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Sur un plateau de tournage en pleine nature, les membres d’une équipe s’agitent. Eva, l’actrice, lorsqu’elle n’exécute pas les indications bancales de la réalisatrice, profite des dons de Merkabas. C’est la médium du plateau. Eva rêve de créer sa propre société de production de film pornographique et souhaite mettre toutes les chances de son côté, y compris dans les mondes invisible. Ça tombe bien, Merkabas adore aider. En marge du film, une étrange relation de coaching se tisse entre les deux femmes. Elles échangent sur leurs réalisations, leurs conditions de travail ou leurs visions du monde. Elles se partagent leur secret ou: “comment avoir plus d’influences?”. Petit à petit, ensemble, elles délaissent doucement la réalité du tournage et la réalité tout court.

Artiste, réalisatrice, fondatrice et chargée de coordination chez Puppy Please Née à Toulouse en 1994, Robyn Chien vit et travaille à Marseille. Diplômée de la Haute École des Arts du Rhin, elle cocrée avec Lullabyebye et Gordon B.rec la société de production Puppy Please, au sein de laquelle elle réalise des films pour adulte. Leur but : faire des films porno et pouvoir faire des films porno. La réalisation des films, leur distribution et ce qui les empêche d’exister devient son terrain. En parallèle, elle réalise des films. Elle utilise la fiction comme un outil qui vient briser les impossibilités qui se mettent sur son chemin. Grâce à un processus similaire à l’action de la magie, elle répare le destin lorsqu’il est injuste. La performance et la caméra rendent compte et fixent ce changement. Elle a réalisé “Eva et Merkabah”, un film pour lequel elle a reçu le soutien Traversées du CIPAC, de la FRAAP, du réseau Diagonal et de la DRAC. Son travail a été présenté dans diverses expositions, notamment : So Far (Casino du Luxembourg, 2016), La Relatividad de llévar el mundo a cuesta (Quinonera, mexico, 2017), Là où les vents se croisent (Syndicat Potentiel, Strasbourg, 2018), Les martinets dorment en volant (CRAC Altkirch, 2018) et au festival Latitudes Contemporaines (Lille, 2021).

Gugging est l?un des deux hôpitaux psychiatriques de la région de Vienne. L?hôpital est constitué de plusieurs pavillons, dont un s?appelle « La Maison des Artistes ». Là vivent et travaillent quinze peintres, entourés de quelques infirmières et d?un médecin. Trois Messieurs serait le portrait croisé de trois hommes qui tous trois peignent et vivent dans la même chambre. Dans ce portrait, j?aimerais aborder la façon dont leur environnement et Vienne marquent leurs récits et leurs tableaux. Je voudrais tenter, en les écoutant et en les interrogeant, de comprendre et de m?approcher de leur point de vue compliqué, à la fois fragile et brutal, sur l?extérieur. Plus que leur activité de peintres et ce qu?on appelle l?« Art Brut », ce qui m?importe est de questionner une citoyenneté singulière et émouvante, marquée par le souvenir et construite dans l?isolement.

Né en 1975 à Vienne, Patric Chiha vit et travaille à Paris. De 1998 à 2001, il étudie le montage à l?INSAS (Bruxelles). Pendant ses études, au lendemain de la coalition qui porte l?extrême-droite autrichienne au pouvoir, il réalise DE VIENNE, un documentaire sur sa ville où il a grandi (2001, 6?, vidéo, couleurs). Depuis, il également réalisé ALBERTINE! (2002, 1?, vidéo/Super 8mm, couleurs), CASA UGALDE (2004, 20?, 35mm, couleurs, produit par Kinoko Films) et HOME (2006, 50`, 35mm couleurs). Par ailleurs, Patric Chiha travaille régulièrement comme monteur, notamment pour Vincent Dieutre, dont il également été assistant réalisateur.

“Tawaf (at-tawâf), la circumambulation, désigne les sept tours que les musulman.e.s effectuent autour de la Kaaba, lors du pèlerinage (hajj) à La Mecque“ wikipedia 2024 Dans cet œuvre vidéo j'explore les parallèles entre certaines pratiques spirituelles musulmanes (Hajj) et celto-bretonnes (les menhirs) en imageant des formes de dialogues non verbaux qui peut y avoir entre certaines communautés dans leurs "terre d'origines" dans les pays du Sud avec leurs diasporas en Occident et une forme de rattachement à certains éléments sensoriels en contexte migratoire qui peuvent invoquer une sensation de familiarité et de "déjà vu". Asetta (Le métier à tisser en Tamazight) y est comme une allégorie à l'accumulation des couches d'expériences dans les corps diasporiques et migrants. Cette vidéo a été tournée en collaboration avec ma mère, en partie au M'Zab (Sahara, Algérie) et sur l'île d'Ouessant (Bretagne, France).

Aïcha Chikh est une artiste née et grandie à Ghardaïa (Algérie) et actuellement basée à Marseille. En ce moment entrain de préparer son DNSEP (Diplôme national supérieur d'expression plastique) en Écriture expérimentale à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Nîmes, et auparavant diplômée en master en Biodiversité et Evolution de la faculté des sciences à Montpellier et, avant, de l'université d'Oran (Algérie). Son parcours académique et personnel imprègne sa pratique artistique en explorant les questions liées aux déplacements et la place des corps dans les différents espaces géopolitiques et géographiques, elle s'attarde particulièrement sur les espaces physiques "périphériques" de l'occident. Ses créations empreintes différents médiums qui vont de la vidéo et l'écriture en passant par la performance.

Un quidam se promène dans les rues d'un quartier berlinois connu. En même temps , un homme et une femme chantent en duo une chanson d'amour. Le texte de la chanson est basée sur des petites annonces internet de recherche de partenaires, en allemand. La vidéo cherche à questionner les attentes des hommes et des femmes modernes, et à révéler l'utilisation quotidienne de la langue allemande dans sa relation historique entre amour et chanson.

