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Abstract Violence The images of war and migration are mainly based on the images that are being circulated in mainstream and social media. Although, these violent and manipulative images form an important element of public opinion concerning the migration flux and war, they are definitely not direct representations of reality. How to represent reality? Can we talk about the reality in the time of image culture? Abstract Violence investigates the image of current war and migration from its first place, from destroyed Syrian cities and from leftover objects. Caner questions the impossibility of representing violent images and how we interpret them within the time of the image culture. The project uses real footage that were shot by the artist in Syria during the recent war. Caner produces an abstract space with 3D scanned-rendered objects, which were collected from ruined houses to emphasize how these events become virtual and make us insensitive.

Cihad Caner was born in 1990 in Istanbul. Caner holds an MFA on Media Design and Communication. Caner lives and works in Rotterdam and Istanbul.

Au début de 2005, la Cité Administrative de l?Etat (édifiée au c?ur de Bruxelles dans le sillage de l?Exposition Universelle de 1958), ce symbole de l?Etat-Providence et de l?Etat central, a été déserté par ses derniers occupants après avoir été d?abord partagé entre Flamands et francophones, puis récemment vendu au privé. La CAE avait été imaginée presque comme une ville, laquelle pourrait accueillir jusqu?à 10.000 « habitants ». Une sorte d?utopie moderne à la pointe de l?architecture et de la technologie de l?époque.

Né en 1957. Nationalité belge. Etudes/Activités : 1976 1980 : Licence en Philologie germanique à l?Université Libre de Bruxelles. 1981 1982 : Master?s Degree in Film Studies à la New York University. 1982-1996 : enseigne à l?HEB/ISTI (Bruxelles). Directeur de nombreux mémoires sur le cinéma.

Au travers de vidéo collages télévisuels et animaliers, aussi singuliers que surréalistes, María Cañas génère une narration inconnue sur les moyens d'exterminer les êtres humains et d'implanter une "télécratie animale". Dans "Land of 1.000 Tvs" (Le Pays des 1000 télés), elle dégage de ses imposantes archives vidéos une série d'images qu'elle combine à sa manière, une façon particulière de faire de la scratch vidéo. Le résultat est un espace pré-apocalyptique peuplé de dizaines de téléviseurs d'où irradient des rayons cathodiques. Ils hypnotisent et transforment en spectre des chiens, des chauve-souris et tout ceux qui ont le malheur de passer devant. Cette ?uvre brève, composée de trois actes ("El animal de la vista baja", "Nursery TV" et "Land of 1.000 Tvs") rappel les films de série Z des années 50 où une étrange invasion, retransmise à la télé, guettait la Terre. Mais, ici, ils semblent que ce soit les téléviseurs eux-même qui fassent disparaître les êtres vivants.

Née à Seville en 1972, María Cañas dirige Animalario TV Producciones, une plate-forme d'expérimentation audiovisuelle. Licenciée en Beaux Arts, elle travaille actuellement sur sa thèse qui porte sur les stratégies audiovisuelles expérimentales et la coordination de projets audiovisuels, comme le Certamen Audiovisual Injuve 04. Ses travaux ont été exposés dans des festivals et des événements internationaux, aux Transmediale de Berlin, à l'Institut Cervantès de Manchester, au Festival Internacional de Cine de Las Palmas, au festival Zemos98 à Seville, au Beat-Portobello Film Festival à Londres et à l'International Computer Arts Festival de Maribor en Slovénie. Au fil des ans, María Cañas a reçu divers prix et reconnaissances, comme le Prix à l'Activité Artistique Iniciarte en 2006 et une Aide à la Production de la Junta de Andalucía pour le projet "Meet my Meat New York". En 2003, elle a été finaliste au Prix Image des Transmediale de Berlin.

