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Skull Island is an ongoing series of lectures, films and installations that examine a hypothetical image environment as an introspective space that reflects the sociopolitical contexts of its audience. Using the fictional island from King Kong as an analogy, cultural and technological developments define a relative position from which the viewer can view and question their surroundings. Part III is structured around two artefacts found in the visual effects archive of Berlin’s Deutsche Kinemathek Museum of Film and Television. A cast of the skull of the original armature for the stop-motion model of King Kong (Merian C. Cooper and Ernest B. Schoedsack, 1933) and a silicone mask constructed for Kevin Bacon’s computer-generated invisible character in Hollow Man (Paul Verhoeven, 2000) create a framework in which to discuss the surfaces and armatures or the skin and bones of moving images. The film examines the inherent hidden material and socio-political properties of moving images, the perpetuation of insidious ideological constructs in cinematic remakes or reboots, and traumas encapsulated in the sites and systems of moving image production.

Graham Kelly is a visual artist and filmmaker. His practice is situated in the interfaces between contemporary forms of images, physical bodies, and environments. By considering these interactions as engulfing and continuous states or effects, his work seeks to expose and dissect power structures that are cast, distorted or enforced within them. His works have been screened and exhibited in a number of international contexts that include: Haus der Kulturen der Welt, Kino der Kunst, EYE Filmmuseum, TENT, Transmission, NEST, Recontres Internationales, and LUX. He was a resident at the Jan van Eyck Academy in 2015/16 and at AIR Berlin Alexanderplatz in 2018.

Hello Joe was covertly produced overnight in a series of rented Airbnb accommodations. It is constructed entirely from elements found and filmed within a number of private homes that were accessed through the online service. Furnishings, ornaments and extracts from various personal book, CD and DVD collections act as a singular workable archive. The resulting film is comprised of a series of vignettes that examine the objects and media that we intimately live with and the ideologies that they preserve. Domestic spaces are merged together in this portrait of an emerging corporate territory within the declining value of privacy.

Graham Kelly is an artist, filmmaker and writer. His practice is situated in the interface between contemporary forms of image, the physical body and environment. By considering this interaction as an engulfing and continuous state or effect, his work seeks to expose and dissect power structures that are cast, distorted or enforced within it. His works have been screened and exhibited in a number of international contexts that include: Recontres Internationales, Kino der Kunst, Lo schermo dell’arte, EYE Filmmuseum, TENT, Transmission, Intermedia, Generator Projects and The Moscow Biennale for Young Art. He was a resident at the Jan van Eyck Academy in 2015/16.

Skull Island is an ongoing series of video works, lectures and installations that use the fictional island from the various versions of King Kong as analogies for hypothetical image environments. Each island provides a means of manifesting and examining an introspective image space that reflects the sociopolitical contexts of its audience. The cultural and technological developments displayed within each version of the film define relative positions from which the viewer can question their current perceived surroundings. After being captured by a camera crew within this otherwise inaccessible territory, Kong escapes into the physical context to confront the audience with their internal fears and shared cultural constructs.

Graham Kelly (b. 1982, Ayr, Scotland) is an artist and writer based in Rotterdam and Brussels. Previous exhibitions, screenings and lectures include: Transmission Gallery (Glasgow), Intermedia (Glasgow), Generator Projects (Dundee), Kino der Kunst (Munich), TENT (Rotterdam), EYE Film Museum (Amsterdam) and the 2016 Moscow International Biennale for Young Art. He graduated from the Glasgow School of Art in 2009 with a Masters in Research and with a Masters in Fine Art in 2014 from the Piet Zwart Institute, Rotterdam. He was a resident at the Jan van Eyck Academy in Maastricht between 2015 and 2016 and is the recipient of the Mondriaan Fonds Werkbijdrage Jong Talent and Centrum Beeldende Kunst O&O subsidies and a Scottish Arts Council Creative and Professional Development Award.

Marcel Duchamp talks about an absurd 'readymade'. An art dealer creates a discourse using the idea of the 'readymade'. An art historian talks about her long time relationship observing Robert Smithson's Spiral Jetty. These personal micro-histories around paradigm shifting artists offers hidden knowledge around the common art historical narrative. While the artist turns over the rocks of the Spiral Jetty, bringing back the experiential quality to an artwork that is mostly known through images.

