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Fragmentarium, -synopsis : Les thèmes principaux de ce film sont l?isolement et l`enfermement. La façon de les retranscrire, volontairement fragmentaire, différencie le film d`un documentaire et aussi d`une narration conventionnelle. Il a été réalisé à partir d?un texte écrit par une infirmière en psychiatrie qui joue son propre rôle dans le film. (cf texte d`Alexandra Koubichkine ci joint). Il n`a pas été tourné dans un réel hôpital mais dans le collège néerlandais de la Cité Universitaire Internationale de Paris. Je l`ai choisi pour ses qualités plastiques, la pureté de ses lignes qui guident véritablement le regard. Je voulais montrer comment l?espace et l?architecture représentent une forme de pouvoir qui contraint les corps. Plus que les barreaux, c?est le regard qui contraint l?autre, le veille, le surveille. Il était avant tout question d?évocation d`un espace en rapport avec la loi, une institution. Le titre reprend cette idée, il évoque un lieu (comme un sanatorium) et un mode de représentation du monde (fragmentaire).

Laetitia Benat est une artiste née en 1971 qui travaille trois médiums principalement : la photographie, de la vidéo et du dessin. Tous tendent à la réécriture d`une histoire inspirée par le quotidien. Mais un quotidien devenu étrange par l`attention portée à ces détails d`ordinaire invisibles où l`on s`engouffre à force d`y regarder de trop près. L`abîme est le lieu, la chambre le plus souvent, l`espace clos où toute la solitude se déroule. Un encadrement de fenêtre, une ombre qui passe sur un mur. Ses vidéos se caractérisent par l`attachement à dépeindre des femmes, alanguies, tristes pour certains hypnotiquement vidées pour d`autres. Mais à travers tous ces visages blêmes ce qui tend à s`écrire n`est peut-être que la poursuite du portrait originaire ; celui qui les rassemblerait toutes.

L'état actuel du monde requiert que technologie et sécurité aillent de pair. Le problème est que les dispositifs de sécurité sont parfois achetés sans que l'on soit complètement conscients des risques que l'utilisation de tels dispositifs représente. "Warspying" est un documentaire court, engagé, visant à créer une prise de conscience quant à la technologie vidéo sans fil et au problème de la vie privée ou plutôt du manque de vie privée qui résulte de l'utilisation de tels dispositifs. En compagnie de deux amis, je me déplace pour vous montrer combien il est facile de capter des signaux vidéo sans fil. La morale de l'histoire ? Eteignez les caméras sans fil quand vous voulez un peu d'intimité.

EXHIBITIONS 2005 BFA Exhibition, Frost Art Museum, Florida International University International Kaunas Art Biennial ?Textile 05?. Kaunas, Lithuania. 54th Annual All Florida Juried Competition and Exhibition Boca Raton Museum of Art. Boca Raton, Florida. TEXTILE TALENTS 2005 ? East Carolina University. FULL LOAD- The Loft Building ? FIU Wolfsonian & Dacra ? Miami, Florida. NORTH GOES SOUTH- Best in Show ? Graham Center Gallery. Curated by Pip Brant. Florida International University. Miami, Florida BEYOND ALL OF THAT? ? EDGE ZONES @ World Arts Building. Curated by Charo Oquet & David Vardi. Miami, Florida. 2004 OMNI ART ? Curated by Carol Damien & Tina Spiro. Downtown - Miami, Florida. MIAMI NOW ? EDGE ZONES @ World Arts Building. Curated by Charo Oquet & David Vardi. Miami, Florida. 15th ANNUAL USE ? University Student Exhibition, ACA Hester Merwin Ayers Gallery, Atlantic Center for the Arts, Juried by John Torreano. ANNUAL STUDENT SHOW, Frost Art Museum, Florida International University, Juried by Robert Chambers. PUBLIC ART PROJECT ? Group Quilt. Florida International University, Biscayne Bay Campus, Miami, Florida 2002 ARTSERVE Gallery Exhibit in Main Library, Fort Lauderdale, Florida. 35th SALON DE REFUSES, Warehouse Gallery 721, Broward Art Guild, Fort Lauderdale, Florida. FORM FOUNDRY, Creations, Delray Beach, Florida. 2001 BEAUX ARTS FESTIVAL, Coral Gables, Florida. 2000 CLEMATIS BY NIGHT, West Palm Beach, Florida. (August ? December) ALLIANCE FOR THE ARTS, Museum Shop. Fort Myers, Florida 1999 GEEK ART SHOW, Mark K. Wheeler Gallery, Fort Lauderdale, Florida. SCREENINGS 2005 ? The Education Channel`s Annual Independents` Film Festival (IFF) ? 2005 Zeitgeist International Film Festival. San Francisco, California. CURATORIAL Gallery Director - Hugin and Munin Gallery - Dec 2004 to present Catalina &Durvis Tena Francesca Lalane BIBLIOGRAPHY ?The Studio at SIGGRAPH 2001? Computer Graphics Quaterly, May 2002. ?Emerging Technologies? Computer Graphics Quaterly, May 2002. Todd Tongen, Channel 10 Taxi, ?Geek Art Show? 1999. New Florida, ?Geek Art Show? 1999. AWARDS Outstanding Fibers Student Award from Surface Design Magazine through FIU. Workshop scholarships (2) for Transart Institute Summer New Media Art Workshops 2005, Danube University, Krems, Austria. Best in Show, North Goes South, 2005. Outstanding Academic Achievement in Art, Florida International University, Spring 2004. Workshops & Residencies Transart Institute Summer New Media Art Workshops 2005, Danube University, Krems, Austria. Orgs/Memberships ACM SIGGRAPH Golden Key Honors Society Glass Art Society Surface Design Association EDUCATION Florida International University, B.F.A. December 2005 ? non-traditional student B.S. Media Arts & Animation, Cum Laude. Art Institute of Ft. Lauderdale. Ft. Laud., FL 2000. A.A. Miami-Dade Community College. Miami, Florida, 1999. Websites: www.pixel-foundry.com/maggie www.warspying.org

