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"From Source to Poem" is an invitation to think about the spaces in which history and cultural production is preserved in order to be passed on to future generations. On the one hand, it pursues Barba’s research initiated with "The Hidden Conference" (2010-2015) “a three-part film work exploring museum storages and whose title refers to imaginary conversations taking place between artworks inside these invisible spaces” on the other hand, it is a reflection about the obsession of preserving any output of western culture in any possible medium. "From Source to Poem" shifts the focus from artworks into archival storage: Shot at the National Audio-Visual Conservation Center of the Library of Congress in Culpeper, Virginia, and at an enormous solar power plant in the Mojave Desert in California, it juxtaposes images from the largest media archive worldwide with a study of rhythm, and images of cultural with those of industrial production. The film exposes the preservation of cultural outputs, but also their digitisation for the future. A vast number of the archive’s holdings are sound material; a sonic memory which is recovered and mixed in the soundtrack as a mean to set in motion otherwise unlikely dialogues. Filmed and screened on 35mm film, the work itself is preserved in one of the most durable archival forms.

Rosa Barba’s work is a subtle interrogation into and co-option of industrial cinema-as-subject, via various kinds of what might be understood as “stagings”—of “the local,” the non-actor, gesture, genre, information, expertise and authority, the mundane—and removals from a social realism within which they were observed, and which qualifies them as components of the work, to be framed, redesigned, represented. The effect of which her work contests and recasts truth and fiction, myth and reality, metaphor and material to a disorientating degree, which ultimately extends into a conceptual practice that also recasts the viewer’s own staging as an act of radical and exhilarating reversal – from being the receiver of an image (a subject of control) to being in and amongst its engine room/s, looking out. (Ian White)

L’état des lieux met en évidence la relation ambiguë entre l’homme et la nature. Pour son nouveau film en 35 mm tourné au Pérou, Rosa Barba a travaillé avec des communautés qui sont touchées par la fonte d’un glacier et les temps géologiques qui sont mis à nu. Barba montre la lente disparition du glacier et la perception de ce fait au sein de la population Quechua des Andes. Tout en explorant les différents mythes locaux, elle souligne la possibilité de traduire les connaissances anciennes dans le temps présent.

Rosa Barba est née en 1972 en Italie, vit et travaille à Berlin. Elle a fait ses études à l'Académie des arts et médias de Cologne et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam. Le travail de Barba est représenté dans de nombreuses collections internationales telles que la Collezione MAXXI Arte à Rome en Italie, la Collezione FRAC Piemonte à Vercelli en Italie, le Hamburger Bahnhof à Berlin, la Collection Lemaître à Londres, le musée d'art moderne Louisiana à Humlebæk au Danemark, le Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto à Rovereto, le Museo Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, la Kunsthaus à Zurich, le MACBA à Barcelone, le Mambo à Bologne, le Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland en Allemagne, et Jumex à Mexico. Elle a participé à des expositions collectives, notamment au MASS MoCA aux États-Unis, à l'Akademie der Künste à Berlin, au Kunstmuseum du Liechtenstein à Vaduz, à la Cinémathèque Française à Paris, au WIELS à Bruxelles, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, au Swiss Institute à New York, à la 8e Biennale d'art contemporain de Berlin, à la Triennale internationale en arts des nouveaux médias 2014 à Pékin en Chine, à la 19e Biennale de Sidney, à la Biennale internationale d'art contemporain de Carthagène en Colombie, à la Biennale 2010 de Liverpool, aux 52e et 53e Biennales de Venise, à la 2e Biennale d'art contemporain de Thessalonique et à la Biennale de l'image en mouvement à Genève.

Inside the Outset: Evoking a Space of Passage is a project by artist and filmmaker Rosa Barba following an invitation by Point Centre for Contemporary Art in Nicosia and curator Mirjam Varadinis to propose and realize a project in Cyprus. The work proposed by the artist in 2013, started in 2014 and consists of two parts: a film and a long-term open-air cinema installation. The project was then presented to the Italian Council and received the first prize at the international competition (Third Edition) in 2018, and was awarded a grant from DGAAP (Directorate General for Contemporary Art and Architecture and Urban Peripheries), Italy. Barba’s film is exclusively shot in Cyprus, including underwater shots of the Mazotos shipwreck, as well as aerial shots from archaeological sites. It is an investigation into the loaded, transforming topography that is already palpable in the landscape, before we actually understand what language it creates for our society. In that, the film follows Barba’s artistic approach to examine liminal states which manifest in between contested spaces, both mentally and geographically, in order to allow for a new perspective. The inaugural screening took place in Autumn 2021 at the open-air cinema installation in the Buffer Zone.

