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Une exploration animée de la culture populaire et du fast-food nord-américains, mêlant l`absurde à l`obsessionnel et abordant entre autres les thèmes de la surcharge sensorielle et l`omniprésence de l`intéractivité dans les médias.

Formé en cinéma et beaux-arts à l`Université Concordia (Montréal, Canada), Philippe Blanchard a ensuite travaillé quelques années en Amérique Latine et au Moyen-Orient pour finalement suivre une formation en effets spéciaux numériques au College Seneca (Toronto). Il travaille présentement pour le studio d`animation Head Gear Animation à Toronto.

Le projet « The Proll Thing » comprend une vidéo d?animation sur deux écrans ainsi qu?une vidéo réalisée avec un téléphone portable. L?idée est de distribuer la narration entre différents médias, et de voir comment cette information s?articule en différents niveaux dans l?espace de projection. Le point de départ de l?auteur est le restaurant Kino International de Berlin-Est. L?actuelle « police de l?image » de ce bâtiment interdit qu?on prenne des photos à l?intérieur (même si le lieu est ouvert au public pendant la projection des films). L?auteur a pensé à l?animation comme moyen de représenter l?intérieur du bâtiment, car il lui semblait possible de recréer cet intérieur en mélangeant la réalité et la fiction. Pour réaliser ce montage, il a intégré différents éléments, réels ou imaginaires, qui créent des situations nouvelles. Les dessins pour les décors de la vidéo sont basés sur une série de cartes postales vendues comme souvenir à l?entrée du cinéma.

Vicente Blanco est né à Cee (Espagne) et est diplômé de l?Académie des Beaux-Art de la Faculté de Potevedra (Université de Vigo, Espagne). Il a bénéficié, entre autres, d?une bourse de perfectionnement à la Claremont Graduate University de Los Angeles (USA), de la subvention « Generation 2000 » de la part de Caja Madrid, ainsi que de la bourse de l?Unión Fenosa et Beca Endesa, qui lui a permis de vivre à Madrid. Il a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment « Urbanitas » à MARCO (Vigo, Espagne), « ¿Viva pintura! » à Salzburg (Autriche) et « 16 x 16, 16 proyectos de arte español » pour ARCO?06. Ses expositions individuelles ont eu lieu au CGAC en 2003 (« Lo que se espera de nosotros »), à l?Espacio Uno du Musée Reina Sofía en 2004 (« Alguna vez pasa cuando estáis dormidos ») et à la galerie Elba Benitez Gallery en 2006 (« Otra vez algo nuevo »).

"End of Level" est une oeuvre courte animée, fusionnant des pixels 2D avec l'animation 3D. La grande bataille entre un artiste de rue et un directeur artistique s'amplifie au son des beats obtenus avec une Gameboy Nintendo. Les hommes pixélisés se battent pour la suprématie, à travers la reproduction, la subversion, un convertisseur analogique-numérique et la réparation. Reconfigurer le système de signes de la ville est une bataille épique sans fin.

Victor Blanke est né à Stockholm, Suède, en 1980. Diplômé du Central Saint Martins College of Art and Design et de la Stockholm Filmschool, son travail a été présenté au Festival du Film de Stockholm, au Subörb Festival, et dans des publications telles que The Face et Adbusters Magazine. Parmi ses oeuvres publicitaires on trouve de nombreuses vidéos et publicités musicales pour des artistes tels que Paul McCartney, Shelly Poole, Håkan Lidbo et mutagene.

Court-métrage basé sur une histoire écrite par Robert Walser. Il y décrit son état d'esprit, lequel oscille quelque part entre l'optimisme et le désespoir. Ses pensées sont lues à haute voix lors d'une promenade à la campagne. Doucement on passe de la nature extérieure à la nature intérieure.

Ansuya BLOM (Groningen 1956) a etudié de 1973 à 1974 à la Royal Academy de La Hague et de 1974 à 1976 aux Ateliers '63 à Haarlem. Ses peintures ont été notamment exposées au Stedelijk Museum à Amsterdam. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives à travers le monde.

