufus descend de San Jan Hill avec un soupir, en secouant son mouchoir. Foreman joue son propre rôle, le reste de la distribution mime ses préoccupations. Si "l'équipe des acteurs souffre ainsi," c'est pour une bonne cause : la renaissance du théâtre américain dans la violence, avec Foreman pour sage-femme.
Née à Boulogne (France) en 1972, Marie Losier est à la fois réalisatrice et conservatrice à New York City. Elle a présenté ses films et ses vidéos dans des musées, galeries, biennales et festivals, dont la Biennale Whitney 2006, à laquelle elle a participé avec son film sur Richard Foreman, "The Ontological Cowboy". Les autres évènements auxquels elle a pris part sont : P.S.1, Tribeca Film Festival, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival du film de Séoul (Corée), le Festival du film de Lausanne (Suisse), la galerie Andrew Kreps, la galerie White Column, le Festival du film Blck Maria, la Biennale de Saint-Etienne (France), le Festival du film underground de York, le festival du film de Lake Placid, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) et bien d'autres encore. En 2000, elle prend en charge la programmation des films à l'Alliance française de New York City, où elle organise une séance de films hebdomadaire. Elle a reçu de nombreux metteurs en scène et artistes renommés, dont Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films expérimentaux au cinéma Rober Beck Memorial (désormais à la Participant Gallery de New York) et à Ocularis à Brooklyn. Elle organise des programmations en Europe et à travers les Etats-Unis. Marie Losier a également joué dans des films de George Kuchar, Mike Kuchar et Jackie Raynal, ainsi que dans des pièces de Juliana Francis et Tony Torn. Elle achève actuellement un court-métrage documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. Son prochain documentaire, déjà en court, se concentre sur le génie de la musique Genesis P-Orridge et son groupe Psychic TV.
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Sainsbury Lou Lou
descending notes
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 18:6 | Royaume-Uni | 2022
descending notes (2022) is an erotic science-fiction film that explores transness as a form of dissonance and resonance. It takes inspiration from Donny Hathaway’s heartfelt rendition of A Song for You, whose lyrics are punctuated by a discordant progression of piano notes: “If my words don’t come together, listen to the melody ‘cause my love is in there hiding… I love you in a place where there's no space or time.” Written and performed with Ada M. Patterson and Raffia Li, the film is a cosmic love story between three transing beings whose desire unfolds across time and space, from the sensuality of early Christian sainthoods to future alien intimacies. Grounded in autobiographical experiences of tenderness, solidarity and grief within transgender friendships and everyday life; as the world splits apart, these undercover beings covertly learn to live in transformation and to give each other breath.
Lou Lou Sainsbury is a transfeminine artist based between Rotterdam, NL and Margate, UK, working across film, live-performance, poetry, installation and textiles. She identifies as a time traveller, making things that unwrite histories of living beings into tricksterish dreamscapes, exploring identity, community and ecological entanglement. She often works in collaboration, developing intimate long term projects guided by improvisation, cinematic processes and sonic thinking. Lou Lou’s work questions how we can become better listeners and how bodies can trouble history and geography. Moving across a poetics of sensual communion, her transformative work seeks to imagine stories for more liberated futures. After graduating from her MA in Art Praxis at the Dutch Art Institute (2021), Lou Lou was recipient of the Freelands Gasworks Partnership Programme. She was an associate artist at Open School East (2017), after completing her BA in Moving Image at the University of Brighton (2016). Her recent solo exhibitions include Roodkapje, Rotterdam (2023); Humber Street Gallery, Hull; Gasworks, London (2022) and Well Projects, Margate (2020). Recent performances and group presentations include: International Film Festival Rotterdam (2023); Whitstable Biennale (2022); Centre for Contemporary Arts, Prague (2021); La Casa Encendida, Madrid (2020), Tate Modern, London; Nottingham Contemporary and Yaby, Madrid (2019).
