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Tornade Vidéo Vidéo 4 min. 2004 Ce film fait partie d?une installation et est originellement destiné à être projeté sur une grande spirale déployée dans l?espace d?exposition. On y voit un homme qui marche et coure dans des paysages, de jour comme de nuit, comme s?il cherchait à échapper à une catastrophe imminente qui n?est rien d?autre que le tournoiement qui l?emporte comme une tornade.

J`entends me servir de la vidéo pour mettre en avant des données qui relèvent plutôt du champ de la sculpture et plus largement de notre rapport à l`espace. Ces expérimentations filmées sont une façon de rendre compte des forces, des pressions, des mouvements et des vitesses qui agissent sur un corps. Les dispositifs spécifiques utilisés pour le tournage des vidéos (ou pour leur installation sous forme de vidéo-sculptures) permettent de rendre visible la puissance de ces forces et de ces mouvements dont nous sommes la plupart du temps, inconscients. J`ai ouvert successivement trois chantiers qui aujourd`hui coexistent dans un aller-retour entre vidéo et sculpture: - Chantier des sculptures:en dialogue avec le travail vidéo, elles constituent une mise en forme des trajectoires, des mouvements et des déplacements d?un corps ou d?un objet dans l?espace. - Chantier des vidéos dans lesquels un corps se confronte physiquement et de façon absurde à des objets ou des espaces paradoxaux et aberrants. - Chantier des installations où se rejoignent sculpture, espace et vidéo sous forme de vidéos sculptées : les actions vidéoprojetées sont désormais performées en fonction de la forme des écrans-sculptures sur lesquels les vidéos sont projetées.

Un tournage commencé en septembre 2008, à Exarhia, haut-lieu de la contestation athénienne. Entre mes allers-retours Paris-Athènes qui ont continué jusqu`en avril 2011, la situation politique de la Grèce n`a cessé d`évoluer. Le film est devenu la toile sur laquelle les témoignages se sont finalement posés, composant ainsi le paysage morcelé d`un pays en crise.

Née en 1987 à Paris, Daphné Hérétakis a fait des études de réalisation documentaire à l?Université de Paris 8. Elle vit entre Paris et Athènes et réalise des courts métrages documentaires-expérimentaux depuis 2008.

The Phone Booth Project A collaboration between Lily Hibberd and Curtis Taylor The Phone Booth Project presents the special and quotidian role of phone booths in remote Western Desert communities from the perspective of the Martu people living there. Realised as a theatrical installation, three video screens create an immersion into physical sensation and happenings around the booths. Working collaboratively with Martu communities we have made a video installation that explores the use of phone booths in these remote desert regions. A rare insight into the independence and adaptation of modern telecommunications by Martu people across the vast Western Desert of aboriginal Australia.

understanding significant Australian historical events and sites. Her reflexive and collaborative, projects investigate collective, historical, philosophical and psychological aspects of memory and time. Since 2011, she has been commissioned ten community art projects. Lily has an established international career, exhibiting frequently in solo and curated exhibitions, most recently presenting the Ice Pendulum at the Paris Nuit Blanche. She is currently working with the Musée des arts et Métiers on a solo project for their 2015 exhibition on Measures of Time. She is represented by Galerie de Roussan, Paris. Curtis TAYLOR is an actor, emerging film writer/director and a young Martu leader. He is currently undertaking a Bachelor of Culture, Communications and Media at Murdoch University. Curtis has worked as Community Coordinator and Youth Development Officer at Martu Media (a division of Kanyirninpa Jukurrpa), where he spent 18 months working on `Yiwarra Kuju: The Canning Stock Route` as a filmmaker and youth ambassador. Curtis was the recipient of 2011 Western Australian Youth Art Award and Wesfarmers Youth Scholarship.