"Edifice I" est une animation expérimentale en 3D d’une durée de 8:35 minutes. Cette œuvre s'inscrit dans une pratique artistique qui s’approprie l'animation informatique 3D et le corps numérique pour explorer les thèmes et les tensions autour de la nature et de la culture, de l'utopie et de la dystopie, par la présentation d'écosystèmes numériques complexes. Le terme "édifice" peut désigner à la fois un grand bâtiment imposant et un système complexe de croyances établi de longue date. "Edifice I" est l’œuvre la plus récente d'une série de réalisations de l'artiste, qui imagine des tours du type de celle de Babel tournant à l'infini, dans un vide infini. Des figures humaines uniformes n'apparaissent que par intermittence, précaires, dominées ou piégées par la superstructure parfois instable. La tour évoque parfois une machine en mouvement perpétuel, sans but évident. Bien qu'elle ressemble à une forteresse, elle est présentée comme une structure perméable et conditionnelle, parfois dans un état de flux instable, incarnant la fragilité du désir utopique et l'impermanence de l’activité humaine.

Gregory Bennett est né et habite en Nouvelle-Zélande (Aotearoa en maori). Artiste numérique, il explore les conceptions utopiques et dystopiques à travers des représentations du corps numérique multiplié. Il utilise l'animation 3D dans une pratique créative qui englobe la vidéo, la capture de mouvement, le mapping vidéo et la réalité virtuelle. Ses œuvres ont été exposées à l'international: aux États-Unis, à Hong Kong, en Chine, en Australie et en Europe. Il a notamment exposé "real-fake.org.2.0" au BronxArtSpace, New York (USA); à l’édition 2019 des Rencontres internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); au 2016 International Symposium on Electronic Art, Hong Kong (Chine); au Supernova Digital Animation Festival, Denver (USA), et au Centre for Contemporary Photography, Melbourne (Australie). Il a été finaliste du 7e Screengrab International Media Arts Award, Townsville (Australie), en 2015; il a été sélectionné pour Narracje 2013, Installations and Interventions in Public Space, Gdansk (Pologne), ainsi que pour l'exposition "Video Contemporary" à la Sydney Contemporary International Art Fair (Australie) [2015]. Son travail a été joint à la série de gravures "Imaginary Prisons " de Giovanni Battista Piranesi pour une exposition à la galerie AALA de Los Angeles (USA) en 2018. Gregory Bennett est titulaire d'un Master de l'Université d'Auckland (Nouvelle-Zélande), et est actuellement chef du département de conception numérique et d'arts visuels à la Auckland University of Technology.

Dans la métropole Lilloise, comme dans toutes les grandes agglomérations occidentales, les tissus urbains maillent, raccordent, rapiècent, resserrent inexorablement leurs trames et absorbent tout espace libre. Si la surface du territoire est aujourd?hui quadrillée jusqu?au moindre centimètre carré, sous l??il des satellites comme sous la règle des promoteurs, quelles chances gardons-nous d?y trouver encore quelques espaces d?indétermination, de flou, d?aventure ? Où est-il encore possible de se cacher ? Vu du dessus, quelques " taches blanches " ajourent encore le coloriage de la carte : ces terrains vagues, îlots d?échangeurs ou talus arborés réservent effectivement quelques poches d?invisibilité, de silence et d?aventure dans le maillage étroit du tissu périurbain. Durant les mois de mars et avril 2003, munis d?un appareil photo numérique et d?une photographie aérienne en guise de carte, nous avons sillonné à pied tout un périmètre de la conurbation Lilloise, sur une aire d?environ 20 km2 autour de son principal n?ud autoroutier, à la recherche de ces espaces interstitiels. Ces huit randonnées ont fourni le matériel documentaire d?un atlas raisonné de nos ?mini-steppes?, consultable sur le site www.lherbe.net. Nos excursions ont également servi de repérages à un film court, lancé sur les traces d`une étrange horde d`individus qu`une grande course migratoire emporte, d?îlots autoroutiers en friches enclavées, dans un " arrière-pays " de l?espace urbain. Si un paysage doit se constituer à la suite de cette meute c?est bien une sorte de steppe en pointillé : là où passent nos barbares, l?herbe repousse? De mars à juin 2003, Christian Ceulemans, licier à l?atelier Courant d?Art de Bernard Petit, à Aubusson, tissait une tapisserie de basse-lisse qui retient aujourd?hui dans ses fils croisés un motif d?herbe foulée, piétinée par les pas de la meute. Au recto de la tapisserie, les fils de laine verte domestiquent dans leur trame régulière, inamovible et pérenne, l?image d?un entrelacs confus de brindilles. Au verso, les brins de laine excédentaires contrefont le mouvement même de l?herbe. Cette tapisserie inscrit les principes antagonistes de l?ordre et du désordre dans sa fabrication même, avant d?en devenir une métaphore. Durant tout le temps de l?exposition, une herbe naturelle s?insinue à travers la trame de la photographie aérienne, aux endroits foulés par les pas de la meute, sur nos mini-steppes : une carte de l?espace résiduel se surimpose lentement, en vert tendre, sur la carte de l?espace utile. Faire remonter l?indécis sur la carte des vocations et des usages, délier la trame de l?espace utile, produire de l?expérience dans le paysage et du paysage dans la ville, réintroduire des " taches blanches " sur la carte, c?est aussi, comme le suggère Emmanuel Hocquard* " fabriquer de la distance dans un espace-temps en voie de resserrement incessant ". * " Taches blanches " in Ma haie, éditions P.O.L.

