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The work ?Seeds? explores the phenomenon of the buried mines that exist in Israel and the world over, exposing how these areas still carry the consequence of the war within their soil while supporting the new populations who must inhabit the conflict area. It examines the power of the present moment in these places where efforts are beginning to shift these death zones into places that consciously affirm life, embracing continuity in the very place where it once was blocked.

Shahar Marcus (b. 1971) is an Israeli based artist who primary works in the medium of performance and video art. His initial works dealt with the exploration of his own body and its limitations‐ incorporating various perishable materials, such as dough, juice and ice. His body served as an instrument, a platform on which various ?experiments? took place: lying on the operating table, set on fire, dressed in a ?bread suit? and more. Food is also a major theme in Marcus?s works. For instance, his recurrent use of bread as a symbol of essentiality and survival is juxtaposed with military symbols. By working with food, a perishable, momentary substance and by turning it into a piece of clothing or a set, Marcus also flirts with art history; transforming arbitrary objects and materials into something immortal and everlasting. His early video‐performances feature himself along with other artists, with whom he had collaborated in the past. However, in his recent works, Marcus appears by himself, while embodying different roles and characters. ?The man with the suit? is a personage that was born from an intuitive desire to create a ?clean‐cut? version of an artist, juxtaposed to the common visual stereotype of the artist as a laborer. Drawing influence from Magritte?s familiar figure‐ the headless suit, a symbol of Petite bourgeoisie, Marcus embodies this man with a suit as an artist who is in charge, a director. His most recent works deal with local political issues, by approaching iconic Israeli landmarks with a critical and humorous point of view. Thus, Marcus reflects on his own heritage, environment and the creation of local historical narratives. His works are influenced by the visual language of cinematography along with familiar themes and tributes to art ? history and artists, such as Ives Klein, Paul McCarthy, Peter Greenway and Jackson Pollack. *Shahar Marcus is an active artist for over a decade and has exhibited at various art‐ institutions, both in Israel and around the world, including: The Tate Modern ,The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art , Charlottenburg, Copenhagen‐ Kunsthalle , Moscow Biennale, Poznan Biennale, Moscow Museum of Modern Art and at other art‐ venues in Poland, Italy, Germany, Georgia, Japan, the USA and Turkey. Many of his works are a part of various important collections, such as The Israel Museum, Tel Aviv Museum of Art, Petach Tikva Museum of Art as well as art‐ intuitions in Poland and Italy.

A film shot in Cuba. Not an anthropological film, nor a narrative documentary or a film essay, but certainly a film concerned with foreignness and difference. Mostly shot in the hilly communes of Yateras, searching for long disappeared clandestine settlements, so-called palenque, where African slaves, Taínos and Chinese forced laborers, freed themselves from colonial violence, the film narrates a sense of place, which is real and imaginary at the same time. It questions, if it possible to communicate something of the soul of a place, steeped in histories of revolution and dissidence, without relying on didacticism or storytelling, without taking recourse on hierarchical distinctions between the ordinary and the extraordinary, the animate and the inanimate, the macro and the micro? Wondering what heritage (colonial) anthropology leaves behind, or rather, if it is possible to escape from the systems of signification that constitute foreignness, without getting detached from the palpable realities of the world? What if there was a way to approach the foreign by relying on the affects of the world that pass through us, giving way to perceptive cartographies, mapping out nameless intensities and collective sensitivities, leaving space for the non-human, including vegetables and animals that colonized the New Land? In this film, Cuba does not appear as an “outside” to a “Western” inside, but as a sensible texture without anchor or vanishing point, where humans are a part of the composition rather than the principal element.

Elke Marhöfer, born in the year of the goat in Baracoa/Cuba, studied Fine Art at the University of the Arts in Berlin, at the School of the Art Institute of Chicago and at the Whitney Independent Study Program in New York City. Via the potentialities of moving image and suppositious writing Marhöfer works with notions of self-admitted foreignness, radical othering, heterogeneous perceptions of time, the ahistorical and disorientations of narratives. She revises notions of animal, vegetal and object relations. Since 2010 she pursues a PhD at the University of Gothenburg. Projects have received fellowships, grants, and generous support from Courtisane Festival Ghent, Images Film Festival Toronto, IASPIS Residency, Whitney Independent Study Program, Cité des Art International Paris. Art exhibitions include the Manufactura`s Studio Wuhan, FCAC Shanghai, the Houston Museum of Fine Arts, Museum für Gegenwartskunst Siegen and The Showroom, London.

