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Synopsis : Dans un hôpital psychiatrique vénitien transformé en centre de recherche universitaire international nous assistons à la non rencontre de cinq de ces membres : un Italien fasciné par les discours sur la psychiatrie de Basaglia, une Irlandaise et un Belge obnubilé par les problèmes communautaires de leur pays respectifs, un Mexicain autiste vivant au rythme des bateaux reliant l?île à la péninsule et une Danoise poursuivant jusqu?à la mort les oiseaux peuplant cette parcelle de terre perdue dans la lagune.

Philippe TERRIER-HERMANN est né en 1970 en France. Après des études à la ?School of the Art Institute of Chicago? et à la ?Rijksakademie? à Amsterdam il séjourne à Bruxelles, à Rome (Villa Médicis), à Paris (cité des Arts), à Tokyo (Villa Médicis Hors les Murs), à Buenos-Aires et cette année à Bangkok afin de réaliser différents travaux essentiellement sous forme de photos ou de vidéos. Depuis 2000, il a exposé au C.N.P. à Paris au Museum voor Fotografie à Anvers, à la Biennale de Sharjah aux Emirats Arabes Unis, à la Galerie Poller à Francfort, à la maison Grégoire à Bruxelles, à La Blanchisserie à Boulogne Billancourt et au Centre d`art contemporain de Castres. Ses Vidéos ont été projetées à l?occasion des soirées Point Ligne Plan à La Fémis à Paris, au Super Deluxe à Tokyo, aux Ets d`en face à Bruxelles, à De Appel à Amsterdam et au MK2 Project-café à Paris. Certaines font aussi parties des collections du Musée National d`Art Moderne, Centre Georges Pompidou à Paris. Il a publié 4 ouvrages : Fascination & Romans, internationales , 106 beautés japonaises et 93 beautés hollandaises .

La Sicile se situe en plein centre de la Méditerranée. Elle a été traversée par de multiples peuples dans son histoire. Elle fut sicule, phénicienne, grecque, arabe, normande puis italienne depuis 150 ans. De par sa situation géographique elle a toujours été un lien entre l'Europe et l'Afrique, entre l'Orient et l'Occident. Depuis quelques années elle est naturellement devenue l'une des portes d'entrée de l'immigration dite illégale en Europe.

Ce film collectif a été réalisé dans le cadre du programme de recherche "Fixer l'archipel" dirigé par Philippe Terrier-Hermann avec les étudiants de l'ISBA, de l'académie de Naples et de La Cambre, section photographie : Melio Lannuzel, Sarah Toscano, Léna Besson, Delphine Pecheux, Alizée Berthet, Sonia Lalaoui, Johanna Defranoux, Nina Jonsson Qi, Marjolaine Abaléa et les professeurs Hervé Charles et Géraldine Pastor-Loret.

Une jeune femme explique pourquoi elle a voyagé jusqu'à l'autre bout du monde avec pour seul bagage une valise contenant un petit phoque en plastique, une brosse à dents et une paire de baskets.

La réalisatrice Miia Tervo est née le 18 février 1980 à Rovaniemi en Finlande. Elle a fait des études cinématographiques à l'Académie d'Art de Turku entre 2003 et 2005, période durant laquelle elle a réalisé son premier film important "Hylje - Seal". Elle étudie actuellement les films documentaires à l'Université d'Art et de Design d'Helsinki et travaille sur un documentaire portant sur Santra Remsujeva, une des derniers chansonnières de la région Viena Karelian, à la frontière de la Finlande et de la Russie.

An observation of public space that is popular among youth communities in Sofia (the park infront of the Monument of the Soviet army). A place to spare time in chatting, drinking, smoking, practicing urban sports or just hanging around. The camera observes from a distance the scenes of spare time and the regular passers by The following editing process adds to the image audio samples coming from libraries dedicated to narrative cinema production: atmospheres, beats, suspense motives, etc (all that in cinema is called extra-diegesis). The implanting of sonic codes from drama films over the opaque (that escape explicit interpretation) visual scenes is an experiment with the subconscious montage of reality every viewer makes on the basis of received ideas, interpretations and guesses, that rarely contain the entire information for a given event. The increase of spare time saturated by media streams from near and far that construct the world is a reservoir for the imagination, role plays, constructions of identities, missions and causes. That liquid ambience between reality and ficton is loaded with suspense and hidden dramatism.