Rosa Barba (b. 1972 in Italy) lives and works in Berlin. Rosa Barba studied at the Academy of Media Arts in Cologne and at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. Barba’s work is represented in numerous international collections such as Collezione MAXXI Arte, Rome, Italy; Collezione FRAC Piemonte, Vercelli, Italy; Hamburger Bahnhof, Berlin; Lemaître Collection, London; Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark; Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto; Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Kunsthaus Zürich, MACBA Barcelona, Mambo Bologna, Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland Germany and Jumex, Mexico City. She has participated in group shows amongst others at MASS MoCA, USA; Akademie der Künste, Berlin; Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz; La Cinémathèque Française, Paris; WIELS, Brussels; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Swiss Institute, New York; 8th Berlin Biennale for Contemporary Art International Triennial of New Media Art 2014, Beijing, China; 19th Biennale of Sydney; International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias, Colombia; 2010 Liverpool Biennial; 52nd and 53rd Venice Biennale; 2nd Thessaloniki Biennale of Contemporary Art; Biennial of Moving Images, Geneva.

CAMBIUM, the cellular stratum of trees, it’s a cambial membrane that runs along the trunk and roots, producing growth. In the Navarrese Pyrenees a community has decided to cut down a pine forest in order to recover ancient fields for cultivation and animal grazing. Structured in two parts, the film traces the change of a territory traversed by practices of violence and care for the land.After the abandonment of the villages during the 1960s in the Arce Valley, the Government of Franco planted pines in the fields that were used for grazing as part of a state programme of reforestation and forestry. More than 50 years later, in Lakabe, a village repopulated in the 1980s, they have decided to cut down the pines and recover their meadows for livestock. Through different data capture and image technologies, CAMBIUM explores, together with the inhabitants of the area, a territory in transformation.

Maddi Barber studied audiovisual communication at the University of the Basque Country and did a master's degree in visual anthropology at the University of Manchester. In 2019 she created the production company Pirenaika, with which she has produced some of her films as well as those of other artists and filmmakers from the nearby context such as Gerard Ortin, Ainhoa Gutiérrez and Irati Gorostidi. Her latest co-production, CONTADORES, by Irati Gorostidi, had its international premiere at the Semaine de la Critique in Cannes. She is currently participating in Tabakalera's Ikusmira Berriak residency, where she is developing the feature-length fiction film CLAROS DE BOSQUE. Marina Lameiro is a filmmaker and producer. She holds a degree in Audiovisual Communication from the URJC and a master's degree in Creative Documentary from IDEC-UPF and a postgraduate degree in Audiovisual Editing from the same university. She was part of the Collaborative Studio (CoLab) of UnionDocs in New York City as an artist-in-residence. In 2018 he released her first feature film YOUNG & BEAUTIFUL which, among other awards, won the Special Audience Award at the Punto de Vista Festival in 2018, was nominated for the Feroz Awards and has been screened in more than 20 countries. In 2021 she released DARDARA, her second feature film, which entered the list of the 10 most-seen films in cinemas after its premiere at the Punto de Vista Festival.

Someone is sleeping. A conveyor belt moves stones in an underground place. The stones fall through a hole in the shape of a mouth. Some hands go through a piece of concrete. Someone operates a knob that crushes the stone. In CORE, we document the different states through which the material passes: stone, dust, liquid and solid. Moving between the surface of things and underneath them, we interweave two apparently distant processes: hands traversing and manipulating cement sculptures and the process of extracting and transforming stones in a quarry. An encounter and friction between materials that is in turn the result of the meeting and negotiation of two languages, the sculptural and the cinematographic.