A partir de 1991, la Galerie Nationale du Jeu de Paume devient un lieu d?exposition, un lieu d?apparition de l?art contemporain et de la photographie. Ce n?est qu?en 2004 que la Galerie Nationale du Jeu de Paume fusionnera avec le Centre National de la Photographie et avec le Patrimoine Photographique, résidant à l?Hôtel Sully dans le Marais. Depuis, les sites de la Galerie sont exclusivement dédiés à la photographie contemporaine, à la vidéo et au cinéma. Elle accueille les artistes du monde entier, privilégiant ainsi une approche synchronique des moments de l?histoire de l?art au travers, notamment, de la photographie et de ses émois, depuis sa création jusqu?à ses transformations contemporaines. L?image en tant qu?expression artistique s?y meut et s?y révèle dans la diversité de ses modes d?apparitions. Soucieuse d?accroître ses publics, la Galerie Nationale du Jeu de Paume configure ses expositions comme des sources de connaissance et organise des projections pédagogiques, des colloques et des conférences. De l?exposition "Support/Surface" bricolant avec le fonctionnel à travers les toiles pliées et peintes de Louis Cane ou les bouts de ficelles nouées d`André Valensi à l`exposition Arman, morceaux du quotidien fondus de plexiglas, à l`art photographique de Joël Meyerowitz, l`image se découvre à la Galerie dans toute sa singularité. Elle donne à penser.

Danièle Hibon est responsable de la programmation de cinéma de la Galerie Nationale du Jeu de Paume à Paris. Elle a étudié les lettres classiques et la philosophie et s`est spécialisée en histoire de l`art. Elle a été responsable du bureau d`accompagnement de l`avance sur recettes au Centre National de la Cinématographie. Depuis 1995, elle co-organise avec Henri Foucault de l?Ensad et Jean-Claude Biette de l?Ensba, un cycle de ciné-conférences destiné aux étudiants de ces deux écoles d`art. Cette initiative unique est animée par le souci constant de faire découvrir des figures de l`art cinématographique, des cinéastes rares et de créer des événements où peut avoir lieu, en leur présence, un véritable dialogue autour des questions et problématiques qui sont celles de l`art et du cinéma. En 1995, lors d`une rétrospective à la Galerie du Jeu de Paume, Danièle Hibon s?est fortement impliquée pour permettre la reconnaissance, auprès du public français, de deux cinéastes, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi.

The private atmosphere of a Dutch living room is breached by the disturbing presence of a large oak tree that slowly enters the room. Close-ups of different kinds of furniture, potted plants, souvenirs and other personal belongings are carefully depicted. No longer protected from the outside by the thin sheets of glass, the vacuum is cancelled when the large oak tree enters the room, confronting the viewer with the impact this has to both tree and home. Being both realistic and absurd, the confrontation between the tree and the home raises questions about the meaning and symbolism of the tree and the private domain, and its representational aspects towards the outside world.

Roderick Hietbrink (b. 1975, the Netherlands) is a visual artist. He received his BA in Fine Art from the Art Academy St. Joost in Breda in 1999 and his MA in Fine Art from the Piet Zwart Institute in Rotterdam in 2002. He is a current resident at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. His work is shown internationally in solo and group exhibitions at Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam, Künstlerhaus Bethanien Berlin, Artspace Visual Arts Centre in Sydney, SMART Project Space Amsterdam and Where Where Exhibition Space in Beijing. Roderick Hietbrink lives and works in Amsterdam and Rotterdam, the Netherlands.

A mountain range in fog and snow. Human absence, ancient sacred places. Traces appear: Dirt roads, antennas, transmission lines. Human faces, behind windows and rain. A city.

Miguel Hilari (1985. Aymara/German) is a documentary filmmaker. His work centers around migration, urbanization and history. It has played and was awarded at various international festivals. He lives and works in La Paz.

A group of travellers of unknown origin arrive out of nowhere into an open landscape. Over the course of a day, they explore and scan the environment with their unique handmade triangular antennae. Through their sensual decoding of information and hypnotic choreography of sign language, a necessity of care for this strange and beautiful planet emerges.