Mathieu Bouvier artiste. né en 1973. Vit et travaille à Montreuil sous bois. Diplômé des écoles des beaux-arts de Lyon et de Saint-Etienne, et du Fresnoy, studio national des arts contemporains-Tourcoing. Mylène BENOIT - Plasticienne, vidéaste, chorégraphe. Vit à Paris, travaille à Paris et Roubaix Plasticienne, vidéaste et chorégraphe, Mylène Benoit est diplômée de l`Université de Westminster à Londres (BA with Honours de "Pratique des médias contemporains"), de l?université de St Denis (Maîtrise d`Hyperdocument Multimédia). D?octobre 2001 à juillet 2003, elle est artiste-résidente au Fresnoy, Studio national des arts contemporains de Tourcoing. Elle crée en 2003 la Compagnie Contour Progressif dont les réalisations s`articulent autour de l`étude des relations d`interaction entre vocabulaire médiatique/cinématographique et écriture chorégraphique. Depuis 1997, elle intervient à la Cité des Sciences et de l?Industrie à Paris comme conceptrice d?exposition et chef de projet multimédia.

Ionizing radiation can be detected and made visible through an experiment called The Cloud Chamber. The video is a filmed document from a Cloud Chamber positioned near Olkiluoto nuclear power plant on September 11th, 2011, 2:10 ? 2:12 p.m. In this case, Alpha particles, Beta particles, Muons and Protons leave traces that can be distinguished by their characteristic shapes.

BENTEN CLAY is a global corporation with a cross-disciplinary approach. The focus lies on the production of a long-term project titled Age of an End in which the appearance of the now is analyzed, assessing the limitation of natural resources, their implementations, as well as mechanisms of power and volatility inherent to the human pursuit of control.

From now on silence is a short film in which we observe characters who wander through empty building complexes of a city. They are the survivors of a time that is not separated from their places. Auras and real people blur into a questionable constellation of figures. The venues are office buildings and a disused theatre before its imminent demolition. Obscure moments of encounters and the return of walking and coming alternate. Silence from here observes these sceneries and is thus a contemporary document of a place that no longer exists.

Born in Berlin, Germany. 1982. Christin Berg graduated as Meisterschülerin of film in 2015 of Städelschule. She studied at UCL, Slade fine art media department 2013-2014. 2008 Diplom in Scenography and Set Design from the University of Applied Sciences and Arts Hanover.

La fascination de Bergers pour les structures mathématiques est flagrante dans son langage visuel, consistant en des modèles formels de carrés, lignes et rectangles. Il ne tente pas de créer une qualité organique, les formes sont des abstractions pures.

Erich Berger est un artiste et un chercheur indépendant, né en Autriche. Il vit et travaille actuellement à Oslo, Norvège. Avec l'artiste sonore PURE, il fonda le duo d'improisation audiovisuelle PURE.BERGER.

RAPTURE I - VISIT suit Marko, danseur ukrainien de Vogue, alors qu'il affronte avec émotion son appartement abandonné et inaccessible dans le Donbas, une région ukrainienne touchée par dix ans de guerre. L'appartement a été recréé à partir d'un scan 3D de photographies originales, offrant une reconquête numérique de l'espace que Marko visite pour la première fois depuis 2018 grâce à la réalité virtuelle.

Alisa Berger est née en 1987 à Makhachkala (République du Daghestan, Russie) et a grandi à Lviv (Ukraine) et à Essen (Allemagne). Elle a étudié le cinéma et les beaux-arts à l'Académie des arts médiatiques de Cologne (KHM) et à l'Universidad Nacional de Colombia Bogotá. Avec son film de diplôme KHM de 2017, elle a été nominée pour le prix Max Ophüls et pour le prix FIRST STEPS de la Deutsche Filmakademie. Elle a également reçu le prix du meilleur film pour les nouveaux réalisateurs au Int. Film Festival Uruguay et du prix du scénario de H.W. Geißendörfer. 2018 - 2022 : elle vit à Tokyo et étudie le Butoh. Son travail porte souvent sur la recherche de la pulsion spirituelle et non rationnelle dans notre monde, sur des cultures dont les pratiques d'acquisition de connaissances sont liées à des idéologies religieuses, à des cultes mortuaires ou à des concepts futuristes de ces croyances.

Ce film en réalité virtuelle explore l’idée d’un foyer physique perdu et la met en regard avec le corps du danseur comme demeure éternelle. Conçu comme une séance d’hypnose, il guide le spectateur à travers l’appartement de Marko, désormais fusionné avec des scans 3D réels d’architectures ukrainiennes aujourd’hui détruites. Les éléments de danse voguing instaurent un contraste puissant entre la force du corps en mouvement et sa vulnérabilité face aux technologies de guerre. Ce film fait partie du diptyque multimédia Rapture, composé du court métrage RAPTURE I – VISIT et du film VR 360 RAPTURE II – PORTAL. Chaque œuvre peut exister de manière autonome ou être envisagée conjointement comme les deux volets d’un diptyque, chacun faisant écho à l’autre.