JUNE BIO June Crespo (Pamplona 1982) graduated in Fine Arts from the University of the Basque Country in 2005 and participated in the De Ateliers residency programme (Amsterdam 2015-2017). Her solo exhibitions include: entre alguien y algo (2022) and Ser dos (2017) at CarrerasMugica gallery, Bilbao; Helmets (2020) at Artium, Vitoria-Gasteiz; Voy, sí (2020) Heinrich Ehrhardt gallery, Madrid and No Osso (2019) at Uma Certa Falta de Coêrencia, Oporto. She has recently participated in group exhibitions such as: The Milk of Dreams, Venice Biennale 2022; Fata Morgana, Jeu de Paume (Paris) or El sentido de la Escultura at the Miró Foundation (Barcelona). MADDI BIO Maddi Barber (Valle de Arce, 1988) has a degree in Audiovisual Communication and an MA in Visual Anthropology from the University of Manchester. Her work has been shown at festivals such as Visions du Réel, FidMarseille, San Sebastian (Zabaltegi), Curtocircuito, Zinebi, Ji.hlava, Porto Post Doc and Las Palmas, among others. They have also been exhibited in museums and centres such as La Panera, Artium and the Oteiza Museum. She is currently working on the development of his first feature film, "Claros de bosque".

CAMBIUM, the cellular stratum of trees, it’s a cambial membrane that runs along the trunk and roots, producing growth. In the Navarrese Pyrenees a community has decided to cut down a pine forest in order to recover ancient fields for cultivation and animal grazing. Structured in two parts, the film traces the change of a territory traversed by practices of violence and care for the land.After the abandonment of the villages during the 1960s in the Arce Valley, the Government of Franco planted pines in the fields that were used for grazing as part of a state programme of reforestation and forestry. More than 50 years later, in Lakabe, a village repopulated in the 1980s, they have decided to cut down the pines and recover their meadows for livestock. Through different data capture and image technologies, CAMBIUM explores, together with the inhabitants of the area, a territory in transformation.

Maddi Barber studied audiovisual communication at the University of the Basque Country and did a master's degree in visual anthropology at the University of Manchester. In 2019 she created the production company Pirenaika, with which she has produced some of her films as well as those of other artists and filmmakers from the nearby context such as Gerard Ortin, Ainhoa Gutiérrez and Irati Gorostidi. Her latest co-production, CONTADORES, by Irati Gorostidi, had its international premiere at the Semaine de la Critique in Cannes. She is currently participating in Tabakalera's Ikusmira Berriak residency, where she is developing the feature-length fiction film CLAROS DE BOSQUE. Marina Lameiro is a filmmaker and producer. She holds a degree in Audiovisual Communication from the URJC and a master's degree in Creative Documentary from IDEC-UPF and a postgraduate degree in Audiovisual Editing from the same university. She was part of the Collaborative Studio (CoLab) of UnionDocs in New York City as an artist-in-residence. In 2018 he released her first feature film YOUNG & BEAUTIFUL which, among other awards, won the Special Audience Award at the Punto de Vista Festival in 2018, was nominated for the Feroz Awards and has been screened in more than 20 countries. In 2021 she released DARDARA, her second feature film, which entered the list of the 10 most-seen films in cinemas after its premiere at the Punto de Vista Festival.

Someone is sleeping. A conveyor belt moves stones in an underground place. The stones fall through a hole in the shape of a mouth. Some hands go through a piece of concrete. Someone operates a knob that crushes the stone. In CORE, we document the different states through which the material passes: stone, dust, liquid and solid. Moving between the surface of things and underneath them, we interweave two apparently distant processes: hands traversing and manipulating cement sculptures and the process of extracting and transforming stones in a quarry. An encounter and friction between materials that is in turn the result of the meeting and negotiation of two languages, the sculptural and the cinematographic.

JUNE BIO June Crespo (Pamplona 1982) graduated in Fine Arts from the University of the Basque Country in 2005 and participated in the De Ateliers residency programme (Amsterdam 2015-2017). Her solo exhibitions include: entre alguien y algo (2022) and Ser dos (2017) at CarrerasMugica gallery, Bilbao; Helmets (2020) at Artium, Vitoria-Gasteiz; Voy, sí (2020) Heinrich Ehrhardt gallery, Madrid and No Osso (2019) at Uma Certa Falta de Coêrencia, Oporto. She has recently participated in group exhibitions such as: The Milk of Dreams, Venice Biennale 2022; Fata Morgana, Jeu de Paume (Paris) or El sentido de la Escultura at the Miró Foundation (Barcelona). MADDI BIO Maddi Barber (Valle de Arce, 1988) has a degree in Audiovisual Communication and an MA in Visual Anthropology from the University of Manchester. Her work has been shown at festivals such as Visions du Réel, FidMarseille, San Sebastian (Zabaltegi), Curtocircuito, Zinebi, Ji.hlava, Porto Post Doc and Las Palmas, among others. They have also been exhibited in museums and centres such as La Panera, Artium and the Oteiza Museum. She is currently working on the development of his first feature film, "Claros de bosque".