Krassimir Terziev (*1969) is an artist and organizer on contemporary arts and media culture. Lives and works in Sofia, BG, where he had graduated MA in Arts Academy in Sofia (1997). Bio / narative form Being trained as a painter, he also produces photographs, installations, computer mediated works, but the moving image has proven to be his most effective and expressive idiom. His work has been shown on television (P.A.R.K.4DTV, Amsterdam, MMTV, Sofia), at group shows ("THE PROJECTIOBS PROJECT" MuHKA, Antwerp, Muscarnok/Kunsthalle Budapest; ?CINEMA LIKE NEVER BEFORE? Generali Foundation, Vienna, AT; ?New Video, New Europe? TATE Modern London & St. Lois MOCA, Renaissance Society , Chicago, US; ?THE LAST EAST-EUROPEAN SHOW? Museum of Contemporary Arts Belgrade; 9TH. CAIRO BIENALE); media art festivals (Impakt, Uthreht; videopositive, Liverpool; kontext:europe, Vienna & Lyon) as well as at solo shows ("BACKGROUND ACTION" Sofia City Gallery; ?EXCUSE ME, WHICH CITY IS THIS?? ICA-Sofia; ?ON THE BG TRACK? Belgrade Cultural Centre; ?EVERYTHING SEEMS ALRIGHT? The Kitchen, NYC). Member of ICA-Sofia. Since 1998 he has been involved in the organization of a large number of events, projects, lectures, presentations and workshops on media art and culture. He was artist-in-residence in Vienna, Stuttgart, Manchester, Eindhoven, Tornio, New York and Sofia. In 2007 he received Gaudenz Ruf Award for New Bulgarian Art.

Endless, Nameless is a hand-processed Super 8 film, shot in the private garden of a high-ranking Thai army officer. The film constructed from more than twenty years of mont’s observations and memories about different groups of conscript who worked alternately in this garden. The film was created as a self-hypnosis to reinvestigate and seek to understand his existence in the family and how he has been brought up. “I am interested in the phenomenon of light motion and form becoming directly visible when one's eyes are closed or when one is in darkness or so-called Prisoner's Cinema. This reminded me of a resurrection of memories or maybe an invented illusion.”

Mont Tesprateep is an artist and filmmaker based in Bangkok.

A group of teenagers conducts a cremation ceremony for a man who is entering the afterlife while still being sought by the military for deserting. Shot on expired black-and-white film stock, the deteriorating image surface echoes life fading away in this tribute to the director`s friend.

MONT TESPRATEEP was born in Bangkok but raised in Isan (the northeastern region of Thailand). He graduated with a Master degree in Fine Art from Chelsea College of Arts in London. Since 2014, he has been working on a series of hand-processed 16mm and S-8 short films: Endless, Nameless (2014) and Song X (2017). His films has been shown at film festivals, including Locarno Festival, International Film Festival Rotterdam, BFI London Film Festival, Les Rencontres Internationales and etc. Mont received a completion grant from the programme `Frameworks`, International Film Festival Rotterdam to complete a new work `Confusion Is Next`, premiered at the festival in 2018. He is currently developing his first feature film project.

The video installation A crime must be committed is the second part of a series of three parts, focusing on the historical development of the way characters are por-tray¬ed in European and North American movie and TV history. In A crime must be committed Tess cites and alters typical scenes of the crime and detective film genre, such as 1920s gangster movies, (Underworld, 1927), Film Noir (The Maltese Falcon, 1941) Neo-Noir Films, (The Detective, 1968), thrillers, (Die Hard, 1988; Shaft, 1971 and 2000), and contemporary investigation series (CSI, from 2000). The artist follows the historical development of the detective character and his relationship to the criminal, as well as the power games between the pro¬ta¬go-nists, that change over time. The video refuses to follow a chronological order that normally structures historiography. And the tension, as well as the case, of the criminal film remain unresolved, while the loop leaves beginning and end undefined.