"The Lie in Wait" comprend une composition digitale et un documentaire vidéo personnel formant et examinant des histoires familiales dont les épisodes sont liés. L´oeuvre contient des scénarios animés et des interviews avec les parents de l´artiste qui, combinés, presentent souvent des convergences entre mythologies issues des traditions vernaculaires d´histoires familiales et mythes transmis par des moyens cinématiques mieux reconnus. Beaucoup des anecdotes utilisées dans la narration de ces histoires utilisent la métaphore pour créer du sens et partager une histoire. Ces histoires sont là pour être racontées et répétées, observées et regardées à nouveau. Au cours du processus, la narration de ces contes prend un sens métaphorique. Entre chaque épisode de la vidéo, des métaphores visuelles et linguistiques se répètent et se révèlent être les symptômes des répressions des conteurs. Caché derrière ces symptômes, il y a souvent un traumatisme latent. Quand ces métaphores deviennent non identifiables dans "The Lie in Wait", grâce à l´effet conjugué de ces incursions dans la mémoires des conteurs et de l´étrangeté de l´animation, le traumatisme remonte à la surface et réapparaît.

Jean-Paul Kelly (né en 1977, Londres, Ontario, Canada) est un artiste basé à Toronto, Ontario, Canada. Il se concentre essentiellement sur des installations basées sur la vidéo, mais son travail comprend aussi du dessin, de la photographie et des moyens d´impression. Ses vidéos les plus récentes, "Give Up the Ghost" (2004) et "the Lie in Wait" (2005), intègrent un langage hybride de compositions digitales, animation, performance vidéo et documents vidéo personnels qui se penchent sur l´anticipation, l´anxiété et la disparitions des contes oraux. son oeuvre a déjà été exposée dans des festivals et galleries d´Amérique du Nord, d´Europe et du Japon.

In this film about a falsified InterRail ticket, a chain of events and links arise which leads the filmmaker on a journey. Where fiction in a performative manner seems to materialize itself and create a piece of reality that seems to imitate fiction. The protagonist in the film is never to be seen, instead we follow her voice through staging and documents while the story is being mediated.

Eva Rocco Kenell (b. 1982 Växjö, Sweden) holds a BFA from Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and a MFA from Konstfack University of Arts and Craft, Stockholm where she graduated with the honorable Principal scholarship. Kenell’s artistic practice is based on a documentary ground, even though the intentions are rather to break down classical narratives and normative storytelling. Not only concepts surrounding fiction and reality are central, but also questions around which one of the two is creating the other. Kenell`s methodology consists of a research based practice with a focus on micro-histories, where she explores single events and where details in a story can become the new center and the place which the focus is transferred to. Kenell`s practice brings up notions concerning the role of the documentary, storytelling, concept of truth and imitation. And at the same time it opens up for questions around freedom of movement and counter-strategies.

La Quinta da Regaleira, à Sintra, au Portugal, est un immense domaine qui comprend deux puits creusés dans le sol destinés aux cérémonies d'initiation. Ce film nous emmène à l’intérieur de l'un d'eux.

Chris Kennedy (né en 1977 à Easton, Maryland, et élevé à Cambridge, Maryland) est cinéaste indépendant, programmateur de film et écrivain. Il habite à Toronto. Il est le directeur exécutif du LIFT - Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (Canada). Il a été programmateur pour le Images Festival, Toronto (Canada) de 2003 à 2006, pour Pleasure Dome, Toronto (Canada) de 2000 à 2006 et pour The Free Screen/Wavelengths de la Cinémathèque du TIFF - Festival international du film de Toronto de 2012 à 2019. Cofondateur des Early Monthly Segments, il en a été co-programmateur de 2009 à 2018. Ses films courts expérimentaux ont été projetés dans plus d'une centaine de festivals de cinéma à travers le monde, et ont fait l'objet d'expositions personnelles, notamment à l'Institut canadien du film (Canada); au Los Angeles Film Forum (USA); au Nam June Paik Art Center, Séoul (Corée du Sud); à la Semana del Film Experimental de La Plata (Argentine) et à la Pacific Film Archive, Berkeley (USA). Son film "Watching the Detectives" a remporté le prix Ken Burns du meilleur film au Ann Arbor Film Festival (USA) en 2018. Il a présenté le travail d'autres artistes en Belgique, en Égypte, en Allemagne, aux États-Unis et au Canada. Il est titulaire d'un Master en arts visuels du San Francisco Art Institute (USA), où il a été cofondateur et animateur d'un forum de projection hebdomadaire. Son travail en tant qu'artiste et programmateur est toujours en dialogue avec l'histoire du film en tant qu'art, explorant la matérialité du médium dans un contexte contemporain.