SPELL is a short video documenting the thoughts of a man who seems to be in a state between sleep and wakefulness. The sounds he hears within the space where he lives seem to invade his thoughts and get amplified. They mix with associative sounds from his past. Meanwhile the reality around him appears to deform at times. In this in-between world he tries to het a grip on his state, contemplating early beginnings but at the same time mocking his own state, the futility of actions and the daily rituals of existence. The images for this film were shot in the Doesburg Foundation in Meudon, during a residency in 2010 - 2011. The house, with it`s historic past bore many traces from history and the people that had stayed there. This absent presence was a motivating factor in making this film. The words of Franz Kafka speak for themselves and it was the strange mix of humour and despair that attracted me.

Biography Ansuya Blom Ansuya Blom works as an artist using the media of drawing and film. Her work focuses on the individual and the relation to the internal as well as the external world. ?The first person singular? is used by way of thinking about the position of the individual. Ansuya Blom is interested in the strategies this individual adopts in dealing with anxieties that are induced by alienation. In her films the world is seen through the protagonists` eyes and heard through their voices. Ansuya Blom`s work has been exhibited extensively in both galleries and museums in the Netherlands as well as abroad. Solo-exhibitions of her work have been held at Camden Art centre, London, Douglas Hyde Gallery in Dublin, and the Stedelijk Museum in Amsterdam. The Museum of Modern Art in New York has been among the venues where her films have been screened. She is an advisor at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam.

"Hither come down on me?" est le troisième et dernier volet de la série "Cowboys et Indiens". Comme dans les deux parties précédentes, "Chapter Three" et "Nervous", l?anxiété domine. C?est ici le langage qui émeut, et produit une expérience auditive. Dans ce troisième chapitre, la perception de la première personne du singulier est déformée par l?expérience de l?espace, tandis que dans "Nervous", la nature transformée en environnement de tournage peut être perçue comme doublement négative, car elle est à la fois familière et étrangère. Dans "Hither come down on me", l?anxiété est évoquée par le biais d?une confrontation avec la ville, cet environnement externe qui est littéralement opposé à la sphère domestique. Le protagoniste expérimente ce qu?il voit et entend comme une forme directe de communication, une voix s?adressant directement à lui et lui donnant des ordres.

Ansuya Blom travaille comme artiste depuis 1977. Elle est peintre et réalisatrice. Son travail traite de l?individu et de sa relation avec le monde interne et externe. La première personne du singulier est le moyen employé pour réfléchir à cette relation de l?individu au monde et aux stratégies qu?il emploie pour gérer l?anxiété. Dans les films d? Ansuya Blom, le monde est perçu au-travers des yeux et oreilles du protagoniste. Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries aux Pays-Bas et ailleurs. Une exposition individuelle de ses peintures et films a été organisée au centre d?art de Camden, à Londres, ainsi qu?à la galerie Douglas Hyde de Dublin et au Stedelijk Museum d?Amsterdam. Ses films ont notamment été diffusés au Musée d?Art Moderne de New York.

Une improvisation vidéo avec deux Kodak Ektagrahic III E Plus Slide Projector avec pax et transpax ; connexion pour contrôle externe, oscillateur FM avec senseur de lumière, enregistreur numérique et lentilles vidéos dirigés par Maria Blondeel : lampe incandescente verte, différentes ampoules, tube fluorescent, microphones, repiquages et appareillages électriques divers manoeuvrés par Michæl Vorfeld. Enregistré à Hyde Park Art Center, Outer Ear Festival of Sound ESS, Chicago, Illinois, États-Unis, 2002. Produit par Blondeel/Vorfeld 2005.