George Barber doffs his cap to the 20th anniversary of Scratch Video with What`s That Sound?, a mesmerizing montage of questions, answers, and the cries and screams of people caught in a disaster movie. The work uses as its starting point, the film Airport `77 where, improbably, a jumbo jet sinks to the bottom of the sea. What follows is a clever amalgamation of absurd linguistics, cries and shouts, highlighting the artist`s permanent fascination with speech, and human reaction to out-of-the-ordinary situations. Courtesy Video Data bank www.vdb.org
"What`s that Sound?" is a piece started in 1989 but not finished until 2004. The piece is a re-working of "Airport 77" disaster movie. The Artist focuses on a scene where the occupants of a plane, stranded at the bottom of the sea, are listening desperately for any signs of rescue. Vincent Price and Jack Lemmon star. Slowly a link is made between the audience listening - and those on the plane listening. We struggle like them to hear and are drawn in. The extraneous sounds of life start to become part of the work." Courtesy www.luxonline.org

"George Barber was born in Guyana in 1958. He studied at St Martins and Slade Schools of Art, London. He was a founder member of ZG Magazine and a leading figure in the Scratch Video phenomenon of the 80s, which exploited newly available video-editing technologies and their potential for rhythmic-editing and moving-image collage. His current work is visually striking and sometimes disturbing, and often concerned with human behavior in unusual situations. He was once described by Art Monthly as, "The Henry Ford of independent video." Courtesy Video data bank

Deux amis se filment dans Shanghai. Librement inspiré du livre éponyme de Marguerite Duras, Les Yeux bleus cheveux noirs est un film sur le regard,le désir : une lutte silencieuse dans laquelle la retenue l’emporte sur ce qui est livré.

Nora Barbier est née en 1988. Après des études en philosophie contemporaine (Philmaster ENS et EHESS) et en études de genre (M2 de l’Université Paris 8 Saint-Denis), elle a travaillé comme attachée de production de cinéma pour Capricci. Sa première exposition personnelle, Life is so Easy, a eu lieu au Bazaar Compatible Program à Shanghai en 2016.

Las Vegas, ou l?apothéose de la ville en plein désert. Visiter Las Vegas au milieu des années 60 était l?équivalent du voyage à Rome à la fin des années 40? « Learning from Las Vegas" Venturi, Brown, Izenour. The M.I.T. Press, 1972,1977. Trente-trois ans après la publication du célèbre traité d?architecture de Robert Venturi « Learning from Las Vegas », comment cette ville apparaît-elle aujourd?hui? Las Vegas 1905- 2005 : un siècle après sa fondation, quelle est la forme de Las Vegas, première ville au monde en termes de tourisme et de divertissement de masse et qui semble imperméable aux différentes crises énergétiques (pétrole, eau, électricité) et menaces terroristes qui touchent le monde moderne ? «site specific_LAS VEGAS 05" est un projet artistique, une ?uvre en cours de réalisation, la deuxième étape d?un voyage commencé à Rome et qui nous amènera ensuite à Shanghai.