Texts from the 1969 American Indian Occupation of Alcatraz and letters from supporters propel an exploration of political yearning, emancipatory architecture and failed utopias. What does it mean to claim land that has more value as a symbol than as a potential home? And how does that symbol function beyond the boundaries of its geographic limits?

Chris Kennedy is an independent filmmaker, programmer and writer currently living in Toronto. He programmed for the Images Festival from 2003-06, Pleasure Dome from 2000-06 and co-founded the ongoing screening series Early Monthly Segments in 2009. His short experimental films have screened at over one hundred film festivals worldwide and he has presented film programs in Egypt, Belgium, Germany, the US and Canada. He holds an MFA from the San Francisco Art Institute.

Hippopotamus synopsis A figure in a laboratory observers preserved specimens in jars Do they come to life? He begins to attend to the specimens The disks of a main frame computer begins to run He is now inside a container were many animals were housed many seem to be dead One animal a hippopotamus is still alive The figure plays and interacts with the hippopotamus in a pool among many dead fish The figure returns to the laboratory and his duty of attending the computers memory disks.

an irish artist graduated from uic with an MFA in studio art in 2012 resident at rijksakademie amsterdam 2001 2002

Dans une usine de l?archipel des ruines modernes. Deux silhouettes. Masculine et féminine. Dure et soyeuse. Suspendues à leurs ombres. Contemplent le temps qui passe, et sacrifient leurs corps au travail. Fragments d?une journée à leurs côtés

Djamel Kerkar est né à Alger, en Algerie. Il a passé une partie de son enfance a Tunis, et a travaillé a Alger comme animateur et programmateur de cinéclub (Cinéclub chrysalide). Il est diplômé en tant que réalisateur de l?école des arts visuels de Marrakech au Maroc. Il réalise son premier travail en 2012, le court métrage documentaire « Archipel » suivi de « Earth Is Full Of Ghosts » une Fiction librement inspiré du malentendu d?Albert Camus. Il développe plusieurs projets en Algérie

Une nuit, un homme étrange apparaît. Arrivé non loin des côtes, il croise le chemin d’un fantôme, qu’il se décide à suivre.

Nicolas Keroulas est né en 1997.

Initié en 2008, The Mapping Journey Project est une série de vidéos en cours qui visent à « cartographier » des voyages clandestins. 3 vidéos ont déjà été tournées à Marseille et Ramallah. Filmées en plan-séquence, ces vidéos s?attachent à la confrontation entre un trajet singulier et la normativité de la cartographie. Mapping Journey # 1 suit le trajet d?un jeune Algérien parti illégalement d?Annaba pour Marseille, en passant par la Sardaigne, Naples, Milan, Nice, et Paris. A Marseille, n?ayant d?autre choix pour survivre que de vendre des cigarettes de contrebande, il songe à s?engager dans la Légion Etrangère dans l?espoir de régulariser sa situation, ou de reprendre la route, mais cette fois-ci pour la Suède.

Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine, née à Casablanca au Maroc, en 1975. Elle vit et travaille à Paris. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle, et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Son travail, essentiellement en vidéo - monobandes et installations - explore les trajets migratoires contemporains et les zones frontalières. En se confrontant à la géographie physique et à la normativité du tracé des frontières, le travail de Bouchra Khalili tente de perturber la cartographie traditionnelle en révélant la complexité des trajets migratoires contemporains, les représentations que ces trajets produisent, et les récits qui les accompagnent. Depuis 2002, son travail a été exposé dans de nombreuses institutions en France et à l?étranger, notamment au Centre Georges Pompidou (Paris), à La Fondation Caixa Forum et au CCCB (Barcelone), au Studio Museum (New York), au Musée National Reina Sofia (Madrid), parmi d?autres. Elle a également participé à plusieurs biennales et triennales, dont La Force de l?Art 01, triennale de l?art contemporain français (Galerie Nationale du Grand Palais), La Triennale de Guangzhou (Chine), La 2nde Biennale de Thessalonique (Grèce), et la Biennale de l?Image en Mouvement (Genève).

