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Dirk Peuker, Bettina NÜRNBERG
Catalogue : 2020Elephant Bearing an Obelisk | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 14:0 | Allemagne | 2018
Dirk Peuker, Bettina Nürnberg
Elephant Bearing an Obelisk
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 14:0 | Allemagne | 2018
Marbled paper blue, a book’s illustrations, the flicker of film’s materiality: these are just a few of the narrative devices that punctuate Bettina Nürnberg and Dirk Peuker’s essayist film tracing the atmospheric efects of Italian architect Carlo Scarpa’s significant buildings, including the Brion family cemetery. As homage the work continues the filmmakers’ interests in documenting architectural histories. What is significant about this more poetic rendering is how it follows the rhythm of the spatial forms and motifs of their subject: Scarpa took an apolitical stance and refused to make architecture during the reign of fascism in Italy (1922–43); in the years that followed however, he produced Venice’s modernist exemplars, arguably the most beautiful architectural works of modernism for how they create mental spaces embedded in and indebted to his phenomenal city. With awareness of their medium, Nürnberg and Peuker capture both the structure and freeforming style of Scarpa’s architecture: their camera is equally focused on the mood of the city, the flow of water, the mandala as dichotomous form—light casts shadows. In turn, the film oscillates between document and experimental realism. The punctuating book pages that were an inspiration for Scarpa and ofer a structuring means for the sensuality of the recorded images come from the Venetian treatise of 1499 ascribed to Poliphili, which loosely acts an inventory of life-forms and classical humanist thought while following the story of courtly love. The act of ceremony is important to the book and so it is to the film as it mediates on Scarpa’s constructions, anachronistic zones that cross life with death, only to return to life once more: the film flickers, the paper is left wet, a hand all blue rises from the ruins … (Laura Preston)
Bettina Nürnberg www.bettinanuernberg.de Bettina NÜRNBERG (1976, Germany) was educated in art and film in Hamburg and Berlin. The work of the Berlin-based artist has been screened and exhibited worldwide. Dirk Peuker www.dirkpeuker.de Dirk PEUKER (1970, Germany) studied film and art in Berlin and Vienna. The work of the experimental filmmaker and artist has been screened and exhibited worldwide.
Catalogue : 2013Flat Roofs for Mussolini | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 20:0 | Allemagne, Italie | 2012
Dirk Peuker, BETTINA NÜRNBERG
Flat Roofs for Mussolini
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 20:0 | Allemagne, Italie | 2012
The experimental film work ?Flat Roofs for Mussolini? talks about the Italien Rationalism and Fascist architecture at Lake Como and the buildings by Guiseppe Terragni, who was an important pioneer of this style and tried to persuade the fascist regime to adopt his architecture as an official style. During a creative period lasting only 13 years, Terragni produced a body of work unique in terms of consistency and density. His buildings conform to the modern and are characterised by a reduction to elementary geometrical basic forms. While his buildings now serve as an important reference for architects such as Peter Eisenmann, they are also glorified and their political dimension is downplayed. (Text by Magdalena Magiera)
Dirk Peuker born 1970 in Friedrichroda, Germany, lives and works in Berlin. He studied Experimental Film at the university of the Arts Berlin since 2009 he teaches Film & Video at the Berlin Weißensee academy of art. 2006 Residency grant at the Villa Minimo, Hannover 2007 DAAD travel grant 2008 postgraduate grant of the Free State of Thuringia, 2009 NaFöG grant by the Berlin City Council Bettina Nürnberg born 1976 in Mannheim, Germany, lives and works in Berlin. She studied Film at the University of Fine Arts Hamburg 2006-07 Funding for woman artists 2008 Film Culture Fund of the Free State of Thuringia 2009 Stiftung Kunstfonds, artist fund
Catalogue : 2011Die Amerikanischen Häuser | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 20:0 | Allemagne | 2010
Dirk Peuker, Bettina NÜRNBERG
Die Amerikanischen Häuser
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 20:0 | Allemagne | 2010
The film ?The American Houses? examines the buildings of the nearly forgotten german architect, Thilo Schoder. Schoder, who had studied under Henry van de Velde in Weimar, was classified as an architect of ?The New Objectivity? movement of the 1920s. Schoder built only a few houses in the 8 years period, from 1923 to 1931, in small villages from eastern Germany to the Czech Republic. When the Nazis took power Schoder, accused of being a socialist, was refused any further building contracts, forcing him to emigrate to Norway. In ?The American Houses? the condition of the buildings filmed range from highly renovated to abandoned and dilapidated. The surviving examples are not portrayed as technical depictions, but as subjective sensation.
Dirk Peuker born in 1970 2000-2005 University of Arts Berlin, Master of Fine Arts, Experimental Film and Media Department Mentor: Hartmut Bitomsky, Heinz Emigholz, Thomas Arslan 2006 Artist Grant from the Nordmedia Film Foundation and the Hannover Region Cultural Foundation 2007 DAAD Artist Grant 2008 Postgraduate Artist Grant Free State of Thuringia 2009 NaFÖG Grant from Berliner Senat since 2009 assistant professor for film and video Weißensee/School of Art Berlin Bettina Nürnberg born in 1976 2002-2007 University of Fine Arts Hamburg, Master of Fine Arts, Film Department Mentor: Wim Wenders, Gerd Roscher 2007 Künstlerinnenförderung ?artist film fond from Berliner Senat 2008 Production grant from Thuringia Region Cultural Film Foundation 2009 Stiftung Kunstfond, Artist Grand Germany
Benoit Peverelli
Catalogue : 2016S'envolent les colombes | Film expérimental | hdv | couleur | 38:0 | Suisse, France | 2015

Benoit Peverelli
S'envolent les colombes
Film expérimental | hdv | couleur | 38:0 | Suisse, France | 2015
Le photographe benoit PEverelli cree une scenographie et réalise la mise en image d`une oeuvre poétique et musicale. OPNI: Objet Plastique Non Identifié.