Alisa Berger est née en 1987 à Makhatchkala, dans la république du Daghestan, et a grandi à Lviv, en Ukraine, puis à Essen, en Allemagne. Elle a étudié le cinéma et les arts plastiques à la Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) ainsi qu’à la Universidad Nacional de Colombia à Bogotá. Avec son film de diplôme en 2017, elle est nommée au Max Ophüls Preis et au FIRST STEPS Award de la Deutsche Filmakademie. Elle reçoit également le prix du Meilleur film de la compétition « New Directors » au Festival international du film d’Uruguay ainsi que le prix de scénario H.W. Geißendörfer. De 2018 à 2022, elle vit à Tokyo, où elle étudie la performance butô. De 2022 à 2024, elle suit le programme du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, où elle réalise son nouveau film INVISIBLE PEOPLE, distingué par le Prix Studio Collector au Jeu de Paume (attribué par Isabelle & Jean-Conrad Lemaître et Haro Cumbusyan) ainsi que par le Prix Analix Forever (attribué par Barbara Polla et Marta Ponsa, Jeu de Paume, Paris). Sa première installation VR, RAPTURE II – PORTAL, est présentée en première mondiale au IDFA DocLab 2024, puis à la Berlinale Forum Expanded sous la forme du diptyque vidéo RAPTURE. Elle reçoit le prix du Meilleur film immersif à One World Festival 2025. Alisa Berger crée des films et des installations, souvent dans un processus collaboratif, accompagnés, transformés ou parfois détruits par des interventions performatives. Elle a présenté ses œuvres dans de nombreuses expositions collectives, notamment à l’Eye Filmmuseum (Amsterdam), au Tokyo Metropolitan Art Museum (Tokyo), au Centre Wallonie-Bruxelles (Paris), au National Museum of Asian Art de la Smithsonian Institution (Washington, DC), au Neuer Aachener Kunstverein, au Kindl – Centre for Contemporary Art (Berlin), à KAI 10 – Arthena Foundation (Düsseldorf), au Centre Dovjenko (Kyiv), au MMOMA (Moscou), au BACC (Bangkok) ou encore au Midlands Art Centre (Birmingham). Depuis 2011, elle collabore avec Lena Ditte Nissen sous le nom bergernissen. Elle est cofondatrice de la société internationale de production cinématographique FORTIS FEM FILM, dédiée à la mise en visibilité des femmes et de leurs récits dans le cinéma. Parallèlement, Berger développe une pratique de performance sonore et anime une émission mensuelle en tant que DJ sur dublab.de.

Doska Frank depicts some days in the life and emotions of a young couple in Stockholm, Frida and Oskar. Parallel to the young couple is the real estate agent who provides guided tours to the people. Political ideas are manipulated and removed from their context and extreme make-up trends are taken for granted. Frida desires Black Metal, and she wants it loud. Oskar needs Frida, but Frida needs music as a symbol of something more.

Hanna Bergfors, grew up in Sweden. Lived in Spain and now in Germany where she studies narrative and experimental film at the University of the Arts in Berlin. She has directed a range of short films and installations before making Doska Frank.

"The Hustle" est une animation Flash sur un DVD single channel, tirant son titre d'une danse linéaire célèbre de l'époque de l'enfance de l'artiste dans les années soixante-dix. La vidéo comprend l'interaction de différents personnages de sexes opposés de la même époque. Ils vont d'une Patty Hearst violente, Josie and the Pussycats, de la tête agressive et bavasse du Président Nixon, un astronaute perdu flottant sans but à travers l'écran. Ces personnages "dansent" dans des décors tels que la maison de Mr Roger en explorant l'espace entre l'autorisé et l'autorité. La présentation ludique de la vidéo tout comme l'affable bande son contre-balancent la complexe et souvent sombre exploration des politiques des genres(sexes) dans cette oeuvre. Comme l'interaction de ces personnages sexués devient plus compliquée, une tension fine entre l'humour et l'inconfort s'installe. Ce que la vidéo réussit est une vision honnête des relations entres les sexes vues à travers les yeux d'un enfant: les implications et sous entendus cachés derrière le voile joyeux de la culture pop de consommation.

L'artiste multimédia Sandra Bermudez vie et travaille à New-York. Ses travaux, basés sur l'autoportrait, creusent dans les questions de sexes avec un focus sur l'identité, la représentation et la construction du sexe féminin. Elle crée des oeuvre joueuses et séductrices faisant référence a la pornographie comme à l'art corporel contemporain. Bermudez a étudié à l'Instituto Marangoni, Milan et fut diplomée de l'université de Columbia et de New York. Elle fut choisie pour différentes résidences: Château la Napoule Art Fondation, Cannes; Vermont Studio Centre; Artists in the Marketplace, Bronx Museum of Arts; Blue Montain Centre, NY; Skopelos Art Foundation, Grèce. Ses travaux ont été exposé en solo comme en groupe: 20 Years In, International Center of Photography (2006); Arte Americas, Museo del Barrio, New York-Miami (2006); All that you can see, Art Basel-Design District, Miami (2005); Not Only Performance, Museo del Barrio, New York (2004); The Sublime Metaphor, Oxford Museum, Oxford (2003); Rencontres Internationales, Podewil Center for Contemporary Arts, Berlin (2003); Public Responsibility, Art Museum of the Americas, Washington (2003); Freewaves, Iturralde Gallery, Los Angeles (2002); et Socket Saliva, Videotage, Hong Kong, China (2002). Elle reçu en 2005 une mention honorable au Salon Colombien National et prit part à l'Optic Nerve au MOCA, Miami. En 2007 elle exposa dans We Are Your Future, Biennale de Moscou; MACO; la Triennial de Milan; et Wallflowers, Danziger Projects, New York entre autres. Ses expositions solo en 2007 inclurent Luxe, Spinello Gallery, Miami; et Heavyweight, Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles.

Cachée derrière Maharaja Sayajirao University de Baroda, se tenait une jungle vallonnée accessible par un petit muret, comme une miniature Moghol. Muni d?une couronne, d?un portant à oiseaux et d?une lampe torche, j?ai demandé à des amis sculpteurs d?incarner dans ce décor les personnages de la Flûte enchantée, comme un prélude à l?Opéra, comme le temps suspendu d?une nuit à rebours, comme la coulisse d?un mélodrame absurde et grave.