In search of traces and imprints of an absence, this film examines the coexistence between nature and man-made structures or artifacts, to deliver a formal object of commemoration. An obscure celebration of the surface of a fractured and exhausted world, what could have been a city symphony evokes instead the feeling of a mausoleum for our present existence.

Pablo Marín is a filmmaker and writer. As an independent researcher and curator, he has presented programmes on Argentinean cinema in the United States, Canada, Spain, Austria, Finland and Switzerland. He has translated books by Jonas Mekas, Stan Brakhage and John Waters, among others, and his volume on Argentine experimental cinema, Una luz revelada. El cine experimental argentino, was published in both Argentina and Spain by La Vida Útil in 2022. His film Resistfilm (2014) won the best Avant-Garde Film at Filmadrid, and his latest, Trampa de luz (2021), was awarded the Principal Online Prize of the International Short Film Festival Oberhausen.

"Ce documentaire poétique, réflection profonde sur le temps et la mort, retrace les 5 dernières années da la vie d'une femme. On peut la voir dans des situations, des scènes de tous les jours, tricotant, mangeant, dormant." Festival International de la Vidéo d'Art Electronique, Brésil. "Poderosa reflexão sobre o tempo e a morte, o documentário poético acompanha os cinco últimos anos de vida de uma mulher, com registros de situações corriqueiras, em que ela aparece tricotando, comendo, cochilando." Festival International de Arte electronica Videobrasil

Iván Marino, réalisateur vidéo et artiste multi-média, est né en Argentine en 1968. Durant son activité professionelle il a été professeur dans différentes universités: nationales et internationales. En 1977, il fut invité au Filminstitut (HDK- Hochschule der Künste, à Berlin) en tant que professeur- visiteur pour étudier la forme documentaire. De 1997 à 1998 il fut professeur en visite à l'Université de Californie à Los Angeles (Département Film et TV), où il se spécialisa dans l'Art Digital. En 1999 il reçut un prix du Centre d'Art et Design MECAMedia (Ecole Supérieure de Design, Université Ramón Llull) pour la recherche et la réalisation d'art du média. Depuis, il vit à Barcelone. Il s'occupe actuellement de plusieurs cours d'Art Electronique et de Design Digital (Université ESDI Ramón Llull). Il donne aussi des cours de Système de Design Interactif pour programme de maitrise internationale et collabore avec des professeurs de l'Université Pompeu Fabra, à Barcelone(IUA).Iván Marino a été aussi en charge de séminaires tout en assurant des cours d'éducation dans différentes universités en Argentine (Universidad Nacional 3 de Febrero, Universidad Blas Pascal),en Colombie (Universidad Nacional de Cali, Universidad de Caldas),tout comme d'autres centres académiques. Durant sa carrière professionelle, il a créée pour le cinéma, la vidéo et les moyens interactifs, tels que le Web ou l'internet en général. Son oeuvre a été présenté dans différentes manifestations internationales et a reçu des prix aux festivals d'Hannover (Festival du Film International, Allemagne,1997), BHZ Brésil (Belo Horizonte, Brésil, 1995), Videobrasil (San Pablo, Brésil, 1997), Festival du Film de Buenos Aires (Sueños Cortos, Argentine, 2003), pour n'en citer que certains. Il a reçu des financements de la part de la Fondation Rockefeller, MacArthur (Etats-Unis), Fondation Antorchas (Argentine), Goethe Institut (Berlin), et reçut un prix du ZKM (Centre pour l'Art et Média, Karlsruhe, Allemagne) ainsi que de l'Université de Californie, Los Angeles (UCLA). source: La Caixa