Claudia Hill is a Berlin-based cross-disciplinary artist who makes objects that create possibilities for personal encounters and community. Hill’s work developed from a career in fashion presenting her collections between New York and Japan. As her designs expanded beyond the boundaries of the industry, she made costumes for choreographer William Forsythe, The Wooster Group, and became a frequent collaborator with choreographer Meg Stuart. Her interventions range from performative designs to constructing large scale, textile based sculptures, and conceiving participatory actions for art centers such as Centre Pompidou Paris, and ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe. Hill’s own artist film Kon’voi’ has been presented in several international film festivals. She is currently developing new work for Supernova, an artist group formed around Damaged Goods´ Sketches/Notebook (extended version) for the HAU Berlin 2018 season.

`Dansent le désert` Des paysages du corps se juxtaposent en images. Quelles danses sont possibles dans un tel environnement. C`est le défi que le désert pose aux danseurs. Créé par: Pat Hillaire Dansé par Rolf Meesters et Pat Hillaire Durée 2mn50

1998 initie un travail de vidéo-performance en présence de la danseuse Claudia Flammin puis de Rolf Meesters avec qui je commence en 2000 à expérimenter la danse. Dernière performance: octobre 2005 DA LI LI DA DA, Festival d?automne de Barcelone, 6 performers se réunissent pour expérimenter une performance oú l`important sera que chaque proposition aie la même intensité qu`une autre. Danse, poésie,vidéo, flute japonaise se fondent. En 2005 ont surtout lieu des performances de rue: bar opening exhibition, Festival de rue de Bcn, Museo Mares... 2003 à Berlin, ?KNOWHERE? 10 performances de rue, 3 performers,danseurs Rolf Meesters, Pat Hillaire, musicien sans instruments Johannes Bergmark. Celui-ci relève le défi de performer sans ses objets/instruments.

1961 in Düsseldorf geboren 1980-86 Studium Freie Kunst, Kunstakademie Düsseldorf 1983 Reisestipendium der Kunstakademie, Italien 1987 Arbeitsstipendium NRW, Schloss Ringenberg 1994 Arbeitsstipendium Schlesw.-Holstein, Künstlerhaus Selk 1995 Künstleraustausch Düsseldorf-Ein Hod, Israel 1999 Projektstipendium Kunstfonds e.V., Bonn (für Videoprojekt “HALDE”) 2018 Cites internationale des arts Paris (Gastatelier) Mitglied im Deutschen Künstlerbund

Meine Videoarbeit "AP 28-2" zeigt den Ort und die Institution "Alte Post" in Neuss. Das Gebäude wurde 1877 gebaut und diente bis ca. 1987 als städtisches Postgebäude. Ab 1989 ist darin das Kulturforum Alte Post mit einer kleinen Bühne untergebracht. Der Serviceraum hat sich zu einem kreativen Ort gewandelt. Ich zeige den "Tanz-Probe-Raum" im Obergeschoss mit einer Putzfrau in Aktion. Fotos aus dem Stadtarchiv Neuss. Ein bewegter kleiner Stein belebt die Szene akustisch.

1961 geboren in Düsseldorf 1980-86 Studium Freie Kunst, Kunstakademie Düsseldorf seit 1993 dokumentarische und experimentelle Videoarbeiten

Cette vidéo est une réaction artistique à la pandémie de Covid qui s’est déroulée au cours de la dernière année. Une bouée, dispositif passif et fixe de signalisation, que je remplis d’images souvenir et d’impulsions de mouvement. Un drone monte et descend. Je montre les êtres humains en tant que foule dans un stade de football et en petit groupe de vacanciers sous un parasol sur une plage déserte.

1961: naissance à Düsseldorf, en Allemagne. 1980-86: études de beaux-arts, Kunstakademie Düsseldorf (Allemagne). Depuis 1993, travaux libres de vidéo documentaire et expérimentale

Remembering my last visit with Mary in her garden of light, trees, glass and stone.