Olivio Barberi est né en 1954 en Italie et commence à exposer en 1978. À partir de 1989, il effectue des voyages réguliers en Orient, surtout en Chine. En 1993, 1995 et 1997 il participe à la Biennale de Venise et à de nombreuses manifestations internationales d?arts visuels contemporains. En 1996, le Folkwang Museum d?Essen lui consacre une rétrospective. En 2003, il participe à «Strangers », la première triennale de photographie et de vidéo organisée par le Centre International de la Photographie ICP à New-York. En 2003, il entreprend le projet site_specific qui s?intéresse à plusieurs villes dont Rome, Montreal, Amman, Las Vegas, Los Angeles, Shanghai et Séville. Dans le cadre du film site_specific, il réalise trois films : site specific_ROMA 04, site specific_LAS VEGAS 05, site specific_SHANGHAI 04. En 2005, il commence une nouvelle série de films intitulée Seascape # e Riversacape #. En 2006 la BIACS (biennale de Séville) l?invite à réaliser un nouveau film, Se villa → ( ∞ ) 06. Les ?uvres d?Olivio Barbieri sont présentées dans des musées, des universités et des collections en Europe et aux États-Unis. De nombreux ouvrages ont été publiés sur son ?uvre dont Paesaggi in Miniatura, Art& Udine 1991 ; Notte, Art&, Udine 1991 ; Olivo Barbieri seit 1978, Museum Folgwan, Essen 1996 ; Artificial Illuminations, Smithsonian, Washington, D.C., 1998 ; Virtual Truths, Silvana Editoriale, Milano 2001 ; Notsofareast, Donzelli, Roma 2002 ; Site Specific_Roma 04, Zoneattive, Roma 2004 ; Site Specific_Las Vegas 05, Wonder Inc., Toronto 2005 ; site specific_SHANGHAI 04, Editrice Quinlan, Bologna 2006 ; site specific_NYC 07, APM edizioni, 2007.

One day, an old water pipe caused a ceiling leak. On this ceiling, toxic mushrooms of the order Polyporales would grow. Sitting on the toilet, the lady of this house looks up and observes that magical and mysterious fungus, which is not an animal, nor a plant. The mushroom is the future, she thought.

1979. Graduated in Digital Arts, in Sound and Image Course, by the School of Arts of UCP (2002). She completed her training with courses and workshops such as the Maine Media Workshops Photography Management Workshop. She wrote and performed her first short film FRIENDS AFTER DARK [2016], that had it international premiere at the 69th Locarno Film Festival, and was screened at film festivals such as Curtas de Vila do Conde, Márgenes, Curtas de Verin, SACO - Oviedo Contemporary Audiovisual Week, FICA - Aguilar del Campo Film Festival, Cinema Jove, Luso Brasileiro de Santa Maria da Feira, and in other exhibitions of which Bilbao Arte stands out. She wrote and staged the film-performance AMIGOS IMAGINÁRIOS [2018], with the collaboration of Rui Lima, Sérgio Martins and Jonathan Saldanha, with a premiere scheduled at Teatro Rivoli (2019). In theater, dance and performance she collaborated in the creation, set design, visual design, video and dramaturgy of several projects, including TRÊS DEDOS ABAIXO DO JOELHO (2012), by Tiago Rodrigues, that won Best Play in 2012 by the SPA, presented internationally in Kunsten Festival Des Arts, De Internationale Keuze and Rotterdamse Schouwburg, STAGE, Théâtre de la Ville, Théâtre des Abbesses, Emilia Romagna Theater Fondazione, among others. She collaborated in the plays: SABOTAGEM (2015), by Lígia Soares, Miguel Castro Caldas and Sílvia Pinto Coelho; O ESPLÊNDIDO (2014), by Andresa Soares. She participated also in other performance projects, such as CELEBRAÇÃO (2012), a dance and performance program presented at Culturgest. She is a TV commercial director for Take It Easy since 2006, where she has made severaladvertisements brand campaigns: Compal, Luso, Matinal, Gallo, Médis, Banco Popular, Terra Nostra, Lidl, CGD, Optimus, ANF, Staples, PT, TMN, Planta, Unitel, Milaneza, RTP, etc. She directed documentary and experimental videos such as: ESFORÇOZINHO DA GENICA, SKATE NO PALÁCIO, POP FISH e GET BENT [2005], this one presented at the exhibition "J'en Rêve" at the Cartier Foundation Paris and at the festivals Imago, Video-Lisboa, Impakt Festival and Courtisane.

Un jeune garçon joue avec un petit chat, et soudain, il transforme ce jeu agréable en un acte de haine incontrôlé. Cette vidéo d'une minute nous amène à réfléchir sur l'origine de la violence.