Rebecca Ann Tess is an artist born in 1980 in Annweiler Am Trifels, Germany. She studied fine arts at the University of Fine Arts of Berlin, at the Chelsea College of art & Design, and at the Städelschule in Frankfurt. She works essentially with video and found footages and her research approaches diverse subjects such as queer theory or television history. Her work was shown in several European exhibitions.

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Pour le Center of Attention, l?auditoire, qui est invité à participer, est plus qu?un simple destinataire, en ce que grand nombre de leurs ?uvres ne sont achevées que grâce à l?engagement du public dans le jeu. Souvent, l'objectif est de faire rentrer le visiteur à l?intérieur de la performance grâce à une proposition attirante, puis de terminer l??uvre avec leur aide. Un spectacle comme « La Discorde » (Zwietracht) ne fait pas exception : les deux artistes agissent comme des catalyseurs, qui commencent par encourager le public à applaudir quelqu?un. Cette réaction plutôt positive de la part du public est ensuite transformée en son opposé, lorsqu?ils incitent les visiteurs de l?exposition à siffler la même personne qu?ils venaient d?acclamer. D?un point de vue psychologique, cela est extrêmement habile, car les réticences envers l?expression négative sont désamorcées par l?expérience positive de l?applaudissement collectif, connoté positivement. Dans un troisième temps, le public est invité à se bagarrer pendant une minute. Le public joue le jeu de cette escalade d?hostilité parce que le seuil d?inhibition envers les comportements négatifs a déjà été franchi grâce aux huées.

Fondé en 1999, le Centre of Attention est formé par Pierre Coinde et Gary O?Dwyer. Ses projets sont présentés internationalement et constituent une recherche continue sur le phénomène de la production artistique, de la présentation, de la consommation et de la « patrimonisation ». Parmi leurs récentes expositions, citons « L'argent » (« Money ») au Plateau de Paris (pour laquelle le Center of Attention a payé Le Plateau pour être intégré dans l'exposition, le paiement constituant l??uvre) et « Gemeinschaft und Gesellschaft », une installation open source au Mejan Labs de l?Académie Royale des Beaux-Arts de Stockholm (Suède). Leurs prochains projets comprennent la réalisation d?un long-métrage, qui sera produit début 2009.

Cette réalisation traite de la manipulation de l'histoire, dans le contexte de la reconstruction du Château de Berlin (musée Humboldtforum). À partir des incertitudes entourant la proclamation présumée d'une république socialiste par Karl Liebknecht depuis l'un des balcons du château en 1918, le film examine d'autres événements politiques qui ont eu lieu sur des balcons. La reconstitution d'événements politiques et culturels emblématiques, sur le balcon d'origine, soulève les questions de l'authenticité et de la manipulation. Qui écrit notre histoire? Comment faisons-nous face à notre passé? Comment fonctionne la mémoire collective? Le balcon est le motif central du film, représentant les hiérarchies et les politiques de pouvoir.

Daniel Theiler est artiste visuel, réalisateur et architecte. Il est d’origine germano-turque. Il a obtenu le diplôme de Meisterschüler en art et médias auprès de Nina Fischer, à l'UdK – Universität der Künste, Berlin (Allemagne), a étudié l'art à la Bauhaus-Universität Weimar (Allemagne), sous la direction de Danica Daki?, et a fait un MFA au School of the Art Institute of Chicago (USA). Il a également étudié l'architecture à la Technische Universität Berlin (Allemagne), à la ETH, l’École polytechnique fédérale de Zurich (Suisse), et à la University of Strathclyde Glasgow (Royaume-Uni). Daniel Theiler travaille avec une variété de médiums, de la vidéo, à la photographie, en passant par la sculpture et les interventions publiques. Dans ses œuvres, il examine les écarts entre l'utopie et la réalité, en défiant les conventions et en interrogeant les habitudes. Daniel Theiler vit et travaille à Berlin (Allemagne).

