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Peut-on, par les moyens du cinéma, figurer la guerre ? Cette question en ouvre mille autres, comme la guerre elle-même porte mille masques. La guerre ici, c?est celle des Balkans dans les années 1990 : une guerre Européenne, anachronique, dans laquelle les charniers et les camps de concentration contrastent avec l’arsenal high tech des conflits modernes, et surtout une guerre médiatisée dont les images insoutenables sont devenues banales dès que diffusées sur les écrans de télévision. Analyse rebattue ? Certes non : pour redonner aux images et aux témoignages leur puissance perdue, mais aussi à chacun ses responsabilités dans un monde où le mal n’est pas le seul fait des criminels de guerre, Selma Doborac, dans ce premier long-métrage, entreprend avec rigueur extrème de questionner toutes les manières possibles de faire un film sur la guerre. Aux images de charnier se substituent celles, moins spectaculaires, filmées en vidéo par les combattants eux-mêmes, ou des plans tournés en 16mm montrant des maisons abandonnées, rendues à la nature, appartenant aussi bien au présent qu’au passé. Décomposant la fabrication de l’image de guerre par une suite de questions qui s’enchéssent sans fin, sous forme de sous-titres envahissants ou d’une voix-off aux faux airs de bulletin d’information, le narrateur démonte du même coup les mécanismes de perception, de compréhension, de mémorialisation, et même tout simplement de communication : remettant en cause jusqu’au langage cinématographique et transformant le film en une expèrience unique, à la fois théorique et autobiographique. (C.G.)

Selma Doborac est née en 1982 en Bosnie-Herzégovine. Elle reçoit le prix Georges De Beauregard International et une mention spéciale pour le prix du premier film lors du FID Marseille 2016 pour cette oeuvre.

DODO est né au cours de l'hiver de l'année 2003 en tant qu'expérience expérimentale et a conclu sur la création d'un film colossal composé de 90 scènes, à la fois autonomes et liées par leur style et leur contenu. Le film, crée en un an et demi par les sept DODOS est le résultat d'un mélange entre des éléments laissés au hasard et des éléments de pensées : quelques scènes ont été développées par des situations éventuelles qui se présentaient d'elles-mêmes ; d'autres sont nées d'intuitions individuelles, et furent par la suite planifiées et montées. Le film représente le monde vu par les yeux de DODO, qui se focalise sur la contemplation de la nature - avec une succession de visions atmosphériques, physiques et métaphysiques--- sur l'observation d'objets manufacturés - les moyens utilisés par l'homme pour intervenir sur la nature et communiquer avec elle - et sur une enquête sur l'homme, qui est souvent un acteur inadéquat, marginal et ignorant, et en même temps capable de crever des surprises avec sa beauté désarmante.

DODO (dans l'ordre alphabétique) Simone Facchinetti Seriate, né à Bergamo le 7 décembre 1977, il est graphiste. En septembre 2003 il co-crée l'agence de communication visuelle (visual communication agency &1 lab. (andonelab.com) Michela Facchiro né à Bergame 1er février 1981. Il étudie l'anthropologie. Il s'intéresse aux films. Depuis 2003, elle a réalisé nombre de courts métrages : Voir Le Jour, en noir et blanc, Il Trittico Della Visione Di P., Ces deux dernières ?uvres ont été produites avec Luca Ferri. En mars 2005, il a collaboré à la réalisation de "15°African, Asiatic and latin America Movie Festival" organisé par ONG C? - Centre d'orientation éducative de Milan. En 2005-2006, il est bénévole au C?, et en mai-juin 2006 elle participera à l'organisation du concours et à l'exposition de courts métrages "Corpotere V" qui est organisée chaque année à Bergame par l'association "Fidelio" Luca Ferri né à Bergame 16 avril 1976. Il travaille avec des mots et des images. Ses travaux dans le domaine littéraire sont : 30 Personaggi In Previsione Dell?estate (Lubrina Editore, 2002), Il Suicidio Di Amerigo Vezzi (Edizioni Pulcino Elefante, 2003), Cappa Caballo (2003 inedito), La Circonvuallazione Di Broca (2005 inédit). Ses travaux dans le domaine cinématographique sont : 4 (court métrage, 2002), Movere Educere Billiardo (court métrage, 2005), Fiori Di Broca (court métrage, 2005), Dodo Animale Inetto Al (long métrage, 2005), Scano Boa (court métrage, 2005). Annamaria Materazzini se divise et se multiplie elle-même entre deux villes. La plupart du temps elle pense. Marinella Tasca est née le 7 décembre 1978 à Bergame. Elle travaille sur des matériaux qu'elle porte (www.marinellaconfezioni.it) et sur l?éducation environnementale. Vittorio Turla Rovato est né à Brescia le 30 mars 1975. Il a toujours rarement dessiné. En 2002, il cofonde le "studiocharlie", un groupe de designers graphique (www.studiocharlie.org). Riga Zingonia est né à Bergamo, le 27 août 1976. Il s'intéresse à la photographie, la vidéo et d'autres choses. En 2002 il cofonde le "studiocharlie" (studiocharlie.org). Ses vidéos les plus importantes : Short Experimental Videos (1999-2001, plusieurs auteurs), Polvere (2003, installation vidéo, studiocharlie), No Comment (2003, film), Fiori (2004, vidéo), Speranza (2005, petit documentaire), 1208 (1000-2006, court métrage, avec LP).