Cecilia Barriga est né au Chili. En 1977, elle s'est installée en Espagne, à Madrid. Ces vingt dernières années, elle a travaillé sur différents supports visuels, tels que des films, de l'art vidéo, des documentaires et des longs-métrages. Ses créations les plus importantes sont les suivantes: 1991 "Meeting two queens," oeuvre expérimentale majeure présentée au MOMA, New York, Whitney Museum, Reina Sofia, Guggenheim Museum et dans de nombreuses universités à travers le monde. 2000 "Time's up!", long-métrage sortie en salle à Paris, Madrid et présenté dans de nombreux festivals, notamment au San Sebastian International Film festival. Parmi ces créations récentes, on trouve "El camino de Moises" (2004), un documentaire qui a été couronné de succès à la télévision espagnole. "The origine of violence" (2006) a été présenté dans les musées d'art les plus importants d'Espagne.

"Verdun" est une vidéo composée de fragments d'images de la Première Guerre Mondiale. Le silence des paysages déserts est dérangeant. C'est comme un récit du vide après la destruction et de ce qui subsiste des personnes absentes. Cela traite de la sensation de perdre toute visibilité et d'en redécouvrir une dans la perte et dans ce qui repose dans cette perte.

Daniel Barroca est né à Lisbonne en 1976. Il a étudié les Arts Visuels à l'Ecole d'Art et Design de Caldas da Rainha, au Portugal, de 1996 à 2001 et à Ar.Co en 2002. Il a remporté le Prix de Jeune Création en Arts Visuels 2003-2004 de l'Union Latine. Au cours du dernier trimestre 2004, il a vécu et travaillé à l'Académie Espagnole à Rome. Ces dernières années, il a participé à plusieurs expositions et festivals vidéo au Portugal, en Italie, France et Norvège.

?A Miracle? est un film fait en collaboration avec un groupe de Toronto appelé The Hidden Cameras. C?est une démonstration des techniques ?d?animation en direct? (?live animation?) de Daniel Barrow. La vidéo présente un jeune garçon allongé dans son lit qui fait des ombres chinoises sur les murs de sa chambre grâce à la lumière de la Lune. Alors qu?il fait des expériences avec les formes, il invoque l?esprit d?une énorme créature qui ressemble à un oiseau qui aurait la forme d?une chouette et les plumes d?une autruche. La créature partage un moment bref et romantique avec le garçon avant de l?avaler en entier et ensuite de régurgiter et de tordre les parties indigestes puis de les compresser en une balle en forme de gésier. A la fin, la chouette s?envole par la fenêtre et laisse le garçon debout dans sa chambre, il est nu et il a froid. Le garçon trouve une solution en fabriquant un planeur qui le représente, rejoignant ainsi symboliquement la chouette.

Daniel Barrow est un artiste médiatique installé à Winnipeg qui travaille dans la performance, la vidéo et l?installation. Il a beaucoup exposé au Canada et à l?étranger. Il a récemment exposé au Musée d?art contemporain de Los Angeles, au New Langton Arts à San Francisco et à la Galerie d?art contemporain de Vancouver. Depuis 1993, Barrow utilise un rétroprojecteur pour projeter des idées et des récits courts. Plus précisément, il adapte des récits de comics à une forme d?animation ?manuelle? en projetant, superposant et manipulant des dessins sur des transparents. Barrow donne différents noms à cette pratique : ?performance graphique, illustration en direct ou animation manuelle.?

Daniel Barrow utilise un logiciel Amiga de 1988 (une véritable antiquité du point de vu des normes technologiques actuelles) pour illustrer et animer son manifeste personnel ?à l'honnêteté gratuite?. Daniel Barrow a créé "Artist Statement" pour décrire mais aussi parodier son approche personnelle de la création artistique. Cette vidéo est également représentative des themes, méthodes et préoccupations liés aux technologies obsolètes récurrents dans son oeuvre.

Daniel Barrow vit à Winnipeg, au Canada. Artiste pluridisciplinaire, il réalise des vidéos, des installations et des performances. Au fil des ans, il a exposé au Canada et à l?international. Plus récemment, Daniel Barrow a exposé au Museum of Contemporary Art de Los Angeles (USA), au New Langton Arts à San Francisco (USA) et à la Contemporary Art Gallery de Vancouver (Canada). Depuis 1993, Daniel Barrow utilise un projecteur frontal pour retransmettre des idées et des courtes fictions. Mais, plus spécifiquement, il crée et adapte des comics en une forme "manuelle" d'animation, en projetant et manipulant des dessins sur des feuilles transparentes de Mylar. Daniel Barrow se réfère alternativement à cette technique comme étant une "performance graphique, une illustration live ou une animation manuelle".