Baba Hillman grew up in Japan, Venezuela and Panama and works between France and the U.S.. She received a B.A. in French Literature from Duke University and an M.F.A. in Film and Performance from the University of California, San Diego. Her films and performance works explore memory, history, perception and the poetics and politics of place, language, and the body. She was co-director of Teatro Movimento in Florence, studied with Etienne Decroux and Jean-Pierre Gorin, and is Professor Emerita of Film at Hampshire College in Amherst, Massachusetts. Her films have screened widely at festivals and museums including the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, FIDMarseille, Edinburgh Film Festival, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Ann Arbor Film Festival, National Gallery of Art, Washington D.C., Anthology Film Archives, ICAIC Havana, Africa World Documentary Festival, Yaounde, MIX Brazil, and European Media Art Festival, Osnabruck, among others. She has received awards and grants from the French Ministry of Culture, the Whiting Foundation, the California Arts Council, and the Italian city governments of Florence, Lecce and Certaldo. In 2020, Hillman’s film Kitâb al-Isfâr: Book of the Journey, a feature-length film about near-death and mystical experiences in Andalucia, premiered at the FIDMarseille film festival and was selected for the Athens Avant Garde Film Festival. Earlier films by Hillman include Decroux’s Garden, and 5 Cité de la Roquette, part of a series of films connected to return, place and disappearance.

Poème cinématographique immersif sur un voyage de retour long de sept ans, "Kitâb al-Isfâr: Livre du voyage", entremêle des histoires d’expérience de mort imminente et d'expériences mystiques en Andalousie. À 19 ans, je me suis mise en route, dans l’espoir de trouver le sens de la vie en "essayant tout". J'ai acheté une voiture pour 20 Mark dans un café d'Ulm. Je l'ai peinte à la bombe en jaune et vert et j’ai roulé de la Hollande à l'Espagne en passant par la Roumanie, dormant sur la banquette arrière dans une couverture rouge. Sur la route de Malaga, au sommet d’une montagne, les freins ont lâché. Alors que la voiture dévalait la pente et s'écrasait, j'ai perdu connaissance, avant d’avoir des visions pendant trois jours et trois nuits. Qu'ai-je vu, qu'ai-je compris ? Le Shaykh al-Akbar, Ibn 'Arabi, mystique et philosophe soufi, écrit que le voyage n'a de véritable sens que s'il apporte un nouveau départ. En voyageant, le cœur devient le but.

Baba Hillman est artiste et cinéaste. Elle a grandi au Japon, au Venezuela et au Panama, et travaille entre la France et les États-Unis. Ses films et ses performances interrogent la mémoire, l'histoire, la perception, ainsi que la poétique et la politique du lieu, du langage et du corps. Ses films ont été projetés dans des festivals et des musées, notamment au Museum of Contemporary Art de Los Angeles (USA); au FIDMarseille (France); au Edinburgh Film Festival (Royaume-Uni); à l'Anthology Film Archives, New-York (USA); au Ann Arbor Film Festival (USA); à la National Gallery of Art de Washington D.C. (USA); au Athens Avant Garde Film Festival, Athènes (Grèce); à l’ICAIC - Institut cubain des arts et de l’industrie cinématographique de La Havane (Cuba); à l'Africa World Documentary Festival de Yaoundé (Cameroun); à MIX Brazil (Brésil) et au European Media Art Festival d'Osnabrück (Allemagne).

Une jeune femme à fleur de peau, Agnès. Son meilleur ami, Camille. Sa compagne, Marianne. La soeur de cette dernière, Astrid. Ils devaient se retrouver tous les quatre, pour la première fois depuis longtemps. Mais Marianne ne vient finalement pas. Agnès part sentimentalement à la dérive. Deux nuits et un jour où vont ressurgir de vieilles histoires, des désirs neufs ou enfouis, et une complète remise en cause de leurs rapports à tous.

-Julien Hilmoine est né à Fécamp, en 1979. -Il a passé son enfance et son adolescence à Rouen, dans "une famille de moyenne bourgeoisie, laïque et républicaine". Après des études de lettres et un B.T.S. Audiovisuel option Image, il entre à la Fémis en département réalisation. -Il mène une jeunesse française classique : histoires d?amour, amitiés ; passions, ruptures ; morts. -Parisien par la force des choses, il déclare essayer de réaliser des films. Il avoue aimer les acteurs, passionnément et mène une quête permanente d?images, de visages, de voix.