Blackface in a film about a secret war Experimental SA documentary challenges hidden memories of a faraway and forgotten fight Blackface and South Africa’s secret border war are exposed and explored in a poignant and troubling new film by Christo Doherty and Aryan Kaganof, which was shown in Cape Town and Joburg (South Africa) for the first time in June 2016. For 23 years from 1967 to 1989, young white men were conscripted to kill and die for apartheid during a long deadly war on the border of Namibia and Angola. In 2011, Doherty presented his ground-breaking BOS exhibition of constructed miniature models and blackfaced conscript portraits based on the rare photographs leaked from the conflict zone, often at great risk to the photographers at the time. Described by its directors as an ‘experimental psychic documentary’, Lamentation is a filmic response to Doherty`s BOS exhibition of physical suffering,traumatic memory and the border war. Doherty and Kaganof’s 18-minute film is a formal meditation on the traumatic memory of an illegal war in which tens of thousands of young white South African men were forced to participate and uncounted numbers of black Namibians were killed or injured. It is a contemporary attempt to explore one of the unexamined aspects of apartheid’s military misadventures, a conflict which killed and injured unknown numbers of civilians and well as soldiers and left a generation of men and women traumatised on both sides of the conflict. The film makers are not afraid to challenge and to shock. And they stress that the film is about memories and understanding for all participants and victims of the border war, not only SA soldiers. Lamentation’s delicate musical score, by leading South African composer Michael Blake, accompanies the camera’s slow movement up the uniformed chest of a solemn white model with painted black face, cutting to scan a miniature scene showing the mutilated corpse of a black Namibian civilian alongside an armoured SA military vehicle. Throughout the film, the disconcerting and shocking imagery is presented through an insistently choreographed interplay of cinematography and sound design. “We know this is difficult material, but interpreted and constructed images in art are an important way to reflect on a war which we don’t think South Africa has fully dealt with,” Doherty says. “Many white men, including myself, firmly shut the door on their army days, yet the SADF was a dark formative experience which we need to expose and understand.” White soldiers: black faces The filmmakers’ portrayal of white men in brown army uniform with black faces sparked controversy in South Africa, but the use of this make-up was a survival mechanism in the war. The blackface device in the film and in BOS is based on the combat body paint used as camouflage in the Angolan bush by apartheid’s soldiers, ironically known to the white troops as ‘black is beautiful’. “White faces painted black are currently taboo, but were very much part of a conscripted white soldier’s experience during South Africa’s war in Namibia and Angola,” Doherty says. The photographs in BOS, and now Lamentation, use re-enacted representations of this wartime practice, together with miniature reconstructions of scenes of battle and violence, to probe the psychological and ethical transformation of young men who joined in an involuntary battle against a hidden enemy. Beautiful music: origins of a difficult film The film emerged through Doherty and film-maker Aryan Kaganof`s mutual involvement with the hauntingly beautiful music by South African composer Michael Blake, Tombeau de Mosoeu Moerane(2011) for soprano birbyne and 5-track (or 2-track) tape. Written in homage to the little-known South African black composer Mosoeu Moerane, the film score features Lithuanian clarinet virtuoso Darius Klysis playing the birbyne, a simple keyless wooden wind instrument. The conclusion to the film is underscored by an extract from another composition by Michael Blake, his String Quartet No 1, performed by The Fitzwilliam String Quartet. Cinematographer Eran Tahor’s beautifully choreographed and achingly-slow camera movements match the cadences of Blake`s music and provide a powerful visual sense of the isolated and estranging experience of South Africa’s war on a distant and dangerous border. The editing and sound design by Aryan Kaganof bring together the music and the cinematography with strands of found audio, including a voice softly singing fragments of "Die Stem van Suid Afrika", the old National Anthem.