A Miracle est un film fait en collaboration avec un groupe de Toronto appelé The Hidden Cameras. C?est une démonstration des techniques ?d?animation en direct? (?live animation?) de Daniel Barrow. La vidéo présente un jeune garçon allongé dans son lit qui fait des ombres chinoises sur les murs de sa chambre grâce à la lumière de la Lune. Alors qu?il fait des expériences avec les formes, il invoque l?esprit d?une énorme créature qui ressemble à un oiseau qui aurait la forme d?une chouette et les plumes d?une autruche. La créature partage un moment bref et romantique avec le garçon avant de l?avaler en entier et ensuite de régurgiter et de tordre les parties indigestes puis de les compresser en une balle en forme de gésier. A la fin, la chouette s?envole par la fenêtre et laisse le garçon debout dans sa chambre, il est nu et il a froid. Le garçon trouve une solution en fabriquant un planeur qui le représente, rejoignant ainsi symboliquement la chouette.

Daniel Barrow est un artiste médiatique installé à Winnipeg qui travaille dans la performance, la vidéo et l?installation. Il a beaucoup exposé au Canada et à l?étranger. Il a récemment exposé au Musée d?art contemporain de Los Angeles, au New Langton Arts à San Francisco et à la Galerie d?art contemporain de Vancouver. Depuis 1993, Barrow utilise un rétroprojecteur pour projeter des idées et des récits courts. Plus précisément, il adapte des récits de comics à une forme d?animation ?manuelle? en projetant, superposant et manipulant des dessins sur des transparents. Barrow donne différents noms à cette pratique : ?performance graphique, illustration en direct ou animation manuelle.?

Missing Green (2013) is a poetic journey through Cork Street, Dublin, Ireland. Two parallel stories inter mesh to create one underlying narrative.

Anne Maree Barry is a film artist based in Dublin. Barry?s experimental short films have screened internationally and her work has also been installed in a gallery context at The LAB, Dublin and the Tampere Art Museum, Finland. Missing Green, her most recent short film, was selected for the Stranger Than Fiction Documentary Festival and Indie Cork.An in-depth interview concerning her research methodologies and practice featured in Film Ireland last year.

Le gouvernement républicain d?Oliver Cromwell en Grande-Bretagne fut une époque d?austérité sociale durant laquelle parier et boire étaient des crimes condamnables. Après la mort de Cromwell, la Grande-Bretagne est redevenue une monarchie. En 1660, Charles II reprit le trône, les lois d?interdiction furent annulées et la tradition du ?Grand National? devint bien établie en tant qu?activité sociale et culturelle associée au roi qui était connu pour sa passion pour les chevaux. Le ?Grand National? ? un des plus grands hippodromes de Grande-Bretagne ? est un endroit où l?héritage culturel, l?histoire et la société britannique contemporaine se rencontrent. Depuis l?époque du règne de Charles II, il abrite le point d?orgue de la saison sociale. C?est un événement éclatant qui attire des milliers de personnes chaque année, y compris des membres de la famille royale. Bartana arrive à cet événement social afin de se concentrer sur le public. Dans ses travaux précédents, Bartana se concentrait sur les rituels, les commémorations et les faveurs accordées lors des cérémonies sociales qui font partie de la société israélienne. En faisant cela, elle a décrit des événements qui impliquaient des problèmes d?identité régionale, locale, publique et personnelle. Le but premier d?un rituel civil est de consolider une identité collective régionale distincte et d?intensifier le sentiment d?appartenance de l?individu. Avec le temps, seul le geste perdure dans sa version moderne mais il est occasionnellement vide de sens. Le sens premier de la cérémonie se perd petit à petit, et ce qu?il reste est un symbole et un simple rappel de ce qu?il y avait avant. Au ?Grand National?, déléguée par the Liverpool Biennial, Bartana mène un enquête sur les rituels de socialisation qui ont lieu autour de l?hippodrome et examine la tension créée entre l?endroit, la culture du passé et la société moderne. Bartana choisit entre autres de se concentrer sur un événement qui est considéré par beaucoup comme le temps fort de l?événement ? ?Laydies Day? - un défilé de mode et de talons aiguilles ostentatoire, une exhibition extravertie de couleur et de féminité stéréotypée.