PLAY est une galerie et un showroom pour des projets artistiques, révélant à quel point le cinéma, la vidéo et l'art s'influencent réciproquement. Loin des distinctions classiques de genres, de nouveaux langages narratifs et visuels constituent une alternative au flot d'images et à la publicité à caractère subliminal diffusés dans les mass médias traditionnels. Le but et le principal intérêt de cette galerie résident principalement dans la transformation des modèles visuels du visiteur et du spectateur autant que des modes de perception, afin de l'inviter et de le fasciner de manière positive. Dans cette perspective, PLAY invite les artistes, les directeurs et les cameramen à présenter les idées de leur projet qui seront ensuite réalisées pour cet espace. Le savoir-faire technique, et les fondements théoriques du projet sont considérés comme aussi importants l'un que l'autre. C'est pourquoi, une emphase toute particulière est donnée à la coopération avec les universités et les académies afin d'élaborer ce type nouveau de conception durant des ateliers, avec la participation des élèves et des professeurs. Dans ce même contexte, les meilleurs "offs" provenant de festivals sont présentés sur des écrans et examinés par des spécialistes.

Franco Marionetti a fondé la société de production cinématographique et d'édition de livres d'artistes, "Fine Arts Unternehmen Ag" en 1999, à Zug, en Suisse. En 2000, il a ouvert "Artinprogress", un espace d'exposition à Berlin et en 2002 il a ouvert la "PLAY_gallery" consacrée aux images fixes et en mouvement à Berlin, pour se concentrer sur la vidéo et le cinéma. En 2003, il a lancé Fair Play, un festival annuel de vidéo et de cinéma à Berlin. En 2007, il a commencé le projet ?Mera Coincidencia?, à Lisbonne, en collaboration avec l'artiste Javier Penafiel.

La frontière est un lieu construit artificiellement qui se matérialise lorsque les gens le traversent. Nous sommes habitués à voir dans les médias des images violentes et agressivesde la frontière, utilisées pour manipuler l'opinion publique sur l'immigration illégale et la sécurité nationale. De Lete a été tourné sur la frontière entre Tijuana et San Diego, avec pour toile de fond le petit village de Las Playas au golf du Mexique. De Lete donne une vision alternative de la frontière. Le film est au carrefour de plusieurs genres, formel, documentaire et philosophique. La caméra capte l'activité humaine le long de la barrière en fil de fer de la frontière, anticipant le crime. A notre surprise, la frontière se matérialise seulement quand les gens de tous âges viennent des deux côtés pour s'adonner à une communication intime. Ainsi, la barrière se transforme en point de rencontre, et aucune tentative pour la traverser n'est faite. Tandis que cet acte de tous les jours se répète au ralenti, la frontière disparaît et devient soudain un lieu ambivalent à la croisée de deux cultures; un nouvel espace social aux relations discrètes. C'est un espace reculé, contrôlé par des forces invisibles.

Jenny Marketou est née à Athènes, en Grèce, et vit à Brooklyn, où elle réalise des installations vidéo, internet, des photographies et des dialogues publiques. Son travail est influencé par la musique, l'art et les nouveaux médias. Son inspiration première est liée à de nombreuses lectures, que l'on peut voir comme une culture du paysage. Son oeuvre a été montrée dans des musées et des galleries aux niveaux national et international et a reçu de nombreuses bourses et a fait de nombreuses résidences d'artistes à travers le monde. Elle possède un Master of Fine Arts du Pratt Insitute de Brooklyn et enseigne en tant que professeur adjoint la photographie et l'art interdisciplinaire à la Union School of Art and Science de New York. Elle est l'auteur d'un livre avec photographies et entretiens: "The Great Longing: The Greek Immigrants of Astoria ,Queens".

"Ultrasocial Pop" est le dernier projet audiovisuel expérimental de Filip Markiewicz. Il crée un dialogue performatif entre son travail visuel et filmique, et ses compositions musicales sous le nom Raftside. La performance en direct est toujours une expérience unique, qui inclut un commentaire sur des événements sociaux réels. L'idée est d’interroger le lien entre la culture pop et le populisme, et de monter un tableau vidéographique en mouvement. "Ultrasocial Pop", une œuvre encore en développement, aboutira sur la publication d'un livre visuel accompagné d’un disque vinyle LP (Label Grzegorzki Records) dans le cadre de son exposition solo à Haus am Lützowplatz, à Berlin (Allemagne), en mai 2021. "Ultrasocial Pop" est financé par la Bourse Bert-Theis.