Né en 1966 à Mexico au Mexique. Il a étudié à l'Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (Ecole supérieure de la peinture, de la sculpture et de la sérigraphie) La Esmeralda à Mexico et à la HdK ( aujourd'hui la UdK, Université des Arts) à Berlin. Vit et travaille à Berlin depuis 1993. Reçoit une bourse par le FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fond National pour la Culture et les Arts)à Mexico pour les programmes suivants: Intercambio de Residencias Artísticas México-Canada [bourse de résidence Banff Centre for the Arts, Canada] 1999, Jóvenes Creadores [Jeunes Artistes] 2001-2002, et Intercambio de Residencias Artísticas México-Colombia [bourse de résidence Bogota, Colombie] 2003.

The video shows two Tai labors in Hualien marble factory pushed a trolley used in the past particularly for mine district, today , this old style trolley has been replaced by the new style crane, Artist invites two labors walking back and forth through the old trolley that he gilded by covering gold leaves as a divinized presentation. This work therefore has blended and mixed the reality and memory in life like the layers of wrinkles and folds in the stratum, the viewer could create an archaeological journey from the imaginations in many aspects.

Chen-Hung Chiu creative works revolve around collecting those inadvertently hidden objects / people and legends surrounding him, as well as rewriting the ambiguous ties between these "anonymous identities" and the locality, in a sense analogous to the connections between body and building, city and cells, monuments and intimacy. Comparable to the process of remodeling monuments, he strips away the logic designed and rationalized by social structures in attempt to rename those that offer significance and meaning to each material. Yet, unlike the citations made through reminiscing in the past, his works are instead sincere observations which explore personal experience and logic. Important exhibitions Chiu participated in include the Liverpool Biennial: City States(2012), ThaiTai:A Measure of Understanding, Bangkok Art and Culture Centre(2012), Une terrible poetique, La Biennale de Lyon, Galerie Olivier Hong(2011), Arte da Taiwan, Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce, Genova(2011), Taiwan Calling-The Phantom of Liberty, Mucsarnot Museum, Budapest(2010), etc. in 2012, he was also chosen as an artist in residence at Cite internationale des arts Paris for the 12th Visual Arts Talent Exchange Program conducted by the Taiwan Ministry of Culture.

Joseph est engagé dans un voyage sinueux. Son oncle, Henry, est veuf et vit seul. Joseph arrive chez Henry. Gisela, qui lit Neruda, est la gouvernante d'Henry. Sam, qui joue du piano, habite à côté et est le seul ami de Henry. Joseph a sa propre tristesse, mais cela conduit Henry à repenser à ses propres souvenirs sombres.

Stanley Cho vit et travaille à Los Angeles, Californie. Il obtient son diplôme à la UCLA School of Art and Architecture en 2001. "Nevertheless" est son deuxième court-métrage.

« Gate » constitue un point d?entrée ou un tournant dans l?espace psychologique circonscrit dans, et créée par, une forme architecturale spécifique à l?intérieur du corps humain. Il représente une ouverture, avec différents types de rencontres humaines et de séparations. « Gate » voudrait réussir à s?opposer au contrôle extrême des entrées et à la libre sortie de soi-même et des autres. Le geste de rencontre et de séparation est une forme de psychothérapie, qui a émergé avec la communication interpersonnelle et l?intensification de l?expérience psychologique du spectateur et du public. Lorsque le processus de séparation se produit, il transforme un mélange de substances, en rapport avec plusieurs espaces physiques, en différents composants architecturaux et psychanalytiques. Souvent, la pression du pouvoir et la force politique provoquent d?inévitables migrations humaines, ainsi qu?immigration, rencontres et séparations. Ces séparations et rencontres sont intimement liées au cycle de vie naturel. La structure de la pression ou du pouvoir impose des situations frontalières existantes, telles précisément, la séparation actuelle entre Corée du Nord et Corée du Sud.

Cho Eun Woo est née à Séoul (Corée). Elle a obtenu son BFA (Bachelor of Fine Arts) à l?Ontario College of Arts & Design (Canada). Elle a été impliquée dans diverses performances et expositions au Canada, en Italie et aux USA. Elle a récemment obtenu son MFA (Master of Fine Arts ) de la School of Visual Art de New York (USA) et fréquente actuellement les cours de l?Institute for Doctoral Studies in the Visual Arts Main de Portland (USA). Elle a obtenu des résidence artistiques auprès de la 7e Gawnju Biennale Global Institution et du Skowhegan Residency Program in Main de Portland en 2008-2009, et du Cat?Art en France, en 2007-2008.

In this video, Cho transforms the sea shore into a visual poem. His inner landscapes and his perception of the outer world come together in an abstract meditation about space and place, light, time and traveling. The video consists of heavily electronic distorted images which result in mainly horizontal lines and colour bars which are reminiscent of the horizontal lines of VHS video. At the same time, Cho pushes the image to the edge of abstraction through which its relation to painting comes to the fore; through the emphasis on the flatness of the image this work reminds us of colour field painting (Mark Rothko). The soundtrack consists of manipulated audio of sea sound, like waves and wind, also pushing to abstraction. To this `noise` a minimal, poetic piano sound is added which brings a melancholic sphere to the work. The montage is hardly felt since cuts seem to be absent: everything seems to be metamorphosed into one another. Through the contemplative quality of the sound as well as the image, this video becomes a wondrous experience.