Straight Stories est un projet vidéo en cours sur l?errance dans des zones frontalières, où géographie physique et imaginaire sont rendues indiscernables. Ce deuxième volet épouse une double trajectoire. D?un côté, un travelling labyrinthique de douze minutes qui sillonne ce Détroit de la rive Asiatique vers la rive Européenne d?Istanbul. De l?autre, le récit d?une jeune réfugiée Irakienne, qui témoigne de son expérience faite d?attente, et de nécessaires espoirs.

Bouchra Khalili Bouchra Khalili est une artiste Franco-Marocaine. Elle est née en 1975 à Casablanca. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme. Dans ses travaux, elle installe des fictions minimales induites par des déambulations, des errances invariables, des trajets labyrinthiques. Placé sous le signe du déplacement géographique et mental, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome et Villa Médicis), La Biennale de l?Image en Mouvement (Genève, Switzerland), La Force de l?Art (Galerie Nationale du Grand Palais, Paris), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Documentaire d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs. En 2006, plusieurs programmations monographiques lui sont consacrées, notamment au Brésil : Palacio das Artes (Belo Horizonte) et à l?Instituto de Artes do Para, Bélem (Brésil). Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est la co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle et les arts plastiques à l?Ecole Nationale Supérieure d?Arts de Paris-Cergy. Les vidéos de Bouchra Khalili sont distribuées par Heure Exquise! Distribution, et sont disponibles chez Ovni Archives-Centre de Culture Contemporaine (Barcelone).

Cette vidéo est la première partie d`un triptyque sur des expériences d`errance dans des zones frontalière , où géographies physiques et imaginaires sont rendues indiscernables.

Bouchra Khalili est une artiste franco-marocaine. Elle est née à Casablanca en 1975. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme et à une errance labyrinthique. Dans ses vidéos, elle explore les relations plastiques et conceptuelles qu?entretiennent géographies physiques, imaginaires, et mentales. Placé sous le signe du déplacement, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales. Bouchra Khalili a étudié le cinema à la Sorbonne Nouvelle et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d`Arts de Paris-Cergy.

Une déambulation aérienne au-dessus d`une grande ville indéterminée. On y voit un écran de télévision qui diffuse des images publicitaires dans l?espace public, une architecture fortement urbanisée, et un littoral occupé. Parallèlement, des voix échappés d?un film, évoquent des rendez-vous à prendre ou manqués, parlent du cinéma comme utopie, et discutent du « monde comme volonté et représentation ».

De nationalité Française et Marocaine, Bouchra Khalili est née à Casablanca en 1975, et a grandi à Paris, où elle vit et travaille. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome and Villa Médicis), The Biennale of The Moving Image (Genève, Switzerland), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Cinéma d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs (Ministère des Affaires Etrangères). En 2006, plusieurs programmations spéciales lui sont consacrées : Fondation Caixa Forum of Art, Instituto Itau Cultural (Belo Horizonte, Brazil), and Palacio das Artes (Belem, Brazil. Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger.

Vue Panoramique décrit un trajet circulaire entre deux rives de la Méditerranée. On y voit un aller-retour en bateau, le passage lancinant des embarcations, le va-et-vient des passants, et l?attente à proximité du port. On y voit surtout la présence obsédante et diffuse de "l?autre côté", où que l?on soit.

Née en 1975 à Casablanca, au Maroc, Bouchra Khalili vit et travaille à Paris, France. Elle est diplômée en cinéma de la "Sorbonne Nouvelle" et en art de l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy. Depuis 2000, elle produit des bandes vidéo et des installations. Son travail a fait l`objet de nombreuses présentations en France et à l'étranger lors d'expositions et de festivals.