en cours de redaction
Jean-gabriel Périot
Catalogue : 2008Under Twilight | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 5:0 | France | 2006

Jean-gabriel PÉriot
Under Twilight
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 5:0 | France | 2006
Beauté et/ou Destruction
Baby-Sitter, serveur, vendeur de vêtements, vendeur de souvenirs touristiques, ouvrier sur bateau de plaisance, animateur de supermarché, vendeur de vidéocassettes, télévendeur pour magasin de canapé, assistant sur des ventes aux enchères de faux éléments architecturaux anciens, stagiaire, assistant réalisateur, assistant monteur, monteur, animateur en centres de vacances, secrétaire, programmateur pour chaîne cablée, journaliste, réalisateur, artiste?
Norbert Pfaffenbichler
Catalogue : 2012Notes on film 05 CONFERENCE | 0 | 0 | noir et blanc | 8:0 | Autriche | 2011
Norbert Pfaffenbichler
Notes on film 05 CONFERENCE
0 | 0 | noir et blanc | 8:0 | Autriche | 2011
In this grotesque found-footage-film close-ups of 65 actors playing Adolf Hitler in movies created between 1940 and today are combined in shot/countershot-manner. The soundtrack is produced by the Austrian composer Bernhard Lang. No other historical figure of the 20th century was portrayed more often in movies and by so many different actors than Adolf Hitler. (Only Jesus Christ has more appearances in cinema`s history - but with a headstart of more than 50 years.) In this grotesque and uncanny identity parade Adolf Hitler is presented as an undead who is impersonated by an alarming number of revenants. CONFERENCE is part five of my "notes on film"-series, which deals wtih filmtheoretical and -historical subjects. The movie is also part of a series of works about Charles Chaplin, which includes a number of installations and films.
1967 in Steyr. 1994-2001 University of Applied Arts, MK for Media. Artist and curator, various participations in festivals and exhibitions, founding member of VIDOK and lanolin. Go to artist`s homepage http://www.norbertpfaffenbichler.com
Catalogue : 2008MOSAIK MÉCANIQUE | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 9:30 | Autriche | 2007

Norbert Pfaffenbichler
MOSAIK MÉCANIQUE
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 9:30 | Autriche | 2007
Synopsis Tout les plans de la comédie "slapstick" "A Film Johnnie" (USA, 1914) sont montré simultanément dans une grille symétrique, l'un après l'autre. Chaque scène, d'une coupure à l'autre, de la première à la dernière est mise en boucle. Un polyrythm visuel rythmé est produit en résultat, à cause des longueur variés des plans. La longueur totale de ce film mosaïque correspond exactement a celle de l'original. ALPHABETIZATION Les films muets étaient de quelque sorte mis sous écrit. Les images individuelles sont arrange dans un ordre chronologique de gauche à droite et de bas en haut, de la même manières que les lettres grecques. Le film peut être lu en son entier comme une page de livre. RELECTURE Le film original a été sujet à une relecture complète. Les plans d'origine n'ont pas été changés, il n y a pas eu de manipulation optique de l'image et les séquences et la longueur des plans ont été gardés. Le générique d'ouverture, les intertitres, le compte à rebours avant le film, et le générique de fin font bien sure partie de cette mosaïque. Seulement un différent regard, plus panoramique, fut donné à l'original. Ce film grotesque historique a été analysé et, en résultat, radicalisé. SPATIALISATION Cette expérience aboutit à une spatialisation "de facto" des supports bi-dimensionnels. La manière avec laquelle le montage original fut transformé devient le principe structurel de l'installation. Le montage devient de l'architecture, et le temps de l'espace. MULTIPLICATION En résultat des arrangement simultanés horizontaux et verticaux des images en mouvement, les espaces et les figures de l'original sont démultipliés. Chaque plan est changé en une pièce séparé dans une structure architecturale. Les figures gigotantes sont prisonniers, coincés dans leur cases, sont condamnées à une répétition mécanique sans fin.
Norbert Pfaffenbichler (* 1967) Study of Mediadesign at the University of Applied Arts, Vienna Exhibitions and Festivals (Selection): 1996 Chromapark, Berlin. 1997 Chichester Film Festival, Chichester; Circles of Confusion, Berlin. 1998 Diagonale, Graz. 1999 viper Videofestival, Basel. 2000 Sonar Festival, Barcelona; Medienturm, Graz. 2001 Underground Film Festival, New York. 2002 Internationales Filmfestival, Rotterdam; Intercultural Videoart Exhibition, Tokio; 59. Filmfestspiele, Venedig; Museum der Wahrnehmung, Graz. 2003 Sound Spectral, O.K Centrum für Gegenwartskunst, Linz; Ars Electronica, Linz. 2006 DIGITAL TRANSIT, ARCO, Medialab Madrid.