Seoungho Cho was born in 1959 in S.Korea. He received his M.A. from New York Univ. He received a Rockefeller Foundation Fellowship. Cho`s solo exhibitions have included The Museum of Modern Art, NY, Montevideo, Amsterdam and LeeUm Museum of Modern Art, Seoul. His installations have been selected for the permanent collection at such as the Museum of Modern Art, NY; LeeUm Museum of Modern Art, Korea and at the Los Angeles International Airport. In 2012, Cho`s Buoy (2008) was presented as a massive multi-channel installation in Times Square NY, a collaboration between EAI and the Times Square Alliance. Cho`s tapes have been broadcast nationally and internationally. He lives in New York.

BUOY/ SEOUNGHO CHO 6:21 MINUTES, COLOR, SOUND, 2008 The golden, barren landscape of Death Valley, California, recorded by Cho from a moving car, provides the luminous and mysterious texture of Buoy. As the title suggests, this work reflects on the polar extremes of this desert, which was once the floor of a vast sea, now traversed by sight-seeing tourists. In contrast to the horizontal landscape, which floats ceaselessly past Cho`s camera, vertical "strata" pattern the imagery, creating an axis between natural landscape and Cho`s composition. Cho accumulated his Death Valley footage over several years; the vertical patterning further represents the collapse of this footage into what appears to be a continuous drive through the desert.

Seoungho Cho was born in 1959 in Pusan, South Korea, and currently lives and works in New York. He received a BA and an MA in graphic arts from Hong-Ik University, Korea, and an MA in video art from New York University. He has had solo exhibitions in many prestigious venues such as the Museum of Modern Art in New York and his videos have been shown in biennales and group screenings throughout Europe and North America. Cho has received various awards and grants, including ones from the Jerome and Rockefeller foundations. Cho uses digital image processing techniques to manipulate simple, everyday objects, scenes or landscapes into highly lyrical sound and image collages. Cho`s videos are often very painterly in their use of rich, saturated colour and exquisite composition of the space on the screen. The works sometimes involve subtly developed, open-ended narratives that emphasize the embodied nature of perception and experience. The formal aspects of Cho`s videos are closely tied to explorations of how nature is represented through technology, specifically how representation is constituted by traces of contact between bodies, technology and the environment.

La dernière ?uvre de Seoungho Cho, « I Left my Silent House », commence dans une atmosphère méditative, avec des images en noir et blanc de personnes dans le métro, se transforme ensuite en un voyage coloré à travers des espaces théâtraux ouverts, pour retourner enfin de nouveau à la ville. La vidéo est une recherche sur les tensions et les plaisirs du voyage et, en fin de compte, sur la métamorphose.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan (Corée du Sud) et vit actuellement à New York. Il a obtenu sa licence et sa maîtrise en arts graphiques à l?Université de Hong-Ik (Corée), et une maîtrise en art vidéo à l'Université de New York. En 1998, il a reçu une bourse en arts médiatiques de la Fondation Rockefeller et, en 2003, une subvention de la Jerome Foundation. Il lui a été décerné le Grand Prix du 27e Annual Black Maria Film and Video Festival, ainsi que le Prix International pour l'Art Vidéo du ZKM. Les vidéos de Cho ont été diffusées à une échelle nationale et internationale.

"Snap" est une oeuvre brève et minimaliste qui explore l'esthétique de la production vidéo numérique. Des doigts et des mains en gros plan effectuent des mouvements rapides, puis lents, suivant une bande son de cliquetis et de claquements stylisés, tandis que des flammes de couleur traversent par intermittence les images originales en noir et blanc. "Snap" pousse l'image et le son vers l'abstraction dans une exploration inventive, bien pensée et agréable de la technologie de l'image en mouvement.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan, en Corée du Sud. Il est diplômé de l'université d'arts graphiques de Honk-lk en Corée. Il a également un diplôme en art vidéo de l'université de New York. En 1998, il a reçu une bourse du Rockfeller Foundation Media Arts et en 2003 l'aide de la Jerome Foundation. Il a reçu la "Juror's Citation" au 18ème Black Maria Film and Video Festival ainsi qu'un prix pour l'art vidéo de ZKM.

"Snap" is a taut, minimalist work that explores the aesthetics of digital video production. Fingers and hands in close-up move fast, then slowly, to a soundtrack of stylized clicks and snaps, while intermittent flares of color burn through the original black and white footage. "Snap" pushes figure and sound toward abstraction in an inventive, considered, and pleasurable exploration of moving image technology.

Seoungho Cho was born in 1959 in Pusan, South Korea. He received his B.A. and M.A. in Graphic Arts from Hong-Ik University, Korea, and an M.A. in video art from New York University. In 1998 he received a Rockefeller Foundation Media Arts Fellowship and in 2003 he received a Jerome Foundation grant. He received the "Juror's Citation" at the 18th Annual Black Maria Film and Video Festival as well as the International Award for Video Art from ZKM.

"Show Your Tongue" de Seoungho Cho est un millefeuille, une ?uvre composée de différentes couches. La première est de l?eau. On observe sa surface. On la voit de dessus et de près. Elle est parcourue de petites ondulations. Elle est d?un bleu profond. La deuxième couche est aussi fine et vivante, aussi gracieuse que la première. Son reflet sonore presque parfait, impossible de les différencier. Puis, petit à petit, la sensation de paix se dissipe. On commence à percevoir l?existence des monstres qui vivent sous la surface. Leurs écailles, leurs ailerons se frôlent. Leurs bouches claquent à la surface de l?eau. Cho manipule les images de ces bêtes en un motif vivant de formes et de motivation qui débordent les une sur les autres, recouvert d?un glaçage aqueux brillant. Il tisse une structure transparente en deux dimensions. Une structure qui se développe toute seule, couche après couche, et qui grandira jusqu?à consumer les filtres et les optiques de la camera, jusqu?à brûler la pellicule et les rétines du spectateur.