Filip Markiewicz est né à Esch-sur-Alzette (Luxembourg) en 1980. Ses expositions personnelles ont été présentées par des institutions telles que le MNAC - Musée national d'art contemporain de Bucarest (Roumanie); le NN Contemporay Art, Northampton (Royaume-Uni); la Kunsthalle Osnabrück (Allemagne); le Centre for Contemporary Art Derry (Royaume-Uni); et le Casino Luxembourg - Forum d'Art Contemporain, Luxembourg (Luxembourg). Il a représenté le Luxembourg à la 56e Biennale de Venise (Italie). Filip Markiewicz suit une voie de performance théâtrale et musicale, qui l'a conduit à créer des représentations au Staatstheater Cottbus, Cottbus (Allemagne), dans le cadre du Lausitz Festival, Görlitz (Allemagne); au Theater Basel, Bâle (Suisse); et à l'Expo Shanghai (Chine); ainsi qu’à développer son travail dans le domaine des arts visuels. Il vit et travaille à Hambourg (Allemagne) et à Luxembourg (Luxembourg).

Fake Fiction is initially a theater play that became a film produced in 2017 by the Theater Basel. Filip Markiewicz wrote the dialogues in reference to the events that happened during the period of time, the terror attacks, the European mirgant crisis and the rise of populist movements and fake news...

Luxembourgeois d’origine polonaise, Filip Markiewicz (né en 1980) est un artiste multidisciplinaire qui s’ex- prime à travers différents médiums, dont le dessin, la vidéo et l’installation. Toujours en quête d’explications à nos vies quotidiennes, il explore l’omnipré- sence des images et met en perspective le message qu’elles véhiculent. Il soumet l’actualité à une approche critique et politique et, partant, souligne la vacuité de notre monde en surproduction visuelle où l’information devient la réalité plutôt que l’inverse. En 2015, Markiewicz a représenté le Grand-Duché de Luxembourg à la 56e Biennale de Venise avec Paradiso Lussemburgo.

Celebration Club (2017) is a film made over the course of one week in Northampton following the Brexit referendum.The film captures musicians of different generations and origins talking about the changing society and making music, including punk scholar Roy Wallace, rapper Phundo Art, avant-garde black metal band Denigrata and the Northampton Male Voice Choir performing Robbie William’s Angels in a local church.

Luxembourger of Polish origin, Filip Markiewicz (born in 1980) is a multidisciplinary artist expressing himself through drawing, video, music, theatre and installations thereby creating a visual body of work using diversified media. His work is not intending to be a kind of political activism, but rather to develop an almost surreal language consolidating different expressions. In 2015 Filip Markiewicz represented the Grand Duchy of Luxembourg at the 56th Venice Biennale with his project "Paradiso Lussemburgo". In 2017 he produced his first theater play "Fake Fiction" at the Theater Basel. In 2018, he will present his monographic exhibition "Celebration Factory" at the Casino Luxembourg - Forum d`Art Contemporain.

Euro Hamlet is the latest project of theatrical creation directed by Filip Markiewicz in August 2021 in the immense Hall of the Telux site in Weisswasser in Germany, in collaboration with playwright Katrin Michaels, Working from the original text of Hamlet, Shakespeare's most popular and disturbing play, Filip Markiewicz creates a sort of concept with Euro Hamlet. He subverts the established rules of classic theatre and combines them with different artistic forms. The result proves to be a veritable performance, both in terms of the artists appropriating the original text and the visual and audio presentation of its content in space. In this contemporary tableau, Filip Markiewicz reflects certain references from the history of art and uses the concept of the «Play Within the Play» to engage with issues in the social and political realities of today's Europe, It raises the question: how to communicate the truths of everydav life in a context that is subject to codes of appearance? The preparation for the staging of Euro Hamlet included a shooting in July 2021 with the actors Leila Lallali, Marie Jung, Luc Feit and Joran Yonis in the region of East Germany and in Zgorzelec in Poland. A "mise en abyme" of Shakespeare's text in an organic setting that bears witness to European history, where the artist adresses the notion of territory beyond the experimental nature of this reading.