Christo Doherty Christo is Associate Professor of Digital Arts in the Wits School of Arts at Wits University. He is a photographer and artist with a keen interest in the visual representation of conflict and trauma. He was conscripted into the apartheid army at the age of 17. Aryan Kaganof Aryan Kaganof is a South African film maker, novelist, poet and fine artist. His extensive filmography includes Threnody for the Victims of Marikana, Decolonising Wits, Western 4.33, and Nicola’s First Orgasm. Aryan left SA aged 19 to avoid conscription into the apartheid army.

A cet endroit le temps n'existait pas. Tout était continue. Le temps lui manquait, il ne lui avait pourtant pas fait de cadeau, le seul qu'il put donner était la mort. La mort était partout. Il se sentait triste, misérable, invisible, il cherchait la vie... Le portrait d'un globe-trotter aux quatre coins du monde : Shanghai, Marrakech, Rotterdam, Kabelväg.

Karel Doing(1965, Canberra, Australia) réalise des films poèmes sous diverses formes, documentaires personnels, musique visuelle, contes de fées, et étend ses projets de cinéma. Il vit et travaille à Rotterdam( Pays-Bas). Son travail est montré dans différents événements: festivals de films, musées, théâtre, ou fondations d'art contemporain. Il trvaille aussi comme producteur et conservateur.

A speculative parable about a gentle autocrat of a non existent country. After running into trouble he starts a new life in the shadows of his kingdom. The film is a collage of super 8 footage from the artist`s personal archive gathered over the years.

Karel Doing is an independent filmmaker with a particular interest in Utopia. He has been creating films, performances and installations for almost 30 years, building a diverse oeuvre that balances between dream and reality and combines documentary with materiality. His work has been shown widely in cinemas, clubs, museums and galleries. He is currently based in Cambridge, UK.

Curriculum Vitae Né à Athènes en 1958. A étudié les Beaux-Arts à l´Ecole d´Art Byam de Londres entre 1978 et 1982, et le cinéma à l´Ecole Internationale du Film de Londres entre entre 1982 et 1984. Il a tenu huit expositions solo à Athènes, Thessalonique et Corfou, et a participé à de nombreuses expositions collectives (Metaichmion `80-`90, Gallerie Municipale, Athènes 1989 / Assault on the Senses, Fondation DESTE, House of Cyprus, 1991 / Sculpture Biennale, Skironeio Museum, 1992 / Art Athina, 1993, 1994, etc).

AM-Fm, 2 fréquences de communication, 2 personnages se dissolvant l'un dans l'autre. Je ressentis le son comme un arbre grandissant.

Julio Dolbeth, vit et travaille à Porto, Portugal. Il enseigne le Communication Design à la Faculté des Beaux-Arts, à l'Université de Porto. Il est diplômé en graphisme. Maîtrise d'Art Multimedia - intitulée ?Artificial Skin?. Il travaille comme graphiste, illustrateur et artiste vidéo. Collaborateur régulier de DifMagazine (Portugal).

Online Bodies explore la manifestation du corps dans des espaces virtuels. Le film se compose de sept courtes parties indépendantes, chacune montrant un angle différent du corps en ligne. Le film passe par des corps en transition: un acteur porno deepfake, un modèle 3D qui souhaite être reproduit, un groupe d'humains génétiquement modifiés qui vivent à l'intérieur d'un extraterrestre, quatre amis qui discutent des modifications cyborg, un corps qui ne peut pas monter un escalator. Ensemble, ils mettent en évidence l'espace entre le physique et le virtuel.