En tant que duo réalisant des spectacles, BlondeelVorfeld ont été actifs depuis 1996 ; L'un est artiste en sons éléctroniques et l?autre est percussionniste, l'un projetant la lumière, l?autre utilisant les sources de lumières presque comme des objets. Ce que l?on entend et voit est un dialogue en contrepoint entre des ondes carrées de lumière contrôlée et analogues et des sons électriques accompagnant ou accompagnés par des évènements de lumières projetée sur et dans des lumières, blanc éclatant et des couleurs jaunes, bleues ou rouges incandescentes. Maria Blondeel est une artiste intermédia basée à Ghent, en Belgique. Elle a fait des installations de lumière sonique ainsi que des ?uvres spécifiques à certains lieux pour des véhicules, des téléphones et de la radio. Elle a aussi participé à des concerts et des performances en collaboration avec des musiciens et produit des travaux pour des CD et des vidéos. Son travail a été exposé dans des galeries, des musées et des festivals en Europe, aux Etats-Unis et en Asie. Micheal Vorfeld est basé à Berlin. C?est un musicien et un artiste visuel. Il joue des percussions et des instruments à cordes qu´il créé lui-même, et réalise des ?uvres dans le domaine de la musique expérimentale, la musique improvisée et l?art sonore. Il réalise aussi des morceaux sonores électro-acoustiques. Son travail visuel se concentre sur l?utilisation de la lumière. Il crée des installations et des spectacles avec de la lumière, souvent spécifique aux lieux et en combinaison avec dès sons électriques ou instrumentaux. Sa liste d?activités comprend de nombreux concerts, spectacles et performances en Europe, aux États-Unis, en Asie et en Australie.

`CONTINUE PLAY?` est l?un d?une série de projets inspirés par des jeux et qui vous présente des classiques des jeux d?arcade des années 70 : `BREAK-OUT` `ELEKTRAGLIDE` et `PONG` avec une amélioration de l?accompagnement audiovisuel. Les techniques de ?jeux? particulières de JAYGO BLOOM?S apportent la structure et la tempe pour une réponse Audio Visuelle alternative, on répond construite à partir ?tutoriaux personnels musicaux? mal expliqués tout autant que télécharger au hasard.

Glacis The film explores the remnants of the French bourgeoisie, a world slowly but inexorably undermined by the forces of acceleration and globalised finance capitalism. dividing the sequences are still frames taken from the history of French aviation, the developments of which were a particularly bourgeois pastime of the 18th and 19th centuries enabled by family industrial infrastructure. The notions of speed and acceleration associated both with flight and post industrial capital are contrasted to slowness and investment associated with bourgeois values and the old industrial elites. Self professed Bourgeois are filmed in their family (secondary) homes performing role playing games that they themselves have chosen. These sequences are followed by "cinematic" sequences designed by the performers and produced by the film maker. The French aviation threads that bookend the chapters are accompanied by a narrated voice and composed of a single frame image. That image degrades over time. The degradation of the image is a result of algorithmic scripting that obliterates the traditional notion of decay by performing in fast forward, 1,000 years of the opening and closing of a jpeg image until the image itself is degraded to the point of being unrecognisable. This process formally performs the undermining - by technologies - of the temporal weapon of tradition and manners mobilised in the project of bourgeois hegemony. Glacis is an ancient military term that denotes a field of view unimpeded by obstacles where the enemy other is clearly visible, figured against the nothingness.

Ramon Bloomberg: Biography: Born 1971 Sheffield, United Kingdom. French / British nationality. Worked extensively as a film editor and film director on projects from fiction to documentary to music video and commercial. Currently PHD candidate Art Research, Goldsmiths College, London.

Une voix annonce : "En Serbie, l'homme le meilleur peut demander ce qu'il veut/Il peut même demander à traverser la rue sur des chaises." L'artiste traverse une rue déserte sur deux chaises.

L'artiste visuel et curator indépendant Florin Bobu est né en 1978 à Tecuci (Roumanie) et vit à Iasi (Roumanie). Il est diplômé de l'Academy of visual arts and design AKI (Pays-Bas) et a participé à plusieurs évènements d'art contemporain à Rotterdam, Munster et Anvers.

Enregistrement de la mise en vente des droits de propriété et d`exploitation du verbe "avoir" à Drouot-Richelieu par Cornette-de-Saint-Cyr.

