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Alan Phelan
Catalogue : 2021Folly & Diction | Vidéo expérimentale | mov | couleur | 15:0 | Irlande | 2020

Alan Phelan
Folly & Diction
Vidéo expérimentale | mov | couleur | 15:0 | Irlande | 2020
Le titre "Folly & Diction" est un homophone ou un jeu de mot sur les noms (John) Joly et (Henry) Dixon, deux hommes qui ont travaillé ensemble sur des projets scientifiques, oubliés pour la plupart, il y a plus d'un siècle à Dublin. Ensemble, ils ont découvert, par exemple, comment la sève monte dans les arbres, et Joly a inventé une méthode de photographie couleur par synthèse additive qui utilise des bandes rouges, vertes et bleues. Plutôt qu’un documentaire détaillé ou un film-essai, la forme vidéoclip fournit ici la structure de cette réalisation d’une durée de 15 minutes, dont la narration, inspirée de la nouvelle "Premier amour" de Samuel Beckett, se présente sous la forme de paroles de chansons, extraites du poème "Fragments" de Jean Genet. Les principes de la fanfiction permettent une sorte de re-narrativisation de ces œuvres, en déplaçant les genres et les sexualités. La vidéo raconte une histoire indirecte de perte, celle d'un pan oublié de l’Histoire et d'une relation non aboutie avec le collaborateur de Joly, Henry Dixon. Néanmoins, elle transpose le processus de la photographie argentique dans la sphère contemporaine, sous la forme de bandes animées sensibles à l’acoustique, qui pulsent au rythme de la musique, et de superpositions vidéo brutes s’inspirant de multiples conventions du clip musical. L'écho de l'Histoire est omniprésent dans la pratique de Phelan. Ici, des conventions familières sont utilisées de manière magistrale pour raconter une histoire d'invention, d'échec et d'amour.
Alan Phelan (né en 1968) est artiste et habite à Dublin. Sa pratique a débuté par la photographie avant de s’étendre à de nombreux médias et supports différents, en mettant l'accent sur l'interprétation, le langage et la collaboration. Il a étudié à la Dublin City University (Irlande) [1989] et au Rochester Institute of Technology, New York (USA) [1994] dans le cadre d'une bourse Fulbright. Il a eu d'importantes expositions personnelles, notamment au Irish Museum of Modern Art, Dublin (Irlande) [2009], à la Royal Hibernian Academy, Dublin (Irlande) [2020] et à la Dublin City Gallery The Hugh Lane (Irlande) [2016]. Parmi ses expositions individuelles en galerie, citons la Golden Thread Gallery, Belfast (Royaume-Uni) [2014], The Black Mariah, Cork (Irlande) [2011] et Mother's Tankstation Dublin (Irlande) [2007]. Parmi les expositions collectives, citons Garage Rotterdam (Pays-Bas) [2020], EVA International, Limerick (Irlande) [2016], Bonn Kunstmuseum (Allemagne) [2015], Treignac Projet (France) [2014], Bozar Bruxelles (Belgique) [2013], Feinkost Berlin (Allemagne) [2007] et le Whitney Museum of American Art, New-York (USA) [2004]. Ses œuvres font partie des collections du Musée irlandais d'art moderne, du Arts Council, du Trinity College de Dublin (Irlande), de la Limerick City Gallery of Art (Irlande), de la The National Self-Portrait Collection (Irlande), du Office of Public Works (Irlande), du Dublin City Council (Irlande), et de plusieurs collections privées. Il a été artiste en résidence, notamment au NCAD – National College of Art and Design, Dublin (Irlande); au CCI – Centre Culturel Irlandais, Paris (France); au HIAP – Helsinki International Artist Programme (Finlande); à la URRA, Buenos Aires (Argentine) et le FSAS – Fire Station Artists' Studio, Dublin (Irlande). Il a, entre autres, récemment remporté le Creative Ireland MCCCS (2019), une bourse du Arts Council (2017) et le Hotron Éigse Art Prize (2016).
Paulette Phillips
Catalogue : 2009Marnie's Handbag | Art vidéo | dv | couleur et n&b | 10:0 | Canada | 2008

Paulette Phillips
Marnie's Handbag
Art vidéo | dv | couleur et n&b | 10:0 | Canada | 2008
« Marnie's Handbag » est un mash-up artistique (application composite) sur les femmes criminelles dans le cinéma populaire. Phillips adopte un regard historique sur la manière dont Hollywood habille paradoxalement la femme coupable à un moment où elle tente d'éviter d?être arrêtée. En regardant des séquences de femmes qui s?habillent avant de commettre leur crime, en les extrayant de leur contexte narratif, Phillips se concentre sur le plaisir qui provient de la séduction débridée et de la vengeance.