Mischa Dols (1996) is an experimental filmmaker born in Amsterdam. After graduating from LUCA school of arts in Brussels, they have a practice converging cinematic and online visual languages.

Au 21eme siècle, tu es retournée dans les archipels de Saint-Louis du Sénégal et de Saint-Louis de Paris pour déterrer des vestiges de signares — des femmes autrefois au centre du commerce et de la société du Sénégal occidentale français. À travers la nuit, les murmures de tes tantes et nièces, et les institutions qui abritent le "patrimoine" français contemporain, tu es tombée dans une spirale entre les effacements du passé colonial et les questionnements autour de ton identité.

Yana Nafysa Dombrowsky-M’Baye est une chercheuse pluridisciplinaire originaire de T?maki Makaurau, Aotearoa. Son ascendance matrilinéaire se rattache au Sénégal et à la France, tandis que sa lignée patrilinéaire est d’origine polonaise et tchèque. Par des processus itératifs et rituels, la pratique de Yana constitue une enquête poétique sur les conditions matérielles et immatérielles de l’appartenance, approchant la pratique artistique comme geste archéologique, materialisant les présences spectrales et souvent effacées d’identités interculturelles présentes dans des lieux marqués par l’histoire coloniale et l’héritage personnel. Actuellement, Yana est à la Cité Internationale des Arts à Paris, où elle participe en tant que l’une des dix artistes sélectionnés au programme In Situ, qui se conclura en mars 2026.

Au XXI? siècle, vous êtes retournée dans les archipels de Saint-Louis du Sénégal et de Saint-Louis de Paris pour exhumer les vestiges des signares — ces femmes autrefois au cœur du commerce et de la société de l’Afrique occidentale française. À travers la nuit, à travers les murmures de vos tantes et de vos nièces, à travers les institutions qui abritent aujourd’hui le “patrimoine” français, vous êtes tombée dans une spirale entre des présents coloniaux et le passé.

Yana Nafysa Dombrowsky-M’Baye est une chercheuse et enseignante pluridisciplinaire originaire de T?maki Makaurau, Aotearoa. Sa lignée matrilinéaire remonte au Sénégal et à la France, tandis que sa lignée patrilinéaire est d’ascendance polonaise et tchèque. À travers des processus itératifs et rituels, la pratique de Yana constitue une enquête poétique sur les conditions matérielles et immatérielles de l’appartenance, abordant la pratique artistique comme un geste archéologique, mettant au jour la présence spectrale, souvent effacée, des identités interculturelles enfouies dans des lieux marqués à la fois par l’histoire coloniale et par son propre

Film is made out of rooms (scenes) and a corridor (timeline). It tells a story about creation of a utopian commune. The fate of which is closely intertwined with the history of the place it occupies, the economy and the director's vision. The typology of the apartment occupied by the protagonists turns out to be more durable than the need to change the function of this place. Architecture, social status and structure of the film become closely intertwined. All camera shots used in the film come from the 1973 movie „Monterey Hotel” by Chantal Akerman.

Jan Domicz (1990. Opole/Poland) visual artist, author of videos, objects and exhibitions. In his works, he uses the narrative potential of both architectural and social space. His works were shown at the Architecture Biennale in Venice and at Museum für Moderne Kunst in Frankfurt, Museum of Modern Art in Warsaw, Arsenal Gallery in Pozna?, Neuer Essener Kunstverein and SALTS in Basel. Domicz is a graduate of the Staedelschule in Frankfurt and the University of Arts in Poznan. He is represented by Gallery Wschód in Warsaw. In addition to artistic practice, he has been running the quasi-curatorial project Office for Narrated Spaces since 2017. He works and lives in Warsaw.

