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?The fall from Raiatea? se concentre sur le fait de tomber. Les caméras sont lâchées, et non pas jetées, du 29ème étage d?une des tours Waterloo à Sydney. Leur propre poids les attire vers le sol. Alors qu?elles tombent, elles font écho à l?effondrement de grands idéaux, dans ce cas précis, la chute du modernisme et des logements de masse démocratisés. La chute en tant que libération (par opposition à la mésaventure) a été un aspect important dans la création de son travail. Il y a de l?optimisme et une forme de liberté qui émane du fait de s?en remettre à des forces au-delà de notre contrôle. Dès qu?il y a une surtension de courant dans le circuit de la caméra, l?expérience (par opposition à l?enregistrement) commence. La caméra réagit à ce qui l?entoure et continue de le faire jusqu?à ce qu?elle soit finalement détruite. Ses multiples points de vue sont conçus pour éliminer le point de vue unique que suggère l?expérience d?une seule personne. Grâce aux cinq caméras qui enregistrent simultanément la même chute, le spectateur est le seul point fixe de l?équation. C?est le monde autour de nous qui tombe alors que nous restons immobiles.

Denis-Paul Beaubois est né à l?île Maurice en 1970 et vit aujourd?hui à Sydney en Australie. Denis travaille en tant qu?artiste vidéo et artiste de performance en Australie et sur la scène internationale depuis onze ans. Son travail a été projeté et exécuté dans des festivals et des galeries en Europe, aux Etats-Unis, en Amérique du Sud, en Asie et en Australie, il a notamment gagné la Bonn Videonale de 1998 en Allemagne et a reçu le Special Award for the Mediunkunst preis 2001 au ZKM en Allemagne également. Son travail a récemment été exposé au SCAPE 2006 Biennial of Art in Public Space à Christchurch en Nouvelle Zélande et au Glass Kulture Koldo Mitxelena à San Sebastian en Espagne.

Dans Fall from Matavai, l?action de tomber (physiquement et symboliquement) est explorée. Le travail est vu comme une sortie vers des forces qui échappent à notre contrôle. Chaque pas, teinté par le passage de l?histoire reflète des forces en opposition contre une vision dominante. ?The Fall from Matavai? explore les espoirs émanents du passé, leurs grands idéaux qui furent depuis longtemps discrédités par l?Histoire. La chute, dans ce cas, est l?effondrement du modernisme, le rêve d?une situation de masse démocratisée qui est allée de travers. Le travail explore aussi l?image enregistrée comme dans ?Terminal Vision? où l?événement physique est détruit afin de se consolider avec un processus d?enregistrement.

Né sur l?île Maurice en 1970. Il a travaillé comme artiste vidéo et de spectacles en Australie et internationalement pendant les 11 dernières années. Il est membre du collectif de spectacles Gravity Feed et a travaillé avec les Post Arrivalists et Gekidan Kaitaisha. Ses travaux ont été portés à l?écran / joués internationalement dans des festivals et des galeries comme : en 1997, The Cleveland Festival of Performance Art en tant qu?artiste invité (États-Unis), en 1998, Bonn Videonale, (Allemagne) où il s?est vu décerner le premier prix. Puis à EMAF, (Allemagne), Fimform (Allemagne), Dokumentar festival (Allemagne). En 1999, à Arco Electronico (Espagne), Artist Unlimited eV Bielefeld (Allemagne). En 2000, à Darklight film festival (Irlande), Canberra Contemporary Artspace (Australie), Center For Contemporary Photography, Melbourne (Australie) à Linden Arts Center, Victoria (Australie). En 2001, à ZKM, il a reçu le prix spécial pour le Mediunkunst preis 2001 (Allemagne). En 2002 il a travaillé à Kunsthaus Zurich. En 2003 à Museum Ludwig Cologne (Allemagne). En 2004 il était aux Transmediale (Allemagne), à D Art04 Sydney Film Festival (Australie). Finalement, en 2005 il a participé à l?Adélaïde Film Festival (Australie) et au ParaSite Art Space (Hongkong).

La caméra est traitée comme une ?forme de vie ? par opposition a un outil qui rassemble des informations par sélection. Lorsqu?on la met en marche, elle enregistre son environnement et continue à le faire jusqu?à ce qu?elle soit détruite. L?image transmise réagit à la physiqualité de l'événement qui a pour conséquence un signal cassé qui interrompt l?image par intermittence. Comme le lancé devient de plus en plus vigoureux et que la caméra subit des dégats de plus en plus grave, l?interruption de l?image devient de plus en plus prononcée. Hope#1 fait partie d?une série de travaux qui explorent la politique des images enregistrées à travers la physiqualité et la destruction. Il questionne les représentations actuelles d?un écran stérile basées sur la réalité qui monopolise les ondes hertziennes. Le travail utilise la technologie de transmission et de réception pour explorer la dissémination des informations en tant que force. Un modèle est suggéré, qui établit un parallèle entre l?inclusion dans l?aire de réception avec l?existence. L?accès à l?information refuse la frontière entre l?informé et le non-informé. Ceux qui tombent en hors de la portée de réception sont marginalisés et peut-être n?existent pas. Le signal intermittent, interrompu, transmis par les éléments est apparenté à "être à la frontière de l?existence". Le signal intermittent encourage l?incertitude en révélant des bribes de faits, des informations partielles. Le dicton , "l?ignorance est une bénédiction" n?est pas possible lorsque quelqu?un se situe sur la frontière. Le signal intermittent est un outil de panique potentielle ou de désinformation. Le destinataire est conscient d?une partie de l?information et c?est l?incertitude créée par cette structure qui conduit à la disproportion. ?Être au seuil de l?existence ? signifie se situer à la jonction entre l?information et l?oubli. Le travail tente de localiser l?extrémité physique d?un signal et ainsi faisant, délimiter une frontière entre l?inclusion et l?exclusion. Dans ce schéma, on pose la question : ?Qui se trouve dans une position marginalisée ? ?. Est-ce le ?transmetteur ? à qui on a volé sa voix, ou est-ce le receveur potentiel qui tombe hors de la portée du signal (ou qui ne possède pas les moyens de recevoir le signal), et par-là même est exclu de l?information. ?Être au seuil de l?existence? signifie être soumis au signal interrompu / intermittent. Qui ou qu?est-ce qui détermine la frontière ? Physiquement, elle est reliée à la puissance. Métaphoriquement, elle est race, classe, genre et croyance politique. Hope# 1 a eu lieu à l'extérieur des murs de la Haute Cour de Justice australienne à Cambera, le lieu de Jugement final / Terminal dans le système de justice australien.