C?est au travers d?une attitude que l?oeuvre plurielle de Raphaël Boccanfuso trouve sa problématique d?ensemble, une attitude amusée et provocante qui met au défi toutes sortes de schémas référentiels. Son travail n?est pas d?ordre biologique, sa méthode relève pourtant d?un mode de processus viral. S?insinuant dans les failles de codes exigus, elle se plait à forcer les limites toujours trop marquées de systèmes de pensées étriqués. Si sa production peut être dérangeante, il faudrait l?assimiler à une rageante démangeaison plutôt qu?à une fatale pathologie. Car l?artiste n?a d?autre prétention ou revendication que celle d?affirmer sa liberté de création. Un slogan anarchiste clame qu?il faut mordre la main qui vous nourrit, pour sa part Raphaël Boccanfuso sait aussi remercier à outrance, il dit ainsi son indépendance avec une joyeuse dérision.

An intriguing, well-chosen collage of compelling moments from noir cinema, skillfully attuned to the social fantastic and the oneiric quality of the films. James Naremore, author of More Than Night: Film Noir in Its Contexts. An atlas of film gestures and Pathosformel: the montage - better the disassembly - isolates moments from the narrative and separates bodies from events, opening up to the unthinkable and the invisible of film noir. Ragtag, thus, becomes an immense archive of the imaginary that, far from being sequential and historical, becomes intensive and organic: a film-experience beyond film as such. Federico Rossin, film historian.

Giuseppe Boccassini is an Italian filmmaker mainly working in Germany and Italy. He graduated in film theory at the University of Bologna and film direction at The New University of Cinema and Television, Cinecittà, Rome. His work has been shown in several international film festivals and exhibitions, including the 79th Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, Venice, Italy FID Marseille, France, Edinburgh International Film Festival, Scotland, Ji.hlava International Documentary Film Festival, Czech Republic, Jerusalem IFF, Torino Film Festival, Italy, IndieLisboa, Portugal, FESTACURTAS BH, Brasil, Crossroads SF, USA, Avvistamenti, Italy, Punto de Vista, Spain, Trentino History Museum, Italy, Microscope Gallery, Brooklyn, NY, Pesaro Film Festival, Italy. Light Cone Paris distributes his entire film production. By transforming and manipulating various sources of archival material, his work reflects upon the notion of proximity in contemporary media. The director considers film as "a phallic conquerer that, folding in on itself, now flaccid deus ex machina, observes itself from the inside like a lysergic membrane that slowly founders between the folds of its material." His most recent collaborations include the film editing for Aldo Tambellini's solo exhibition Black Matters at ZKM Karlsruhe, Germany, and he is the artist for Chicago Film Archives' 2018 Media Mixer. He is in charge of programming at Fracto Experimental Film Encounter held yearly at Kunsthaus Acud, in the heart of Berlin.

Kraft, Herrlichkeit (force, magnificence) est le produit d?une recherche sur les sujets et l?idéologie néo-conservateurs. La vidéo commente un récit de l?auteur contemporain Georg Klein en utilisant les éléments de ce récit et en opérant une rupture. Le résultat est une fiction bouleversante d?une exaltante efficacité, des hiérarchies transparentes et une foi inébranlable en la grâce de la compétition. Sur la page web consacrée au film www.kraft-herrlichkeit.de on peut lire les textes de base dans une optique comparative.

Sebastien Bodirsky (né en 1981) vit à Berlin; il étudie actuellement dans la masterclass « film expérimental » du professeur Heinz Emigholz à l?Université des Arts de Berlin. Son travail cinématographique développe une réflexion sur la connaissance, l?observation et l?intervention.

"New Heifei" enstand 2007/08 nach einem mehrmonatigen Aufenthalt in Hefei, China. Der 10 minütige in schwarzweiß gedrehte 16mm Film verhandelt die Darstellung von radikaler wirtschaftlicher Prosperität und der von Ihr geformten Räume. Dabei gelangt ein filmästhethischer und erzählerischer Kanon zur neuerlichen Anwendung, wie er im europäischen Kino ¬ über den italienischen Neorealismus hinaus ¬ etwa in Antonionis 1961 gedrehten Film "La Notte" die scheinbaren Ränder der städtischen Landnahme und ihre BewohnerInnen zu ebenbürtigen Protagonisten eines sich abzeichnenden kapitalistischen Dramas machte. "New Heifei" ist ein Experiment, bei dem Ordnung und Funktion von Drehorten und Figuren im Film und die an sie verantworteten Informationen getauscht werden. Der für eine Ausstellung konzipierte Film besteht auf die Konventionen realistischer Bildsprache um die ¬ in diesem Fall zeitlich und räumlich versetzt stattfindenden ¬ gesellschaftlichen Aufbrüche zu beschreiben.