"Down With Reality" représente l'expérience d'une reflexion sous forme de faux documentaire portant sur la télé réalité à travers l'art contemporain et le cinéma. Ce phénomène social devait arriver tôt ou tard dans le monde de l'art, et ici, l'artiste María Canas se place au coeur d'une expérience étrange : elle va à la fois diriger et participer à son propre reality-show. Dans ce projet commissioné par Mery Cuesta et dont le titre est "je t'envoie un collègue", Canas cohabite pendant une semaine avec sa commissionnaire, bien que les deux femmes ne se connaissent pas. L'artiste a filmé ces 7 jours de conversations, de festivités, de discussions, de concerts, de joies et de larmes pour ensuite les présenter sous forme de vidéo. Dans cette oeuvre plusieurs réalités très variées convergent pour créer une réflexion autour de la représentation, la capture de l'image, la définition des personnalités par les moyens de communication et le rôle des reality shows en tant que moule de différents comportements sociaux. Nous observons de quelle manière les images, qui sont le fruit de la coexistence compliquée entre artiste et commissionnaire, sont introduites dans un défilé capturant d'autres programmes télévisuels, fragments de films, performances étranges, contrefacons et registres visuels de toutes sortes, créant ainsi une oeuvre disparate et émouvante. Un mirroir déformant, qui vomit des aberrations et des monstres différents de ceux créés par les reality-shows. "Down With Reality" est une réflexion subversive sur l'atmosphère artistique qui prend son impulsion sur un groupe particulier, celui qui dont la nuit constitue le cadre de (re)creation, la cohue de créatures nocturnes qui hantent les bars, les galeries d'art, les rues, et qui dissimulent en elles un esprit exhibitionniste plus ou moins pathétique, auquel nous participons tous sans bouger. Cette vidéo oppose à la faible contribution culturelle du reality show la force créative et la sensation d'immortalité que le cinéma confère à notre âme collective. Il nous fait réfléchir sur la capacité à produire des modèles de représentation à la télévision et au cinéma, en remarquant à quel point existence est saturée d'images, de personnes, d'émotions, d'ennuis et d'affections. L'oeuvre, dans sa partie finale, rend un hommage à ces films de série B admirables et ces cinéastes visionnaires qui ont fait du minimalisme (moins de matière qui oblige à davantage de créativité) leur raison d'être. A la télévision, au contraire, expériences sociologique et réalités multiples se rencontrent pour donner ce programme télévisé innovateur et expérimental.

María Cañas, née à Seville en 1972, dirige Animalario TV Producciones, une plateforme d'expérimentation audiovisuelle de divers champs tels que l'art vidéo, les vidéos de musique, les installations, l'imagerie digitale et les projets sur internet, mais aussi le contenu numérique en construction permanente, consacré à la culture du recyclage et de l'appropriation. Diplômée des Beaux-Arts, María Cañas a travaillé sur un doctorat en esthétique et histoire de la philosophie à l'Université de Séville. Elle rédige actuellement une thèse sur les stratégies audiovisuelles expérimentales et coordine divers projets audiovisuels, tel que le concours audiovisuel Injuve 04. L'oeuvre de María Cañas a été présentée dans des manifestations et des festivals internationaux tels que Transmediale 03 (Berlin); le Festival de Cinéma Underground de Portland (Oregon); l'Institut Cervantes(Manchester); l'Organisation Nelson Garrido(Caracas); le Festival de Cinéma de Beat-Portobello (Londres); et le Festival de Holguín(Cuba), entre autres. Elle a reçu de nombreux prix et récompenses, dont le Prix de l'activité artistique Iniciarte en 2006 et une récompense de production de la Junta de Andalucía pour le projet "Meet my Meat N.Y." En 2005, elle a reçu le prix RTVA-Zemos98, le Barcelona VisualSound et le Prix du Jury Intervenciones.tv 6, Fundación Rodríguez. María Cañas a participé à des expositions de groupe dans différentes galeries comme la Juana Aizpuru, La Caja China, Sala de eStar (Sevilla), Fernando Serrano (Huelva), Carmen de la Calle (Madrid), Galería 44, et ADN (Barcelone). Elle collabore aussi à des projets, des publications, des séminaires, des tables rondes et avec des chaînes de télévision.

In a far away village Hai Hau of Vietnam, a group of Christians are building a spaceship to fly to the moon.

Cao Viet Hoai Son (Cao Viet Hoài S?n) was born in 1994, Hanoi, Vietnam. He was a film student in a collaborate course of Hanoi Academy of Theatre & Cinematography and Belgium Institut Supérieur des Arts. He is interested about human connections and inner desires

La vidéo explore la fonctionnalité particulière de certains objets qui sont dans un état de candeur apparente : un livre d´art devient un modèle d´exercices sur le corps humain.