Historien de formation ayant étudié à l?Université Paris I, puis diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2013, Léandre Bernard-Brunel développe un travail en vidéo à la lisière du cinéma. Les questions de la théâtralité, de la voix et de l`objet y tiennent une place centrale. Ses formes brouillent journal filmé, théâtralisation, récits sonores et images hypnotiques. Léandre Bernard-Brunel part toujours d`un document, d`un réel qu?il distord avec une simplicité dans les moyens optiques et acoustiques utilisés. Il recherche des formes au seuil de l`hypnose et de la fantasmagorie, à l`agonie du sommeil. Ses films ont été montrés ces deux dernières années au Palais de Tokyo, à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin, au Salon de Montrouge, à la chapelle des Carmélites à Toulouse, à la Kunsthalle de Mainz ou encore dans les galeries de Jerôme Poggi et de Virginie Louvet à Paris pour sa première exposition personnelle en 2012. Ses recherches plastiques et filmiques ont été soutenues, entre autres, par Jean-Max Colard des Inrok?s pour la Biennale de Belleville en 2012, par la ville de Paris pour son film « Colorature » en 2012, et par le prix Scribe 2013 pour le cinéma.

Dans un parc abritant autrefois une exposition coloniale, des gardiens invisibles s?inquiètent d?une odeur étrange. Des bruits courent dans cette fausse végétation tropicale. Des grognements, des soupirs, des voix résonnent dans les murs des anciens pavillons de foire. Une nourrice malgache, la Ramatou, et un chauffeur, « nègre-bohème » commentent le départ des maîtres, dans un colloque sentimental où se mêlent ironie et vraie-fausse mélancolie.

Historien de formation, né en 1985, étudiant en dernière année aux Beaux-Arts de Paris et ayant étudié en Inde à la Faculty of Fine de Vadodara, je développe un travail sur l?espace en vidéo à la lisière du cinéma. Les questions de la théâtralité, de la voix et de l`objet y tiennent une place centrale. Inspirés du langage scandé des lanternes magiques et du prècinéma, mes films mettent en jeu une circulation heurtée de signes. Une affaire de foire et de monstration. Je pars toujours d`un document que je distords avec une simplicité dans les moyens optiques et acoustiques que j`utilise. Je recherche des formes au seuil de l`hypnose et de la fantasmagorie, à l`agonie du sommeil. Mon travail a été montré au 57ème salon de Montrouge, à la Chapelle des Carmélites à Toulouse, à l?Alliance Française de Baroda en Inde, à la Biennale de Belleville ou encore au Passage de Retz pour l?exposition d?Emmanuel Saulnier. Mon dernier film, Colorature, sera présenté à la Galerie Jerôme Poggi sous le commissariat de Stéphanie Cottin. Depuis Juin 2011, mon travail est soutenu et diffusé par Arte Créative. Parallèlement à mon travail d?artiste, je collabore avec des maisons de productions de film comme consultant. Pendant plus de trois ans, j?ai été lecteur à Arte France Cinéma auprès de Michel Reilhac.

À propos de "I Feel Cold Today" : Lente traversée de bureaux désertés où s?engouffre un blizzard. Papiers virevoltants et équipements de bureau d?un autre temps témoignent d`une présence humaine récente mais fantomatique, conférant à la scène une ambiance de féérie apocalyptique.

BIO/CV : - Patrick Bernatchez [www.patrickbernatchez.com] est né en 1972 à Montréal au Québec (Canada). - Depuis 2000, son travail a été présenté au QUébec, au Canada et depuis quelques années en Europe et aux États-Unis. - Après une résidence d`artiste [www.iaab.ch] à Bâle (Suisse) en 2008-2009, Patrick Bernatchez travaille actuellement (2009-2010) au KÜnstlerhaus Bethanien [www.bethanien.de] à Berlin (Allemagne) ; deux résidences soutenues par le Conseil des arts et des lettres du Québec [www.calq.gouv.qc.cq]. - Depuis 2008, l`artiste a fait partie des activités des Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid/... [http://art-action.org]. - En 2009, Patrick Bernatchez a présenté des expositions solo à : PREFIX ? ICA ? Institute of Contemporary Art, Toronto [www.prefix.ca]; EXPRMNTL, Toulouse [www.exprmntl.fr]; Galerie Donald Browne, Montreal [www.galeriedonaldbrowne.com]; Stedelijk museum`s-Hertogenbosch ? SM?S, Hertogenbosch [www.sm-s.nl]; Galerie West, Den Haag [www.galeriewest.nl]; Galerie Bertrand Grimont, Paris [www.bertrandgrimont.com]. - À l`automne 2009, avec la Galerie Bertrand Grimont, il a fait partie de SLICK - Foire d`art contemporain [www.slick-paris.com] au Centre d`art le CENTQUATRE à Paris [www.104.fr]. - Les prochains solos seront présentés à : .e.space généric [http://espacegeneric.blogspot.com], Claye-Souilly (Seine-et-Marne, France) en déc. 2009-janv. 2010 ; .la Galerie Studio Bethanien, Künstlerhaus Bethanien, Berlin [www.bethanien.de] en avril-mai 2010. - Le vidéo "I Feel Cold Today" a été projet dans une scénographique intégrée au Frigidarium du Musée de Cluny - musée national du Moyen Âge à l`occasion de la NUIT BLANCHE, Paris [www.nuitblanche.paris.fr], 8e édition, le 3 oct. 2009. - "I Feel Cold Today" a été ou sera projeté ou exposé à : .Experimenta Utopia Now, Media Art Biennial [www.experimenta.org], Melbourne and then national tour in 2010-2011 ; ."CUE: Artists? Videos" (2010) - Cultural Olympic Games program, Vancouver Art Gallery [www.vanartgallery.bc.ca] ; ."The Boundary Layer" (2009), The Prairie Art Gallery, Grande Prairie, Canada [www.prairiegallery.com]; etc.