Catalogue : 2007Notes on Film 02 | Fiction expérimentale | betaSP | couleur et n&b | 96:0 | Autriche | 2005

Norbert Pfaffenbichler
Notes on Film 02
Fiction expérimentale | betaSP | couleur et n&b | 96:0 | Autriche | 2005
Dans une image trompeuse la répétition repose déjà sur les répétitions, la différence déjà sur les différences. Les répétitions se répètent, le différenciant se différencie. (Gilles Deleuze). Cette expérimentation sur le thème "différence et répétition" réunit des méthodes issues du film structural et des éléments du cinéma narratif. Des extraits de la vie d'un couple hétérosexuel sont classés en ordre sériel par le biais d'un simple principe de montage alphanumérique. Le film ?O.K End Here? de Robert Frank (USA 1963) a servi de modèle. Cette oeuvre a subi l'influence évidente du réalisateur italien Michelangelo Antonioni. Frank a tenté de transposer le langage du film d'Antonioni dans son propre environnement, le New York de la "beat generation", en se souciant peu des conventions cinématographiques et en produisant des images et des séquences très caractéristiques. La motivation pour revenir à cette oeuvre dans "N. o. F. 02" repose d'une part sur le fait que le modèle contient la tentative d'une transposition formelle et esthétique, et d'autre part dans son mépris affiché du sytème de règles traditionnellement en usage dans le cinéma. Au-delà de cela se trouvent dans "N. o. F. 02" d'autres références aux classiques du moderne tardif. Cette mosaïque de références sert à rendre accessible la manière dont fonctionnent généralement les images en mouvement.
Norbert Pfaffenbichler (* 1967) Études de technique visuelle des médias à l' "Universität für Angewandte Kunst", Vienne. Expositions et festivals (sélection) 1996 Chromapark, Berlin. 1997 Chichester Film Festival, Chichester; Circles of Confusion, Berlin. 1998 Diagonale, Graz. 1999 viper Videofestival, Bâle. 2000 Sonar Festival, Barcelone; Medienturm, Grace. 2001 Underground Film Festival, New York. 2002 Internationales Filmfestival, Rotterdam; Intercultural Videoart Exhibition, Tokyo; 59. Filmfestspiele, Venise; Museum der Wahrnehmung, Grace. 2003 Sound Spectral, O.K Centrum für Gegenwartskunst, Linz; ars electronica, Linz. 2004 ars electronica, Linz. 2005 Kunstverein Medienturm, Grace. 2006 DIGITAL TRANSIT, ARCO, Medialab Madrid.
Mario Pfeifer
Catalogue : 2021Again | Noch einmal | Documentaire | 4k | couleur | 40:0 | Allemagne | 2018
Mario Pfeifer
Again | Noch einmal
Documentaire | 4k | couleur | 40:0 | Allemagne | 2018
Un incident violent impliquant un réfugié dans un supermarché d’Allemagne de l'Est est reconstitué dans un studio de cinéma. Dix citoyens observent et commentent l'affaire, mettant en lumière la frontière floue entre le courage civil et se faire justice soi-même.
Les films du producteur et réalisateur Mario Pfeifer (né en 1981, à Dresde, Allemagne) explorent les structures et les conventions de représentation par le biais du film et de la vidéo, dans des lieux allant de Mumbai à New York, du Brésil au désert d'Atacama, de la Terre de Feu à l'Allemagne de l'Est en passant par le Sahara occidental. Il conçoit chaque projet à partir d'une situation culturelle spécifique, effectue des recherches sur le contexte socio-politique et intègre des références interculturelles en matière d'histoire de l'art, de cinéma, de technologie et de politique à sa pratique richement composée.
Mario Pfeifer
Catalogue : 2023Cell 5 – A Reconstruction | Documentaire | 4k | noir et blanc | 43:0 | Allemagne, Royaume-Uni | 2023

Mario Pfeifer
Cell 5 – A Reconstruction
Documentaire | 4k | noir et blanc | 43:0 | Allemagne, Royaume-Uni | 2023
On January 7th 2005 an asylum seeker, shackled at his hands and feet, dies in a fire in cell number five of a police station in Dessau, Germany. With “Cell 5” Mario Pfeifer reconstructs the case of Oury Jalloh’s death using legal documents, testimonies, audio-visual archives, and collaborates with the forensic expert Iain Peck to reproduce an accurate fire experiment. All in an attempt to answer: how could Oury Jalloh burn to death?