Gustavo Caprín est né en 1968 à Buenos Aires, Argentine. Il obtient un diplôme en Peinture aux Beaux Arts Prilidiano Pueyredón de Buenos Aires en 1992, et vient d´achever des études Post diplôme avancées à l´Université de Barcelone, Espagne, en 2005. Son oeuvre a été exposée régulièrement lors d'expositions individuelles depuis 1994. Parmi les plus récentes on peut citer des expositions à la Casa Elizade (Espagne, 2003), la Galerie Ross Farell (Etats-Unis, 1999) et le Musée Fernán Félix de Amador (Argentine, 1997). Il a égelement pris part dans de nombreuses expositions de groupe aux Etats-Unis (Galerie Kantor, Gallerie 121/los Angeles), en Espagne (Casa de America/Madrid, Casa de Cultura/Girona), en Italie (Casa Argentina/Rome, Festival Unimovie/Pescara), au Canada (6éme Biennale Champ Libre/Montréal, Galerie Shift/Toronto), en Colombie (Museo de Arte Moderno/Bogóta), au Pérou (Centro Cultural España/Lima), ainsi que dans d´autres pays européens et sud-américains. Il a vécu à Pasadena, californie, Etats-Unis, en 1999/2000 Il vit et travaille à Barcelone, Espagne, depuis 2001.

Un vieux couple danse un tango sans musique.

Caraballo-Farman est un duo basé à New York. Ils collaborent sur divers projets artistiques depuis cinq ans. En duo, ils ont présenté leurs oeuvres lors de divers événements internationaux, et ont remporté plusieurs prix et bourses.

"La Despedida" (l?adieu aux morts) est la dernière partie d?un film : La Fêlure du Temps, en forme de saga, articulé sur la parole du "dernier Chaman" Tarahumara qui a accepté, au printemps 2000, de dire sa pensée au cours de plusieurs dialogues avec la réalisatrice sur des lieux choisis par lui : ruines de sa maison d`enfance, cercles des dernières cérémonies du Ciguri, grottes où vécurent son grand-père, son initiateur Gloria, les envahisseurs Apaches. Les images tournées en 1999, 2000 et 2001, captent les danses et rites actuels ainsi que les "éléments" du paysage Tarahumara : eau, feu, terre et ciels. La Despedida montre les rites de la mort et approche la pensée chamanique associée à ces rites : "Oui, le mort je le vois très bien. Il me parle de la nécessité de faire ce rite. Il faut que tout cela se termine, qu`il soit lavé, limpiado, qu`il en finisse avec tout ce qu`il doit".

CARASCO Raymonde, épouse HEBRAUD est née le 19 juin 1939 à Carcassonne (Aude). Nationalité française. Professeur d`université et Cinéaste. De 1999 à ce jour : Professeur d`études cinématographiques à l`université de Lille III. Professeur émérite depuis 2002. De 1970 à 1999 : Maître de conférences d'esthétique du cinéma à l'Université de Toulouse - Le Mirail. Enseigne l`analyse de films, l`écriture de scénarios, la direction d'acteurs dans sa relation à la mise en scène théâtrale. Formation et titres universitaires 1960-64 : élève de l`Ecole Normale Supérieure de Fontenay. 1964 : Agrégation de philosophie. 1975 : Doctorat de troisième cycle sous la direction de Roland Barthes. Cette thèse est un essai pour une théorie de l`art, fondamentalement eisensteinienne, qui poserait la question du montage cinématographique dans ses rapports avec la pensée et les autres arts : le montage comme principe de la forme cinématographique, dans le cinéma, mais aussi la poésie et la littérature, la peinture, etc... 1992 : Habilitation à diriger les recherches: "L`idée de montage et l`expérience de l`écriture", Paris VIII, sous la direction de Marie-Claire Ropars-Wuilleumier, Dominique Noguez, Jean-Louis Leutrat. Principales publications Hors cadre Eisenstein, éditions Macula, Paris, 1979. Fragments d`un journal au pays des Tarahumaras, Sorcières, Stock, 1980. Le Portrait ovale, Comp`Act, 1995. Articles sur : l`image-cinéma selon Roland Barthes; Pasolini, Resnais, Duras, Godard; l`érotique du poète Joë Bousquet, Antonin Artaud, notamment dans Critique, la Revue d`esthétique, Chimères, La polygraphe.