Twenty continuous shots linger over the slums of Dhaka, contrasting a young man`s search for moments of stillness and clarity with the megacity`s constant onslaught of sound and movement. The young man seeks peace on a series of bridges crossing an open sewer while the noises of modern urban life - from radio advertising to religious sermons - babble on without pause.

Abid is one of the most promising independent filmmaker from Bangladesh interested in making experimental films.

In a modern city, a boy is locked up in his room for some time. He insulates himself more and more in his universe ? even speaks with him, hears voices. He creates his own imaginary world. He defies the imperceptible.

Day Fly is based on the hikikomori phenomenon What is Hikikomori ? Hikikomori, which literally means "pulling away, being confined" (i.e., "acute social withdrawal") is a Japanese term to refer to the phenomenon of reclusive adolescents and young adults who have chosen to withdraw from social life, often seeking extreme degrees of isolation and confinement due to various personal and social factors in their lives. The term "hikikomori" refers to both the sociological phenomenon in general and to individuals belonging to this societal group. In the film, the main actor wears a mask, which becomes a character in itself as he moves and plays with different perception. The mask is the means for a transference to occur between model and watcher. The speechless face, staring without emotion, becomes the face of a dweller of another world being watched in our own. such an eerie juxtaposition draws viewers in close to Khazem`s and Park `s silent innocents.

Dans "German Shepherds Need Heroes Too", Roman Selim Khereddine réfléchit à la popularité des bergers allemands et des bergers belges au Maroc. "Hérite-t-on de l'histoire violente de son chien?" demande-t-il, en tenant compte du fait que ces chiens ont été employés pour le travail militaire et policier dès la standardisation de ces races au début du XXe siècle. Cet essai vidéo retrace l'histoire de ces chiens en tant que moyen dans les relations hiérarchiques entre différents groupes humains, c'est-à-dire dans les camps de concentration, les colonies et les manifestations pour les droits civiques. La relation entre l’être humain et l'animal est dépeinte ici comme une relation façonnée principalement par la violence et la domination, tandis que le potentiel de responsabilité du propriétaire et du chien est remis en question. Dans ce cas, "de quelle part de votre histoire violente votre chien hérite-t-il?" Des images trouvées - vidéos téléchargées sur Youtube par des amateurs de chiens marocains, et extraits d'actualité - sont associées à un texte de réflexion, qui apparaît sous la forme de sous-titres. Dans son texte, Khereddine s'inspire de l'histoire coloniale, de la tradition islamique, de la culture populaire et médiatique, ainsi que de ses propres expériences, souvenirs et opinions.

Roman Selim Khereddine (né en 1989) est titulaire d'un Master en Histoire et en arts plastiques. Il vit et travaille à Zurich (Suisse).

TEHRAN PORTRAITS est un journal expérimental, une contemplation sur les détails de cette ville de 14 millions d'habitants. Malgré son image tourmentée, il ne se passe rien de spécial dans le quotidien de cette ville. Présentés en installation ou projetés les uns à la suite des autres, chacun des 5 segments de TEHRAN PORTRAITS offre au spectateur un regard, un aperçu des fissures et des cions de la ville immense. De la place de la Liberté au centres commerciaux huppés du nord de la ville en passant par les centaines de chantiers en cours, le spectateur voyage dans les sons et les images quotidiens de Téhéran, confrontant ainsi ses préjugés aux réalités de la capitale iranienne. En tant qu'installation, les films sont disposés en un pentagone dans lequel entre le spectateur, chaque écran diffusant en boucle un point de vue de la ville. Le lieu est silencieux mais des casques diffusent l'ambiance sonore enregistrée par le réalisateur. Sons, images peuvent être asociés à la guise du spectateur. TEHRAN PORTRAITS peut également être projeté en séquences successives, le son étant alors diffusé en même temps. La projection complète dure environ trente minutes.

Bani Khoshnoudi was born in Tehran. She studied photography and video in Texas and currently lives in Paris. While in the USA, she worked as a director and editor on numerous projects, including experimental short films and documentaries. In France she has worked as artistic director on a number of documentaries, like the "Other Iran" series produced by Article Z in 2002. In 2004 she directed "Transit", for which she received the Grand Jury Prize at the Angers European First Film Festival and which played at many festivals, including Rotterdam, Sao Paulo, and Brooklyn. She also produced and directed the documentary "Shirin Ebadi : a simple lawyer", for ARTE television in 2004. She is currently producing and directing her first feature length documentary film in Iran.