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Amira Louadah
THE ARK
Doc. expérimental | 4k | couleur | 10:22 | Algérie, France | 2022
un chantier abandonné devient l'arène d'une poignée d'hommes. Ils se préparent à combattre et à vaincre l'ennemi ; mais qui est l'ennemi ?
Amira Louadah est née à Alger. De 2014 à 2021, elle étudie le design et les arts visuels à l'Ensci, les Ateliers de Paris, développant un enthousiasme pour la mise en scène et la narration. Son parcours est jalonné de séjours fondateurs, notamment à Chang Maï en Thaïlande et à New York aux États-Unis, où elle réalise ses premières captations de terrain. Elle collecte et déploie ses perceptions dans une démarche empirique et exploratoire. Sa filmographie comprend notamment Un Diner Non-Newtonien (2017) et La grosse moula ou li michan (2021). Son dernier film L'Arche (2022) a remporté le prix Renaud Victor lors du FID Marseille, et a été sélectionné en compétition officielle au Camden Film Festival à Rockland aux Rencontres internationales du documentaire de Montréal, au MedFilm Festival de Rome ainsi qu’au Festival du court-métrage de Clermont-Ferrand 2023.
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Mohamed Ismail Louati
li(f:v)e
Film expérimental | mp4 | noir et blanc | 22:0 | Tunisie | 2021
2007. East Baghdad. A US Army Apache helicopter shoots down a group of men outside a house. It’s a Reuters photographer, his driver and the contacts of the photojournalist actually doing a report. The military who shot them from a distance, using state-ofthe- art hyper-vision technology, assisted by satellites, mistook them for “insurgents” as the reporter’s camera was “seen” as an RPG. This degraded perception is illustrated here in its barbaric acme. That said, this killing is not isolated. Doesn’t virtuality gaining more and more of the reality territory? In those times of planetary virus and practically generalized lockdown, coercive power uses and abuses of its new tools for controlling the population in peacetime (drones, facial recognition, apps, etc.). The experimental film li(f/v)e interrogates through several typologies of images our relationship to reality when it has been invested by its virtual counterpart.
Ismaël a réalisé Babylon (Grand Prix du Festival International du Cinéma FIDMarseille et Prix des Université DOCLisboa 2012) et Leïla’s blues (Quinzaine des réalisateurs, Cannes et Mention Spéciale au Festival des Cinémas d’Afrique de Montréal). Il a produit The last of us (Lion du Futur à la Mostra de Venise 2016, candidature tunisienne aux Oscar 2018). Son film expérimental Fragments of self-phone-destruction (2018) a été primé au Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris. Son premier long-métrage de fiction Black Medusa (2021) a été sélectionné aux compétitions de nombreux festivals : Rotterdam, New Horizons, Lima Alterna, Split, Fantaspoa, Tarifa, etc. Ismaël est par ailleurs artiste visuel et auteur. Il a été diffusé et/ou exposé au MoMa à New-York, au Museo Reina Sofia à Madrid, au Bal à Paris, ainsi que dans les galleries Momenta (New-York), Talmart (Paris), Le Cube (Rabat), A. Gorgi (Tunis), etc. Il a publié un essai : Cinéma en Tunisie (Tunis, 2008) et un recueil de poésie en revue : lettres à la mort (Toulouse, 2009). Il vit et travaille entre Tunis et Beyrouth.