Né sur l?île Maurice en 1970. Il a travaillé comme artiste vidéo et de spectacles en Australie et internationalement pendant les 11 dernières années. Il est membre du collectif de spectacles Gravity Feed et a travaillé avec les Post Arrivalists et Gekidan Kaitaisha. Ses travaux ont été portés à l?écran / joués internationalement dans des festivals et des galeries comme : en 1997, The Cleveland Festival of Performance Art en tant qu?artiste invité (États-Unis), en 1998, Bonn Videonale, (Allemagne) où il s?est vu décerner le premier prix. Puis à EMAF, (Allemagne), Fimform (Allemagne), Dokumentar festival (Allemagne). En 1999, à Arco Electronico (Espagne), Artist Unlimited eV Bielefeld (Allemagne). En 2000, à Darklight film festival (Irlande), Canberra Contemporary Artspace (Australie), Center For Contemporary Photography, Melbourne (Australie) à Linden Arts Center, Victoria (Australie). En 2001, à ZKM, il a reçut le prix spécial pour le Mediunkunst preis 2001 (Allemagne). En 2002 il a travaillé à Kunsthaus Zurich. En 2003 à Museum Ludwig Cologne (Allemagne). En 2004 il était aux Transmediale (Allemagne), à D Art04 Sydney Film Festival (Australie). Finalement, en 2005 il a participé à l?Adélaïde Film Festival (Australie) et au ParaSite Art Space (Hongkong).

des personnages lumineux bleus temporisent la nuit dans leur solitude en ville.

Christophe Beaucourt fait des images fixes et animés depuis 1997, année où il commence a travailler en tant qu`opérateur pour des vidéos de snowboard et photographe dans la presse (snowboard, skate, bmx). Parallèlement a ses activités de cadreur/monteur pour la télévision, il travaille sur l`art de rue depuis 2001, tout d?abord chez Graff it! en tant que photographe et journaliste puis collabore pendant 2 ans avec l`agence sipa. Il participe à des ouvrages tels "stencil project ou "Graffiti urban wallpaper". Il réalise également des documentaires expérimentaux sur l`art de rue qui ont été sélectionné dans divers festivals.

L'oeuvre rend visible une forme de résurgences de l'expèrience traumatique au sein de la création d'environnements 3D représentatifs de la vie domestique. Sans jamais montrer l'horreur des évènements, elle participe de processus de recontextualisation et réinterprétation d'archives web d'attentats terroristes, ceux survenus notamment à Paris (2016), Bruxelles (2016) et Istambul (2017). Elle engage l'expression d'une temporalité humaine écartelée entre la réalité de l'événement et sa médiation faisant signe quelque part entre la vie, le son et l'image.

Martin Beauregard est artiste professionnel et professeur-chercheur-créateur à l’Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue. Martin Beauregard est diplémé de l’Université du Québec à Montréal (PhD en études et pratiques des arts) et de l’Université Paris 1 Panthéon Sorbonne (PhD en arts plastiques et musicologie), ainsi que de l’école des Beaux-arts de Bordeaux (Master en arts et médias). Son travail artistique a été présenté dans de nombreuses institutions, notamment au Musée des beaux-arts de Montréal (Montréal, Canada), Location One (New York, Etats-Unis), au Capc Musée d’art contemporain de Bordeaux (Bordeaux, France) et à l’Asahi Art Square (Tokyo, Japon).

Une brève visite à Buffalo à l`occasion d`une projection de mes films invité par Paul Sharits. Quelques fragments initialement tournés en super 8 dans les années 80

Yann Beauvais est né en 1953, il vit et travaille à Paris et São Paulo. Il est cinéaste, critique et curateur. Il est l'auteur d'une trentaine de films courts et d'installations. Il est cofondateur de Light Cone, structure dédiée à la diffusion et la sauvegarde du cinéma expérimental qui est aujourd'hui, avec plus de 3500 films à son catalogue, la plus importante coopérative européenne de diffusion du cinéma expérimental. Il a enseigné l'esthétique et l'histoire du cinéma expérimental au Studio Le Fresnoy, à l'Université Paris 3 - Sorbonne Nouvelle et à l'Université de Floride. Il a été conservateur et programmateur à l'American Center et est intervenu au Centre Pompidou, au Musée d'art moderne de la Ville de Paris ainsi qu'au Musée du Jeu de Paume. Ses articles, publiés dans diverses revues, ont été rassemblées dans le recueil "Poussière d?image, paru en 1998, aux Éditions Paris expérimental.