Hannes Böck wurde am 19. 12. 1974 in Wien geboren. Nach einer Ausbildung zum Fotografen studierte er Konzeptuelle Kunst bei Renée Green an der Akademie der Bildenden Künste, Wien, und Experimentelle Filmgestaltung bei Heinz Emigholz an der Udk Berlin. Er ist freischaffender Künstler und lebt in Wien.

J´avais depuis longtemps prévu de faire quelque chose avec la légendaire scène de danse du film "la fièvre du Samedi Soir". J´ai décidé de créer une boucle dans laquelle on voit le danseur aller et venir, encore et encore, comme une sorte de dervishe occidental. J´ai ressenti le besoin de dessiner le danseur, comme pour créer une figure plus universelle; il m´est donc apparu comme logique d´utiliser les techniques d´animation classiques. 1700 dessins ont été nécessaires afin de représenter le danseur argenté aussi précisément que l´original. Lorsque je colorie le danseur d´une couleur argentée opaque, je ne garde que l´essentiel, les mouvements. Car au final, l´élan iconographique du film ne tient qu´à sa fantastique chorégraphie. J´ai gardé la bande-son originale, mais passée à l´envers. De ce fait, je décale la synchronisation, sans pour autant perdre le rythme ni le son délirant des Bee Gees. Les taches et les points sur l´image font partie du jeu. Le tout résulte en la création de nouveaux accents. Parfois des lettres apparaissent, épelant la phrase titre "je suis une star et je vais et viens" (I am a star and I come and I go). Ma vidéo peut servir de point de départ d´une discussion sur le sens du succès, ou alors vous pouvez juste la regarder et apprécier ...

Bogaerts utilise souvent ses propres archives vidéo comme point de départ pour ses films. Parmis elles il choisit et créé des vidéos et des boucles en 16mm. Ces dernières années il a beaucoup basé ses films sur les icônes de son enfance, qu´il examine et définit par rapport au présent, comme dans "the Superfast Series", "A Study for Bruce", et "I am a star, I come and I go". Les films conduisent essentiellement à une série de dessins ou d´objets qui sont montrés en même temps que le film. Concernant sa technique, il s´efforce toujours d´utiliser de nouvelles combinaisons et applications de dessin et de peinture, de même que des techniques de filmage. Dans sa dernière oeuvre il a souvent recours à la technique d´animation.

The installation consists of two black and white video images, one video projector and two thin (2 mm) illuminated fibre lines. A large projection shows images of moving objects or people that are fixed in one place on the wall by means of a sophisticated tracking technique. This technique continuously shifts the frame of the video image in a way that the chosen object stays in one place. Thus, all movements are neutralized. Directly behind the projector a very small 4,7 inch screen shows a close-up of a moving eyeball, of which the pupil is fixed in the middle of the screen. A luminous wire is stretched across the exhibition room, between the fixed point of the projected image and the centre of the small eye pupil. The wire is a physical and stationary element in the exhibition room.

Peter Bogers’ (Netherlands, 1956) work engages the interplay of sound and image to create installation works dealing with questions around the understanding and perception of sound. Working with the themes of music, speech and sound Bogers questions the boundaries of these fields and their limits and access to communication. Through his constant interaction with sound, Bogers also examines the visual, spatial and conceptual understanding of the human body and its place within the moving image and experiential installation. Bogers was one of the first artists in the Netherlands to integrate moving image into his work. He began working with video in the 1980’s as a methodology to accompany and assist his performance work and has since developed a keen approach to the medium that functions as a tool to illuminate the otherwise imperceptible. Peter Bogers studied at the sculpture department at St. Joost Academy, Breda. He has exhibited widely and had solo exhibitions both in The Netherlands (at the Netherlands Media Art Institute and the Central Museum Utrecht, among other places) and internationally (including solo shows in Bremen, Marseille, Osnabrück, Pittsburgh and Stuttgart).