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Soren Thilo Funder’s works are carefully crafted cinematic mash-ups of diverse cultural fields and social histories. They serve as formal investigations into the power relations of modern day society and the truisms of written and unwritten history. Proposing new connections between historical, cultural and political matter, they open up new potential spaces ? third places ? for political contemplation and counter-memory.

Cheminement de pensée pour un face à face explosif nouveau synopsis: Un univers épuré, balayé par les vents. Soudain, le sol remue. Une tête au regard fixe émerge, à la façon d?un végétal. Puis une autre. Face à face. Ca y est, le décor est posé, les protagonistes sont là. Ils se dévisagent. A l?intérieur de l?esprit de l?un d?eux, une idée commence à prendre forme? et c?est la plongée. Bienvenue dans les méandres d?un laboratoire à pensées complètement délirant, peuplé de monstres et de bébés monstres ! Tout ceci débouchera-t-il sur un dialogue ?

Laurie Thinot naît à Paris en 1978. Après son bac, elle prend des cours de théâtre pendant 3 ans, puis entre en 2001 à L?ENSAD de Paris. Parallèlement, elle cumule des petits travaux de graphisme (affiche de pièce de théâtre, identités visuelles), participe à des expositions collectives, des stages et donne des coups de mains sur de petites productions d?animation en technique mixte (décor, story board). Elle réalise quelques films d?animation dans le cadre de ses études, s?oriente dans cette section et décroche son diplôme en 2006. X.pression est son film de fin d?étude. Sortie de l?école, elle fait du banc-titre sur le clip « I want love » de Jerho réalisé par Edouard Salier. Elle réalise son premier clip « La terre ferme » en technique mixte pour le groupe Luke en 2007.

"J'installe une boite à outils à penser personnelle customiser seulement pour toi. Tu la mets en marche par le simple fait de cligner des yeux. A partir de maintenant, tes pensées vont êtres concentrées et vraies."

I live and work in London, and am a founder member of the Exploding Cinema Collective ( ww.explodingcinema.org) I am pathway leader of the Fine Art Time Based Media course at the University of the Arts London. My single screen work is distributed internationally by Video Data Bank www.vdb.org

A cause de la guerre les choses changeaient. il ne restait que très peu de jouets et de jeux. la musique état presque finie. L'eau du robinet avait un goût de femme et la télévision s'allumait par spasmes...

mon travail est ma façon hybride de faire se rencontrer la culture pop, l'expérimental et les formes narratives. J'ai récemment présenté mon travail : Anthology Film Archives, New York, Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie, France The Gene Siskel Film Center, Chicago USA. je suis membre fondateur de EXPLODING CINEMA COLLECTIVE (www.explodingcinema.org) à Londres. mon travail est issu de la scène cinéma alternative londonienne des années 90. Mon travail solo est distribué à l'international par Data Bank www.vdb.org. J' enseigne au Wimbledon College of Art, et à la University of the Arts, London.

Quatre mannequins, deux chats et un portail pour apporter la félicité dans leur tentative de symétrie. Une boule de cheveux, un mélange de brindilles dont l?amour est mort et qui sont tristes.

Mon travail a commencé à pousser à partir de la scène underground media de Londres dans les années 90 qui était animée par les artistes. Un membre fondateur du collectif Exploding Cinema basé à Londres dont j'avais visionné et projeté des films, ainsi que des vidéos et des installations,travaille sur le circuit de l?International Experimental Media Festival depuis 9 ans. Je vis dans le sud de Londres avec un réalisateur, Paul Tarrago, et Olive, son chat. Je suis un chargé de cours expérimenté au Wimbledon College of Arts à la University of Arts de Londres. Mes travaux vidéos sont distribués par la Video Data Bank à Chicago. Récemment, j?ai eu des rétrospectives de mes travaux dans plusieurs endroits : l'Anthology Film Archives de New York, le Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie et le Gene Siskel Film Center de Chicago aux Etats-Unis. Il y a aussi eu une tournée de mes travaux à la National Review of Lie Arts de Glasgow.