Patrick Bernatchez puise son inspiration dans différentes sources - le cinéma, l?imagerie populaire, la musique ? et nous livre une sorte d?opéra postmoderne à la fois merveilleux, exubérant et angoissant.

CHRYSALIDE-EMPEREUR Pellicule 35mm tranférée sur support numérique. Durée : environ 10 min. (2007-2008) La scène se déroule dans l?obscurité du stationnement souterrain d?un immeuble manufacturier. Un personnage, seul dans sa voiture, termine son dernier repas et fume une cigarette d?un air taciturne. Pendant ce temps l?eau s?accumule à l?intérieur du véhicule seulement. La caméra scrute cet instant, dans un mouvement circulaire et inintérompu jusqu?au débordement. Une lente descente abyssale?

Patrick Bernatchez vit et travaille à Montréal (Québec, Canada). Il est représenté par la galerie Donald Browne. www.galeriedonaldbrowne.com Depuis quelques années, Patrick Bernatchez a développé une démarche multiforme caractérisée par une esthétique mariant le merveilleux et le monstrueux; il y explore la photographie, l?installation et la vidéo autant que le dessin et la peinture, ses médias de prédilection. Les thèmes du corps, de la mutation, du sexe, de la mort et de la renaissance y sont explorés dans une exubérance et un lyrisme conjuguant le fantasmatique et le cauchemardesque. Son intérêt se situe dans la ?chronique d?une mort annoncée? à travers le défilement immuable du temps: celle des êtres vivants, des individus, des sociétés. Il s?intéresse aux traits d?une certaine schizophrénie sociale entre figuration et abstraction. Ces traits sont traduits tant par des compositions picturales, photographiques, filmiques que sous formes d?installations sculpturales et sonores.

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A gravel path on the edge of a village. Between fields, across to a fence. Drawn into the map of former uranium mining areas in Saxony and Thuringia. From 1946 to 1990, the Soviet corporation SAG Wismut mined uranium there for the USSR's nuclear weapons program. Above ground, socialism shines towards the future, below, the ancient rocks radiate through the torn up earth. The GDR environmental movement throws a spotlight on the way. Night. Darkness. A group of people, a flashlight, a shovel. X-ray film is buried in the gravel. The ground exposes the film, leaving a trail of its invisible rays. The film SUN UNDER GROUND follows this trace horizontally through today's landscapes, marked by mining and redevelopment, and vertically through the ground as an archive. Deep drilling through space and time traces the sedimented narratives that surround the element of uranium materially, metaphorically, and geopolitically. How does it haunt the landscape? How does it connect with the ghost of socialism? What stories and biographies surround its excavation sites? How does it radiate into its recording media? How can the spectrum of the visible be shifted to bring its invisible radiation into the image, to make it audible or palpable?

Mareike Bernien is a Berlin based artist, filmmaker and teacher in the field of filmic research and critical archival practices. Since 2018 she has been part of the production platform pong film. 2020-21 she was a fellow in the Berlin Artistic Research Grant Programme/gkfd. With a media-archaeological approach, her artistic works question ideological certainties of representation, their material-technological preconditions and historical continuities. Her current films include: DEPTH OF FIELD (2017) and SUN UNDER GROUND (2022) both co-directed with Alex Gerbaulet. Alex Gerbaulet is a Berlin based artist, filmmaker and producer. Since 2014 she has been part of the production platform pong film. 2020-21 she was a fellow in the Berlin Artistic Research Grant Programme/gkfd. In her artistic work she explores, among other things, the imageability of reality and memory. Her films move between video art, essay and documentary film, between activist impetus and fictionalizing reflection. Her recent films include: THE SLEEPER (2018), as well as DEPTH OF FIELD (2017) and SUN UNDER GROUND (2022) both co-directed with Mareike Bernien.

Une voix parle avec le tempo d'un audio-guide comme on en entend dans les visites de galeries, les salons professionnels ou bien les présentations internet. La locutrice décrit avec l'attitude d'une guide aveugle observatrice, répétant sans cesse qu'elle connaît l'endroit dont elle parle. Elle travaille consciemment avec des endroits et des choix que l'on ne peut voir, référant à un potentiel de l'image tout en la laissant fragmentée et incomplète. La bande vidéo jouée parallèlement est inspirée par une procédure de montage dans laquelle une séquence de film donnée est coupée puis agrandie avant d'être re filmée par une caméra simulée. Cette séquence narrative, aussi informative qu'elle soit, expérience un dégorgement de son contenu, dans lequel l'intrigue est fragmentée. Tout comme un écran de veille, le regard de la camera glisse apparemment inflexiblement au loin, au-dessus des scènes. Parfois ce mouvement peut sembler en relation avec le texte parlé tel une offre, une contradiction ou bien un substitut. A travers la répétition et la recombinaison de certaines scènes, des possibilités de liaison inter-textuelles sont offertes. Elles ressemblent cependant à une procédure de test dans laquelle le langage et l'image ne peuvent s'illustrer l'un dans l'autre, mais reçoit un procédé asymétrique.