Un voyage à travers la Cappadoce, au printemps dernier. Les strates des paysages et les couches souterraines façonnent la perception de l` environnement. Captures multiples de photos et films au moyen d`un téléphone portable et d`une caméra. Rencontres fortuites. Toutes ces strates géologiques visibles et souterraines sont actualisées au montage lequel multiplie les surimpressions en fonction des textures, matières, ou accidents. Les processus de montage désorientent l`?il et l`oreille.

yann beauvais vit et travaille à Paris et São Paulo, enseigne à l`école des Beaux Arts de Mulhouse. Cinéaste, critique. Edsons Barrus vit et travaille à São Paulo et Paris. En résidence à l`Espace multimédia Ganter, pour développer le Projet Chien Mulâtre, en partenariat avec l`UTBM Belfort.

Document initialement filmé en 16mm dans la nouvelle galles du sud en août 97. Refilmé à la tireuse optique en modifiant la vitesse et l’aspect chromatique, puis laisser décomposer avec le négatif original pendant plusieurs années dans une autre région tropicale. La région a subit de nombreux incendies suite au changement climatique depuis l’époque ou je l’avais brièvement filmée. Le film fait écho à ces transformations dans sa matière même mais aussi avec des found footages et des sons divers.

Une brève visite à Buffalo à l`occasion d`une projection de mes films invité par Paul Sharits. Quelques fragments initialement tournés en super 8 dans les années 80

Yann Beauvais est né en 1953, il vit et travaille à Paris et São Paulo. Il est cinéaste, critique et curateur. Il est l'auteur d'une trentaine de films courts et d'installations. Il est cofondateur de Light Cone, structure dédiée à la diffusion et la sauvegarde du cinéma expérimental qui est aujourd'hui, avec plus de 3500 films à son catalogue, la plus importante coopérative européenne de diffusion du cinéma expérimental. Il a enseigné l'esthétique et l'histoire du cinéma expérimental au Studio Le Fresnoy, à l'Université Paris 3 - Sorbonne Nouvelle et à l'Université de Floride. Il a été conservateur et programmateur à l'American Center et est intervenu au Centre Pompidou, au Musée d'art moderne de la Ville de Paris ainsi qu'au Musée du Jeu de Paume. Ses articles, publiés dans diverses revues, ont été rassemblées dans le recueil "Poussière d?image, paru en 1998, aux Éditions Paris expérimental.

Un voyage à travers la Cappadoce, au printemps dernier. Les strates des paysages et les couches souterraines façonnent la perception de l` environnement. Captures multiples de photos et films au moyen d`un téléphone portable et d`une caméra. Rencontres fortuites. Toutes ces strates géologiques visibles et souterraines sont actualisées au montage lequel multiplie les surimpressions en fonction des textures, matières, ou accidents. Les processus de montage désorientent l`?il et l`oreille.

yann beauvais vit et travaille à Paris et São Paulo, enseigne à l`école des Beaux Arts de Mulhouse. Cinéaste, critique. Edsons Barrus vit et travaille à São Paulo et Paris. En résidence à l`Espace multimédia Ganter, pour développer le Projet Chien Mulâtre, en partenariat avec l`UTBM Belfort.

Ce projet, initialement commandé par l'Organisation Mondiale de la Santé, se compose de quatre courts- métrages sur la vie de Palestiniens et d'Israéliens, inspirés par la définition de la santé donnée par l'OMS: "La santé est un état de complet bien-être physique, mental et social, et ne consiste pas seulement en une absence de maladie ou d'infirmité." (Constitution de l'OMS ? 1948). Le premier film "The Mall", filme le quotidien surréaliste d'un centre commercial israélien abandonné dans lequel vivent des centaines de travailleurs palestiniens illégaux. Dans "Missing Gaza", des amis originaires de Gaza et vivant à Ramallah en Cisjordanie se retrouvent pour déjeuner et parler des personnes et des lieux de Gaza qui leurs manquent tant. "Power" raconte l'histoire d'un jeune villageois Bédouin à qui l'Etat d'Israël n'offre aucune assistance. Il décide d'entrer comme volontaire dans l'armée israélienne, persuadé qu'il pourra ainsi avoir l'électricité et sauver sa petit s?ur gravement malade. Enfin, "Journey With Naba" nous dévoile la dure vie du camp de réfugiés de Dheisheh à travers l'histoire de Naba, un garçon de 12 ans qui part voir son frère en prison.

Ayelet Bechar est réalisatrice de documentaires et journaliste. Elle est diplômée du département de Film et Télévision de l'Université de Tel Aviv et de l'Ecole de Journalisme de l'Université Columbia, New- York. Elle vit avec sa famille à Tel Aviv (Israël). Elle bénéficie cette année d'une bourse Nieman à l'Université de Harvard.