Cars were invented. Now they exist. We care about them. Therefor they drive. They still exist. I can see them. It’s like a glimpse to the past. Actually they don’t exist any more. This way of transport is still alive only with the help of enormous effort. Soon they won’t be here any more. The sound won’t be here. The smell won’t be here. But so far they are here, like dinosaur. There are different types. During the last century different cars were developed on different continents. Dreams got a shape. Or they are used pragmatical. Are these still the same old story of desires which are driving around then?

lives and works since 2012 in Dortmund, Germany before in Budapest, Istanbul and Berlin studies 2011-2012 „Meisterschülerin“ of Dörte Eißfeldt 2004–2009 Diploma Fine Arts, University of Art, Braunschweig, DE classes of Hannes Böhringer (Art Philosophy), Prof. Dörte Eißfeldt (photography and film), Guy Ben-Ner (Performance) 2007 visiting student at Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest, HU

Architecture is a hunt for harmony in the chaos, a way of putting order in the universe through the creation of regular angles. The severity of the forms of a Francoist building ? the Universidad Laboral in Gijón ? is distilled and decomposed into its patterns

Chus Domínguez (León -Spain- , 1967) Visual artist who uses video and film as tools and documentary as language. He works with elements coming directly from reality to develop artistic works between documentary, experimental film and poetry. His video and film pieces have toured numerous international festivals.

En suivant le voyage que Pasolini fait en 1959 sur tout le littoral de l`Italie en tant que journaliste pour le magazine Sucesso, ont été localisés des endroits différents comme des scénarios possibles pour sa mort. Comprendre le catalogage comme un outil qui nous permet d`organiser les connaissances pour sa récupération, ce catalogue offre au spectateur la possibilité de rachat du individu rebelle ou du questionnement de notre acceptation de la différence rebelle et critique.

Chus Domínguez (León -Spain- 1967) Visual artist who uses video and film as tools and documentary as language. Work with elements coming directly from reality to construct a narrative from them are among experimental and poetic. Their video-and film pieces have toured international festivals.

?Søen i spejlet? is the re-enactment of a former boarding school tradition in Denmark. Once a year the students of Sorø Academy held a ritual out in the woods, burning effigies of their teachers on a bonfire. The narrative of the film evolves around the character of a former student that revisits the place of his school days meeting with a group of young students. What first seems to be the fictionalization of the former student´s memory, becomes more and more the documentation of the staging of the ritual ? the alumni himself being the director. But as soon as the ritual sets off, all turns to a different state of realness, as the anger and emotion of the young students boil up to an uncanny level of authenticity.

After studying Fine Art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. She received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki, Berlinische Galerie and international film festivals such as Film Festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and the Kunstfilmbiennale.

Stultifera Garden deals with an overlapping structure of the public and the private. The film is set in a park ? a place were city dwellers recover from busy urban life. At the same time it is a place implementing the ?elsewhere? - an un-ruled territory for individuals who are in conflict with society or the human milieu in which they live. It is also a place for individuals whose behaviour is deviant with the respect to the mean or the required norm. As in earlier works, Domke uses a travelling camera to approach the parks diverse character, emphasizing polarities as observing and being watched, high and low culture, control and non-control. The incessant pan evolves from a classic park scenario towards a dystopic, mazy structure of trails. The camera experiences different milieus of the park not directly examining them but portraying them with an inexplicit openness. She accesses milieus that formed architectonical structures in the shrubs, such as cruising areas and drug trafficking points. She discovers places that became functionalised entities - for teens as a get-away, for elderly as a meeting point - each and everyone with their own character and history. Without stating explicit action or narrative Stultifera Garden is more interested to explain that a park is a place for the other, where all these milieus and facets function along side. Intruding as an omniscient eye, Domke is constructing the real to establish the fictitious.

After studying art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. In 2003 she received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, Berlinische Galerie, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki and international film festivals such as Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and Kunstfilmbiennale, Köln.

Johanna Domke?s film Cuers is inspired by Franz Kafka?s The Trial and the filmic universe of Orson Welles. The audience is taken on a fleeting and meandering journey through different sites in public space, where people are exposed to long waiting. The individual is presented as a singular being, confronting structures of public space. The particular situations are represented in an inspirational manner shifting in and out of each other. Time and space is dissolved in kaleidoscopic pictures, which emphasizes how we physically as well as mentally have trouble adjusting to our anonymous environment. ? Cuers? seeks to create a mental space through abstraction and subversion of the familiar.