Le code Napoléon, qui a influencé une grande partie de la législation européenne, sanctionne le corps privé de vêtements. Tandis que tout semble permis pour les média, dans la vie quotidienne, en Italie comme partout, on en est encore aux « atti osceni in luogo pubblico ». Même trente ans après les performances d?Abramovitz le corps nu ne peut être considéré comme naturel. Voilà ce dont un petit groupe d?étudiants de Brera discutait en mars-avril 2004 au café Victoria de Milan, (bar choisi naturellement à cause de son nom). Ils étaient stimulés par Foed Ben Affane, un jeune artiste qui commence à s?intéresser au monde conceptuel. L?occasion d?une grande expo sur le nu à Bologne (Il nudo fra ideale e realtà sous la direction de Peter Weiermeier) fit naître l?exigence de se confronter et de rencontrer, de chercher un contact du moins, avec le monde de l?art et surtout avec son public. Et c?est ainsi que le 8 juin Foed circule nu parmi les tableaux et les sculptures de Bologne, parmi un public partagé entre l?indifférence (feinte?) et la participation enjouée. Et le 9 juin l?opération se répète avec une demi autorisation du directeur non sans quelques problèmes à la garde-robe où Foed voulait laisser ses habits. La vidéo présente un montage de ces 2 journées et 2 bribes d?interview de Foed au Bar Victoria.

Kika Bohr est née à Genève en 1956 et grandit à Milan. Fille d?artistes, elle achève d?abord des études de lettres et travaille comme traductrice. Dès 1988, elle réalise des portraits à l?huile, puis des sculptures en différents matériaux (notamment en cuivre). Elle s?inscrit au cours de sculpture de l?Académie de Brera.

Surfaces troubles est une projection vidéo élargie à deux écrans. L?artiste procède à une succession de passages devant un miroir recouvert de poussière. Le regard du spectateur est tiraillé entre la douceur opaque et mystérieuse de l?image de gauche et son attirance irrésistible pour l?image de droite déformée, caricaturée par des effets spéciaux. La musique électronique stridente de David Perchey s?ajoute de manière lugubre et efficace à ce binôme inquiétant.

Mes performances respirent à travers la vidéo sa dimension plastique et lumineuse. Le plus souvent je suis seule devant ma caméra, contrainte à évoluer dans son cadre fixe. Dans cette intimité je me prête à un exercice étrangement préoccupant : la relation physique avec un objet. Lâchant l?objet dans sa fonction première, je me laisse surprendre et construis une chorégraphie sexuelle de la manipulation. Mon corps est sculpté par la matière de l?objet qui se pose sur l?épaule, s?imbrique dans mon cou, se jette à ma figure, déforme mon expression, me fouette violement. Au montage j?utilise des effets spéciaux comme l?envers et le ralenti, des coupes surréalistes, le son propre de l?objet ou bien une musique fortement présente afin de pénétrer très directement dans l?univers lyrique et poétique qui m?habite. Dépassée par mes sens et leurs doubles sens, l?humour surgit. Je suis la marionnette de mon inconscient. Dans ce travail je me dédouble en femme-objet et égérie porteuse de messages.

Northern Germany. An ageing hippie couple endures an isolated, ghostly existence in an old country house. A boy wanders aimlessly through a forest, building a lair for himself. And a story about a never-ending escape from catastrophe. The Revenants - a film about desire, loss, and endlessly returning. A ghost story.

Andreas Bolm was born in Cologne in Germany. As a musician and sound technician he was drawn to Manchester, UK, where he started to experiment with photography and video. He began studying film at FAMU, Prague and at HFF in Munich. Following invitations to Cannes and other festivals, he was granted a bursary by the Cinefondation Residence Festival de Cannes in 2009 which allowed him to develop DIE WIEDERGÄNGER.

Zoli gagne sa vie à l'étranger en écorchant des chinchillas dans une fabrique danoise de fourrures. Le film s'ouvre sur le retour de Zoli. Un retour en périphérie, dans un petit village hongrois, Jaba. La famille de Zoli, des Roms sédentarisés, peinent à s'en sortir en se louant à la journée. Pour Zoli, il n'y à Jaba aucun trvail, aucune perspective, alors il tue le temps et attend. Trêve. "Jaba" parle de la survie dans l'une des régions les plus pauvres d'Europe. Un film sur la marginalité. Les acteurs jouent leur propre rôle. Un film à la poésie aussi âpre que ses protagonaistes.