The Cuban Revolution has since the beginning used posters and billboards to transmit its political and social ideology to people. It is a way of visual communication that has lasted until today. This film was produced in 2006 and was conceived as a 'work in progress'. With each billboard, a postcard of Cuban daily life is shown. We have registered their geographical coordinates so that in the future we can go back to shoot again and show, from the same locations, the evolution of Cuban History.

Beatriz Caravaggio was born in Spain. She currently lives in Madrid and Barcelona. Her work focuses on video art and experimental documentary. Her most recent exhibitions, those of 2006, were at the Estampa International Fair of Art, the V MAEM Electronic Art Festival, Mostoles, Madrid, and Observatori, Festival of Artistic Research.

Un père trouve refuge dans les souvenirs qu'il a créés avec sa fille à qui il n'a pas parlé depuis des années. Le film se transforme en intermédiaire pour tenter de les unir à travers des images, des sons et des lettres.

Eneos Çarka est diplômé du Master DocNomads en documentaire créatif et il est actuellement doctorant et Annenberg Fellow en études cinématographiques, arts et pratiques médiatiques à l'Université de Californie du Sud. Ses films ont été projetés dans de nombreux festivals, galeries et événements culturels tels que IDFA, FIPADOC où il a reçu le Prix Tënk, HotDocs, GoShort, Festival dei Popoli et plus encore. Il a été membre du jury du concours IDFA pour le documentaire jeunesse en 2022.

Un film est projeté dans une chambre où dort une femme. Le personnage du film parle de l'avenir de l'humanité et ses paroles pénètrent dans la tête de la femme, envahissant son subconscient.

Eneos Çarka (1996, Albanie) a commencé sa formation cinématographique à l'Université des Arts d'Albanie en réalisation. Il a reçu la bourse du Government Fund of Excellence pour faire un Master en études cinématographiques au University College London (Royaume-Uni), où il a obtenu son diplôme avec distinction. Il fait actuellement partie de la 8e génération de DocNomads, un master conjoint Erasmus Mundus en Documentaire de création. Ses courts documentaires se concentrent sur les études de personnages et traitent souvent des thèmes de l'identité, de la migration et des relations familiales. Il porte une attention particulière aux problématiques des représentations, expérimentant différentes approches du cinéma documentaire. Son premier long métrage documentaire est actuellement en post-production.

Le village palestinien de Bil`in est sur le point de perdre près de la moitié de ses terres au profit d'Israël et les habitants décident de s'opposer à la construction d'une barrière. Le film montre la relation extraordinaire entre les villageois et Chai, le réalisateur, venu avec un groupe de pacifistes Israéliens ainsi que le conflit naissant entre lui, ancien soldat, et l'organisation militaire dans son ensemble.

L'écrivain et metteur en scène Shai Carmeli Pollak est né en 1968 à Jaffa. Il est diplômé de la Film & Television Faculty de l'Université de Tel Aviv. Il a travaillé sur la série télévisée pour enfants "Zbeng", la série d'animation " Zolgar and Pupkin Conquer the World" et le téléfilm "Abrahmov". Carmeli-Pollack suit depuis quatre ans le combat contre le mur de la honte en Israël. "Bilin My Love" (Bil?in Habibti) est son premier documentaire. Ready for Love 12 min. Comédie (1993) The slimy Gang ? 15 min. Comédie (1997) Zbeng ? Série télévisée pour Channel 2. (1998-1999) Abramov ? Série télévisée pour channel 2. 50 min. (2000) Zolgar & Pupkin ? Série d'animation pour une chaîne pour enfants. (2001-2002)

Ma médiation sur "The Wild West" : c'est un film spacial pur. J'ai exploré le potentiel virtuel de la ligne d'horizon pendant que je cadrais cette expérience spaciale.