Un homme à l?aspect distingué (l?artiste Richard Layzell) est apparemment pris au piège dans un vide de couleur toujours changeant, enfermé dans un jeu de pouvoir avec une caméra utilisée de façon perverse. Présentateur de télévision, muet, prisonnier, et charismatique, il est tour à tour charmant, menaçant, instructif, confus. Parfois, il semble avoir de grands pouvoirs. Une voix-off nous dit des choses extraordinaires ? combien cet homme est vraiment spécial ? le premier homme à avoir un bébé. Des images de flashs hallucinogènes ponctuent le champ des couleurs pour nous donner une vision de la logique inquiétante et étrangement futuriste de son monde. Une critique science-fiction et rétro et de la représentation. Une méditation ludique sur l?idiotie de vouloir donner un sens aux choses.

Thomas Jennet est réalisatrice et membre fondateur du collectif londonien Exploding Cinema Collective. Son ?uvre est issue de la culture anarchiste et expérimentale du cinéma underground et de la scène alternative londonienne des années 1990. Son travail est diffusé les festivals de film à une échelle internationale, avec des rétrospectives récente aux Anthology Film Archives de New York (USA) et aux Rencontres Video Art Plastique en France. Plus récemment encore, ses ?uvres ont été exposées sous forme d?installation vidéo dans des galeries, à Londres (Royaume-Uni), en Europe et en Amérique du Nord, avec une récente exposition individuelle à PEER et une grande exposition à venir à la Matt?s Gallery de Londres. Son travail a débuté comme un hybride de performance verbale et de projections publiques ; il combine désormais une large variété de langages cinématographiques, allant du soap-opera à la réalisation de films expérimentaux et underground, de la science-fiction à la comédie musicale. Son travail aborde des sujets très humains et est souvent tristement comique.

« Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. En y repensant, il vaudrait peut-être mieux commencer ainsi : Je viens tout juste d’arriver du futur, et là-bas les gens vont encore au cinéma. »

Nicolas THOMÉ ZETUNE (1993, Brésil) est un réalisateur basé à São Paulo. En 2012, il fonde la société de production FILMES DE AMOR. Ses courts métrages ont été présentés dans certains des plus grands festivals internationaux, dont l’International Film Festival Rotterdam. Son premier long métrage, O Pequeno Mal, a été présenté au FID Marseille en 2018. Son deuxième film, O Tubérculo, a fait sa première mondiale au 27? Festival de Tiradentes. En 2025, Nicolas est sélectionné pour Berlinale Talents Buenos Aires, un forum international de discussion et de développement de projets organisé en partenariat avec la Berlinale et le BAFICI – Buenos Aires International Independent Film Festival. Il prépare actuellement son troisième long métrage, Invisible Tunnel, un projet sélectionné au FIDLab (Marseille, France). Le tournage est prévu pour novembre 2026. Felipe ANDRÉ SILVA (1991, Recife) est cinéaste et poète. Il a signé notamment les longs métrages Santa Mônica (2015) et Passado (2020), ainsi que le court Cinema Contemporâneo (2019). Il travaille régulièrement comme programmateur pour le festival Janela Internacional de Cinema do Recife. En littérature, il a publié les recueils o escritor Xerxenesky et o autocad de Britney Spears, et dirige actuellement &legal edições, une micro-maison d’édition numérique dédiée à la poésie contemporaine.