After studying art at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Johanna Domke went on to graduate studies at the Royal Art Academy in Copenhagen and the Malmö Art Academy, Sweden, where she got her MA in 2004. In 2003 she received the ZKM International Media Art Award, Audience Prize, for her single-channel piece ?Let the wind blow? and the Brockmann Prize from the Stadtgalerie Kiel. 2004 she got the Edstranska Grant for Graduating Students. Since then Domke has broadly exhibited her work in renowned art institutions, such as Casino Luxembourg, Göteborg Konstmuseum, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki and international film festivals such as Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale at the Bonner Kunstmuseum and VIPER, Basel.

"Crossing Fields" est un document sur l'usage privé de l'espace commercial et les personnnes qui lisent dans les magasins. La vidéo a été tournée dans une librairie de Beijing, ce phénomène étant largement répandu dans les villes chinoises. A cause du caractère obsolète des bibliothèques, les librairies fonctionnent comme sources libres de connaissance: les gens viennent en foule passer leut temps libre dans les gigantesques complexes commerciaux. Mais au lieu d'acheter les livres, ils passent des journées entières, assis dans les magasins, à lire. Comme la direction approuve ce phénomène, l'usage privé de l'espace est devenu une activité généralement admise dans les commerces. Johanna Domke se penche sur cet usage plus ou moins anarchique de l'espace et le caractère de stagnation qu'implique la situation. Se faufilant entre les lecteurs immobiles comme des statues, la caméra capte dans un mouvement de proximité et d'intimité l'ambiguïté de leur présence. Ils sont physiquement présents et en même temps, ils investissent la sphère fictive de leur lecture. L'apparence immobile des lecteurs donne l'impression que la caméra se déplace dans un espace où le temps s'est arrêté.

Après avoir étudié l'art à la Muthesius Academy of Art and Design de Kiel, Johanna Domke a obtenu ses diplômes à la Royal Art Academy de Copenhague et à la Malmö Art Academy, en Suède. En 2003, elle a reçu le ZKM International Media Art Award pour "Let the Wind Blow" et le Brockmann Prize de la Stadtgalerie, Kiel. En 2004, elle a reçu la bourse d'étude Edstranska. Domke a montré son oeuvre dans de nombreuses institutions d'art prestigieuses, comme Casino Luxembourg, Göteborg Konstmuseum, KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki et des festivals de film internationaux comme Film festival Oberhausen, Locarno Film Festival, Videonale au Bonner Kunstmuseum et VIPER, Basel.

?Sleepers? takes place at Stansted Airport in London in the very late night and portrays sleeping people with slowly panning camera moves. The slow takes emphasise with the passenger?s tiresome waiting for an early morning flight. Within this physical location Domke grips a real, temporal situation that shows the airport as a form of standstill. The video follows a sequence of sleeping people in a transit situation. But even if they are in transit they undergo a present standstill that deludes oneself into a void, where one is not quite sure how the situation will progress. With the interest of this kind of void Johanna Domke evolves her artistic praxis within the time-based media of film and the photographic still image, which on a conceptual level can be seen as a distortion of time and movement. A hybridisation, that opens up for other relations and references.

Johanna Domke was born in 1978 in Kiel. After studying Fine Arts at the Muthesius Academy for Art and Design in Kiel, Domke went on to study at Malmö Art Academy, Sweden and the Royal Danish Art Academy in Copen­hagen, where she received her MA in 2006. In 2003 Domke received the Audience Prize at the ZKM International Media Art Award for her work Let the wind blow, as well as the Brookmann Prize from Stadtgalerie Kiel. In 2004 Johanna Domke was awarded the Edstranska Stiftelsen?s Grant for Students in Sweden. Since then, her work has been shown in major instituti­ons in Europe and elsewhere, including the Hasselblad Center, Gothenburg; Göteborg Konstmuseum, Gothenburg; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Casino Luxembourg, Luxembourg and Bonner Kunstmuseum, Bonn. Furthermore, her works have been screened at film festivals such as European Media Art Festival 2003/2008 Osnabrück; Locarno Film festival 2006, Locarno; Oberhausen Film Festival 2007, Oberhausen and Rencon­tres Internationales 2005/2007, Berlin and Paris. Domke lives and works in Copenhagen and Berlin.