Maïa Cybelle Carpenter est une artiste des images en mouvement et conservatrice qui est née en 1975 et a été élevée entre New York et le sud de la France. Elle a achevé un BA en Women?s Studies/Film Theory à Barmard College, à l?Université Colombia (1997) et possède un MFA de Film/Video/New Media Dept. De la School of the Art Institute of Chicago (2001). Elle habite en ce moment à San Fransisco et New York. Ses films et vidéos ont été exposé internationalement dans des festivals de films, des cinémathèques, des musées, des centres artistiques et des galeries. On peut compter dans ses expositions : Ars Electronica, Pacific Film Archives, The Ontario Cinematheque, Anthology Film Archives, Exit Art Gallery NY, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Paris Cinema de la Clef ?Cinemas Differents?, Telluride International Experimental Film Festival, Yerba Buena Center for the Arts, The InterMedia Arts Center of Minneapolis, The Taiwan Cinematheque, PBS Television, Eye Drum Gallery, and recently, the First International Film Festival of Sexuality and Gender Plurality à Mumbai, Inde. Le Spring 2003 International Film and Video Journal comprend une édition limite de DVD et d?essais théoriques écrits pat Mary Slaughter sur la première ?uvre de Maïa en 16 mm ??Site Visit??. La cinémathèque de San Fransisco a récemment présenté une mini rétrospective de ses ?uvres eu Yenda Buena Center for Arts en tant que partie de leur ??Fresh Eyes Series? ? (octobre 2002). En plus de sa production artistique, Maïa est une conservatrice active de films et de programmes vidéos depuis 1996. En 1997, elle travaillait en tant que directrice des programmes pour MIX NYC : The New York Lesbian and Gay Experimental Film/Video Festival et a donc apporté son support aux programmes du festival. Elle a aussi été le juge pour les femmes dans la Director Chair 20th Anniversary Film/Video Festival en 2000 et juge à la New York Foundation for Arts Video Artists Fellowship Panel pour les bourses de 2002. L?été 2004, elle est venu visitée en tant que conservatrice la Cinémathèque de San Francisco, membre du Canyon Cinema et coordinatrice des Golden Gates Aards ainsi que programmatrice des courts métrages pour le San Francisco International Film Festival. Maïa a enseigné le travail manuel du film et des ateliers de techniques alternatives ainsi que donné des cours en tant qu?artiste invité à la School off the Art Institute off Chicago, la Academy off Arts de San Francisco et au Mills College, Liason of Independent Filmmakers de Toronto et au Phil Hoffman?s Independent Image-Making Retreat dans l?Ontario, Canada. La nouvelle ?uvre de Maïa en 16 mm, Working Portraits, fut projette comme travail en cours lors de l?édition 2005 du MIXNYC, Inside/Out, et du OutfestSon installation vidéo, Lasso fut projette comme travail en cours au Yerba Buena Center for the Arts dans une cinémathèque de San Francisco pour le programme 2004. Sa production actuelle est un long métrage bilingue (français-anglais) expérimental et narratif sur 16 mM titré "Nous". Ses ?uvres sont distribuées par Canyon Cinema et Canadian Filmmakers Distribution Centre.

An experimental documentary that depicts a May 6, 2018 art activity where the community members of Barangay San Lorenzo, Makati, Sipat Lawin Ensemble, Philippine Air Force Band, Museo Pambata, and Ayala Museum collaborated with visual artist Alwin Reamillo to stage a common Filipino community practice called “bayanihan” in the heart of the Philippines’ financial district. “Bayanihan” is where Filipino community members help one of their neighbors literally move their bamboo house by placing it on bamboo poles and lifting it onto their backs. The participants carried on their backs Reamillo’s art installation bamboo hut from one of the city parks, through the city streets, right up to the museum’s front steps. The activity was called “BAYANIHAN HOPPING SPIRIT HOUSE”.

Jan Philippe “JP” V. Carpio is a writer and filmmaker living in the Philippines. He has written and directed four feature length films: Girl of My Dreams (2000), Balay Dakû (Big House) (2002) Hilo (thread) (2007), INT.-EXT. (Ella, Marita, Atbp.) (2017). He is a National Commission for Culture and the Arts Cinema Grant Recipient for the first full length film in the Ilonggo language Balay Dakû. His films have been screened and cited at national and international film festivals like the Cinemalaya Philippine Independent Film Festival, Filipino International Cine Festival, Experimental Forum International film and Video Art Festival, and Thessaloniki International Film Festival. He is a two time .MOV International Digital Film Festival Silvershorts Competition Finalist. He was selected as a participant for the 2016 Abbas Kiarostami Black Factory Cinema Filmmaking Workshop. He teaches at the Digital Filmmaking program of the College of St. Benilde School of Design and Arts and the Film program of MINT College.