Ce court métrage vidéo critique, parodie et renforce l'idée d'un Public Warning. Quelqu'un s'est emparé de la loi et a promis des poursuites judiciaires. On voit l'artiste, qui pourrait être n'importe qui, en train de défier et d'enfreindre la loi tout en la renforçant. Une planification minutieuse et une demande d'attention nous préparent à l'action en reproduisant la mise en garde, alors que la rapidité et l'humour sont utilisés pour la présentation et la mise en oeuvre de l'action.

Steve Hines a régulièrement exposé ces dix dernières années. Il a présenté son travail à un niveau national et international en participant à plusieurs festivals d'art interantionaux. Grâce à son expérience dans la photographie, la pratique de Steve Hines est solidement encrée dans cadre conceptuel à l'intérieur duquel il se sert de différents media pour travailler. Ceci lui offre une grande liberté et apporte constamment de nouveaux défis. Steve Hines aime réaliser des oeuvres conceptuelles minimales qui sont souvent combinées à la nature opposée, et pourtant complémentaire, des extrêmes. L'expérience personnelle et le quotidien l'inspirent et lui fournissent le matériau nécessaire à la création de son travail qui allie des récits à des éléments qui peuvent tous nous toucher.

"Speakers" représente la notion d'un monde troublé et compétitif où les nombreux pays, factions, religions et cultures essayent tous de communiquer et de persuader le reste du monde que leur manière d'agir ou leurs croyances sont supérieures. Le film est une image impressionniste en kaléidoscope, accompagnée d'un message audio chaotique. "Speakers" est un court-métrage tourné en vidéo digitale, et composé de plans tournés au Speakers Corner à Hyde Park, Londres. L'oeuvre finale représente la notion d'un monde troublé et compétitif où les nombreux pays, factions, religions et cultures, dont la plupart appartiennent à une minorité, essayent tous de communiquer et de persuader le reste du monde que leur manière d'agir ou leurs croyances sont supérieures. Les Speakers (orateurs) : un homme noir musulman ; trois hommes blancs différents débattant des idéaux du socialisme ; un homme noir chrétien ; une femme et cinq différents hommes blancs chrétiens ; deux hommes noirs parlant de leurs expériences personnelles ; et un pasteur américain. Ce sont tous des personnes exprimant leurs idées, leurs espoirs, leurs peurs et leurs inquiétudes quant aux problèmes qui nous affectent tous. Les scènes filmées de tous les "participants" s'enchaînent directement les unes à la suite des autres. Il en ressort un montage et un chaos confus d'images mouvantes et de mots. Cet effet et cette méthode reflètent les problèmes dans le monde et dressent des comparaisons à travers des arguments et des désaccords touchant aux questions des frontières, des pays, des religions, des gouvernements et régimes,… Dans sa version finale, "Speakers" inverse le rôle original entre le public et l'orateur d'une façon particulière. Initialement, c'était les orateurs qui luttaient, criaient et rivalisaient pour faire passer leur message à travers un public varié, composé de personnes doutant de ce qu'ils disaient, s'y intéressant ou même s'en moquant. A présent, dans l'espace d'un musée, c'est le public qui se tient là, intrigué par ce qui leur est présenté, et qui commence alors à écouter plus attentivement, essayant de comprendre ou d'entendre un mot distinct par-ci par-là, ou de visualiser un visage dans la foule. L'image évoque une sorte de peinture mouvante impressionniste de nature kaléidoscopique, tandis que le son évoque davantage celui d'un monde civilisé en pleine confusion, comme celui de la Bourse à une heure de grande activité par exemple.

Steve Hines expose ses oeuvres régulièrement depuis près de 10 ans. D'abord nationale, leur diffusion est devenue plus récemment internationale, notamment grâce à sa participation à plusieurs festivals d'art dans le monde entier. D'abord centré sur la photographie, le travail de Steve Hines est à présent profondément ancré dans un cadre conceptuel et ainsi il travaille avec divers moyens d'expression. Il s'intéresse à la réalisation d'oeuvres minimalistes et conceptuelles, souvent combinées avec la nature opposée et pourtant complémentaire d'extrêmes. Des expériences personnelles et le quotidien lui fournissent l'inspiration et le matériel nécessaire à la création d'oeuvres alliant récits et éléments pouvant tous nous affecter.