Ce projet, initialement commandé par l'Organisation Mondiale de la Santé, se compose de quatre courts- métrages sur la vie de Palestiniens et d'Israéliens, inspirés par la définition de la santé donnée par l'OMS: "La santé est un état de complet bien-être physique, mental et social, et ne consiste pas seulement en une absence de maladie ou d'infirmité." (Constitution de l'OMS ? 1948). Le premier film "The Mall", filme le quotidien surréaliste d'un centre commercial israélien abandonné dans lequel vivent des centaines de travailleurs palestiniens illégaux. Dans "Missing Gaza", des amis originaires de Gaza et vivant à Ramallah en Cisjordanie se retrouvent pour déjeuner et parler des personnes et des lieux de Gaza qui leurs manquent tant. "Power" raconte l'histoire d'un jeune villageois Bédouin à qui l'Etat d'Israël n'offre aucune assistance. Il décide d'entrer comme volontaire dans l'armée israélienne, persuadé qu'il pourra ainsi avoir l'électricité et sauver sa petit s?ur gravement malade. Enfin, "Journey With Naba" nous dévoile la dure vie du camp de réfugiés de Dheisheh à travers l'histoire de Naba, un garçon de 12 ans qui part voir son frère en prison.

Ayelet Bechar est réalisatrice de documentaires et journaliste. Elle est diplômée du département de Film et Télévision de l'Université de Tel Aviv et de l'Ecole de Journalisme de l'Université Columbia, New- York. Elle vit avec sa famille à Tel Aviv (Israël). Elle bénéficie cette année d'une bourse Nieman à l'Université de Harvard.

`Lost in Space`, 2009, 16mm film in colour, 5:55 min, with sound `Lost in Space` was filmed at an abandoned U.S. nuclear missile base and is part of Beddington?s investigation into capsular architecture of the Cold War period. The strange flying saucer-like object, lying abandoned on an old baseball court, was part of a now defunct radar system used to pinpoint co-ordinates for a nuclear-charged missile launch during the 1960s. In the film the object is approached cautiously thus giving it a certain presence that is heightened by shots of moving clouds and swaying vegetation. Sarah Beddington makes films that often investigate environments from the past as a starting point from which to look at the present. With `Lost in Space`, as in all of her other work, there is a sense of anticipation of waiting for something to happen. The meticulously observed compositions of her shots from an unmoving camera encourage the viewer to slow down and observe details of stillness and watching, light and shadow that turn this object of surveillance, once part of a system of power and fear, into an abject one that is now being surveyed. This relic from a utopian future that never happened becomes a surreal sundial for another era.

Sarah Beddington is a British artist and filmmaker, currently based in Paris, whose work is documentary in nature and investigates the intersection between the social, the personal and the political. Working in a variety of media, she records unique social and aesthetic circumstances that can manifest themselves in unanticipated ways. Her work revolves around the juxtaposition of the historical and the contemporary, often in relation to specific places, journeys and migration. Whether using installation, film or video, Beddington constructs parallel moments which, existing within a non-linear, non-narrative time, often have a dream-like quality. Solo exhibitions include Places of Laughter and of Crying, Bloomberg SPACE, London (2008); Crossing, DAC, New York (2008); Panoptiscope, Petrie Museum of Egyptian Archaeology, UCL, London (2006); Parallel Lines and Other Stories, Artlab, Berlin (2005). Group exhibitions include Liverpool Biennale: Future Movements (2010); Les Rencontres Internationales, Reina Sofia Museum, Madrid (2009); Eastern Standards: Western Artists in China, MASS MoCA (2009); Vanishing Point, Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio; About Time, Nordjyllands Kunstmuseum, Denmark. Her work is represented in a number of public and private collections including Arts Council England.

. « Brief Encounter » utilise trois images simultanées pour réfléchir sur la fragilité de la vie actuelle au Liban. L'image centrale a été tournée à l'ouest de Beyrouth. Un couple est vu à une table de café. L'homme est habillé en uniforme de l'armée, la tête de la femme est couverte d'un hijab. L'image de gauche montre une montgolfière s?élever lentement dans le ciel, après le coucher du soleil, au-delà de l'hôtel Holiday Inn de Beyrouth. Ce bâtiment présente encore les cicatrices des tirs de mortier de la guerre civile qui a pris fin en 1990. L'image de droite montre un cèdre, le symbole du Liban.

Sarah Beddington est une artiste britannique basée à Londres et à New York, dont le travail examine les points de rencontre entre le personnel, le politique et le social. Aucun de ses films et ?uvres vidéo n?est mis en scène ; ils sont plutôt des observations non narratives, proches du documentaire, filmées à partir d'une caméra immobile. Sous son regard détaché, des fragments culturels et visuels s'unissent en des tableaux poétiques. Elle construit un aperçu éloquent sur un monde qui semble fonctionner parallèlement à la perception que nous en avons au jour le jour. Parmi les expositions individuelles consacrées à ses ?uvres, signalons notamment « Crossing » au DAC de New York, « Places of Laughter and of Crying » au Bloomberg Space de Londres, « Panoptiscope » au Petrie Museum du UCL de Londres ou « Parallel Lines and Other Stories » à l?Artlab de Berlin. Son ?uvre est représentée dans un certain nombre de collections publiques et privées, notamment l?Arts Council England.

“Amazonia” is a "desktop cinema" essay on one of the key sites where the virtual world of e-commerce transforms physical space—and physical labor: the Amazon.com fulfillment centers where the millions of items available for purchase with the click of a mouse await our orders. The film visits the four cities where Amazon’s four original fulfillment centers were located to meditate on the impacts of our online purchases on the people and places “at the other end of the internet.”