Burn Out, 2009 16mm transferred to DVD Duration 4 mins 53 secs

Steve Carr is an artist living and working in Auckland, New Zealand. In 2002 he completed his MFA (1st Class honours) from Elam School of Fine Arts, Auckland University. His work has been in many major national and international exhibitions including Videos of New Zealand, a touring exhibition through New Zealand, Germany and Denmark. He also represented New Zealand at the Busan Biennale, Metropolitan Art Museum, South Korea in 2006. In 2010 he was the recipient of the Sapporo Artist in Residence in Japan. Steve is represented in New Zealand by Michael Lett Gallery and in Melbourne, Australia by Kalimanrawlins Gallery.

In the video "Contact" Sidse Carstens seeks to change our collective awareness of Marilyn Monroe through rituals and manifestations in collaboration with performance artist Ramona Macho and a spiritual medium.
"Contact" has been exhibited i connection with "Mirror Mirror" at The Black Diamant, Copenhagen.

Sidse Carstens lives and works as film director and visual artist in Copenhagen, Denmark. 
Main themes in the works of Sidse Carstens are displacement and transformation. Through film, video and images she examines the transition between fiction and reality. 
She is educated as an animation director from The National Film School of Denmark. Sidse Carstens is a member of the Danish Film Directors Association, and her work is supported by i.a. The Danish Filminstitute / filmworkshop and The Danish Arts Agency. Her films are exhibited and screened both in Denmark and internationally. Together with the Danish writer Katrine Grünfeld, she is the director of an artists? workspace and salon in Copenhagen.


Show Dream is an emotionally disturbing film. It explores the world of transformation and dreams. The conjurer, the avenger, the woman with a new face, the horse and the egg woman is the four characters presented in Show Dream The film is a metamorphosis, we are thrust straight in to the middle of the story. There is no explanation to the rising questions; what?s burning? Why is that woman being made up? Where is she going? In Show Dream we detect the story before it happens ? something happened before we enter the scene ? and we leave the stage before the story ends. These unfinished stories, events before events will stick with the viewer long after the film finishes.

Sidse Carstens (1971) graduated in 2000 as an Animation Director from The National Film School of Denmark. She now works as Film director and visual artist in Copenhagen, Denmark. Her films have been screened at some of the most well renowned museums and galleries in Denmark and international at festivals. Her work is funded by Danish Film Institute and The Danish Arts Agency. Recently Sidse Carstens directed several music videos for the Danish band "Under Byen". She teaches courses in artfilm at The National Film school and recently guest edited a volume of the Danish Film director Association Magazine. In the summer of 2010 Sidse Carstens was invited to Northcap Norway, as Artist in Residency there. She is currently finishing a new film shot in Norway during her residency.

Banzavóis, in assonance with maize, is an invented word coined by the Italian writer C.E.Gadda for corn, symbol of Lombard agricultural production. Banzavóis may also stands for empty bellies, the laborers and sharecroppers who found job in large numbers in the first Lombard industrial plants at the end of the 19th century. The word suggests a geographical-political shift in an imaginary South America: brought back to nowadays Brianza, it is well suited to its landscape rich in tropical flora, globalized right into the inner structure of a drastically changed nature. Banzavóis follows for two years the radical transformation process of the former Isotta Fraschini industrial area in Saronno, 20 km from Milan. A coring throughout a century, a kaleidoscopic journey in the history of a site abandoned for 30 years, six hectares of ruins and six of invasive species. The factory becomes a palimpsest for a narration in which antifascism, memory of work, socio-political achievements are gradually interwoven with today discontinuation landscape.

Lorenzo Casali (1980) is a visual artist and filmmaker working mainly in site-specific projects, which start from the analysis of the complex network of relationships existing in a given place, from the study of the cultural, social, political and economic stratifications that define it. Since the early 2000s he has participated in prizes, screenings, exhibitions and residencies in Italy and Europe. Alongside his artistic research he carries out teaching activities, he is currently professor at the Academy of Fine Arts in Rome (photographic documentation) and the Academy of Fine Arts Carrara in Bergamo (video editing).