Mario Pfeifer ist a PRIX EUROPA nominated producer, director and visual artist whose interests intersect between political, social and anthropological issues. Mario works closely with communities, establishing intimate relationships from which he conceives his projects in collaboration with his protagonists. He graduated from the art academy Städelschule in Frankfurt am Main, studied with Stan Douglas at the University of the Arts in Berlin and was a Fulbright scholar in 2008 at the California Institute of the Arts, Mario is a recipient of DAAD fellowships in 2010 and 2012. Mario is an alumni of the European Creator’s Lab (2021), the Documentary Campus Masterschool (2019), the Feature Expanded Masterclass (2017), and a Berlinale Talent Campus alumni (2009). Mario Pfeifer’s installations were presented at the Power Plant Toronto; Museum of Modern Art, Berlin; Los Angeles County Museum of Art [LACMA], Los Angeles; MMK Museum fu?r Moderne Kunst Frankfurt am Main; Bundeskunsthalle Bonn; Neues Museum Nu?rnberg; Kunsthalle Winterthur; N.B.K. Neuer Berliner Kunstverein; Fotomuseum Winterthur; KOW, Berlin; Beursschouwburg, Brussels; MAAT Museum of Art, Architecture and Technology, Lisbon; KW Kunst-Werke, Berlin; CCA,Lagos; and his film presented at international Film Festivals in Amsterdam, Auckland, Berlin, Cologne, London, Madrid, Paris, Oberhausen, New York, Seoul and Toronto. He participated in the 3rd Montevideo Biennal (2016), the 11th Bienal do Mercosul (2018), the 10th Berlin Biennale (2018) as well as the 4th Mediterranean Biennale (2020). His works are hold in public and private museum collections at the Getty Center Los Angeles, Collection of Contemporary Art of the Federal Republic of Germany, Pinakothek der Moderne Munich, MMK Museum of Modern Art Frankfurt am Main, Fotomuseum Winterthur et.al. Mario has lectured and directed Masterclasses in Brazil, Chile, Czech Republic, Germany, India, Mexico, Poland, the U.K. and in the US. www.blackboardfilms.net/people
Mario Pfeifer
Catalogue : 2010UNTITLED [TWO GuYS] | Vidéo | dv | couleur | 8:0 | Allemagne | 2008
Mario Pfeifer
UNTITLED [TWO GuYS]
Vidéo | dv | couleur | 8:0 | Allemagne | 2008
Synopsis (short): Cast: Cast: Sami Moss Mardina & Yeisen Acosta Medina Crew: Producer: Jakob Schillinger / Mario Pfeifer Cinematograpy: Matthias Biber Monatge: Mario Pfeifer Sound design: Thomas Wallmann Light design: Manuel Kinzer
Mario Pfeifer (b. 1981, Dresden /Germany) is a filmmaking artist based in Berlin and Los Angeles. He studied Fine Art at the Academy of Visual Arts Leipzig, University of the Arts Berlin and Städelschule Frankfurt am Main where he graduated in 2008. On invitation of the ?Bangkok Experimental Filmfestival 5? he co-curated international, artist made films from Berlin for the 2008 festival?s program. Mario Pfeifer was a Fulbright Scholar in California, USA in 2008/2009.
Catalogue : 2010Reconsidering The New Industrial Parks near Irvin | Doc. expérimental | 16mm | noir et blanc | 13:0 | Allemagne, USA | 2009
Mario Pfeifer
Reconsidering The New Industrial Parks near Irvin
Doc. expérimental | 16mm | noir et blanc | 13:0 | Allemagne, USA | 2009
Mario Pfeifer (b. 1981, Dresden /Germany) is a filmmaking artist based in Berlin and Los Angeles. He studied Fine Art at the Academy of Visual Arts Leipzig, University of the Arts Berlin and Städelschule Frankfurt am Main where he graduated in 2008. On invitation of the ?Bangkok Experimental Filmfestival 5? he co-curated international, artist made films from Berlin for the 2008 festival?s program. Mario Pfeifer was a Fulbright Scholar in California, USA in 2008/2009.
Désirée Pfenninger
Catalogue : 2015Ochs am Berg | Fiction | 16mm | couleur | 15:48 | Allemagne | 2014
Désirée Pfenninger
Ochs am Berg
Fiction | 16mm | couleur | 15:48 | Allemagne | 2014
A rest stop docks the highway like a moonbase. Within this transit space a young man and a young woman drift in their orbits. A German love story.
After her first steps in the movie industry Désirée decided not to study film. After finishing studies in photo engineering and further filmexperiments she signed up for directing classes in Paris and Potsdam.
Lan Pham Ngoc
Catalogue : 2013Chuyen Moi Nha | Doc. expérimental | dv | couleur | 9:17 | Viet nam | 2011
Lan Pham Ngoc
Chuyen Moi Nha
Doc. expérimental | dv | couleur | 9:17 | Viet nam | 2011
Utilizing the banality of Vietnamese state radio broadcasts, The Story of Ones gives a face and a sense of place to the unseen and offers a personal counterpoint to the officially sanctioned. Like entering a roomful of stories, the viewer steps into an unfamiliar space guided only by the sound of the radio tuning in to lifestyle programming, call-in shows and radio dramas. The portraits and settings layered atop the aural landscape create questions, provide humor, offer context and withdraw explanation of what once seemed clear before entering the room.
Pham Ngoc Lan {Phạm Ngọc Lân} was born in Hanoi, Vietnam; in July 02, 1986. He studied urban design and urban planning from 2004 to 2009 at Hanoi Architecture University (HAU). Inspired by the paradox of all living things, Lan considers himself an urban life observer rather than a photographer or an urban designer. Using photography and film as two of the favorite tools to express his ideas, his work attaches special importance to the direct, poetic and especially the whimsical respects of human life.
An Pham Thien
Catalogue : 2021Stay Awake, be Ready | Fiction | 0 | couleur | 14:0 | Viet nam | 2019
An Pham Thien
Stay Awake, be Ready
Fiction | 0 | couleur | 14:0 | Viet nam | 2019
Au coin d'une rue, une conversation mystérieuse entre trois jeunes hommes devant un kiosque. Pendant ce temps, un accident de la circulation implique une moto. La nuit dresse une esquisse, un tableau multicolore de la réalité...
Pham Thien An est réalisateur, producteur et scénariste. Il est né en novembre 1989 dans la province de Lam Dong (Vietnam). Après quatre ans d'études de premier cycle en Technologie de l'information à Hoa Sen University, Ho Chi Minh-Ville (Vietnam), il s'est intéressé au cinéma et à la réalisation de films. Ces dernières années, il a remporté plusieurs prix au Vietnam pour ses films. En 2015, il s'est installé à Houston, au Texas (USA), et a continué à travailler en tant que réalisateur freelance. Son film court "The Mute" (2018) a voyagé dans plusieurs festivals de cinéma, notamment le Winterthur International Short Film Festival, Winterhur (Suisse); le Palm Springs International ShortFest, Palm Springs (USA); le Uppsala International Short Film Festival (Suède) et le Encounters Film Festival, Bristol (Royaume-Uni). Son dernier film court, "Stay Awake, Be Ready", fait partie de la sélection officielle à la Quinzaine des Réalisateurs 2019, Cannes (France) et a été produit avec le soutien du CJ Short Film Making Project. Pham Thien An travaille actuellement sur son premier long métrage, "Inside The Yellow Cocoon Shell".