Roger Beebe is a filmmaker whose work since 2006 consists primarily of multiple projector performances and essayistic videos that explore the world of found images and the "found" landscapes of late capitalism. He has screened his films around the globe at such unlikely venues as the CBS Jumbotron in Times Square and McMurdo Station in Antarctica as well as more likely ones including Sundance and the Museum of Modern Art. Beebe is also a film programmer: he ran Flicker, a festival of small-gauge film in Chapel Hill, NC, from 1997-2000 and was the founder and Artistic Director of FLEX, the Florida Experimental Film Festival from 2004-2014. He is currently a Professor in the Department of Art at the Ohio State University.

L'arrière plan de l'image est fait d'un motif de points imprimés directement sur un patron clair. Cet arrière-plan se dédouble comme une bande sonore optique de différents tons créer par la différente densité des points. Les points sont inspiré des bas que Toni Basil (Antonia Christina Basilotta") portait dans le film de Bruce Conner "Breakaway" en 1966, qui servit aussi de source d'image pour le danseur dans le film. Toni Basil elle-même est une source d'inspiration pour tout les trentenaires n'ayant pas encore trouvé leur voie (Elle avait 39 ans quand "Mikey" devint un tube en 1982") Ce film a été commissionné à Cinematexas en 2005 pendant un déjeuner d'un plat de porc et d'une charlotte aux pêches. Le film e st aussi connu sous le nom de "32.37" (le prix du repas). De la série Lunchfilm: Mike Plante, conservateur, déjeune avec des réalisateurs et commande un film pour le prix du déjeuner. Certaines règles sont écrites sur une serviette. Voici les règles de cette commission: faire référence à la danse, faire référence au Texas, avoir un autographe, mentionner Toni Basil.

Roger Beebe est professeur de film et médias à l'université de Floride. Ses travaux ont été montré de part le monde dans des lieux aussi peu communs que la McMurdo Station en Antarctique et le CBS Jumbotron sur Times Square et aussi dans des lieux plus communs comme le Museum of Modern Art, Ann Arbor, NY Underground, et Rotterdam. De 1997 à 2000 il a été en charge de Flicker, un festival bi-mensuel de film de petit "calibre" à Chapel Hill, NC, et est maintenant directeur artistique de FLEX, Florida Experimental Film/Video Festival.

Une station service abandonnée affiche un curieux impératif : ?Save? (sauver). Cette énigme se pose sous une forme architecturale : qu?y a-t-il à sauver ? Un nouvel épisode dans l?histoire des Américains qui dirigent leurs caméras vers une station service ; une tentative pour comprendre ce que l?on a fait par le passé, ce que l?on va faire, et ce qu?on a laissé derrière nous. La première partie de S A V E a été entièrement montée sur caméra.

Roger Beebe est professeur de cinéma et de ?media studies? à l?université de Floride. Son travail a été montré un peu partout dans le monde dans des endroits aussi improbables que la McMurdo Station en Antarctique et le CBS Jumbotron à Times Square, mais aussi dans des endroits un peu plus convenus comme par exemple Ann Arbor, le New York Underground et Rotterdam. De 1997 à 2000 il s?est occupé de Flicker, un festival bimensuel de courts-métrages à Chapel Hill en Caroline du Nord et il est actuellement le directeur artistique de FLEX, le Festival du Film et de la Vidéo Expérimental de Floride (Florida Experimental Film/Video Festival).

1. Covenant Transport, Move or Die in its original form is a multi-channel video installation, presented here as one screen from this format. The work speaks directly to the mutual fantasies of mobility and non-place that have occupied the capitalist liberal imaginary as well as the world of leftist politics and contemporary art. The work features five characters that occupy the site of a wasteland making up a workerist crew of manager, worker, programmer, consumer, and dealer. In this parallel reality, derived from and cluttered with the detritus of our life as we know it, they program and mobilize the unrelenting movements of economies, states, culture and people. Using game show style methods of consensus building they wade through the terrain of global capitalist power to transcend the political stagnation of technology, industry and the mire of our present.

Amanda Beech is an artist and writer. Her work entangles narratives of power, reason and cause from philosophical theory, literature and real political events, exploring how the myths that seem necessary for an account of human agency are lived with, but can also be supplanted by a realist politics. Through entangling narratives of power and agency from philosophical theory, noir-ish narratives of TV shows like 24, CSI, the hard-boiled writing of James Ellroy and real political events, her artwork, in video, print and sculpture manifest an argument for a propositional art that executes another form of force to surpass the notion that art simply reflects and reproduces the status quo. The work traverses the aesthetic and philosophical paradigms of institutional, individualistic, metaphysical, rational and mythological authorities to propose a new realist politics of the artwork itself that can surpass the tragic consciousness and the ideal skepticism that has mutually championed and debilitated the value of art in Modern and contemporary culture. In this hard critique of liberal and neo-liberal cultural politics her work examines and produces the condition of language as force and the force of language with the weight of a commitment to a future

Avalancha is the story of a group of people hidden in the woods, they start running out of it and try to trespass a fence with handmade ladders, they jump and run into the woods, and the loop starts, they are hidden in the woods? Based on the events that happened in the border of Morocco and Spain, when several big groups of people tried to trespass the border fence. The press called this event as "avalanche". The film was shot in Germany, in a former fence separating East and West Germany, with german actors, trying to mix equal situations but not being obvious, there is no information about all this in the video. This is just a choreography based on a situation. I filmed the action from 3 different points of view that we can see simultaneously in 3 screens, one for the fence, one for the woods and one for the whole action. The video is presented as a continuous loop as the real fences problem is also a loop.