Berlin/Charlottenburg Le jeudi 20 Mars, au lieu de boire mon café du matin, j'ai suivi à la télévision le début de la guerre en Irak en sautant d'une chaîne à l'autre. J'étais à la fois désemparée, impuissante et tétanisée. Les semaines qui ont suivi, j'étais tous les jours devant le téléviseur et je frottais mes pieds l'un contre l'autre jusqu'à les blesser. Comme une personne enchaînée qui ne se résout pas à sa situation, mais ne peut pas non plus la changer. Constamment à la recherche de nouvelles, j'alternais entre les informations en langue allemande, anglaise, française et arabe et je parcourais les journaux en ligne. Je voulais comprendre et me trouvais de nouveau dans cette envie(désir) d'avoir du nouveau, des retransmissions en direct, des discussions contradictoires. Il y avait tout simplement tout, livré à domicile. En tant qu'arabe vivant en Europe, on m'a souvent demandé ce qu'il en était de la situation au proche-orient. Surtout au début de la guerre. A chaque conversation téléphonique, cette question tenait lieu de salutation. Je sentais de la prudence ou coyais entendre de la pitié. Cetains me consolaient avec l'espoir d'un dénouement rapide. Ces attitudes étaient compréhensibles, mais le fait d'en parler continuellement était devenu une torture. Ces discussions récurrentes sur les effets et els conséquences de chaque nouvel événement et le sentiment de devoir en permanence me justifier me démolissaient. Et je me demande combien de temps cette sorte d'occupation va encore durer? Ou plutôt je pose des questions sur le réveil. "Comment te sens-tu?" me demandent-ils tous. Je réponds: "Comme ça!",

Née en 1965 à Damas, Syrie. Etudes à l'université de Damas et à l'université d'arts appliqués de Vienne. Peinture, graphisme, performance vidéo, photographie.

Pour la performance "Flower Carrier", Sonia Khurana a pendant six ans parcouru des villes à travers le monde en tenant une fleur en plastique. Chaque lieu nous est révélé de façon à la fois visuelle et acoustique : par la cacophonie des bruits de la rue quand l'artiste évolue dans la petite ville de Modinagar, par les rues embouteillées de Delhi, par le village vallonné de Rajpur, par les métros bondés de Londres par la frontière Badarur jouxtant Delhi qui est touchée par des problèmes de [sous] développement. Le simple fait de marcher le regard rivé sur la tige d'une fleur [en plastique recyclé] devient bientôt une sorte de rituel personnalisé ; une étude du soi dans un univers urbain se transforme rapidement en une insurrection de ville turbulente?. Il n'y a pas de grande narration. La narration se fait ici dans et à travers l'action, presque comme une forme d'enquête psycho-visuelle.

S o n i a K h u r a n a abridged bio: Sonia Khurana?s studies in art include an M.A. in 1999 at the Royal College of Art, London, earllier art education in Delhi, a short course at the Film and Television institute in Pune, and in 2002, a 2-year Research residency at the Rijksakademie in Amsterdam. All of the above was pursued through sholarships and Awards, including the coveted INLAKS Award, in 1997. She now lives and works in New Delhi. « My art practice embraces areas in-between video, photography, elements of performance, text, drawing and installation. In my work I often makes psycho-sexual enquiries into two main areas of experience: interiority, or embodied experience, and the dynamics of identity. Recent body of work focuses on the poetics of inner experience mostly through performance-based videos that are often visually simple and understated Through deleberately poetic intimations, I strive to explore and re-define the space of the political. » During and beyond November 2007, Sonia?s works are currently showing at : ?Public places Private Spaces? - Newark Museum, ? Horn Please? - Kunstmuseum Bern, ? Tiger by the tail ? - Rose Museum, Boston, ?India-Art Now? Spazio Oberdan, Milan, Film Festival Roma, Rome, ?Performa 2007? ? Gallery Elga Wimmer, New York and ?Global Feminisms? - Davis Museum, Wellselly.