Hang Pham Thu
Catalogue : 2020Mùa Cát Vong | Documentaire | hdv | couleur | 96:0 | Viet nam | 2018
Hang Pham Thu
Mùa Cát Vong
Documentaire | hdv | couleur | 96:0 | Viet nam | 2018
Surrounded by the surreal landscape of Quang Tri province, four men live their lives inseparably from each other. The rhythm of their everyday lives is defined by moments of togetherness in a house with no doors where they all come to drink, smoke, play guitar and sing songs about love and the revolution of the past. Feelings of hatred interweave with compassion, swelling amidst the stagnation of time and space, seemingly awaiting for an unknown. One day, the unknown comes and takes one of them away, leaving the others to go on slipping through an undesired life. Meanwhile, the landscape, located in the border between North and South Vietnam, is what lives on, revealing traces of a war that has outlived its conclusion.
PHAM THU HANG has worked as a researcher in Vietnam Institute of Culture and Art since 2004. She later joined Hanoi Doclab, a breakthrough documentary and video art center in Hanoi where she made several short documentary films. She has since decided to add her voice in the small but active and growing community of young independent documentary filmmakers in Vietnam. Hang recently obtained her Master’s in Documentary Directing in a consortium of three universities in Europe under the DocNomads Joint Master program in Lisbon, Budapest and Brussels. Her concern in filmmaking opens to many themes but mainly draws attention to rediscovering Vietnamese culture and the connection between the internal world in Vietnam and the world outside, especially in the context of contemporary globalization.
Alan Phelan
Catalogue : 2021Folly & Diction | Vidéo expérimentale | mov | couleur | 15:0 | Irlande | 2020

Alan Phelan
Folly & Diction
Vidéo expérimentale | mov | couleur | 15:0 | Irlande | 2020
Le titre "Folly & Diction" est un homophone ou un jeu de mot sur les noms (John) Joly et (Henry) Dixon, deux hommes qui ont travaillé ensemble sur des projets scientifiques, oubliés pour la plupart, il y a plus d'un siècle à Dublin. Ensemble, ils ont découvert, par exemple, comment la sève monte dans les arbres, et Joly a inventé une méthode de photographie couleur par synthèse additive qui utilise des bandes rouges, vertes et bleues. Plutôt qu’un documentaire détaillé ou un film-essai, la forme vidéoclip fournit ici la structure de cette réalisation d’une durée de 15 minutes, dont la narration, inspirée de la nouvelle "Premier amour" de Samuel Beckett, se présente sous la forme de paroles de chansons, extraites du poème "Fragments" de Jean Genet. Les principes de la fanfiction permettent une sorte de re-narrativisation de ces œuvres, en déplaçant les genres et les sexualités. La vidéo raconte une histoire indirecte de perte, celle d'un pan oublié de l’Histoire et d'une relation non aboutie avec le collaborateur de Joly, Henry Dixon. Néanmoins, elle transpose le processus de la photographie argentique dans la sphère contemporaine, sous la forme de bandes animées sensibles à l’acoustique, qui pulsent au rythme de la musique, et de superpositions vidéo brutes s’inspirant de multiples conventions du clip musical. L'écho de l'Histoire est omniprésent dans la pratique de Phelan. Ici, des conventions familières sont utilisées de manière magistrale pour raconter une histoire d'invention, d'échec et d'amour.
Alan Phelan (né en 1968) est artiste et habite à Dublin. Sa pratique a débuté par la photographie avant de s’étendre à de nombreux médias et supports différents, en mettant l'accent sur l'interprétation, le langage et la collaboration. Il a étudié à la Dublin City University (Irlande) [1989] et au Rochester Institute of Technology, New York (USA) [1994] dans le cadre d'une bourse Fulbright. Il a eu d'importantes expositions personnelles, notamment au Irish Museum of Modern Art, Dublin (Irlande) [2009], à la Royal Hibernian Academy, Dublin (Irlande) [2020] et à la Dublin City Gallery The Hugh Lane (Irlande) [2016]. Parmi ses expositions individuelles en galerie, citons la Golden Thread Gallery, Belfast (Royaume-Uni) [2014], The Black Mariah, Cork (Irlande) [2011] et Mother's Tankstation Dublin (Irlande) [2007]. Parmi les expositions collectives, citons Garage Rotterdam (Pays-Bas) [2020], EVA International, Limerick (Irlande) [2016], Bonn Kunstmuseum (Allemagne) [2015], Treignac Projet (France) [2014], Bozar Bruxelles (Belgique) [2013], Feinkost Berlin (Allemagne) [2007] et le Whitney Museum of American Art, New-York (USA) [2004]. Ses œuvres font partie des collections du Musée irlandais d'art moderne, du Arts Council, du Trinity College de Dublin (Irlande), de la Limerick City Gallery of Art (Irlande), de la The National Self-Portrait Collection (Irlande), du Office of Public Works (Irlande), du Dublin City Council (Irlande), et de plusieurs collections privées. Il a été artiste en résidence, notamment au NCAD – National College of Art and Design, Dublin (Irlande); au CCI – Centre Culturel Irlandais, Paris (France); au HIAP – Helsinki International Artist Programme (Finlande); à la URRA, Buenos Aires (Argentine) et le FSAS – Fire Station Artists' Studio, Dublin (Irlande). Il a, entre autres, récemment remporté le Creative Ireland MCCCS (2019), une bourse du Arts Council (2017) et le Hotron Éigse Art Prize (2016).