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Pavel Lounguine
La Maison Haute
Documentaire | | couleur | 90:0 | Russie, France | 2004
"Depuis la disparition de l`Union Soviétique, plus personne ne sait vraiment qui sont les Russes ? à quoi ils rêvent, en qui ils croient, comment ils vivent. La Maison Haute, « ce Titanic insubmersible » construit sous Staline, est, depuis plus de 50 ans, une véritable métaphore de la Russie et de son immense peuple. Anciens apparatchiks, enfants ou petits-enfants de l?élite soviétique côtoient, dans ce gigantesque gratte-ciel moscovite, nouveaux riches et hommes d?affaires. Tous oscillent entre nostalgie de l?époque soviétique, avec ses formes grandioses, son bonheur préfabriqué mais rassurant et les plaisirs immédiats du capitalisme. Dans les couloirs de la Maison Haute, Pavel Lounguine est parti à la recherche de l`âme russe. Il a frappé aux portes de cet édifice mythique et à travers les personnages qui y habitent, il a dressé un portrait ironique, décalé et plein de poésie de la Russie d`aujourd`hui." source: dossier de presse Arte
"Pavel Lounguine étudie à l`Université de Moscou de 1965 à 1971 avant d'intégrer l'école de cinéma de Moscou en 1973. Il y suit une formation de scénariste jusqu`en 1975 et écrit les scripts de nombreux films russes comme Nepobedimyj (1983) et Poputchik (1986). En 1990 est présenté au Festival de Cannes son premier long métrage en tant que réalisateur, Taxi blues. Ce drame met en scène l`amitié qui lie un chauffeur de taxi à un saxophoniste sans le sou. Le succès critique est au rendez-vous et le réalisateur devient un habitué de la Croisette. Luna Park (1992), l`histoire d`un jeune homme à la recherche de ses racines juives, et La Noce (2000), une comédie dramatique sur le déroulement inattendu d`une cérémonie de mariage, y sont également projetés. Pavel Lounguine s'intéresse par ailleurs aux changements économiques et sociaux que traverse son pays avec la chute du communisme. En témoignent Ligne de vie (1996), où Vincent Perez se retrouve aux prises avec la mafia russe, et Un nouveau Russe (2003), un drame dans lequel un ancien scientifique (Vladimir Machkov) est prêt à tout pour s`enrichir. En 2005, Pavel Lounguine réalise Familles à vendre, film traitant de l'exil et de la division géographique du peuple russe. Parallèlement, il poursuit une carrière sporadique à la télévision russe, y réalisant parfois des téléfilms." Allocine.com
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Julien Loustau
DeWind
Fiction expérimentale | 35mm | couleur | 15:0 | France | 2000
Un plan-séquence saisit le paysage depuis une voiture, le long d?une crête battue par les vents et bordée de grandes éoliennes. La nuit vient. Le film est ponctué par l?apparition de titres : une filmographie fabulée.
Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.
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Julien Loustau
Norias
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 15:0 | France | 2003
Pendant ce temps, depuis des siècles, les norias tournent. Elles chantent le courant de l`Oronte. Des bords de Seine, un dialogue les rejoint....
Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.
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Julien Loustau
Sub
Doc. expérimental | dv | couleur | 45:0 | France, Chine | 2006
Le lac Vostok est prisonnier sous les glaces de l?Antarctique, isolé du reste du monde depuis des millions d?années. Cet environnement exceptionnel, privé de lumière, soumis à des températures et des pressions extrêmes, abrite peut-être des formes de vie inconnues.La seule technologie qui permettrait d?atteindre le lac sans risquer de le contaminer serait le Cryobot, une sonde conçue par la Naza pour l?exploration d?oceans subglaciaires sur Mars et sur Europe. En Chine, dans la région des Trois Gorges, on finit de construire le plus grand projet hydroélectrique du monde. Le barrage a déja noyé 600km de vallées, entraînant la disparition de centaines de villes et le déplacement de 1,8 millions de Chinois. Le long d?un voyage nocture sur le fleuve Yangtze, dans l?exploration distante de ses berges en sursis, le film envisage l?odyssée solitaire du cryobot à travers les glaces jusqu?au lac Vostok.
Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.