From the Campidoglio to the Zoo est une œuvre filmique et sonore qui examine la persistance de la colonialité dans l’Italie d’après-guerre, en s’appuyant sur le Ponte Flaminio, un pont conçu pour célébrer les aspirations fascistes et offrir une entrée cérémonielle dans la ville, construit après la Seconde Guerre mondiale à partir de la proposition initiale d’Armando Brasini. Le titre de l’œuvre est emprunté à un essai inédit de l’écrivain William Demby, rédigé comme une critique du Deuxième Congrès des Artistes et Écrivains Noirs de 1959 auquel il avait assisté. Ce congrès, dédié au développement d’une vision et d’une solidarité entre producteurs culturels afro-diasporiques, existait en contraste direct avec son organisation par l’Istituto Italiano per l’Africa. Le film est activé par une performance sonore en direct, enregistrée au Museo delle Civiltà à Rome, par Dudu Kouate et Justin Randolph Thompson, puisant dans l’essence de la négritude avancée en relation avec le congrès et dans la nature fragmentaire de l’unité noire globale. Le son a été produit à partir d’une série d’instruments appartenant à la collection ethnographique du Musée Pigorini à Rome, conservée au Museo delle Civiltà. C’était la première fois que ces instruments étaient joués depuis leur intégration dans la collection, dans certains cas, depuis plus de cent ans. L’œuvre a été réalisée avec le soutien de la British School at Rome et du Museo delle Civiltà.

Justin Randolph Thompson est un artiste, facilitateur culturel et enseignant, né à Peekskill, dans l’État de New York, en 1979. Il partage sa vie entre l’Italie et les États-Unis depuis 1999. Thompson est lauréat d’un MAP Fund Award 2024, d’un Creative Capital Award 2022, d’une Italian Council Research Fellowship 2020, d’un Louis Comfort Tiffany Award, d’un Franklin Furnace Fund Award, d’une Visual Artist Grant de la Fundación Marcelino Botín, ainsi que d’une Emerging Artist Fellowship de Socrates Sculpture Park, entre autres distinctions. Ses œuvres et performances ont été largement présentées dans des institutions telles que le Whitney Museum of American Art, le Centro de Arte Reina Sofía, et The American Academy in Rome, et figurent dans de nombreuses collections, dont le Studio Museum in Harlem et le Museo MADRE. Sa vie et son travail cherchent à approfondir les discussions autour de la stratification socioculturelle et de l’« arrogance de la permanence », en mobilisant des communautés temporaires et fugitives comme formes monumentales, et en développant des projets reliant discours académique, activisme social et stratégies DIY de mise en réseau, au sein de rassemblements annuels ou biennaux, de partages et de gestes de collectivité.

A Short film about War is a narrative documentary artwork made entirely from information found on the worldwide web. In ten minutes this two-screen gallery installation takes viewers around the world to a variety of war zones as seen through the collective eyes of the online photo sharing community Flickr, and as witnessed by a variety of existing military and civilian bloggers. As the ostensibly documentary `film` plays itself out, a second screen logs the provenance of images, blog fragments and gps locations of each element comprising the work, so that the same information is simultaneously communicated to the viewer in two parallel formats -on one hand as a dramatised reportage and on the other hand as a text log. In offering this tautology, we are attempting to explore and highlight the way in which information changes as it is gathered, edited and then mediated through networked communications technologies or broadcast media, and how that changes and distorts meaning -especially for (the generally wealthy minority of) the world`s users of high speed broadband networks, who have become used to the treacherously persuasive panoptic view that google earth (and the worldwide web) appears to give us.

Jon Thomson (b. London) and Alison Craighead (b. Aberdeen) are fascinated how globalisation and networked global communications have been re-shaping the way we all perceive and understand the world around us. They live and work in London and Kingussie in the highlands of Scotland making artworks and installations for galleries, museums and site-specific locations that include the worldwide web. Recent exhibitions include; Kumu Art Museum, Tallinn; Berkeley Art Museum, California; Highland Institute of Contemporary Art, Scotland; Artists Space, New York; Tang Contemporary, Beijing; Moderna Museet, Stockholm; and Dundee Contemporary Arts. Jon is Reader in Fine Art at The Slade School of Fine Art, University College London, while Alison is Reader in contemporary art and visual culture at University of Westminster and lectures in fine art at Goldsmiths University, London. For information on forthcoming, current and previous work, you can follow their blogat http://thomson-craighead.blogspot.com and explore their archive website at http://www.thomson-craighead.net