Témoignages d?immigrés de la première génération : hommes et femmes maghrébins dans un regard croisé avec un immigré polonais et un prêtre catholique belge. Vie de l?immigration sous forme de récits personnels.

Premier film de Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy. Réalisation & Montage: Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Caméra & Son: Yael André, Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Production: Vox Année: 2004 Durée: 52? Format: mini-DV Aussi disponible sur: beta SP et DVD (bientôt) Soutitres: VO avec soutitres en français. Texte transcription en FR disponible. Soutitres anglais disponibles bientôt (DVD).

Onze ans après le génocide, le film accompagne survivants et bourreaux avant et après les premiers procès populaires Gacaca où ils se retrouvent face à face. Il y a Obede, accusé d?avoir tué des enfants et dont la demande de pardon n?est qu?une stratégie cynique pour être libéré. Il y a Gahutu, qui n?a « aucun remords » et qui face à ses juges, parlent toujours de « serpent » pour parler de ceux qu?on exterminait. Enfin il y a François, obligé de tuer son propre frère pour pouvoir survivre et qui tente aujourd?hui de se réconcilier avec sa belle-s?ur. A travers ces trois histoires, le film tisse un portrait d?une société en guerre contre l?idéologie toujours présente du génocide.

Né en 1978 en Belgique, il poursuit des études de communication puis de réalisation cinéma à l?Insas jusqu?en 2002. Il termine en ce moment le développement de son premier long-métrage de fiction (lauréat du Prix Junior du meilleur scénario Sopadin) et développe un autre long-métrage sur le génocide rwandais.

"De 1870 à 1955 des millions d'Italiens émigrèrent en Argentine. Le 21 décembre 2001, l'Argentine bascule soudain dans le chaos. Dans le contexte des élections de 2003, le film revient sur l'histoire de l'immigration entre ces deux pays, celle d'un rêve brisé. Les souvenirs se mélangent aux aspirations du présent, relatant le voyage de ceux qui ont décidé de faire en sens inverse le chemin de leurs grands-pères..."

Piero Messina, né en Sicile (Caltagirone) en 1981, est en train de terminer sa thèse de Laurea en études cinématographiques à l`université de DAMS Roma Tre (Discipline art musique et spectacle). A 16 ans, il réalise son premier courtmétrage qui lui vaut le prix special du jury à Libere Visione. Successivement, il réalise `Ben Adam` et dix clips comiques `Melies e caramelle`. En 1999 il réalise et produit en amateur avec Fabio Cillia un long métrage `Una vista non basta` projeté au cinéma Politeama à Caltagirone. Succède un documentaire `Due esempi di sviluppo` et le spot publicitaire de l`AVIS (Association Italienne pour le don de sang). A 22 ans, il réalise `Stidda ca curri` avec lequel il remporte le prix du meilleur court métrage au 50ème Taormina film fest, le `Giglio D`Argento`au 55ème Festival de Valdarno, la mention speciale au Festival International de Fano et au Festival de l`Arcipelago (roma), Meilleur image 28° Recontres Internationales Henri Langlois et il est selectionné pour la 12ème Biennale des jeunes artistes de l`Europe et de la méditerranée (bjcem). D'autre part, il a à son actif des compositions musicales, les bandes sonores de ses propres films, et celle du film de Luca Bellino `Mate y moneda` et du court métrage produit par la Fandango `Due Sigarette`. Actuellement, il prépare un court métrage inspiré d'un poème de Cesare Pavese.

Dans un Hollywood imaginaire des cow-boys, des membres d’un gang, des militants, des hippies et des adolescentes rebelles élaborent un conte philosophique qui recycle les stéréotypes les plus forts de notre époque. Dans ce monde où documentaire et science- fiction s'entrechoquent, lutte des classes et invasion extra-terrestre cohabitent.

Neil Beloufa (1985, Paris) a étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) et l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, et à Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Il a reç̧u plusieurs prix, notamment le Prix Videoforme de Clermont-Ferrand en 2009, le Grand Prix IndieLisboa 2009, le Prix Arte du court métrage et le Prix du Jury au Festival de Oberhausen en 2011. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions solo à Francfort, Los Angeles, Paris et New York, et présenté dans le cadre de nombreuses expositions solo et collectives depuis 2007. Ses films ont été présentés dans des festivals internationaux de vidéo et documentaire. En 2012, il a reçu le talent Prix Audi pour son projet de long métrage TONIGHT AND THE PEOPLE, dont la première a eu lieu au FID Marseille en 2013. Cette même année, il a reçu le prix Meurice pour son prochain projet de film. Il vit à Paris.

Bienvenu à Kempinski, Les habitants de ce lieu mystique et animiste nous le présentent. « Aujourd?hui nous disposons d?un centre spatial. Nous mettrons bientôt des fusées ainsi qu?un certain nombre de satellites sur orbite qui nous permettront d?avoir beaucoup plus d?informations sur les autres stations et sur les autres astres. » La vidéo n?a pas de scripte et son scénario est causé par une règle du jeu spécifique.