Filip Markiewicz (born in 1980, Esch / Alzette, Luxembourg) is a visual artist who expresses himself through various media such as drawing, painting, music, video and installation. Filip Markiewicz represented Luxembourg at the 56th Venice Biennale 2015 with the Paradiso Lussemburgo project. His long-term project Celebration Factory on contemporary Europe began in 2016 at the NN Contemporary Art Northampton and at the Theater Basel before it was continued in 2018 at the Casino Luxembourg - Forum d'Art Contemporain and in 2019 at the Center for Contemporary Art Derry-Londonderry and the Kunsthalle Osnabrück. In 2017 Markiewicz staged his performance Fake Fiction with diary texts by Oskar Schlemmer (publication Hyde Éditions) at Theater Basel for the official Art Basel program. Markiewicz received the Art Prize Bourse Bert-Theis in 2019 for his art music project Ultrasocial Pop. In 2020 Markiewicz shows his monographic exhibition Ultraplastik Rhapsody at the National Museum of Contemporary Art in Bucharest. For the Lausitz Festival 2020, Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the play ANTIGONE NEUROPA (Sophocles) in collaboration with the Staatstheater Cottbus. In february 2021 Filip Markiewicz presented the performance Ultrasocial Pop in the frame of the Rencontres Internationales Paris / Berlin. In August 2021 Markiewicz directed, created the scenography and composed the music for the installation and theater performance Euro Hamlet at the Lausitz Festival. Filip Markiewicz has been composing music for film, theater and installation under the name RAFTSIDE since 1999, with which he has also appeared in several international festivals.

Like a glass vault that contains traces and gifts from distant countries, the headquarters of Energoprojekt, the former Yugoslavian construction company merges geographically distant places. Walls are pannelled with faded photographs of Energoprojekt’s conscturctions in fellow Non-Aligned countries, from 1960's until late 1980’s. Across Africa, South America, the Middle East and South Asia, the distinctive modernist constructions built by Energoprojekt formed an independent post-colonial architectural identity, beyond the Eastern and Western Bloc polarity. Abundant plants and trees, different species brought from afar 50 years ago, still grow together under the glass roof. The space is gradually revealed in choreographed sequences of the people who take care of the plants, forming an inseparable sense of belonging.

In his films, photography and video works, Ivan Markovi? observes space and the relationship between labour, architecture and ideology. With Linfeng Wu, he co-directed the short film “White Bird”, that had its premiere at Berlinale 2016. His experimental documentary “Centar” had its premiere at Doclisboa in 2018, won the “Best Newcomer” award at Dokufest. “From Tomorrow on, I Will”, a feature he co-directed with Linfeng Wu, had its premiere at Berlinale Forum 2019. The film received the Grand Prize at 2019 Jeonju IFF. It was shown in numerous festivals, including Belfort, Viennale, Zinebi and Mar del Plata. As a cinematographer collaborated on several feature films including “You Have the Night” by Ivan Salatic (Venice Film Festival), “Landscapes of Resistance” by Marta Popivoda (IFF Rotterdam) and “I Was at Home, But...” and “Music” by Angela Schanelec (Berlinale). His work was shown in numerous solo or group exhibitions internationally, in institutions including Institute of Contemporary Arts London, Bethanien in Berlin, Austrian Kulturforum Berlin, Museum of Contemporary arts Belgrade. Since 2020, a member of the European Film Academy.