Paulette Phillips
Catalogue : 2009Marnie's Handbag | Art vidéo | dv | couleur et n&b | 10:0 | Canada | 2008

Paulette Phillips
Marnie's Handbag
Art vidéo | dv | couleur et n&b | 10:0 | Canada | 2008
« Marnie's Handbag » est un mash-up artistique (application composite) sur les femmes criminelles dans le cinéma populaire. Phillips adopte un regard historique sur la manière dont Hollywood habille paradoxalement la femme coupable à un moment où elle tente d'éviter d?être arrêtée. En regardant des séquences de femmes qui s?habillent avant de commettre leur crime, en les extrayant de leur contexte narratif, Phillips se concentre sur le plaisir qui provient de la séduction débridée et de la vengeance.
Paulette Phillips est basée à Toronto (Canada). Ses ?uvres sont représentées par Diaz Contemporary Art à Toronto, et par Danielle Arnaud Contemporary Art à Londres. Elle enseigne à l'Ontario College of Art and Design. Les ?uvres de Paulette Phillips ont été exposées notamment à la Biennale de Tatton Park (Royaume-Uni), au Centre Culturel Canadien de Paris, à The Power Plant à Toronto, au ZKM (Allemagne), à la Kunsthaus de Graz (Autriche), au Heidelberger Kunstverein, au Ludwig Museum (Hongrie), et au Palazzo della Papesse (Italie). On peut lire des commentaires sur ces ?uvres récentes dans « Art in America », « Artforum », « Modern Painters » et « Flashart ».
Kanchanit Phosawat
Catalogue : 2015Ghost of Ratchaburi | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 11:49 | Thaïlande, Thailande | 2014
Kanchanit Phosawat
Ghost of Ratchaburi
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 11:49 | Thaïlande, Thailande | 2014
belief is the most important product in all religion. they are trying to grow up a product. this product be express by society from people in the city or the area that make it. belief try to express identity by doctrine , behaving and architecture. buddhism`s architecture in thai language call "temple".it is a place to make and indicate progress belief or dominate belief in society even at night, temple is always decorated with colorful neon light as same as superstition is decorated. in thailand, buddhism always decorated and cite for the best thing in country. it has some word that thai people call "city of buddha" that try to express identity ,the best belief for buddhism. in thailand, if it has some people brave for criticize buddhism. other people will not agree with that. buddhism in thailand look like the tallest wall that nobody doesnt climb and cross it or draw a graffiti. this is a test movie to tell story from society. this area near the center to make belief in ratchaburi. we tell about how to belief dominate and decorate state of society?. and the best thing we try to have a question for buddhism in narrow society
Karnchanit Posawat was born on 16, October 1992 in Thailand, Bangkok. At present I am studying in final year at King Monkut`s Institute of Technology Ladkrabang, Film and Video program. I`m interested in art, my childhood spent a lot of time for reading a book. I`m going to make a movie on a final project about my relationship with my mother. I still have work to do as well as experimental magazine which is planned to be released soon.In the future, I`m very interested in learning the art of power abroad. France and Germany are the countries that interested me. I hope that in the future I will be working film and video experiments to find new meaning in these media as much as possible.
Cristina Picchi
Catalogue : 2015Zima | Doc. expérimental | hdv | couleur | 11:27 | Italie, Russie | 2013
Cristina Picchi
Zima
Doc. expérimental | hdv | couleur | 11:27 | Italie, Russie | 2013
A portrait of a season - a journey through North Russia and Siberia, through the feelings and thoughts of the people who have to cope with one of the world's harshest climates; a reality where the boundary between life and death is so thin that is sometimes almost nonexistent, where civilization constantly both fights and embraces nature and its timeless rules and rites. In these remote places, people, animals and nature itself become elements of a millennial yet unpredictable script, in which physical and mental endurance play an important role as much as chance does, where life and death constantly embrace each other. A reflection on fate, adaptation and the immutable cycles of existence.
Cristina Picchi (Lucca, 1981) is an award winning Italian filmmaker, writer and artist based in London. As a filmmaker she has directed and edited the short documentaries Zima (2013), Eyes On The Ground (2012), Under Your Skin (2011), Fragments of a Dream (2011) and The Disassociated (2011); her films have been screened in festivals and galleries worldwide. Her written work includes short stories and contributions to award-winning books. She holds a degree and an MA in European Literature from the University of Pisa and and a master`s degree in Screen Documentary from Goldsmiths University.
Stéphane Pichard
Catalogue : 2016Fécampoise | Vidéo | hdv | couleur | 2:49 | France | 2015
Stéphane Pichard
Fécampoise
Vidéo | hdv | couleur | 2:49 | France | 2015
FECAMPOISE réuni plusieurs notes qui peuvent-être vues indépendamment ou par assemblage, vous verrez ici « J`ai pourtant bien essayé de te voir » et « Dites-moi que je rêve ». FECAMPOISE est un « docu-fanfare » comme on dit « docu-fiction », une sorte de comédie musicale. Voir les couvertures de survies -« Sound of music » (Y. Duyvendak)- qui dégringolent du plafond poussant les danseurs vers le quatrième mur jusqu`à ne plus pouvoir danser. Fin. Nous incluant, fin. Comme ces gens -« La fièvre dans le sang » (E. Kazan)- qui en 29, à Wall Street, se jetaient des tours. J`ai pourtant bien essayé de te voir.