En haut d'une colline balayée par le vent, deux silhouettes immobiles surplombent la vallée abritant une grande ville fourmillante. L'une des deux se tient debout, l'autre est assise sur le sol. La distance les séparant est trop grande pour évoquer tout sentiment d'intimité. Les nuages défilent dans le ciel, la nuit tombe comme une brique et des centaines de lumières brillent dans la vallée, avant que le jour ne se lève. Le soleil apparaît et un nouveau jour commence. Pendant tout ce temps, les deux silhouettes demeurent complètement immobiles devant ce paysage qui se dévoile. Il n'y a que le vent qui souffle dans leurs vêtements et leurs cheveux.

Johanna Domke, née en 1978 à Kiel, Allemagne. Elle est une artiste allemande vivant à Copenhague et à Berlin. Après avoir étudié les Beaux-Arts à l'Académie Muthesius des Arts et Design à Kiel, Johanna Domke poursuit ses études universitaires à la Royal Art Academy de Copenhague et à la Malmö Art Academy, en Suisse, où elle obtient sa maîtrise en 2004. En 2003, elle reçoit le Prix ZKM International Media Art, Prix du public, pour son ?uvre "Let the wind blow", et le Prix Brockmann de la Stadtgalerie Kiel. En 2004, elle reçoit la Bourse Edstranska pour les étudiants diplômés et la Bourse Assistent du Conseil des Arts Suédois. Les ?uvres de Johanna Domke ont été présentées lors d'expositions, de festivals vidéo et de salons de l'art, en Europe et aux Etats-Unis. Elle est représentée par Gallery Art Agents à Hambourg.

De Cannes à Buti, de Livourne à Livia, du cinéma et du théâtre en mai. Et de l?amour aussi...

Né en 1971 à Tarbes. Enfance dans le Gers, Sud-Ouest de la France. Études de droit. Réalise avec Anne Benhaïem en 1997 son premier film « Solo tu » (56?), qui sera remarqué par de nombreux festivals internationaux dont ceux de Rotterdam, Karlovy Vary, Dublin, Bombay, Rome, Bergamo, ou la programmation ACID à Cannes? Le film se verra décerner la Mention Spéciale du Jury du Prix Georges et Ruta Sadoul. Lauréat en 1998 de la Bourse Louis Lumière - Villa Médicis Hors Les Murs pour un projet sur le cinéaste et poète américain Jonas Mekas, il enseigne à l?Université Paris 8 (atelier pratique de réalisation et de montage) depuis octobre 2001. Assistant réalisateur sur de nombreux films, il travaille notamment avec Jean-Marie Straub (Le genou d?Artémide, Itinéraire de Jean Bricard, Le Streghe, O somma luce) et Jean-Marie et Arnaud Larrieu (Le voyage aux Pyrénées, Les derniers jours du monde). Il poursuit par ailleurs une expérience singulière de producteur au sein de la société qu?il a lui-même créée en 2001 : ANDOLFI.

Durant trois jours, dans la montagne corse, des Hommes tuent et charcutent le cochon.

Arnaud Dommerc est né en 1971. Il enseigne le cinéma à l?Université Saint Denis - Paris 8 depuis 2001. Il travaille notamment comme assistant avec Jean-Marie Straub (Le genou d?Artémide, Itinéraire de Jean Bricard, Le Streghe, O Somma Luce, Joachim Gatti, L?Inconsolable, L?Héritier). Son précédent film "Nous n?irons pas à Buti" a été sélectionné en compétition au FID 2008 ainsi qu?aux Rencontres Paris / Berlin / Madrid 2009. Il prépare actuellement une installation vidéo sur Gênes et la méditerranée pour l`Université de Lille 3, "L`innocence radicale des fleurs".