Il y a plusieurs aspects de l?acte d?observation qui rendent la réaction que l?on devant une image subjective. Seoungho Cho en souligne quelques importants et en omet clairement différents autres qui sont pourtant importants aussi. On ne nous propose aucun récit, aucun contexte ni aucune palette de couleur variée, pas de tout, pas de partie. Ces restrictions lui permettent en grande partie de définir la manière d?observer du spectateur comme une action en elle-même. Le cadre de ?WS.2? est en mouvement, ce qui permet au spectateur de prendre conscience du mécanisme de l??il, de la lumière, de la distance, de l?espace et de la réflexion, et de l?analogie de ceux-ci avec la caméra, l?enregistrement et la projection. L?image qui change à des moments bien choisis, provoque des changements dans notre perception de l?espace. Cela apporte un sentiment de transposition, le sentiment qu?on cherche quelque chose ? comme si on voyageait derrière la fenêtre d?un véhicule conduit par quelqu?un d?autre ? en avant puis en arrière de nouveau, comme s?il devait y avoir une raison pour regarder quelque chose en arrière. Le mouvement est tellement précis et contrôlé qu?il n?en est plus ni naturel ni physique, un peu comme un robot ; comme si quelqu?un contrôlait votre tête et vos yeux avec un joystick. Et pourtant ce que nous voyons rappelle le monde, un caractère capricieux et la beauté. Des lignes qui ondulent nous rappelant des dunes, des gros plans de courbes qui nous rappellent celle du corps, des plans micro de textiles ou des plans macro de vaste paysages pour définir cela, parce que l?image reste toujours ?matérielle?. Ce que vous voyez est une raison d?installer une chaise de réalisateur pour Cho dans votre tête.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan en Corée du Sud. Il a obtenu un B.A. (Bachelor of Arts) et un M.A. (Master of Arts) en arts graphiques à l?université de Hong-Ik, en Corée et un M.A. en vidéo à l?université de New York. En 1998, il a reçu le Rockefeller Foundation Media Arts Fellowship et en 2003, une récompense de la Jerome Foundation. Il a également obtenu la ?Juror?s Citation au 18ème Annual Black Maria Film and Video Festival ainsi que le prix international pour la vidéo d?art de ZKM. Parmi les expositions personnelles de Cho on compte par exemple le Museum of Modern Art de New York ; la Philip Feldman Gallery en Oregon ; le Contemporary Art Museum d?Honolulu à Hawaii ; le Pusan Metropolitan Museum of Art en Corée ; le Montevideo à Amsterdam et la Cinémathèque Ontario à Toronto. Son travail a été présenté dans de nombreux festivals internationaux et expositions collectives, comme par exemple the Philadelphia Museum of Art à Philadelphie, the Museum of Contemporary Art à Chicago, le 58ème Fetsival International du Film d?Edimbourg, le Pandaemonium ?98 au Lux Centre de Londres, le Centro d?Art Santa Monica de Barcelone en Espagne, the National Gallery of Art de Washington DC, le Stedelijk Museum à Amsterdam, le Samsung Museujm of Modern Art en Corée, le Festival Nouveau Cinéma, Nouveaux Médias de Montréal au Canada, la Valencia Biennial en Espagne, the Kwangju Biennial en Corée, the Palm Beach Institute of Contemporary Art en Floride, the Robert Flaherty Film Seminars; Artist?s Space à New York, the International Film Festival Rotterdam, et the New York Video Festival au Lincoln Center à New York. Les cassettes de Cho ont été diffusées au niveau national et international, il vit à New York.

Super-8 flicker film shot and hand-developed in Seoul in spring 2022 with jazz soundtrack from a Jonas Mekas centennial tribute in Busan.

Pip Chodorov. Born April 13, 1965 in New York. Filmmaking and music composition since 1972. Studied cognitive science at the University of Rochester, NY and film semiotics at the University of Paris, France. Work in film distribution - previously Orion Classics, NYC; UGC, Paris; Light Cone, Paris; and, currently, Re:Voir Video, Paris, which he founded in 1994 and The Film Gallery, the first art gallery devoted excusively to experimental film. He is also co-founder of L'Abominable, a cooperative do-it-yourself film lab in Paris, and the moderator of the internet-based forum on experimental film, FrameWorks.

Romanian fairy tales usually start with the sentence: “Once upon a time something happened, if it hadn’t happened it couldn’t be told”. In this fairy tale, a stranger visits the remote mountain village of Slon. This film was made at an annual ten-day filmmaking residency in Slon. As a stranger myself, first time to Romania, with only four days to shoot and four days to edit, I wrote this modern-day fairy tale to coincide with my fantasy idea of what my unpredictable visit to the village would be like.

Pip Chodorov. Born April 13, 1965 in New York. Filmmaking and music composition since 1972. Studied cognitive science at the University of Rochester, NY and film semiotics at the University of Paris, France. Work in film distribution - previously Orion Classics, NYC; UGC, Paris; Light Cone, Paris; and, currently, Re:Voir Video, Paris, which he founded in 1994 and The Film Gallery, the first art gallery devoted excusively to experimental film. He is also co-founder of L`Abominable, a cooperative do-it-yourself film lab in Paris, and the moderator of the internet-based forum on experimental film, FrameWorks.

In Knots, Adam Chodzko focuses on the remote but important relationship between the artist Kurt Schwitters, in the final years of his life in the late 1940’s, living in poverty and exile in England’s Lake District, and J. Edgar Kaufmann, the wealthy owner of the Kaufman Department Store in Pittsburgh, USA. Kaufmann had arranged for money to be wired to Schwitters so that he could develop a new Merz structure. Chodzko plays with the desire to conclude and tie up the loose and disparate ends of this narrative. He imagines the now empty Merzbarn (Schwitters final work having been removed to a Newcastle museum in 1965) as a vacuum, sucking in thoughts, desires and matter; all caught up in the vortex of a dream-like surreality. Kaufmann had commissioned Frank Lloyd Wright to design his Pittsburgh office, a structure that itself was also later displaced from its source when donated to the Victoria & Albert Museum, London. Chodzko sees the interior spaces that Schwitters and Kaufmann worked within as unstable, flowing, collaged together, as though becoming a Merz themselves, whilst the form of the video also echoes this process of construction and deconstruction. Knots is a mesmerizing combination of fact and fiction, text and moving image building a story about longing, creation and fragmentation, endings and beginnings, networks of people and isolated individuals, separations and notions of home. It was commissioned by Tate Britain in 2012.