Devon’s moors are the backdrop for this hybrid film that constructs an imaginary community and frames sentiments of belonging at a time when parochialism and nationalism are globally prevailing. Inspired by Arthur Conan Doyle’s The Hound of the Baskervilles, Hipkins grafts portraits of his forebears across Devon?s uncanny landscapes. A subtext of Doyle’s classic novel negotiates yearnings for a homecoming and a mythical ancestral land.

Gavin Hipkins (b. 1968) is a New Zealand-based artist. He holds a Master of Fine Arts from the University of British Columbia. He is currently Associate Professor at Elam School of Fine Arts at the University of Auckland. His work explores the nation state, particularly in colonised countries in an era of re-imagined communities and ideas of social and political utopia. His recent moving image works engage film as a cinematic art that blurs conventional genres of essay film, documentary and experimental narrative structures. His work has been exhibited widely over the last two decades. His solo exhibition The Homely will open at the Museum of Contemporary Art Australia, Sydney in July 2020. Recent exhibitions and screenings include: Videoex, Switzerland (2019); 9th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia (2018); International Film Festival Rotterdam (2018, 2015); International Short Film Festival Oberhausen (2017, 2016); The Jewish Museum, New York (2015); Museum of Arts and Design (MAD), New York (2014); City Art Centre, Edinburgh Art Festival (2014); Armory Film, New York (2012); Centre Pompidou, Paris (2011); Austrian Museum of Applied Art and Contemporary Art (MAK), Vienna, (2011).

La lettre d'un jeune homme à sa mère, envoyée en Nouvelle-Zélande depuis l’Angleterre pendant la première guerre mondiale. Les parcs royaux de Londres forment un cadre pittoresque pour repenser l'empire, le tourisme et la nostalgie, dans ce film hybride qui présente les photographies et les écrits du grand-père de l'artiste sur ses voyages dans l’armée.

Gavin Hipkins est artiste et est installé à Auckland, en Nouvelle-Zélande. Il est titulaire d'un Master en Arts Visuels de l'Université de la Colombie-Britannique, à Vancouver (Canada). Il est actuellement professeur d’arts visuels à la Elam School of Fine Arts de l'université d'Auckland. Son travail interroge l'État, en particulier dans les pays colonisés, à une époque de communautés réimaginées et d’idées d'utopie sociale et politique. Ses récents travaux sur l'image en mouvement abordent le film comme un art qui brouille les genres conventionnels de l'essai, du documentaire et des structures narratives expérimentales. Il a participé à de nombreuses reprises à des expositions et festivals de cinéma d’envergure internationale, notamment: 16e 25FPS International Experimental Film and Video Festival, Compétition internationale, Zagreb (Croatie) [2020]; Rencontres Internationales Paris/Berlin [2020] ; 33e Stuttgarter Filmwinter: Festival for Expanded Media, Stuttgart (Allemagne) [2020]; Festival international du film de Nouvelle-Zélande [2020]; Videoex, Zurich (Suisse) [2019]; The 9th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Gallery of Modern Art, Brisbane (Australie) [2018]; Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas) [2018, 2015]; Festival international du court métrage d’Oberhausen, Compétition internationale (Allemagne) [2017, 2016]; Jewish Museum New York (USA) [2015]; MAD - Museum of Arts and Design , New York (USA) [2014]; Edinburgh Art Festival (Royaume-Uni) [2014].

Recorded at night with a humble camcorder over multiple excursions through indigenous and exotic flora, rhythmic observational studies chart real and imaginary wildernesses. Revisiting Thoreau’s Walden ideal, the sentimental appeal of taking an axe to the woods in white-settler colonies encounters postcolonial unease.