Né le 11.11.1971 à Cologne d'une mère hongroise et d'un père allemand. Séjours réguliers en Hongrie depuis l'enfance. 1977 déménagement à Scheessel, Basse-Saxe. Baccalauréat en 1991. 1991-1993 Service civil à l'association d'informations sur la drogue DropInn à Hambourg De 1993 à 1994 séjour à Manchester, Angleterre. Travaille comme musicien et ingénieur du son 1995 Etudes de sciences du théâtre, du cinéma et de la télévision à la FU de Berlin 1997 Année d'étude à la Filmakademie FAMU à Prague Depuis 1999 études à la Hochschule für Fernsehen und Film (école supérieure de télévision et de cinéma) à Munich, section médiologie et film documentaire Depuis 1994 divers travaux dans le domaine du cinéma, auteur et réalisateur de travaux cinématographiques personnels, collaboration comme caméraman et ingénieur du son. En Juillet 2004 création de la maison de production pour le cinéma et la vidéo pickpocket production avec Markus Nechleba.

Un vieux bâtiment de Venise accueille une exposition, un visiteur traverse des pièces vides et découvre un espace architectural fictif qui fonctionne comme un décor de théâtre abandonné. Alors qu'une ville qui se noie lentement vous inonde de sa présence obsessionnelle sur et hors champ, l'imagination ne peut dépasser la réalité. Inspiré par l'œuvre d'Alexander Kluge et sa constellation de réalisations filmiques et vidéo, le cadre métanarratif de cette exploration tente de déconstruire l'expérience subjective et de libérer l'énergie filmique de l’horror vacui de l’écran.

Pia Bolognesi (PhD, née en 1981) est conservatrice indépendante, historienne de l'art et artiste. Elle vit à Berlin. Ayant de l’expérience en arts du spectacle, théorie du cinéma et études visuelles et environnementales, elle a organisé des installations à grande échelle, des expositions et des projets multidisciplinaires pour des institutions telles que la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); le MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA); le Centre Pompidou, Paris (France); le FNC – Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada) et la 56e Biennale de Venise (Italie). Ses œuvres et installations ont été présentées, entre autres, au Wiels, Bruxelles (Belgique); au Musée des Beaux-Arts de Montréal (Canada); à la Kyoto University of Art and Design (Japon); à la Tokyo University of the Arts (Japon); à la Deutsche KunstHalle, Berlin (Allemagne) et à la Triennale de Milan (Italie). Giulio Bursi (PhD, né en 1978) est curateur indépendant de films, dramaturge et cinéaste. Il vit à Berlin. Formé en théorie du cinéma, il a été assistant réalisateur de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet. Il a réalisé un long métrage documentaire ("J'écoute!", 2007) et différents films courts et installations en collaboration avec des institutions internationales et des festivals de cinéma tels que le Austrian Film Museum, Vienne (Autriche); la 56e Biennale de Venise (Italie); le festival international To Save and Project du MoMA, New York (USA); le Torino Film Festival, Turin (Italie); Il Cinema Ritrovato Bologna, Bologne (Italie); la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada); GAM – Galleria d’Arte Moderna, Turin (Italie). Pia Bolognesi et Giulio Bursi travaillent ensemble sous le nom d'Atelier Impopulaire depuis 2012. Leurs installations ont été exposées au Centre Pompidou, Paris (France); à la Triennale de Milan (Italie); à la Kunsthaus Bregenz, Bregenz (Autriche); au GAM – Centro Gabriela Mistral, Santiago (Chili); à The Mix Place, Shanghai (Chine); au West Bund Art Space, Shanghai (Chine); à la Power Station of Art Shanghai (Chine); à la Volksbühne Berlin (Allemagne); au ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne); à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au Gallery Weekend Berlin (Allemagne); au Festival du film de Rotterdam. L'Atelier Impopulaire a développé des projets in situ à l’international, en collaboration avec des artistes comme Aldo Tambellini, Dries Van Noten, Morgan Fisher, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, Peter Tscherkassky, Margaret Honda, Experimental Jetset, Christopher Williams, Alexander Kluge.