Electronic Arts Intermix (EAI) est l?un des plus importants centres mondiaux de ressources et de recherches sur l?art vidéo et les nouveaux médias. Fondé en 1971 par le galeriste new-yorkais Howard Wise, dont la galerie éponyme de la 57ème rue fut à une époque l?épicentre de l?art cinétique et des travaux multimédias, l?EAI avait pour objectif d?affirmer le rôle de la vidéo comme moyen de communication et d?expression artistique. En 36 ans d?existence, l?EAI a soutenu inconditionnellement les artistes et leurs travaux, jouant un rôle fondamental dans le développement de l?art vidéo, disséminant dans la monde plus de 3000 ?uvres réalisées par près de 175 artistes. Aujourd?hui, l?EAI se concentre sur la distribution et la préservation de sa phénoménale collection d??uvres. Une collection qui regroupe aussi bien des travaux historiques des pionniers de la vidéo que des ?uvres contemporaines d?artistes émergeants. Une collection, véritable mémoire des arts vidéos et nouveaux, disponible et consultable, en partie, sur le catalogue en-ligne de l?EAI (http://eai.org/). Mais si l?EAI soutient les artistes, en mettant notamment à leur disposition des outils digitaux et analogiques de montage, si l`EAI distribue et préserve son catalogue, l`organisation est avant tout un acteur culturel engagé, dans la promotion des arts nouveaux et dans leur vulgarisation. Elle met à disposition du public une salle de visionnage, où l?intégralité du catalogue est consultable. Elle organise des expositions et des programmes publics.

Depuis l?an 2000, John Thomson est Directeur de la Distribution de l?Electronic Arts Intermix (EAI). Il est aussi co-directeur et fondateur de Foxy Production, une importante galerie new-yorkaise d?art contemporain. Depuis les années 80, il est actif internationalement dans les arts nouveaux. Avant de déménager à New York en 2000, John Thomson effectuait des recherches sur la digitalisation et la distribution des arts multimédias au Lux Centre, à Londres. En 1998, il a été le coordinateur du Pandaemonium Festival à Londres et, en 1997, il a co-préparé la première exposition de l?Image en Mouvement du Lux Centre. Il a aussi organisé des programmes d?arts nouveaux et des expositions pour la Pacific Film Archive de Berkeley en Californie, pour la Staatsgalerie de Stuttgart, pour la Tate Britain à Londres, pour l?Institute of Contemporary Art de Londres, pour l?Exit Art à New York et pour le Smack Mellon à Brooklyn. Il a donné des conférences sur les arts nouveaux, à la London Institute et à la School of Visual Arts à New York, et a écrit pour des magazines (Mesh, à Melbourne, et l?Art In Culture, Séoul) et sur la préservation des arts nouveaux (Art Bewtween Zero and One : A Manual of Digital Art, Christoph Kehl et Beat Raeber, eds., Bâle).

En 1982, à Walt Disney World de la Floride, était le vernissage de la Centre EPCOT, un peu retard pour un tel projet utopique moderniste. Le parc original présenté un manège appellé ?Horizons,? qui a été parrainé par GE. Elle a montré un avenir où la technologie et l`innovation couplée à l`unité de la famille allait évoluer dans des territoires passionnants, et jusque-là inimaginable?avec des colonies dans l`espace et dans le fond des océans de la Terre. En 2000, le manège a été démoli pour faire place à un manège à sensation immersive intitulée ?Mission: L`espace." L`histoire dans cette vidéo, d`une famille à faire des recherches scientifiques sur une colonie dans le complexe Chamaleon dont les livraisons et le financement inexplicablement cesser d`arriver, et qui est déterminée à survivre comme ils peuvent, accompagner archives séquences vidéo Hi-8 du trajet.

Joshua Thorson est un vidéaste et écrivain basé à New York. Il travaille avec le récit conceptuel, l`exploration et l`exploitation de l`échange narratif à travers les thèmes de la science, la religion, la transcendance, l`authenticité, l`idéalisme, et les traumatismes. Utilisation décalages tonal et l`économie rigoureuse, cet ouvrage cherche à la fois à répondre aux attentes et usurpent, l`ouverture de «l`histoire» de l`ontologie. Thorson a présenté son travail dans les musées, galeries et théâtres à l`étranger.