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre. Diplômé en 1993 de l’ENSBA de Paris, il continue ses études à l’University of British Columbia dans le programme Master of Fine Arts, à Vancouver Canada, puis poursuit ses recherches à Paris VIII et à l’INA. Stéphane Pichard vit et travaille à Paris.
Catalogue : 2007Comme de jour | Art vidéo | dv | couleur | 1:55 | France, Mali | 2006

Stéphane Pichard
Comme de jour
Art vidéo | dv | couleur | 1:55 | France, Mali | 2006
Commençons par fermer les yeux. L?écran 4/3 partagé verticalement grouille de pixels noir et blanc. Il y a quelque chose d?intense, que l?on distingue confusément dans le souffle, le bruit. Progressivement les pixels vont se résorber, à l?avantage d?une scènette, d?un personnage certainement. C'est un raccourci et une extraction, un zoom numérique devenant optique, toujours arrière. Comme une vaste inspiration, la ville de Bamako grandie de nuit, les poumons chargés de chaleur et de poussière. « ?l?image est le produit d?une opération dont la prise de vue est l?instrument, et non le préalable. »* * Philippe-Alain Michaud, Sketches, p. 67, éditions Kargo et L?Éclat
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre. Diplômé en 1993 de l`ENSBA de Paris, il continue ses études à l`University of British Columbia dans le programme Master of Fine Arts, à Vancouver Canada, puis poursuit ses recherches à Paris VIII et à l'INA. Par la suite, il participe à plusieurs expositions en France et à l'étranger. Professeur d'arts plastiques, il développe un programme de résidence d'artistes « Synapse » à l`Ecole Supérieure d`Arts de Rueil-Malmaison.
Catalogue : 2006Répétition pour caméra et tablas | Art vidéo | 0 | couleur | 3:0 | France | 2005

Stéphane Pichard
Répétition pour caméra et tablas
Art vidéo | 0 | couleur | 3:0 | France | 2005
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre (France). Après avoir été diplômé en 1993 de l`Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Art de Paris, il continue ses études à l`University of British Columbia, à Vancouver (Canada), où il obtient un Master of fine Art sous la direction de Ian Wallace. Il poursuit ses recherches à Paris VIII, à l`INA et travaille avec Johan Grimonprez comme assistant réalisateur sur le film " dial H.I.S.T.O.R.Y ". Par la suite, Stéphane Pichard participe à plusieurs expositions en France et à l`étranger : " Pour mon anniversaire ", " Post 68, Demand and Desir " à Vienne, " Kaukolampoa ja muita siirtymi " à Helsinki, " ...east of here... " YYZ Artist`s Outlet à Toronto. Il s`intéresse également à l`organisation d`événements artistiques : à partir de 1999, Stéphane Pichard produit et réalise une dizaine d`émissions télévisuelles intitulées " Contamination continue " diffusées sur Zaléa TV, UHF 35 et Canal Satellite. Parallèlement, il organise plusieurs expositions proposant des installations vidéos et des installations sonores, notamment en 2003 : " Vidéosynchrones " à Rueil-Malmaison et " Bird`s Cofee " à Paris. Ces trois dernières années, il a exposé son travail particulièrement dans la Galerie du Forum St Eustache, à l`ENSCI, au Podewill à Berlin, au Batofar, au Forum des Images et à la Galerie Eof. Il enseigne et développe un programme de résidence d`artistes à l`Ecole d`Arts de Rueil-Malmaison.
Leighton Pierce
Catalogue : 2023Lodestar | Vidéo expérimentale | mobile phone | couleur | 13:42 | USA | 2022

Leighton Pierce
Lodestar
Vidéo expérimentale | mobile phone | couleur | 13:42 | USA | 2022
LODESTAR Leighton Pierce Pierce has recently created hundreds of short reflective loops to stimulate subtle alterations in states of mind. He shoots and processes them entirely on his phone in order to bring the active video "meaning-making" process into his daily lived experience. His camera (and NLE) is always in his pocket. Lodestar takes advantage of synergies and leaps among some of these loops and then extends them toward proto-narrative --the moment when an objective narrative is first detected. Sound is integral to the potential for an in-depth experience during this 13 minute video. Slow transformations and repetitions with subtle variations are explicitly invoked through both image and sound to soften the rational sense-making that we are usually immersed in. Lodestar could be an inducement to trance--but not only trance. I suggest watching it with attention and patience and with a minimum of narrative expectation.
Leighton Pierce Bio Leighton Pierce is an artist and a committed educator grounding his work in an examination of how one can use art, or video and sound in his case, to explore the fringes of narrative, the seeds of cognition, and the thresholds of perception. He takes an holistic approach to video making and video installations embracing all aesthetic/technical aspects as an entangled web of symbiotic relationships. His work has been widely screened at over 500 film festivals with numerous awards and accolades. His major multi-channel video installations, designed to de-objectify the video viewing experience, have been presented at the Sundance Film Festival, the Kochi (India) Biennial, the Ann Arbor Film Festival, the University of Iowa Museum of Art, and the Sheldon Museum of Art; his film and video work has also been screened at museums including the Whitney Biennial, Pompidou Museum, and MOMA in addition to hundreds of festival screenings. He is a recipient of grants/fellowships from Creative Capital, the NEA, the Guggenheim Foundation, and the Rockefeller Foundation.
Leighton Pierce
Catalogue : 2022Everything s gonna be OK | Vidéo | 4k | couleur | 6:37 | USA | 2021
Leighton Pierce
Everything s gonna be OK
Vidéo | 4k | couleur | 6:37 | USA | 2021
This is a part of a developing series titles UAP (Unidentified Arial Phenomena). Looking to the sky can reveal both threats and salvation. This was shot and edited on a phone and is intended eventually to be presented on the intimate format of a phone. Shot and edited in summer 2021.