Gavin Hipkins (born 1968, Auckland, Aotearoa New Zealand) holds a Bachelor of Fine Arts from the University of Auckland and a Master of Fine Arts from the University of British Columbia, Vancouver. He is an Associate Professor of Fine Arts at Elam School of Fine Arts, the University of Auckland. His photography and moving image works interrogate how images create meaning through fragmentation and circulation. His work explores the nation state, particularly in colonised countries in an era of re-imagined communities and ideas of social and political utopia. His practice engages film as a cinematic art that blurs conventional genres of essay film, documentary and experimental narrative structures. Hipkins has exhibited widely in international exhibitions and film festivals including: CROSSROADS 2022, San Francisco Cinematheque (2022); Internationale Kurzfilmtage Winterthur, Switzerland (2021); 25FPS Festival, Zagreb (2020); Rencontres Internationales Paris/Berlin (2020); Videoex, Zurich (2019); The 9th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Gallery of Modern Art, Brisbane (2018); International Film Festival Rotterdam (2018, 2015); International Short Film Festival Oberhausen (2017, 2016); The Jewish Museum, New York (2015); Edinburgh Art Festival (2014); Armory Film, New York (2012); Centre Pompidou, Paris (2011); Austrian Museum of Applied Art and Contemporary Art (MAK), Vienna, (2011).

« The Soft Epic, or: Savages of the Pacific West » est une vidéo monumentale et une installation audio qui examine les représentations historiques et contemporaines de l'anxiété culturelle, et la relation fluide entre l'Histoire et le Cinéma, où réalité et fiction s?écroule l?une sur l'autre comme les plis d'un rideau de théâtre tiré. Composée de multiples projections et d?une bande son en surround ? nouvellement commandée à Bird Show (Ben Vida) ? l??uvre synthétise des images et des effets à partir de fresques historiques, d?épopées de science-fiction, de films de catastrophe et de peintures de Jérôme Bosch, en un paysage urbain fracturé et dystrophique, parsemé de flammes éternelles et de chimères. À travers la projection vidéo longue de cent pieds, la splendeur d?Hollywood usurpe le récit mythologique et historique au service de l'autorité politique et l'ordre social.

Nadia Hironaka réside actuellement à Philadelphie (USA) et est professeur au Maryland Institute College of Art. Elle a obtenu son MFA (Master of Fine Art) à l'Art Institute de Chicago (USA) et son BFA (Bachelor of Fine Art) à l'Université des Arts. En 2008, elle était membre du Pennsylvania Council on the Arts. Ses films et installations vidéo ont été montrés internationalement. Matthew Suib, artiste basé à Philadelphie, a exposé ses installations, vidéos, ?uvres audio, et photographies internationalement. En 2007, il a co-fondé Screening, avec Nadia Hironaka. Il est également membre du Pennsylvania Council on the Arts, et ancien membre de Vox Populi, un collectif d?artistes de Philadelphie.

Ho Sin Tung?s Folie à deux, shows a sequence of 17 people reading a passage with their back to the camera - from a book they have chosen themselves, at different indoor and outdoor locations in Hong Kong, the mainland China and Macau. This deceptively simple video, however, has a psychological tension reflected in its title, folie à deux, a term describing ?a condition in which symptoms of a mental disorder, such as the same delusional beliefs or ideas, occur simultaneously in two individuals who share a close relationship or association.? In the video, the intimate relationship is between the reader and the on-looking viewer of her video, the audience. Each reading situation becomes an almost confessional as the read passage reflects an intimate and potentially embarrassing part of the personality or ?soul? of the reader. The viewer is drawn into the readers? spoken passage, its significance, its meanings, and each reader?s viewpoint appreciated, possibly even absorbed by the viewer.

Ho Sin Tung was born in Hong Kong in 1986, and graduated from the Fine Arts Department of Chinese University in Hong Kong in 2008.  Ho`s recent work predominantly uses pencil, graphite and watercolour in combination with found and ready-made images - such as stickers, maps, charts, rubber-stamps and timelines. These are reinterpreted to narrate stories of places, relationships and periods of time often within a considered, objective historical setting.

 Apart from painting, ho also do writing, installation and video work. Her work uses a lot of literature and cinema references. "Folie à deux" is an obvious combination of both themes.