Un groupe de personnes dans un environnement de bureau. Des gestes quotidiens de travail sont observés dans tout le bâtiment. Rien ne semble être déplacé. La caméra circule continuellement et change progressivement notre perception de cet espace. On se pose la question : qu’est ce que signifie ce bureau pour ce groupe de personnes ? "We Are Here" est un groupe de réfugiés à Amsterdam qui ne reçoit aucun logement fourni par le gouvernement, mais ne peut pas non plus travailler. Le groupe a décidé de rendre visible la situation inhumaine qu’ils doivent vivre, en ne se cachant plus, mais en montrant la situation des réfugiés qui sont "en dehors de la loi" aux Pays-Bas.

Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux-Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi est de cette génération advenue avec le règne des images. Elle les collectionne avec autant d’avidité que de méfiance, se pose sans cesse la question de leur véracité. Sa recherche se situe entre le reportage, le cinéma et l’étude sociologique qu’elle poursuit en réalisant des fictions ambiguës qu’elle met au service du réel, et le champ de ses expérimentations s’étend de l’occupation de l’espace public à la question du genre, dont elle relève les mécanismes de construction. Son travail qui se traduit essentiellement à travers la photographie, la vidéo, l’installation, la performance et le son, a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que La Biennale de Marrakech (2014), Les Rencontres photographiques de Bamako (2015), Le Museum of Modern Art à New York (2016), Le Dubai Photo Exhibition (2016), Le Festival International du court-métrage de Clermont-Ferrand (2016), le VIS Vienna Independent Shorts (2016), le FID Marseille (2016) etc. Son film Le Park a reçu plus d’une vingtaine de prix tels que le prix ADAGP Art numérique – Art vidéo (2015), Videonale Award of the fluentum Collection (2017), le prix du jury au Festival International du film de Rotterdam (2016), le prix du meilleur court métrage au festival IBAFF etc.

Jerada est une ville minière au Maroc où l’exploitation du charbon, bien que officiellement arrêtée en 2001, se poursuit de manière informelle jusqu’à aujourd’hui. "L’mina" reconstitue le travail actuel dans les puits en utilisant un dispositif de décor conçu en collaboration avec les habitant·e·s de la ville, qui se mettent en scène dans leur propre rôle.

Née en 1987 à Casablanca (Maroc), Randa Maroufi est artiste plasticienne et réalisatrice. Elle est diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux-Arts d’Angers, et du Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains. Pensionnaire de l’Académie de France à Madrid, Casa de Velázquez en 2018 et de la Villa Médicis à Rome en 2026. Ses films Le Park (2015) et Bab Sebta (2019), primés dans plusieurs festivals, marquent le début d’une trilogie consacrée à trois cités marocaines. L’mina (2025) en est le dernier volet.

go slow, you’ll see better is a journey of contemplation and transitioning between opposing states (of being). Revealing a landscape interspersed with vibrant colours of magenta and pink, this represents a bridge between excitement and calmness, chaos, and order. The shift in saturation mirrors the ever-changing nature of emotions, experiences, and personal narratives. Driving by and shooting out the window, the landscape becomes blurred and unblurred, evoking the sense of in-betweenness, which can prompt the feelings of familiarity and unfamiliarity, clarity, and vagueness. go slow, you’ll see better is everywhere and nowhere, collapsing both the temporal and the spatial.

Siyanda Marrengane is a Eswatini-born visual artist based in Johannesburg, South Africa. Kuba semkhatsini is a SiSwati phrase that can be translated as being caught in the middle of conflicting states of being, situations, conditions and more. Siyanda is interested in the notion of the in-between (kuba semkhatsini), a central component in her practice that encompasses personal and collective narratives and experiences. These are subsequently explored as ways of questioning, challenging and falsifying existing hegemonies. Unpacking and translating these through video, sound and installation, to create ambiguous spaces that are both imagined and real.

Plänterwald is filmed on the site of a former GDR amusement park built in 1969 and abandoned after unification. Its rollercoaster and ferris wheel sit motionless at the edge of the city of Berlin. After being closed to the public for almost a decade the rides and fairground structures ? once providing a distraction from everyday realities ? are left to a gradual process of decay and overgrowth. Paradoxically this derelict site is patrolled and protected by security guards who on the one hand attempt to maintain its separation from the public sphere and contemporary life yet at the same time position it in the present social and economic conditions. The video stages a journey in, over and through this bordered off park evoking the exceptional conditions of its persistent existence. Positioning the security guards as the guardians of a ?dead? space, the work plays on the absurdity of the use of force and notion of property in relation to the decay and obsolescence of the site. Plänterwald pursues an exploration of a world held together by an internal logic, and quietly, yet relentlessly - like the defunct rollercoaster - echoes the rumbles of deep social and political fault lines and their explosive potential.