Mareike Bernien vit et travaille a Hambourg et Berlin

Lors d`un pique nique, deux femmes sont réunies. L`une d`elle partage avec l`autre des notions sur les questions de l`argent et de l`amour.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Avant le changement d`équipe. Au travers d?une circulation d?argent, du produit de larcins et de présents entre trois personnages, « Avant le changement d?équipe » est un regard porté sur la notion de valeur, d?économie, d?asservissement et de désir. Dans un appartement, trois personnages (Véra, Alex, Sylvain) vont interagir sous la forme d`un huis clos. Dans ce trio, chacun est interdépendant des autres. Le trio évolue autour de l`échange, et de la valeur attribuée à ce qui est échangé. Véra, vit dans un appartement avec Alex, qui lui tient lieu d?amie/domestique. Les deux femmes se livrent à un commerce étrange avec un homme, Sylvain, qui chaque jour vient leur donner une enveloppe contenant l?argent d?un méfait. Alex doit raconter chacun des larcins en détail à Véra qui rémunère Sylvain deux fois le montant de ce qu?il a volé. Dans ce trio, chacun est lié à l`autre, les individus ne sont là que pour servir le système, prisonniers de leur avidité ou de leur désir. Mais Sylvain en sortant de cette organisation, produit un intervalle, une légère interruption mettant en difficulté le système.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Lors d`un pique nique, deux femmes sont réunies. L`une d`elle partage avec l`autre des notions sur les questions de l`argent et de l`amour.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Avant le changement d`équipe. Au travers d?une circulation d?argent, du produit de larcins et de présents entre trois personnages, « Avant le changement d?équipe » est un regard porté sur la notion de valeur, d?économie, d?asservissement et de désir. Dans un appartement, trois personnages (Véra, Alex, Sylvain) vont interagir sous la forme d`un huis clos. Dans ce trio, chacun est interdépendant des autres. Le trio évolue autour de l`échange, et de la valeur attribuée à ce qui est échangé. Véra, vit dans un appartement avec Alex, qui lui tient lieu d?amie/domestique. Les deux femmes se livrent à un commerce étrange avec un homme, Sylvain, qui chaque jour vient leur donner une enveloppe contenant l?argent d?un méfait. Alex doit raconter chacun des larcins en détail à Véra qui rémunère Sylvain deux fois le montant de ce qu?il a volé. Dans ce trio, chacun est lié à l`autre, les individus ne sont là que pour servir le système, prisonniers de leur avidité ou de leur désir. Mais Sylvain en sortant de cette organisation, produit un intervalle, une légère interruption mettant en difficulté le système.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Un Semblant de Monde est un sous-programme inédit d?une durée de 1 heure et 11 minutes, regroupant 4 épisodes parmi les derniers réalisés à ce jour de la série Le Dispositif. Le Dispositif est un programme vidéo d?orientation, d?explicitation et de conditionnement qui sera composé d?un corpus de 52 films à son achèvement en 2012 formant une totalité d?une durée de plus 8 heures (50 épisodes sont réalisés à ce jour). Le projet d?un « homme reconstitué » a maintes fois été évoqué dans l?Histoire : il serait le fait de la voix divine bicamérale ? représentée tour à tour par le visage du Renard, du Papillon et de l?Hippocampe ? et celle-ci s?épiphaniserait sous la forme des Hommes-Oiseaux, lointains représentants d?une humanité de souche aux origines mal établies (Fravartis mazdéens, Anges, Petite Reines?). Tout récemment, les concepteurs des Villes Nouvelles, ignorant la Connaissance, confondirent le monde en suspend des Hommes-Oiseaux avec leur réalité d?ici-bas et en expérimentèrent les sinistres conséquences. Dans le monde contemporain, un homme n?apparaît jamais que par morceaux. Le Dispositif produit un courant électrique et une fréquence vibratoire qui se propose de réagencer la multitude éparpillée de morceaux d?hommes pour faire jaillir en vous, La Seconde Mémoire.

Thomas Bertay fonde, anime et dirige la maison de production Sycomore films depuis sa création en 1999. À la fois auteur, réalisateur et artiste vidéo, il se spécialise en post-production et travail sur de nombreux projets depuis lors (fictions, documentaires, art vidéo). Il co-produit et signe le montage du dernier film de Nico Papatakis, Gloria Mundi qui sort en salles en 2005. Il collabore avec les réalisateurs et artistes Jean-Jacques Beineix, Mickael Raeburn, François Lunel, Manuel Pradal, Valérie Pavia, ZEVS, Philippe Meste, Anne Jaffrenou, Marie Cuisset, Aude Py, Nicolas Nakamoto, Frédéric Nicolas? Il est le co-auteur avec Pacôme Thiellement de la collection Le Dispositif, une série de vidéos expérimentales ayant fait l?objet de nombreuses monstrations (Centre Pompidou, Espace Ricard, Le Denfert-Rochereau, Beaux-Arts de Toulouse, La Gaîté Lyrique?) et de deux rétrospectives, l?une au Palais de Tokyo en hiver 2009, et l?autre, au PCF dans le cadre du festival Politiques 0 en octobre 2010. Parallèlement à ces activités, il est en charge de la rubrique Médias dans la revue Musica Falsa dirigée par Bastien Gallet entre 1998 et 2002, et auteur de plusieurs courts essais dans la revue d?Art et Littérature Spectre entre 1999 et 2002. --------------------------- Pacôme Thiellement s?est d?abord illustré dans le milieu de la bande dessinée, en dirigeant, de 1987 à 1991, le fanzine Réciproquement, Alph?art Fanzine à Angoulême en 1990. Il fonde et dirige la revue littéraire Spectre de 1998 à 2003. Trois films ont été co-réalisé avec Thomas Bertay dans le cadre de cette revue expérimentale (DVD édité chez Sycomore films J?apporte la Guerre en 2005). Il est l?auteur de sept livres d?inspiration exégétique, herméneutique, théophanique et burlesque : Poppermost ? Considérations sur la mort de Paul McCartney (MF, 2002), Economie Eskimo ? Le Rêve de Zappa (MF, 2005), Mattt Konture (L?Associaton, 2006), L?Homme électrique ? Nerval et la vie (MF, 2008), Cabala ? Led Zeppelin occulte (Hoëbeke, 2009), La Main gauche de David Lynch (P.U.F., 2010) et Les Mêmes yeux que Lost (Léo Scheer, 2011). Il a publié des textes dans de nombreuses revues (R de Réel, Vertige, L?Eprouvette, Le Tigre), magazines (Rock & Folk, Chronic?art, Standard, Les Cahiers du Cinéma), ouvrages collectifs (Fresh Théorie, Ecrivains en série, Le Ciel vu de la Terre), donné des conférences ou participé à des débats au Palais de Tokyo, au Centre Pompidou, au Grand Palais, aux Beaux Arts de Lyon, à l?Espace Ricard? Ses livres ont été salué par la critique (Fluctuat.net, Les Inrockuptibles, Les Cahiers du Cinéma, Positif, France Culture, France Inter, France 3, Le Magazine des Livres, Artpress?). Chronic?art lui a consacré la couverture d?un de leurs numéros et son avant-dernier essai, La Main gauche de David Lynch a été considéré par le magazine Technikart comme le meilleur livre non-romanesque publié en 2010. Il est le co-auteur avec Thomas Bertay de la collection Le Dispositif, une cinquantaine de vidéos expérimentales ayant fait l?objet de nombreuses projections (Centre Pompidou, Espace Ricard, Le Denfert-Rochereau, Beaux-Arts de Toulouse, La Gaîté Lyrique?) et de deux rétrospectives, l?une au Palais de Tokyo en hiver 2009, et l?autre, au PCF dans le cadre du festival Politiques 0 en octobre 2010.