Neil Beloufa est né en 1985 à Paris. Étudiant en 4e année aux Beaux-Arts (ENSBA) et aux Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, il est actuellement en échange universitaire aux États-Unis.

El Brujo, qui signifie “ le sorcier “ en espagnol est aussi le nom d’un site archéologique mochica. C’est sur cette plage de la côte péruvienne que l’artiste a tourné une partie de son film : le guérisseur José Levis Picón y rejoue la séquence finale du film de François Truffaut Les Quatre Cent Coups (1959) où le jeune héros Antoine Doinel, interprété par Jean-Pierre Léaud, s’enfuit vers le rivage. Le célèbre acteur français prend lui aussi part à l’oeuvre de Louidgi Beltrame, filmé à la dérive dans les rues de Paris. A travers ces transpositions, l’artiste orchestre une série de déplacements, une migration des personnages, des motifs et des époques : “Antoine Doinel est déplacé dans l’espace et dans le temps, mais aussi dans le langage. En Aymara, langue indienne vernaculaire, le passé se situe devant le locuteur et le futur derrièrere lui. “ Aux lignes géométriques du paysage péruvien fait de pyramides et d’excavations répond la structure du montage filmique composée de travellings et de plans panoramiques sur la musique modulaire et synthétique du morceau Triangle (1979) de Jacno.

Louidgi Beltrame est né en 1971 à Marseille. Il vit et travaille actuellement à Paris. Il a étudié à l’école supérieure d’art et de design à Marseille, au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains et à la Villa Arson de Nice. Dans son travail salué par le prix SAM en 2014, Louidgi Beltrame examine les processus de constitution d’archives et de documentation de l’organisation humaine à travers le 20ème siècle, en utilisant la fiction comme une possible façon d’appréhender l’histoire. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une déconstruction des structures formelles et narratives du cinéma, envisagé comme médium avec sa syntaxe spécifique mais aussi comme force politique qui a influencé le développement du siècle dernier et d’une documentation de l’architecture moderniste et de ses vestiges. Il filme ainsi dans des endroits définis par leur relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl, ou Gunkanjima, île abandonnée au large de Nagasaki, vestige d’une ancienne cité charbonnière. Son travail, récemment exposé au Palais de Tokyo (2016), a été montré au Centre d’art Contemporain de Chelles (2010), au Musée d’art Moderne et Contemporain de Strasbourg (2008), au Pinchuk Art Center de Kiev (2007), à l’Atelier du jeu de Paume (Paris, 2006), au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, (France, 2005), au Centre Georges Pompidou, (Paris, 2005).

Louidgi Beltrame filme en 16 mm un grand banyan situé dans le jardin botanique de Calcutta. Cet arbre, qui a la particularité de s’étendre en rhizome sur plusieurs centaines de mètres, est approché comme une forêt de clones, un espace métaphysique où des histoires refont surface : l’histoire de l’invention et du développement parallèle de la photographie et de la télégraphie dans le contexte de l’Inde colonisée, le rêve de Linné selon Foucault, des réminiscences du cinéma Bengali de Ritwik Ghatak et de Satyajit Ray où réel et fiction se sont rencontrés.

Louidgi Beltrame est né à Marseille en 1971. Il vit et travaille à Paris. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une documentation des modes d’organisation humaine dans l’histoire du 20ème siècle. Il se déplace sur des sites définis par une relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl ou encore la colonie minière de Gunkanjima au large de Nagasaki. Ses films - qui reposent sur l’enregistrement du réel et la constitution d’une archive - font appel à la fiction comme une manière possible d’envisager l’Histoire.

Située au large de Nagasaki au Japon, l?île de Gunkanjima est une colonie minière abandonnée depuis 1974. Objet d?une expérimentation urbaine verticale, extrême, et non planifiée, l?île rassemble aujourd?hui les vestiges archéologiques de l?architecture moderne japonaise. Ces formes vides, filmées comme des sculptures monumentales, sont néanmoins habitées par des histoires stratifiées - celles des conditions de production, des idéologies qui ont motivé ces chantiers et des hommes qui les ont bâti et exploités.

Louidgi Beltrame est un artiste français. Né à Marseille, il vit et travaille actuellement à Paris. Son travail se développe autour de la déconstruction des structures narratives et formelles du cinéma, considéré comme un médium avec sa syntaxe spécifique, mais également comme une force politique qui a influencé les développements du siècle passé, et qui constitue également une documentation de l?architecture moderniste et de ses vestiges. Le travail de Louidgi Beltrame est exposé dans des galeries, des musées et présenté dans des festivals de cinéma en France et à l?étranger, notamment au Musée d?Art Moderne et Contemporain de Strasbourg ; à Paris au Musée du Jeu de Paume, à la Fondation Ricard, au Palais de Tokyo, au centre d?art Le Plateau, au Centre Georges Pompidou. Ses films ont été diffusés au FID Marseille (festival international du documentaire), au festival international du film de Rotterdam, au festival du film de Locarno, à la Fondation Funarte de Rio de Janeiro, à LOOP, Barcelone ; au Japon à la Echigo Tsumari Art Triennal, à Niagata et à l?Hiroshima Art Document.