A paradise is emerging on earth. It is neither a dream nor a utopian delusion but an opportunity for a new kind of society. A step beyond the human as it has been known. A step we don't dare to consummate.

Born in Catalonia and based in Germany. Studies of philosophy, philology and media art in Barcelona and Cologne. Shorts selected and awarded in Clermont-Ferrand and Oberhausen among others. "Out of the gardens" is his first full-length film, premiered at the international competition of FID Marseille.

L`immobilité physique bascule vers une fissure dans le temps. Tout s`effondre dans une expérience de lumière, de bruit et de mouvement.

Faro is a portrait of the lighthouse of Santa Maria di Leuca (Italy), one of the last lighthouses in the south of the Mediterranean. The lighthouse illuminates the unknown, embraces the borders of the extreme lands. Every lighthouse possesses an identity, a light’s signature code that allows sailors to identify where they are: Santa Maria di Leuca has 3 light beams; its first beam offers half a second of light, followed by two and a half seconds of darkness, then half a second of light, followed by two and a half seconds of darkness, then once again half a second of light, and it finishes up with eight and a half seconds of darkness. And then the cycle starts all over again. Casas portrays its spirit, its behaviour and its evocative power. The artist studied the light, which in the Finis Terrae begins with the horizon and ends with a contrary rhythm regarding the lights switching on and off in the lighthouse in Santa Maria di Leuca.

Carlos Casas, Barcelona 1974, vit et travaille à Paris. Réalisateur de films et artiste visuel, ses oeuvres marient le film documentaire, le cinéma et les arts visuels et sonores contemporains. Ses trois derniers films ont remporté des prix dans des festivals du monde entier à Turin, Madrid, Buenos Aires, Mexico et certaines de ces réalisations en vidéo ont fait l’objet de présentations dans des expositions personnelles ou collectives. Casas a réalisé une trilogie filmique consacrée aux environnements les plus extrêmes de la planète: la Patagonie, la Mer d’Aral et la Sibérie. Avalanche, un projet en cours, a été présenté dans plusieurs musées et galeries en Europe. Il est le co-fondateur de Map Productions et du Label musical et vidéo Von Archives. Il a été directeur artistique de Colors Music and Films où il a développé des projets audiovisuels et de la recherche musicale dans diverses régions du monde. Il est professeur invité au Dartmouth College USA et ECAM Madrid. Ses oeuvres ont été présentées dans des musées et des espaces tels que La Tate Modern, Londres, le Palais de Tokyo a Paris, Hangar Bicocca a Milano, le Bozar a Bruxelles, l’Oi Futuro Rio de Janeiro, le MIS Sao Paolo, le Centre Pompidou, la Fondation Cartier, Paris, le Centre Cultura Contemporanea, Barcelone, Malba Buenos Aires, le GAM, Turin. Ses films ont été présentés dans des festivals comme le Festival du Film de Venise, le Festival du Film de Rotterdam, le FID Marseille, le BAFICI Buenos Aires, le Festival de Jeonju, la Corée du Sud, Documenta Madrid, FICCO Mexique et autres. En Mars 2017 il a presentee la Tate Modern son installation Sanctuary, part de sa recherche pour le film Cemetery.

Alors que les groupes élitistes qui contrôlent l?Etat et le capital deviennent de plus en plus anonymes, leur peur des visages que prend la résistance quotidienne grandit. Et pourtant d?une certaine manière, les victimes du pouvoir qu?ils exercent ? les pauvres, les oppressés, les personnes ruinées et désespérées ? ne se font jamais entendre et sont toujours anonymes. Aujourd?hui nous allons donner un visage à cette résistance : car en revêtant nos masques nous révélons notre unité et en défilant ensemble dans les rues, nous exprimons notre colère face à l?anonymat du pouvoir.

Charley Case est né en 1969 et a étudié le graphisme à La Cambre de Bruxelles et s?est occupé des illustrations et de la conception de différents journaux internationaux et projets. Après avoir collaboré avec différents groupes activistes il a commencé à travailler indépendamment pour le collectif Sangam. Il choisit son moyen d?expression ? photographie, film, peinture, graphisme ou performance ? en fonction de ses objectifs. La plupart de ses thèmes sont marqués par une prise de conscience sociale et ancrés dans le conflit, entre images et sens, en contexte et parmi le peuple. Son travail a été présenté entre autres au Fifart Festival International du film sur l?art de Lausanne, au Dallas Video Festival et au MACBA museum de Barcelone.