Adam Chodzko’s art explores the interactions and possibilities of human behaviour by investigating the space between how we are and how we could be. Working across media, from video installation to subtle interventions, with a practice that is situated both within the gallery and the wider public realm, his work investigates and invents the possibilities of collective imagination through using a poetics of everyday life. By wondering how, through the visual, we might best engage with the existence of others he reveals the realities that emerge from the search for this knowledge. Chodzko's art proposes new relationships between our value and belief systems, exploring their effect on our communal and private spaces and the documents and fictions that control, describe and guide them. Working directly with the networks of people and places that surround him, often using forms of anthropology, Chodzko focuses on the relational politics of culture's edges, endings, displacements, transitions and disappearances through a provocative looking in the 'wrong' place; a search for knowledge through instability. His art is catalysed by imagining a collapse of the category of Art, requiring not only a new audience but also a new status for the art object. Chodzko’s practice operates in the tight, poetic spaces he evolves between documentary and fantasy, conceptualism and surrealism, and public and private space, often engaging reflexively and directly with the role of the viewer. Intimate collections and ephemeral communities are frequently generated through his works; assemblies of owners of a particular jacket and a reunion of the children 'murdered' in a Pasolini film; a god look-alike contest; lighting technicians asked to advise on the light in heaven; a London gallery's archive given to a group of Kurdish asylum seekers to edit and hide outside the capital; the multi-faceted Design for a Carnival, the evolution of a ritual event for the future including Settlement, the legal purchase of a square foot of land as a gift to a stranger, Nightshift, a late night parade of nocturnal animals to the Frieze Art Fair, London and M-path, the collection and distribution of perception-changing footwear for gallery visitors. More recently a trilogy science fiction video and mixed media works, Hole, Around and Pyramid, have all explored, the idea of art becoming a vehicle for a community’s collective mythology, whilst Echo, The Pickers and Ghost elaborate these themes through excavating processes of memory, empathy and the imaginary. Because, 2013 (at Tate Britain) and We are Ready for your Arrival, 2013 (at Raven Row) further develop these ideas through manifestations of the unconscious relationships between individuals and groups; their excesses and disappearances. Born in 1965. Lives and works in Whitstable, Kent, UK. Since 1991 Chodzko has exhibited extensively in international solo and group exhibitions including: Raven Row, London; Tate Britain; Tate, St Ives; Museo d'Arte Moderna, Bologna (MAMBo); The Benaki Museum, Athens; Athens Biennale, Istanbul Biennale, Venice Biennale; Royal Academy, London; Deste Foundation, Athens; PS1, NY; Ikon Gallery, Birmingham, Kunstmuseum Luzern etc. Recent projects include commissions by Creative Time, New York, The Contemporary Art Society, Frieze Art Fair, and Hayward Gallery. In 2002 he received awards from the Hamlyn Foundation and the Foundation for Contemporary Art, New York, and in 2007 was awarded an AHRC Research Fellowship in the Film Department at the University of Kent, Canterbury. His work is in the collections of the Tate, The British Council, The British Film Institute, The Arts Council, APT, Auckland City Art Gallery, Contemporary Art Society Collection, The Creative Foundation, Frac Languedoc-Rousillon, GAM - Galleria d’Arte Moderna, Turin, Grizedale Arts, MAMBo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, Plains Arts Museum, North Dakota, USA, Saatchi Collection, South London Gallery, Towner Gallery Eastbourne, and international private collections.

A collaboration with and a commission by NPO Koganecho Area Management Center as part of Chong’s residency at the Koganecho Bazaar, which is located in the former red-light district of Koganecho, Yokohama, Japan. Koganecho was the conceptual reference for ‘hell’ in Akira Kurosawa’s 1963 film High and Low. However, because of the district’s notoriety, shooting on location became far too dangerous for the cast and crew. HEAVEN HELL looks to restage the past and present representations of the red-light district by shooting the slum scene on the same street that Kurosawa had initially intended but was unable to do so. Chong referred to the film scenes that Kurosawa shot in the studio in order to re-create the eerie and hyper-theatrical mood of the infamous street in both the traditional and contemporary periods; recruiting local youth in the now gentrified neighbourhood of Koganecho. HEAVEN HELL takes the point of view of the kidnapper/villain, using his entire dialogue in the film compressed into a single moment through the slums, past and present, expressing the toll it has taken on him and the class he was relegated to.

CHRIS CHONG CHAN FUI is a filmmaker and artist who works between Southeast Asia and Canada. From digital and analog moving images to fabricated and organic objects, Chong works to reveal unfamiliar narratives. His work layers the social and natural sciences with transnational circuits of globalization and manufactured cultures and landscapes. With a rigorous research methodology and a formalist aesthetic, he uses structure and constraints as a creative path toward expressive innovation. Chong has exhibited at such venues as the Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Palais de Tokyo, EYE Film Institute Netherlands, and the Gwangju Biennale, while premiering films at the Cannes Film Festival's Directors’ Fortnight, BFI London, and TIFF’s Wavelengths, where he won back-to-back awards for Best Canadian Short Film. He is a Smithsonian Institute fellow (National Museum of Natural History), a Ford Foundation fellow, and a Rockefeller Foundation's Bellagio Arts Fellow. Chong holds an MFA (film) from York University and is an Assistant Professor (film) at Simon Fraser University’s School for the Contemporary Arts on the unceded territories of the S?wx?wú7mesh Úxwumixw (Squamish), s?l?ilw??ta?? (Tsleil-Waututh) and x?m??k??y??m (Musqueam) Nations.