?Walperloh? shows three young men situated in Estern Germany amongst a pre-fabricated housing development. The historical inscriptions of the landscape connect with the characters.The situation and the relationship between the men refer to a semantic field that refuses concrete attributions. Quiet, sparce takes creat personal closeness without any real determination: a non-space full of undefined melancholy and tenderness. The density of the description creates an open space of association that doesn?t terminate into narration and allows for distance despite ist closeness.

Markus Bertuch, born 1974 in Arnstadt, lives and works in Berlin; 1999 ? 2001 studied design at Werkakademie Kassel, studied Fine Arts and Visual Communications at School of Art Kassel. Since 2003 several participations in international exhibitions and festivals (selection): Kunstfilmbiennale - Köln 2007, Lucas-Cranach-Preis für Video Kunst - Kunstverein Kronach 2007, 60° Festival del film Locarna - Locarna 2007, ?To be continued - Was macht Video Anders?? Galerie Anita Beckers - Frankfurt/Main 2007

Us, humans, the one species present in every latitude of the earth have never really settled, from hunters and gatherers to refugees and expats. Throughout human history reasons for exploration vary; trade, fear, ambition, or curiosity. Still nomads, our quest to chart every reachable corner has been fundamental to the dissemination of symbolic structures growing from wealth and power into different forms around the globe. Fata Morgana balances between that primal urge to explore the unknown and the instinctive need to make a home and belong... Pulling or being pulled? Coming, going or returning? The physicality of struggle, disappearance and emergence within this piece becomes a metaphor reflecting on Poetics and Politics, Geography and Geometry, Dreams and Death, as well as memories of Future and Past. With the uncertainty and hope of new beginnings across the ocean, the transient figures glimmer and nearly blend into their surroundings, flirting with symbolisms of ritual: the platonic geometry, immersion/ascension, and their perpetual journey. These travellers move oblivious of any limits but their own, challenging the very notion of borders; which are, anyway, invisible and futile drawings of power onto an ever-shifting landscape defiant of any divisions. Inspired by the artists own attempts of somehow always carrying home with them, the piece is a video loop meditating on the emotional ebb and flow of the many departures and the inevitability of a return. A return home, that whether it be a place, memory, feeling, or a word it is always a reflection of oneself.

SEBASTIAN BETANCUR MONTOYA: A common conceptual thread legible in his artwork is the constant preoccupation for the body[ies] and its relation with[in] the surrounding space and its limits/conditions; the themes of home, language, migration, belonging and uprooting have become unavoidable for someone as him, who has lived on the move, away from his birth place half of his life. Sebastián´s work has been part of exhibitions, publications, art residencies, and art fairs in Colombia, The Bahamas, Qatar, Russia, and Germany and participated in other events such as The 2015 Oslo Architecture Triennial, the 2015 Kuwait pavilion for the Venice Biennale, NYT art for tomorrow 2016, and the 2018 Istanbul design Biennial. ABI GREEN: Born and raised in London, she was educated at Fine Arts College, Chelsea College of Arts and went on to graduate with a BA (Hons) in Photography from Middlesex University London. Abi’s work has been featured on Vogue and Vogue Italia online, Le Book and It’s Nice That. Nominated to exhibit at the D&AD, New Blood Awards, London, in 2009 and Mother London’s, Open Book in 2015, she has also been published both in the UK and the Middle East, including magazines such as Notion, Crack, Elle and Twenty-six. Driven by interests in colour, light art, and sculptural objects, she is often influenced by surrealism, modern and industrial design, which enhances her contemporary visual style. Her projects carefully balance a minimalist approach with a graphic, colourful aesthetic resulting in a distinctive eye-popping quality. A key part of her image-making is the humorous twist that underpins her creative concepts, with this unique approach she hopes to leave her audience with a taste of her playful nature.