Deux architectes espéraient construire la cité idéale: Oscar Niemeyer a créé Brasilia en plein mato (savane) brésilien, Le Corbusier s?est rendu en Inde pour y construire Chandigarh. Les deux villes s?élèvent dans le paysage, comme deux mémentos futuristes de béton, témoins de leurs bâtisseurs, les rares habitants qui nous sont donnés à voir semblent rapetissés. Les géométries respectives de Brasilia et Chandigarh construisent le film, tandis que le dialogue s?installe entre les deux cités.Brasilia 2.doc

Louidgi Beltrame, cinéaste, artiste, est né en 1971 à Marseille. Il a présenté son travail à l?Atelier du Jeu de Paume, au Palais de Tokyo ou au Musée André Malraux du Havre ainsi qu?au Festival du Film de Locarno ou au Festival Interntional du Documentaire à Marseille.

A group of Cuban migrants use their mobile phones to record and transmit through social networks intimate moments of their passage through the jungle, gathering more than 100 hours of experiences. Immobilized in a makeshift camp by Cáritas in Panama City, the difficult passage through the Darien Jungle comes to life on their devices. In this migratory limbo, Cuban director Marcel Beltrán films the passing of the hours in the camp and gains access to this shocking archive.

Marcel Beltrán (b. 1985, Moa, Cuba) is a film director and producer currently living and working in São Paulo, Brazil. He is the founder of Mediocielo Films, a consultant for international development projects and a facilitator of sustainability practices within the arts, exploring environmentally and ecologically-focused issues. Beltrán’s work combines image degradation, memory and life experience creating a dialogue between the poetic and political / the intimate and public. Marcel has wrote, directed and produced “La música de las esferas” (2018) premiere at 35 MIFF and "La opción cero" (2020), a feature documentary with world premiere at IDFA, Hot Docs and DOC NYC, receiving, among other awards, Best International Feature Film at Miradasdoc (Spain), FIDBA (Argentina). His previous films were selected in film festivals around the world, such as MoMA Documentary Fortnight (New York), Busan International Short Film Festival, Documenta Madrid, DOK Leipzig, AmDocs (Palm Springs), Malaga, Biarritz, SANFIC (Santiago de Chile), Festival Latino (São Paulo), BIFF (Bogota), Havana Festival, among others.

Une femme queer est enceinte. La famille choisie, composée de deux lesbiennes et d'un homme trans, imagine une sorte de magie érotique qui permettra une procréation fondée uniquement sur le désir. Ensemble, ils mettent en place un rituel sexuel public pour symboliser leur espoir de multiplicité, reconnaissant leurs corps cyborgs comme des interventions technologiques. Lorsque la femme homosexuelle fait une fausse couche, ils commencent tous les trois à construire leur propre idée mythique de l'endroit où vivent les corps lorsqu'ils ne sont pas en nous. Ils créent une histoire pour retracer les mouvements du non-corps, d'un trou à une rivière, puis à une pièce. Les images d'une chambre blanche imaginaire, d’une chambre "ikeaesque" de torture par l’immobilité, les hantent. Comme un parallèle émerge entre le corps enceinte et le corps trans, l'acte techno-sexuel devient la clé, et une pyramide devient le portail pour accéder à cet autre monde d'existence non corporelle.

Angelo Madsen Minax travaille dans le cinéma documentaire et hybride. Il est lauréat du Samuel Edes Prize for Emerging Artists, Chicago (USA) [2017], de la bourse Tribeca Film Institute's All-Access Fellowship, New York (USA) [2019], du Sundance Institute's Documentary Production Fund (USA) [2019] et de la bourse Bay Area Video Coalition’s Media-maker Fellowship, San Francisco (USA) [2020]. Amber Bemak est réalisatrice, artiste et éducatrice. Son travail est basé sur le cinéma expérimental et documentaire. Ses œuvres primées ont été présentées dans des lieux tels que le Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum, New York (USA); le Museo Tamayo, Mexico (Mexique); et le SculptureCenter, New York (USA); ainsi qu'aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); à DocLisboa, Lisbonne (Portugal); au Ann Arbor Film Festival (USA); au Festival internacional de cine de Morelia (Mexique); et au European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne).

Borderhole takes place on a mythical border area between Colombia and the United States. We investigate the relationship between North and South America through the lens of the American Dream and the illumination of multiple tensions in and around the border. The piece explores imperialism, globalization through pop music, gender mutation in an international context, and the choreography of women’s bodies in relation to sociopolitical and ecosystems.

Nadia Granados is originally from Bogotá, and currently based in Mexico City. Her work explores the relationships between traditional pornography and violence and is both performative and technological, art and activism, and a mix of cabaret, intervention, and streaming video. In all of her work, she uses her body to detonate, opening up new pathways of action and shift consciences. Among the many awards she has received are the Franklin Furnace Fund, the 3rd Visual Arts Biennial Bogotá Prize, and the FONCA award for Colombia-Mexico artist residencies. Her work has been presented extensively and internationally. Amber Bemak teaches filmmaking at Southern Methodist University in Dallas, Texas, and her creative work is based in experimental and documentary film, as well as performance art. Amber’s work focuses on themes of Buddhist culture, performative explorations of the body in relation to greater political systems, and cross-cultural encounters in the context of globalization. Her feature and short films have played in numerous festivals internationally, and have been seen at venues including the Brooklyn Museum’s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, SculptureCenter, and Oberhausen Film Festival. She has taught film theory and practice in India, Nepal, Kenya, Mexico, and the United States.