Yael Bartana est née en 1970 à Kfar-Yehezkel en Israël. Elle a obtenu un BFA (Bachelor of Fine Art) à l?Académie d?Art et de Design de Bezalel à Jérusalem, un MFA (Master of Fine Art) à l?Ecole d?Art Visuel de New York et a participé au programme de résidence d?artistes à la Rijksakademie de 2000 à 2001. Elle a fait des expositions personnelles dans plusieurs pays comme par exemple l?Allemagne, Israël, l?Australie et le Japon et elle a gagné différents prix comme le Anselm Kiefer Prize en 2003 et le Dorothea von Stetten-Kunstpreis en 2005. son travail se concentre principalement sur la relation entre rituel et identité dans la société israélienne et étudie les pratiques qui forment l?identité, et plus particulièrement dans leur relation avec les notions traditionnelle et contemporaine de genre, de lieu et d?ethnicité. Dans la plupart de ses ?uvres, Bartana utilise des images documentaires tournées dans des endroits public ou semi-public lors d?événements collectifs qui contribuent à la formation de l?identité, comme par exemple les exercices de tir des femmes apprentis soldats ou les festivités du carnaval organisé pour la fête juive de Purim. Actuellement, Bartana vit et travaille à Amsterdam.

Fruit d’une collaboration entre la compagnie de danse contemporaine sénégalaise Diagn’art et les artistes belge et suisse Kita Bauchet et Stéphanie Pfister, « Les gestes de Saint-Louis » présente une esquisse subjective de la ville et du quotidien qui la rythme. Une infiltration chorégraphique de Saint-Louis à 2 danseurs et 2 caméras sur la musique de Siegfried Canto, qui met en lumière les énergies qui la font vibrer et célèbre la force créative de sa jeunesse.

Diplômée de l’INSAS, Kita Bauchet est une cinéaste belge. Après plusieurs courts métrages de fiction, elle réalise en 2009 La Fabrique de Panique, un long-métrage documentaire sur le film d’animation «Panique au village» de Vincent Patar et Stéphane Aubier, suivra en 2016 Une vie contre l’oubli sur l’œuvre du réalisateur André Dartevelle. En 2018, elle réalise Bains Publics, qui pousse les portes des « Bains du Centre » au cœur des Marolles, un quartier populaire de Bruxelles. Le film reçoit le prix France Télévisions du meilleur documentaire au Festival International de Films de Femmes à Créteil ainsi qu’au festival Brussels in Love, le Prix Birgit Wallborn de Docs en Goguette et une mention spéciale du jury au festival «Signes de vie à Clermont-Ferrand. En 2022, débute le parcours de « Les Gestes de Saint-Louis » mené en collaboration avec la compagnie de danse contemporaine Diagn’art, l’artiste suisse Stéphanie Pfister sur des musiques de Siegfried Canto.

Dans une librairie de Kyoto, une employée reçoit un arrivage de livres. Elle les feuillette et gratte la surface de certaines images à la lame, dans une extrapolation de l?usage japonais du bokashi, une autocensure de l?obscène définie par cette ambiguïté juridique : « ce qui excite ou stimule inutilement le désir ». Dans une poétique de l?absurde, le film étend le geste du bokashi au-delà de la notion de désir, un rituel qui devient une méditation sur ce que dit une image, ce que peut une image.

Eric Baudelaire, né à Salt Lake City en 1973, vit à Paris. À travers la vidéo, la photographie, l`estampe ou l`installation, Eric Baudelaire s`intéresse à la relation entre image et événement, document et narration. Dans une démarche rappelant la factographie, il fait appel à des mises en scènes complexes qui tendent vers le réel, et placent le spectateur dans une situation de questionnement des modes de production, de construction et de consommation des images et des récits. Il a exposé à Elizabeth Dee Gallery, New York, à la Galeria Juana de Aizpuru, Madrid, au Musée de la Photographie de Charleroi et à la Galerie Greta Meert, Bruxelles. Son travail est présent dans les collections du Centre Pompidou, du Fond National d`Art Contemporain et du FRAC Auvergne.