Pierce has been making films, video, and installations for over 3 decades with screenings at Cinematheque francais, Pompidou Center, Sundance, NYFF, Rotterdam, EMAF ad many other venues. Among others, he is recipient of Guggenheim, Rockefeller, and Creative Capital Fellowships. For the past 8 years he has been living in LA where he was dean and is now faculty at CalArts.
Romain Pierre
Catalogue : 2014Taverne Française | Fiction | hdv | couleur | 7:23 | France | 2013
Romain Pierre
Taverne Française
Fiction | hdv | couleur | 7:23 | France | 2013
Taverne Française est d`abord un espace, physique et social, comprenant des murs et des possibles. Son vocabulaire pourrait être d`aujourd`hui, sa musique d`hier, son énergie celle de la jeunesse. Ce n`est pourtant pas l`analyse d`une époque ni le portrait d`une génération. Peu importe la taverne, c`est une taverne : on y sent l`urine, l`alcool et la sueur, on y parle de désir et de mort. Il ne pourrait pas s`agir d`autre chose, car c`est précisément toutes les autres choses qui sont en jeu. Les corps ne connaissent pas d`histoires ; la seule histoire s`inscrit entre les corps. Dès lors qu`il n`y a plus de jugements de valeur, le besoin ne se distingue pas de l`ennui, ni la cruauté de la tendresse, et dans ce délire, sans humour ni gravité, se trame le délire du monde. On ne délire pas sur une affaire personnelle mais, comme le dit Deleuze de l`inconscient, "sur les races, les tribus, les continents, l`histoire et la géographie, toujours un champ social". Et la parole de corps désaffectés, si elle n`est pas la parole des morts, ressemble bien à celle de l`inconscient.
Romain Pierre est né en 1989 à Paris. Il suit une formation de comédien à l`école supérieure d`art dramatique du Théâtre National de Strasbourg. En 2013, il écrit et réalise son premier court-métrage, Taverne Française, inspiré de l`oeuvre de Georges Bataille et des Velvet Underground.
Bartolomeo Pietromarchi
Catalogue : 2007Fluid Cities | Documentaire | dv | couleur | 32:47 | Italie | 2004

Bartolomeo Pietromarchi
Fluid Cities
Documentaire | dv | couleur | 32:47 | Italie | 2004
"Fluid Cities" représente la troisième phase de "Trans" : il s´agit d´un projet de recherche mené dans la zone méditérannéenne. Produit en 2004, il enquête sur les projets d´espaces publics développés par des artistes en activité à Athènes, Istanbul et Chypre qui font preuve d´un intérêt particulier pour les traditions et la culture locale. Cet intérêt se révèle alors que le monde presse à la mondialisation. Le contexte, un espace ouvert où expression artistique et expériences sociales sont étroitement liées, est capital à la compréhension du travail de ces artistes qui sont impliqués dans un territoire qui subit des changements urbains, sociaux et économiques rapides. Les villes sont devenues des laboratoires multiculturels. Les vagues de migration, mémoires collectives et espaces, en subissant des changements rapides, ont donné naissance à un concept de fluidité, une caractéristique commune à divers territoires et qui démontre le processus continu, rapide et grandissant de transformation qui a lieu en contexte urbain. Le concept de société n´est pas ici seulement compris comme un processus d´histoire collective, mais observé d´un point de vue microsocial selon lequel le réseau familial et ses traditions servent de support d´intervention pour la culture contemporaine. L´art contemporain agit au sein d´une sorte d"intimité publique" à partir de laquelle le sujet se représente lui-même. Le concept du "privé" n´y est par conséquent plus considéré comme l´antonyme absolu du "public", mais est plutôt transmis via l´héritage qui sert de moyen d´expression à la société-famille dans le monde extérieur. Dans ces pays, la société multi-culturelle n´est pas une conséquence de la mondialisation mais appartient précisément au code génétique de chaque pays, historiquement parlant. Elle est le résultat de la cohabitation, ainsi que des conflits entre différences culturelles et religieuses indestructibles. Le documentaire a été réalisé dans le cadre du projet culturel européen "Trans:it. Moving culture through Europe", encouragée par la Fondazione Adriano Olivetti en partenariat avec la Fondation Culturelle Européenne, Fondation Evens, Fondation de France et la J.F. Costopoulos Fundation.
BARTOLOMEO PIETROMARCHI Critique et commissaire d´exposition. Né en 1968 à Rome. Depuis 1997, il dirige le programme d´art contemporain pour le Fondazione Adriano Olivetti à Rome. Nommé Secrétaire Général de la Fondation en 2002 Filmographie A dirigé le cycle de films documentaires réalisés dans le cadre le projet "Trans:it. Moving culture through Europe". Ceux-ci incluent : "The Invisible Community" (La Communauté Invisible", documentaire, 2003, Italie "Ruins for the Future" (Des Ruines Pour le Futur", documentaire, 2004. "Fluid Cities" (Villes Fluides), documentaire, 2004, Italie.
Stéphanie Pihery
Catalogue : 2006L'hopital du Dr. Galmo | Documentaire | betaSP | couleur | 3:30 | Canada | 2004

Stéphanie Pihery
L'hopital du Dr. Galmo
Documentaire | betaSP | couleur | 3:30 | Canada | 2004
À Niamey, le Docteur Galmo dirige un hôpital hors du commun. Ses patients en convalescence ne sont pas qui vous croyez.