Avant l’envol propose une exploration de la ville d’Abidjan par le biais de son architecture d’état. Le film, précis et minimal, offre un état des lieux quasi chronologique de l’architecture moderniste dans la principale ville ivoirienne tout en soulignant la monumentalité et la qualité architecturale de ces édifices construits pendant les années euphoriques et visionnaires qui suivent l’indépendance. Dans ces architectures venues d’ailleurs le temps semble être suspendu. On y découvre parfois des formes qui traduisent le désir d’intégration de la culture vernaculaire mais qui trahissent, de plus en plus au fil du temps, une inadaptation au climat local. L’attention est portée aux usagers et à la manière dont ils s’approprient ces espaces et leur donnent vie à travers la chorégraphie des gestes, des déplacements, des interactions, des utilisations informelles et autres détournements qui s’y opèrent. Avant l’envol questionne ce patrimoine architectural riche, ambitieux autant que dystopique, interroge le sens et le devenir de cet héritage post-colonial.

Laurence Bonvin est une réalisatrice et photographe suisse ; elle vit entre Berlin et Genève. Son approche de nature documentaire est centrée sur des phénomènes de transformation du paysage urbain et naturel, de l’environnement béti et humain. Son travail photographique a fait l’objet de trois monographies, de nombreuses publications et expositions en Suisse et internationalement. Récemment Bonvin a réalisé trois court-métrages documentaires : After Vegas (2013) avec Stéphane Degoutin ; Sounds of Blikkiesdorp (2014) et Avant ‘envol (2016), projeté en première internationale à la Berlinale et lauréat du prix de la meilleure caméra au Kurzfilmtage de Winterthur.

“Sounds of Blikkiesdorp” décrit par touches impressionnistes la vie quotidienne dans un “camp de relogement temporaire” de la grande banlieue du Cap. Construit par la municipalité, il a notamment été utilisé pour y loger les residents du camp informel de Symphony Way ou les sans-abris pendant la dernière Coupe du Monde de football ou encore y déplacer de force des locataires du quartier de Woodstock. Dans ce lieu hostile et isolé, malgré les conditions de vie très dures et l'incertitude de leur devenir, les gens que nous rencontrons font tout pour améliorer leur quotidien. Le strict plan quadrillé, l’alignement stérile des cabanes en aluminium est lentement subverti par l’improvisation et l'informalité. Et la musique, omniprésente, traverse les murs et les allées pour créer la bande-son de Blikkiesdorp.

Laurence Bonvin est une artiste et photographe documentaire dont le travail touche au paysage, à l’architecture, l’espace public, l’informalité, la transformation des environnements urbains et des périphéries en général. Elle est l'auteur de quatre monographies et a largement exposé son travail en Suisse et internationalement. Sounds of Blikkiesdorp est son second film.

Las Vegas fait partie des zones les plus touchées par la crise aux États-Unis. Le film traverse ce paysage de ruines du présent, vide qui émiette les quartiers résidentiels, chantiers arrêtés, paysages en suspens,banlieues ralenties, souterrains habités par des sans-abris... nous y croisons des personnages improbables, suspendus entre deux mondes. Il propose en creux une métaphore des temps d`incertitude que traverse le monde contemporain.

Laurence Bonvin est une artiste et photographe documentaire dont le travail touche au paysage, à l?architecture, l?espace public, l?informalité, les transformations des environnements urbains et des périphéries en général. Elle est l`auteur de quatre monographies et a largement exposé son travail en Suisse et internationalement. After Vegas est son premier film. Stéphane Degoutin est un artiste et théoricien, co-fondateur du projet Nogo voyages et du laboratoire de recherche LOPH. Ses champs de recherche sont l?humanité après l?homme, la ville après l?espace public, l?architecture après le plaisir, le Umwelt de l?information. Il a co-réalisé avec Gwenola Wagon "Dance Party in Iraq" (2012), "Cyborgs in the Mist" (2011) and "Mute" (2011).