Lynne Marsh is a Canadian artist who divides her time between Montréal, Berlin and London where she teaches at the University of Hertfordshire. Working predominately with video, installation and sound her practice explores the cultural and social concerns that operate at the convergence of performance, choreography, speculative fiction and staged events. Her most recent works, shot respectively in a sports stadium, a TV studio and an abandoned amusement park investigate the inscription of individual bodies in architectural environments built for mass consumption. Her works present conceptual and visual experimentations that create a space for us to speculate on the present concept of the individual and its contemporary exertion of pressure as a political subject. Marsh?s video installations have been exhibited in solo exhibitions including Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, the Musée d`art contemporain de Montréal and Danielle Arnaud contemporary art, London and group exhibitions including Catastrophe, the Québec City Biennial and There is no audience, at Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, Spain. A monograph on her works entitled Lynne Marsh, was produced by the Musée d`art contemporain de Montreal and the Musée régional de Rimouski.

A B C A M (or A & B Cam) explores a scene from a TV movie where the angles have been superimposed to reveal filmic conventions. It reveals the narrative, angles as well as the adjustments in performance to observe the process in its rawness and mesmerizing predictability. In conventional cinema we are only allowed to see what is presented and manipulated through the process of editing. This is a process as old as the medium itself. It is the essence of cinema. In the case of A B C A M, that process has been subverted and exposed to allow the audience to experience the conventions simultaneously and in real time. The manufactured certainty of the experience is undermined as we are encouraged to review both sides of the narrative, follow the narrative or perhaps, find a new narrative.

Richard Martin (MFA 2013 University of British Columbia) is a media artist living in Vancouver Canada. His short film work has appeared as official selections in prestigious venues such as Berlin International Film Festival, Oberhausen, Rencontres (Paris), Toronto International, EXiS (Korea), Ann Arbor, Athens (Ohio), and many more. He has also worked as a mainstream film and TV director and in that his work straddles conventional and experimental cinema, blending and upending convention with abstract intention, playfulness and occasionally, personal trauma.

Une mer pixelisée d'images télévisées mélange la rhétorique évangélique chrétienne avec le gospel de George W. Bush.

Richard Martin est un réalisateur de films et télévision professionnel qui vit à Vancouver, Canada. "Mixed Signals" marque son retour au cinéma expériemental... et il revient de plus belle.

L?organisme Champ Libre (fondé en 1992) qui ?uvre maintenant dans les domaines de l?image en mouvement, des arts électroniques, de l?architecture et de l?urbanisme a emprunté son nom à l?histoire récente du Québec. En effet au moment de la fondation de l?organisme en 1992, François Cormier l?un des co-fondateurs, cherchait un nom à donner à ce nouvel espace de réflexion et de diffusion artistique qui émergeait à partir de l?effervescence de rencontres avec d?autres co-fondateurs issus du milieu de l?architecture, des arts visuels, de la philosophie, de la littérature et de l?urbanisme. À cette époque ce collectif définissait son action entre autres par le besoin de regrouper les forces de ses co-fondateurs et proposer de nouvelles façons de voir, d?entendre et de comprendre. C?est au hasard d?une visite dans une librairie de livres usagés du plateau Mont-Royal à Montréal en 1991 que fut découverte une édition ancienne et originale de la revue de cinéma québécoise CHAMP LIBRE ayant existé dans les années soixante-dix le temps de quelques numéros. L?édition no 1 de cette revue clamait en 1971 que : ?il consiste à donner aux colonisés que sont les Québécois les images d?eux-mêmes qui leur manquent, à reconquérir un reflet volé et à proposer des schémas d?analyse et de lutte. Inutile de dire que CHAMP LIBRE participe à ce combat. C?est la force éditoriale de ces propos et le désir, la volonté de faire revivre le nom inspirant de cette revue de cinéma d?auteur qui a fait naître dans sa continuité le nom de l?organisme CHAMP LIBRE que l?on connaît aujourd?hui.