LES OUBLIES DE CASSIS « La carrière Fontblanche", l`un des derniers bidonvilles de France en bordure de Cassis. Un village sans nom, sans enfants ni femmes, qui abrite des Tunisiens venus dans les années 1970, contrat en main, pour construire les villas de la cité balnéaire. En octobre 2005, le village improvisé et insalubre où ils habitent depuis 35 ans est détruit, pour être remplacé par une résidence sociale. Le documentaire de Sonia Kichah raconte la mémoire et les histoires individuelles de certains de ces hommes. Des hommes fragilisés par des années d`exil, de sacrifices, d`abnégation de leur vie pour subvenir aux besoins de leurs familles restées au pays. Au milieu de cet amoncellement de cahutes de fortunes, la vie se rythme autour des repères sociaux et culturels reconstruits à l`identique du village natal. La perspective du nouvel habitat est pour eux un deuxième déracinement. Une violence diffuse, qui met à mal le ciment qui les maintient debout et met en lumière l`ambivalence du relogement, la reconstruction d`une nouvelle vie. C`est l`histoire de ces hommes, oubliés depuis 40 ans au milieu d`une carrière de calcaire, suspendu dans un espace temps qui n`appartient qu`à eux. L`histoire d`une intégration et d`un nouvel exil...

Sonia Kichah a fait ses études à Paris et obtint en 1998, un DEA de cinéma à la Sorbonne. Après avoir été assistante à la réalisation dans " Frantz Fanon" de Cheick Djemai, elle passe en 2002 derrière la caméra pour signer son 1er court métrage "Feu Vert". Puis, elle assiste de nouveau Cheick Djemai en 2002 sur le film "La Mémoire retrouvée". Elle réalise son premier documentaire "Identités voilées" en 2005. En 2007, elle obtient une bourse de la Francophonie pour la réalisation d?un court métrage, la veuve, la tante et l?enfant ». Elle réalise en 2008 son deuxième documentaire «  Les oubliés de Cassis ».

A BODY POLITIC CLOSE UP Public Hearing is the verbatim re-performance of a rural American town meeting from a transcript downloaded as publicly available information. Shot entirely in cinematic close-up on black-and-white 16mm film, a cast of actors and non-actors read between the lines in an ironic debate over a Wal-Mart store expansion.

James N. Kienitz Wilkins (b. 1983, USA) is a filmmaker and artist living in Brooklyn. He is the recipient of numerous grants and periodic awards for various projects of specific and/or universal proportions. He is a graduate of the Cooper Union School of Art in New York City.

Jean-Luc Godard shot a film in Germany 28 years ago. A young female director retraces his steps through Germany. She is 28 years old and searches for answers about her german identity and the art of filmmaking. Godards Film is a film about ghosts and history. Does she become a ghost in her own film?

*Born 1990 in Southern Germany. Studied Scenography and Exhibition Design at the University of Arts and Design in Karlsruhe. One year visiting student at the Städelschule in Frankfurt am Main in the class of Douglas Gordon. Since 2013 studies documentary film at the University of Film and Television in Munich.

We react to the multitude of images of the world - of the world we live in. This work explores the effects of synchronizing intent, delivery and objectification. The artwork is named after the arena where the tournaments take place, Er Meydani, Place for (brave) Men. This three channel video installation attempts to create a hyper-gaze by coordinating, directing, forcing together the many components that constructed the atmosphere of the arena. My attempt is to intensify the relationship between the observed and the observer. The power of the gaze is empowering. The situation that I construct rises to a lesser extent from a desire to dominate. It is born from the empathic valence of the images of he who surrenders. It is a theater of the momentary defeated, of the broken wrestler.

Ezgi Kilincaslan was born in 1973, Besni-Turkey. She received a degree in art and pedagogic at Marmara University, Istanbul. She lives in Berlin and graduated as "Meister Schüler" from the University of the Arts (UdK) with Prof. Katharina Sieverding. While initially formed as a painter, she is now experimenting with a variety of mediums including photography, video and installation - exploring and questioning matters of power, related with patriarchy and gender. Her films have been shown at various film festivals amongst which the International Film Festival Oberhausen, the International Film Festival of Rotterdam and the Center for Contemporary Art, Geneva.