Ariane Loze
Mainstream
Vidéo | hdv | couleur | 19:26 | Belgique, France | 2021
Les premières phrases pourraient nous faire penser à des bribes de conversations glânées lors d’un cocktail, on y reconnaît le tout-entreprenariat contemporain mélangé à une idéologie du management idéal. Derrière ces dialogues se révèle une réflexion sur le travail, ses contraintes et l’espace de liberté que chacun recherche à l’intérieur du cadre qu’il crée ou subit. Et les gens qui travaillent ? Parlent-ils de labeur ou d’activité, de passion ou d’horaires flexibles ? Sommes nous capables de vivre « à 300 à l’heure » et de ressentir les sensations de la même manière ? Comment la conscience que nous avons de nous-même est-elle en train d’évoluer face à cette ambition de contrôle complet de nos vies, alors que le hasard et les aléas de la vie en font souvent la saveur ?
Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les vidéos d'Ariane Loze seront présentées au Salon de Montrouge Paris (mai 2018) et au musée d'art contemporain KANAL Centre Pompidou à Bruxelles (mai 2018). Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016) et Côté Court Festival Pantin (2017).
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Ariane Loze
Nein weil wir
Vidéo | hdv | couleur | 18:11 | Belgique, Allemagne | 2019
La conscience collective s'est forgée à travers les siècles, mais le navivre de la société vogue à toute allure sur les mers de la mondialisation. Des voix parfois très anciennes nous mettent en garde sur les risques qu'encourent les hommes, livrés à la démesure. Le film fait entendre des fragments de ces discours, qui de génération en génération, ont porté la ferveur et l’espérance citoyenne, devant une salle vide, symbole de notre désertion devant les réalités, signe de notre capitulation progressive, expression de notre renoncement. Dehors, il pleut de plus en plus et un vent terrible se lève. Le changement climatique est à l'horizon... Augmentez la vitesse!
Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017), Salon de Montrouge Paris (2018), RIBOCA Riga Biennial of Contemporary Art (2018), Moscow Biennial of Young Art (2108) KANAL Centre Pompidou Brussels (2018), solo exhibition au Centre d’Art Contemporain Chanot, Paris, exhibition at Gallery Michel Rein Paris (2019, Urbane Künst Ruhr – Ruhr Ding : Territorien, commissaire Britta Peters Oberhausen (2019), Solo exhibition De Vereniging S.M.A.K., Ghent (2019), Solo exhibition Gallery Michel Rein Brussels (2019). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016), Côté Court Festival Pantin (2017), Watch this Space Biennale #9 (2017) and Salon de Montrouge (2018) Ariane Loze sera résidente au ISCP New York sur l’invitation de la Foundation Salomon de janvier à juin 2020.
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Ariane Loze
Kolumba
Vidéo | mov | couleur | 13:36 | Belgique, Allemagne | 2020
Si nous cherchons au-delà de notre propre vision, en deçà des contraintes et de nos besoins primaires, si nous cherchons plus grand que nous-même, c'est pour mieux rencontrer un tout composé de cette multitude d'individualité séparées cherchant en secret leur ultime point commun: l'humanité.
Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les vidéos d'Ariane Loze seront présentées au Salon de Montrouge Paris (mai 2018) et au musée d'art contemporain KANAL Centre Pompidou à Bruxelles (mai 2018). Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016) et Côté Court Festival Pantin (2017).
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Birgit Ludwig
The Partition
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 21:21 | Luxembourg, Royaume-Uni | 2018
Blake awakes from a comatic episode for which there doesn't seem to be any explanation. Set in London, the film interweaves his and other characters' discontinued journeys marked by peculiar moments and encounters. At once sober and enigmatic, "The Partition" reflects on singularity, alienation and intangible windows in the wider context of a shifting techno-capitalist environment.
Birgit Ludwig (b. Luxembourg) is a filmmaker and artist based in London. Her films take the form of unconventional dramas or documentaries, interweaving realism and a poetic uncanny. She is a graduate of Central Saint Martins School of Art (BA Fine Art/Phoebe Llewellin Smith Scholarship Award) and Kingston University (MA Experimental Film).