HEROES OF CONSCIENCE: THE U.S. ?NON-VIOLENCE? PEACE MOVEMENT (FRENCH, SPANISH & GERMAN PREMIERE PROGRAM) DAVID HARRIS, POLITICAL PRISONER (25 min) (1971; 16mm; b&w; DVD) ?David Harris, Political Prisoner? was made at the height of the anti-Vietnam War Resistance movement in the United States. The film records the logic of Resistance through interviews with U.S. political activist David Harris and through the final speech Harris made before he was sent to federal prison. This film was used as an organizing tool for the Resistance. Harris, who married folk singer Joan Baez before he went to jail, was the leading spokesperson for the Resistance and his words and actions still resonate today in an increasingly violent world. The film aired on KCET TV in Los Angeles and on other PBS stations around the U.S. along with an interview by director Taylor Hackford after Harris was released from U.S. federal prison. Filmmaker Neil Reichline made a number of films on anti-war and non-violent themes. He also has worked extensively as a Director of Photography. Neil Reichline: Filmmaker ____________________________ THE RESISTER (30 min) (1971; 16mm; b&w/sepia; DVD) Bill Garaway, a Los Angeles draft resister, receives a five year prison sentence and is released on bail while he files a court appeal. This film is a document of the intellectual and emotional climate of the early nineteen-seventies time period. It is a study of the changes the U.S. anti-war movement goes through in the six-month period Bill Garaway is out on bail waiting the results of his court appeal. This film is the story of an activist?s efforts to remain committed to non-violence amidst increasing violent political action. ?The Resister? documents six months in the life of Bill Garaway as he waits out his appeal on a draft evasion conviction. It is the story not only of Garaway, but an entire generation of young people who began by protesting Vietnam and have ended up creating a counterculture.? (Kevin Thomas, ?Los Angeles Times? review) San Francisco Film Festival, 1971; Broadcast on PBS /KQED-TV, San Francisco. Charles Domokos, Filmmaker ____________________________ TOGETHER AT THE INSTITUTE FOR THE STUDY OF NON-VIOLENCE (35 min) (1970; 16mm; b&w; DVD) This film documents the early days of one of the first American organizations to put Gandhi?s non-violent political ideas into practice in the United States. Singer, Joan Baez, and political activist, Ira Sandperl, organized the ?Institute for the Study of Non-Violence" to channel progressives? frustration into political action. The Institute organized draft resisters against the U. S. armed forces during the Vietnam war era. The film follows several draft resisters as they prepare to go to prison to serve sentences for non-cooperation with the U.S. armed forces. The narration also examines the role American Universities, such as Stanford University, play in co-operating with the military-industrial complex continuing to foster a war-based economy in the U.S. Bob Silverthorne: Filmmaker

?David Harris: Political Prisoner:? Author: Neil Reichline. Neil Reichline is a Cinematographer and Fine Arts Still Photographer who lives in Los Angeles. ?David Harris? is Neil Reichline?s first film. ?The Resister?; Author: Charles (Attila) Domokos. Charles Domokos is a Filmmaker who lives in Los Angeles, California. ?Together at the Institute for the Study of Non-Violence;? Author: Bob Silverthorne. Bob Silverthorne is a Sound Mixer who lives in Washington, D.C.

Durant les trente premières années de sa vie, Jean Touzet explore différents domaines artistiques en étant tour à tour acteur chez Jean Vilar, pianiste, chef d?orchestre, etc. Lorsqu?on lui propose de donner vie au Festival de Cannes, c`est de manière artistique qu`il règle les nombreuses questions d`ordre administratif. C?est sans doute grâce à cela qu?il réussit à faire du festival un événement hors du commun, une « création originale ».

Après six années de formation en Art plastique et deux ans en sémiologie/ anthropologie de l?Art, Hadrien don Fayel se consacre à l?étude de l?image photographique durant deux ans, puis cinématographique (diplômé assistant réalisateur au Conservatoire Libre du Cinéma Français en 2007). Il réalise deux courts-métrages pellicule : « Celui qui par ses rêves guide le monde, à travers les autres cherche sa voie » (4?) en 2007 et « La Fonction Humaine » (4?20) (2008) (co-réalisation avec Perrine Liévois). En 2007, il produit « Echos », long-métrage réalisé par Perrine Liévois. En 2008, il réalise un documentaire tourné en numérique : « Le C?ur Parlait (portrait de Jean Touzet) » (22?).

In the kilimanjaro area the life of a boy, a young adult and an old blind man intersect amidst cultural and climate changes.

Ben Donateo is a filmmaker from Switzerland. In 2023 he took part in the Locarno Residency with The Slaughter, his first feature project. Meanwhile he co-directed the film Muzungu, which world premiered at the 55th Visions du Réel 2024.