Dans "Rehearsal of the Futures: Police Training Exercises" (2018), Isaac Chong Wai chorégraphie le mouvement de policiers anti-émeute en uniforme dans un ralenti tortueux, insufflant une douceur paradoxale à leurs intentions initialement violentes. Par le ralentissement de l'attaque agressive et de la collision des corps, les postures et les mouvements oscillent entre caresses et coups. Ces actions décélérées rendent visible la violence infligée aux individus par les structures collectives du pouvoir.

Isaac Chong Wai est artiste. Il habite à Berlin et est originaire de Hong Kong (Chine). Son travail s’inscrit dans des domaines variés, dont la performance, l'installation, la peinture, la vidéo, la photographie et le multimédia. Influencé par ses expériences personnelles et des phénomènes globaux, il aborde les thèmes du collectivisme et de l'individualisme, de la géopolitique, de la migration, des traumatismes historiques, des politiques identitaires et de la sphère publique. Traitant des changements sociétaux, des tensions mondiales et des blessures collectives, il s'efforce de transformer l'impuissance - les demandes sans réponse, l’exclusion de l'autorité et le déni de la liberté individuelle - en résistance, rébellion et critique des systèmes sociaux. Il a présenté des expositions personnelles notamment à Bilsart, Istanbul (Turquie), commissionné par la Kulturakademie Tarabya (Turquie) et la Zilberman Gallery [2021]; à la Blindspot Gallery, Hong Kong (Chine) [2019]; à la Zilberman Gallery, Berlin (Allemagne) [2019]; au Kunstraum München, Munich (Allemagne) [2018]; au Goethe Institut Hongkong (Chine) [2018] et au Bauhaus Museum, Weimar (Allemagne)[2016]. Son travail a été présenté au National Museum of Modern and Contemporary Art, Séoul (Corée du Sud), à la Biennale d'Innsbruck (Autriche) et à l'IFFR – Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas) [2020]; au Museum of Contemporary Art Taipei (Taïwan) et au Guangdong Times Museum, Guangzhou (Chine) [2019]; au M+ Museum et au Para Site, Hong Kong (Chine) [2018]; à la Stiftung Brandenburger Tor et à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne) [2017]; au Deutsche Kuenstlerbund, Berlin (Allemagne) et au Gwangju Media Art Festival (Corée du Sud) [2016]; au Kunstfest Weimar (Allemagne) et au Muzej Macura, Belgrade (Serbie) [2015]; à la Moscow International Biennale for Young Art, au Musée de Moscou (Russie) [2014]. Il a obtenu une licence en arts visuels à la Academy of Visual Arts de la Hong Kong Baptist University (Chine), et un Master en arts visuels "art public et nouvelles stratégies artistiques" à la Bauhaus-Universität de Weimar (Allemagne).

On the 24th of February 2022 Russia launched a large-scale invasion of Ukraine. In the beginning of April the first massive attack of Russian troops was repulsed, but Kyiv is still suffering by air strikes. There are traces of war on the streets of the city. Defensive structures are ready, because the enemy could attempt to occupy the capital of Ukraine again. Despite this the residents of Kyiv are trying to maintain habits of peaceful life, but the war continues.

Born in 1963. Graduated from the film director’s department of the State Institute of Theatre and cinema in 1985. Worked at the Olexander Dovzhenko State Film Studio in Kyiv, various governmental and non-governmental film and video studios. Shot a number of feature shorts, documentaries, ecological and promo films and musical video clips. He is member of the Ukrainian Filmmakers Union. His short feature movies and documentaries participated at the programs at the Ukrainian and international festivals. In 1996 Oleg Chorny and Gennady Khmaruk (w.b. 1972) has founded the non-profit creative unit “SAMPLED PICTURES”. A number of videos created by “SAMPLED PICTURES” were presented at the various film and video festivals, exhibitions and club screenings.

L'histoire vraie de la première invention du karaoke.

OlEG CHORNY. Est né en 1963. Il obtient son diplôme au Département de réalisation du Kiev State Institute of Theatre and Cinema en 1985. Il a travaillé dans de nombreux studios de films et vidéos gouvernementaux et non gouvernementaux. Avec Gena Khmaruk, il a fondé le service créatif non gouvernemental "Sampled Pictures". GENA KHMARUK. Est né en 1972. Il obtient son diplôme au Département de réalisation de la Ukrainian State Academy of Culture en 1996. Il a travaillé comme monteur dans divers studios de télé. Il travaille également comme présentateur de clips et infographiste.

Monstera deliciosa, une plante d'origine tropicale, est maintenant très populaire comme plante d'intérieur, utilisée comme objet esthétique et décoratif. Dans nos maisons, elle revendique son espace, sa liberté, son existence. Dans cette réalisation, la Monstera devient une métaphore, et le symbole de notre propre expérience d'internement, causée par le récent confinement. Un état auquel nous n'avons pas été préparés, qui nous a déstabilisés sous divers aspects, nous faisant dévier de notre cours et du chemin familier. Comme si le monde avait été emporté dans une dérive délirante, et déraillait soudainement, ou mieux, violemment, mais sous la forme d’une pause choquante et inattendue. Dans cette vidéo narrative, des scènes consécutives de la vie à l’intérieur, montrées dans un mouvement de va-et-vient, éliminent la perception du temps et évoquent un processus de confusion, un état de turbulence ou de surprise, en combinaison la narration parallèle, constituée par les caractéristiques de la plante protagoniste, des corps inertes, la Monstera dans une tempête tropicale intérieure, des animaux sauvages en captivité, des éclairs, ainsi qu'une scène d'orgasme, un Luchador (terme utilisé au Mexique pour désigner les catcheurs) qui se prépare, des images d'un balcon athénien pendant le confinement. Les lumières stroboscopiques utilisées tendent à révéler l’écho de la fête et accentuent l’impression que quelque chose est sur le point de commencer. Dans ce champ de désir, de réalité, de lutte, de mémoire et d'attente, une toute nouvelle perception de l'être se développe. La tension accumulée, créée par l’état d’arrêt, conduit à la préparation des corps persistants à la lutte et au crash. Par la façon dont nous percevons le corps, dont nous contemplons son rythme intérieur, notre être physique, cette œuvre vise à dessiner des couches de possibilités de (co)existence actuelle, potentielle et future, comme une "chronique d'expédition", sur ce qui se prépare et sur le contexte, la culture et la vie quotidienne totalement nouveaux qui émergent. Texte: Pavlina Kyrkou