The thousand-year history of a farm in rural Doveridge, Derbyshire, UK, entangles with the singular life of queer Chicago-based artist, Mark Jeffery. Parsing the vernacular of Mark’s East Midlands childhood - hedge-laying, tending to cattle and land – within the vocabulary of expanded choreography, Winterage: Last Milk considers the film image itself as a collaborator as well as a material akin to fabric or clay. Returning to his childhood home in December 2019 to memorialise personal loss, and extending his body via the wearable sculptures of Grace Duval, Mark’s choreography brings forward the mineral and animal in all of us within a film composition that considers connections between place, language, loss and movement.

Mark Jeffery and Lucy Cash Mark and Lucy are both former members of Goat Island performance (Chicago) which is where they began collaborating. Mark Jeffery is a Chicago-based queer performance/installation artist, curator and Associate Professor at the School of the Art Institute of Chicago. Mark co - founded ATOM-r in 2012 a performance / technology group where he is a choreographer, and performer in the company. He is the organizer of IN>TIME, a Tri Annual performance festival hosted by multiple venues in Chicago. Mark was a former member of the internationally renowned Goat Island Performance Group from 1996 - 2009. Glasgow-based Lucy Cash in an interdisciplinary artist working within and through choreographic processes, and across form. Her commissioned work often involves social exchange and has taken place in galleries, museums, libraries, housing estates, on water and in the air. Her projects evolve ideas of collective practice which nurture interconnectedness between human and more than human, and across disciplines. Lucy has received funding and commissions from the BFI; Arts Council England; Creative Scotland; Gulbenkian Trust; BBC and Channel 4. Her works on film and video draw on choreography & movement to reveal the systems and patterns of the subjects considered and have shown in both cinema & installation contexts and in galleries including Sophiensaele and Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Hyde Park Art Center; Cultural Center and Sullivan Galleries, Chicago, USA; Zahoor ul Akhal Gallery, Lahore, India; Bonington Gallery, Nottingham; Tramway, Glasgow and Whitechapel Gallery, Tate Modern, Siobhan Davies Studios, and the Natural History Museum, London, UK.

Nuits et jours, Otto efface pour un centime des visages sur Google StreetView. C'est l'une des tâches que lui et ses amis du monde entier réalisent sur Amazon Mechanical Turk, une plateforme de micro-tâches. Au côté de ses amis turkers, Otto plonge dans un monde robotique qui soulève la question de l'humanité.

Natan Castay a grandit à Bruxelles. Pour son film de fin d'étude à l'IAD il réalise En attendant les robots à la suite d'une expérience personnelle. Lors du confinement il a perdu son job d'étudiant dans un restaurant et s'est retrouvé à taper sur internet "comment se faire de l'argent en ligne". Il tombe sur Amazon Mechanical Turk, un site de micro-tâches. Son premier travail consiste à observer des photos satellites et répondre à la question Swimming pool/No Swimming pool pour un centime l'image. Très vite l'envie lui est venue de faire un film sur cette nouvelle forme de travail. Durant un an Natan a rencontré des centaines de Turkers dans le monde entier et a essayé de les inclure dans une écriture mêlant fiction, documentaire et expérimentation Amazon Mechanical Turk fait cyniquement référence à une légende au sujet d'un automate capable de jouer aux échecs et de battre Napoléon ou encore Benjamin Franklin. En réalité sous les mécanismes était caché un être humain.

Rue Leganés, par exemple. La rue Leganés ne veut pas disparaître; dés que les maisons inhabitées se vident, les bâtiments vont être détruit pour continuer à construire. Avançant sans relâche, les bulldozers se moquent des souvenirs...ils ne demandent pas... n'hésitent pas.

ZAUNKA was founded in 2004 by Dani Castillo and Quique Corrales. Their work talk about the relationship between people and their enviroment in contemporary world. They try to explore our society, developing projects between Art and Documentary. Dani Castillo (Vitoria 1974). Photographer and filmmaker. Specialist in on-line image solution. Quique Corrales (Madrid 1969). Photographer and filmmaker. Teaching Art and Photography in Universidad Europea de Madrid.