CHAMP LIBRE (fondé en 1992) est un diffuseur et un laboratoire artistique nomade qui présente des événements in situ, s`insérant dans la communauté et mettant en relation les pratiques contemporaines de l`art, de l?architecture, de l?urbanisme et des nouvelles technologies.

Monograph in Stereo utilise des techniques documentaires et expérimentales pour exprimer le combat contre la perte auditive congénitale et opérationnelle et les acouphènes, un son persistant dans l?oreille ; une perception auditoire fantôme.

Les vidéos et performances de Darrin Martin ont été exposées internationalement lors de festivals et dans des musées dont le Museum of Modern Art et le DIA Center pour les arts de New York, le Los Angeles Museum of Contemporary Arts, et l?European Media Art Festival en Allemagne. Ses installations ont été montrées lors expositions comme la Kitchen à New York, WRO Media Arts Biennale en Pologne, et la Pacific Switchboard de Portland, dans l?Oregon. Il collabore souvent avec Torsten Senas Burns. Leurs ?uvres communes furent montrées lors d?expositions dont celle du New York Video Festival, The Oberhausen Short Film Festival, Cinematexas, The Madrid Museum of Contemporary Art, The Paris/Berlin International et Eyebeam de New York. Ils ont aussi lancé une projet net art DSL dont le titre est : Lesson Stalls : learning nets à http://www.eai.org/lessons commissionné par Electronics Arts Intermix.

HAMACA is a distributor of video art and electronic art. It was established by the initiative of AAVC and is directed by YP. The name HAMACA refers to the operative system under which we aim to work: as a horizontal net joined together at various points. Our main objective is to make works in video format available to the greatest number of individuals and institutions, and in this way promote their circulation and screenings. The distributor is a non-for-profit organisation at the service of both authors and users, whose aim is to promote the circulation of the works and to generate an economic flow for the artists' productions. We hereby continue in the line of the kind of activities led by AAVC throughout the past few years. HAMACA works as an intermediary that promotes and guarantees the presence of contemporary and historical video productions in audiovisual screenings and programs at a national and an international level. In addition, it opens up the market for new communication and information media. The works contained in the catalogue have been previously selected by a selection committee comprising professionals and experts in the field, such as Susana Blas, Eugeni Bonet, Juan Guardiola, Esther Regueira, Fito Rodríguez, Jorge Luis Marzo, Lola Dopico, and Virginia Vilaplana. The catalogue contains a varied selection of works and encompasses all genres, from historical productions and pieces in documentary format, to works of fiction, animation pieces, etc... always including the most current and risk taking pieces being created in video. Their starting point is a selection of artists that have produced most of their work within the Spanish state. It is the group's aim to expand the catalogue on a regular basis in response to different demands and criteria. Once the HAMACA catalogue has been designed and compiled, it is digitalized in order to make it accessible on line, and thus encourage research of its contents, as well as its promotion and circulation. All the works in distribution can be checked at Hamaca's web platform. The distributor is physically located in Barcelona; those interested can visit the premises by appointment and consult the catalogue in person.

Depuis un mirador, Lucas observe, effleure un monde qui se bâtit autour de lui. Libéré du foyer dans lequel il réside, le temps d’une journée, Lucas va se confronter à son réel, aux autres, qui vont lui renvoyer de lui même une image aussi mystérieuse qu’elle s’avère fragile.

Née en 1994, Lucia Martinez est une jeune réalisatrice suisse dont les films explorent le passage de l’enfance au monde adulte. N’utilisant pas d’interprètes professionnels, les fictions engendrées le sont à partir de son réel immédiat. Un frère, une voisine, des amis, peuvent devenir des interprètes le temps d’une fiction. Pour Lucia la fiction se glisse souvent dans les replis du réel, faisant émerger des fictions aussi minimales qu’elles sont essentielles.