Vera Chotzoglou est artiste, et développe son travail avec des médias basés sur le temps. Iel a fait une Licence et un Master à la Athens School of Fine arts, Athènes (Grèce), dans le département des arts visuels, des beaux-arts et de l'éducation artistique (2013-2018). Iel a aussi étudié à la Akademie der Bildenden Künste München, Munich (Allemagne), grâce à une bourse Erasmus+. Vera Chotzoglou a reçu le Prix du public pour le film court "SWEAT" au 22e Thessaloniki International GLAD Film Festival, Thessalonique (Grèce) [2021]; le SNF Artist Fellowship Award de la Stavros Niarchos Foundation, Athènes (Grèce) [2019]; une bourse pour couvrir les frais de scolarité de la Athens School of Fine arts, Athènes (Grèce) [2018]; et le Prix du public pour son film court "Munich almost killed me ½" au 2e Piraeus Film Festival, Athènes (Grèce) [2018]. Iel a exposé à l’international, notamment au 22e Thessaloniki International GLAD Film Festival, Thessalonique (Grèce) [2021]; au Interface Video Art Festival, Zagreb (Croatie) [2020]; au 26e Athens International Film Festival, Athènes (Grèce) [2020]; au Centrum Berlin (Allemagne) [2020]; à la Eos Gallery, Athènes (Grèce) [2019]; à la A. Antonopoulou Gallery, Athènes (Grèce) [2019]; à GRRL HAUS CINEMA, Berlin (Allemagne) [2019]; au Hacker Porn Film Festival, Rome (Italie) [2019]; au Platforms project, Athènes (Grèce) [2019]; à Foto Wien, Vienne (Autriche) [2019]; à la 6e Biennale d'Athènes, (Grèce) [2018]; au Inshort Film Festival, Lagos (Nigeria) [2018]; au Action Field Kodra, Thessalonique (Grèce) [2018]; au 2e Pireus Film Festival, Athènes (Grèce) [2018]; à Bellevue di Monaco, Munich (Allemagne) [2016]; et à la TAF – The Art Foundation Gallery, Athènes (Grèce) [2013]. Ses œuvres font également partie de collections privées. Vera Chotzoglou vit et travaille entre Athènes (Grèce) et Berlin (Allemagne).

Dans "Anne (The assumption), les images d'archive sont un acte de mémoire, de mort et d'élévation physique. En insérant mon visage "natal" sur celui du personnage Anne du film Canadien par essence "Anne of Green Gables", le doux plaisir du film de télévision est transformé en déconcertant souvenir, tout autant fictionnel qu'historique.

Iso Chou est née à Kano, au Niger. Elle possède une double origine: chinoise/ mandchourienne et nigérienne/cap-verdienne. Elle a obtenu son Master of Arts à l'université de York, à Toronto.

"Bullfight" touche à des espaces qui sont psychiques, personnels, privés / déplacés ? où le corps est un fois cru et interposé comme un clown, et matador et un taureau.

Il est né et a été élevé en Afrique Occidentale et vit maintenant en Amérique du Nord.

Dans "anne", les images archives sont un acte de souvenir. En insérant mon visage (et par-là même, "mon corps"), sur l'un des personnages du film, "Anne of Green Gables", je démarre un processus de souvenir qui est autant romanesque qu'historique.

Est né et a grandi dans les pays de l'Ouest de l'Afrique. Vit actuellement en Amérique du Nord. Son activité comprend la peinture, le dessin, la vidéo et la représentation vidéo.

Phnom Penh, Cambodge. Sur Diamond Island, joyau de modernité du pays, deux amis se racontent les rêves qu'ils ont faits la veille.

Davy Chou est un réalisateur français. Son premier long métrage documentaire, Le Sommeil d’or, fut sélectionné au Forum de la Berlinale 2012 et au festival international de Busan 2011. Il développe un long métrage de fiction intitulé Diamond Island.

The Chouas #Episode5 Am I the only one who is like me? (’45) The Chouas started from an old photograph of Saddie Choua’s father and his four brothers. Three of them emigrated to Belgium. One turned back. Two stayed in Morocco. Who made the best choice? The Chouas are an ongoing lifework in episodes, an artwork in which the alienation of the immigrant families in Europe, the self-portraits in the Diaspora, the specters of the homeland are explored in multiple narrative threads and media. It will e.g. refer to soap series and other popular formats and will invite the viewer to discover the structures of stereotypical image-formation, dominant codes and partial histories. Am I The Only One Who Is Like Me? is the fifth episode of The Chouas, through which Saddie Choua depicts her own family, expertly mixing autobiography with fiction and personal and political considerations. With this fifth episode, made up of archive images, film extracts and television sequences, the artist prolongs her interrogation of self, hierarchical systems, the desire to dominate, and power games. Saddie Choua connects her Belgian grandfather with The Bluest Eye, a novel by Toni Morrison. The video reflects her political criticism of inequality. That inequality is rooted in our culture and our economics, whether it is about the situation in a Citroën factory or in the arts. We are governed by people who do not love us. Audre Lorde has said that anger is a force and from it can be drawn knowledge. It is not this anger that disrupts collaboration between ethnicities, between genders, between social classes but rather the refusal to listen to it. Saddie Choua translates this anger into a visual format.

Am I the only one who is like me? This is a question characteristic of Saddie Choua’s life and work. It problematizes the position of the solitary I that is also never disconnected from the other. The power order that conditions the solitary “I”, is another central subject.  Where does this otherness sit in the hierarchy of power? Where is her oppression and exploitation concealed or exoticed? Saddie Choua asks us to think about how we consume images and dialogues about the other and how they affect our self-image and historical consciousness. How can we intervene in the images that write our history and conceal social struggle? She uses meta-documentary tactics, collage, own (material, re-appropriation of popular intercultural formats and autiobiographical elements to put racism, discrimination against women and class and her cats in the spotlight. It is her way of undermining the (visual) language of our media and sharpening the critical and political gaze of her audience. Saddie Choua's work questions the relationship between maker and image. “How to speak and depict differently from a subalternal position, or is it just the concept of ‘the other’ that confines me in dominant images and narratives?” Saddie Choua lives and works in Brussels, Ostend and Lychnaftia. She is a doctoral researcher at RITCS Brussels and a lecturer at Sint Lucas Antwerp and RITCS. She is part of the artist collective ROBIN. She is one of the laureates of the Belgian Art Prize 2020 that was cancelled by the organization because the artists asked to go in dialogue concerning the ethics of the prize.

Dans ses films, Saddie Choua combine son propre matériel cinématographique avec des images trouvées, des documents d’archives visuels et textuels, provenant de diverses sources, telles que la télévision nationale, des programmes de loisirs, des vidéos musicales et des magazines. Dans sa pratique, Saddie Choua se concentre sur le rôle de l’image en mouvement dans les loisirs et la politique et leur influence sur l’image commune de l’Autre. Dans certains de ses projets, elle introduit du matériel autobiographique pour rechercher le rôle entre elle et cet Autre. Dans ses films et installations, Saddie Choua simule la conception des médias de masse vus du salon, créant ainsi une situation familière pour transmettre de nouvelles images qui suggèrent les complexités de l’Autre. Saddie Choua montre les structures de pouvoir derrière l’industrie de l’image actuelle et les préjugés et malentendus qu’elles provoquent.

Saddie Choua a étudié la sociologie à la VUB de Bruxelles. Elle participe actuellement au projet international de recherche et de discussion intitulé “Décolonisation perverse”, à l’Akademie der Künster der Welt à Cologne. Saddie Choua a été invitée pour les expositions personnelles suivantes (une sélection) : Le Joli Mois de Mai, Ten Weyngaert, Bruxelles, 2017 ; The Chouas - Work in Progress, MU.ZEE, Ostende, 2016 ; Great News. J’ai été élu félin de l’année, WIELS, 2014. Ses œuvres ont également été présentées dans les expositions de groupe, festivals et projections suivants (une sélection) : Festival Concreto, Fortaleza, 2017 ; Montrez-moi vos archives et je vous dirai qui est au pouvoir, KIOSK, Gand, 2017 ; Je crois qu’il y a une confusion chez vous. Vous croyez que moi je veux vous imiter, Kaaistudio’s, Bruxelles, 2017 ; The Chouas - A work in progress Episode #3, Human(art)istic festival, Beursschouwburg, Bruxelles, 2016 ; L’acte de fixer le soleil, Zwart Wild, Gand, 2016 ; Biënnale de Marrakech, Marrakech, 2016 ; Festival d’égalité, Vooruit, Gand, 2015 ; Été de la photographie, BOZAR, Bruxelles, 2014.

To make the moving-image work for Means the recently returned Australian-Bangladeshi artist Omar Chowdhury headed out into the Australian bush seeking a form of simple and focused sensing. Carrying stills and cinematic cameras, he ventured into the Southern Highlands of New South Wales, crossed the Great Dividing Range, and wandered out to the remnant Victorian gold towns, searching. Haunted by the ‘weirdness’ of the trees, the totemic termite mounds, the warbling creeks and dirt packed roads, he felt himself and his thinking seep into the darkening landscape. The traces of this spiritual ethereality inhere in his strange and occult video footage of animals, rocks, branches, burnings, machines and the silence of the isolate people. In it, somewhere, lie the means of his being.

Bangladeshi-Australian artist Omar Chowdhury makes moving-image, photographic, conceptual and textual installations based on immersions into contested spaces and their histories. Often mixing notions of ontology, political economy, and the spirit, they hold in uneasy tension various polarities: facts and the surreal, humour and melancholia, rhythm with chaos, weakness and power, and memory with forgetting. Out of these cohesions and frictions he produces densely woven languages and environments of moral and psychic inquiry. In 2016 he has an upcoming solo presentations at Bengal Gallery (Dhaka) and Dhaka Art Summit 2016 and screenings at the Queensland Gallery of Modern Art (Brisbane) for Asia Pacific Triennial 8. Recently he has had solo exhibitions at 4A Centre for Contemporary Asian Art (Sydney), ALASKA Projects (Sydney) and MOMENTUM (Berlin). He was a finalist in the 2015 John Fries Award (Sydney) and the 2015 and 2016 Blake Prize Award (Sydney). He is the recent recipient of a Bengal Foundation Practice Grant, Keir Foundation/4A Commission, Australia Council Skills and Development Grant, Edward M. Kennedy Grant for the Arts, and an Australian Cinematographer`s Society Gold Award. He also founded and often programs the Bengal Cinematheque in Dhaka.