Paulette Phillips est basée à Toronto (Canada). Ses ?uvres sont représentées par Diaz Contemporary Art à Toronto, et par Danielle Arnaud Contemporary Art à Londres. Elle enseigne à l'Ontario College of Art and Design. Les ?uvres de Paulette Phillips ont été exposées notamment à la Biennale de Tatton Park (Royaume-Uni), au Centre Culturel Canadien de Paris, à The Power Plant à Toronto, au ZKM (Allemagne), à la Kunsthaus de Graz (Autriche), au Heidelberger Kunstverein, au Ludwig Museum (Hongrie), et au Palazzo della Papesse (Italie). On peut lire des commentaires sur ces ?uvres récentes dans « Art in America », « Artforum », « Modern Painters » et « Flashart ».
Kanchanit Phosawat
Catalogue : 2015Ghost of Ratchaburi | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 11:49 | Thaïlande, Thailande | 2014
Kanchanit Phosawat
Ghost of Ratchaburi
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 11:49 | Thaïlande, Thailande | 2014
belief is the most important product in all religion. they are trying to grow up a product. this product be express by society from people in the city or the area that make it. belief try to express identity by doctrine , behaving and architecture. buddhism`s architecture in thai language call "temple".it is a place to make and indicate progress belief or dominate belief in society even at night, temple is always decorated with colorful neon light as same as superstition is decorated. in thailand, buddhism always decorated and cite for the best thing in country. it has some word that thai people call "city of buddha" that try to express identity ,the best belief for buddhism. in thailand, if it has some people brave for criticize buddhism. other people will not agree with that. buddhism in thailand look like the tallest wall that nobody doesnt climb and cross it or draw a graffiti. this is a test movie to tell story from society. this area near the center to make belief in ratchaburi. we tell about how to belief dominate and decorate state of society?. and the best thing we try to have a question for buddhism in narrow society
Karnchanit Posawat was born on 16, October 1992 in Thailand, Bangkok. At present I am studying in final year at King Monkut`s Institute of Technology Ladkrabang, Film and Video program. I`m interested in art, my childhood spent a lot of time for reading a book. I`m going to make a movie on a final project about my relationship with my mother. I still have work to do as well as experimental magazine which is planned to be released soon.In the future, I`m very interested in learning the art of power abroad. France and Germany are the countries that interested me. I hope that in the future I will be working film and video experiments to find new meaning in these media as much as possible.
Cristina Picchi
Catalogue : 2015Zima | Doc. expérimental | hdv | couleur | 11:27 | Italie, Russie | 2013
Cristina Picchi
Zima
Doc. expérimental | hdv | couleur | 11:27 | Italie, Russie | 2013
A portrait of a season - a journey through North Russia and Siberia, through the feelings and thoughts of the people who have to cope with one of the world's harshest climates; a reality where the boundary between life and death is so thin that is sometimes almost nonexistent, where civilization constantly both fights and embraces nature and its timeless rules and rites. In these remote places, people, animals and nature itself become elements of a millennial yet unpredictable script, in which physical and mental endurance play an important role as much as chance does, where life and death constantly embrace each other. A reflection on fate, adaptation and the immutable cycles of existence.
Cristina Picchi (Lucca, 1981) is an award winning Italian filmmaker, writer and artist based in London. As a filmmaker she has directed and edited the short documentaries Zima (2013), Eyes On The Ground (2012), Under Your Skin (2011), Fragments of a Dream (2011) and The Disassociated (2011); her films have been screened in festivals and galleries worldwide. Her written work includes short stories and contributions to award-winning books. She holds a degree and an MA in European Literature from the University of Pisa and and a master`s degree in Screen Documentary from Goldsmiths University.
Stéphane Pichard
Catalogue : 2016Fécampoise | Vidéo | hdv | couleur | 2:49 | France | 2015
Stéphane Pichard
Fécampoise
Vidéo | hdv | couleur | 2:49 | France | 2015
FECAMPOISE réuni plusieurs notes qui peuvent-être vues indépendamment ou par assemblage, vous verrez ici « J`ai pourtant bien essayé de te voir » et « Dites-moi que je rêve ». FECAMPOISE est un « docu-fanfare » comme on dit « docu-fiction », une sorte de comédie musicale. Voir les couvertures de survies -« Sound of music » (Y. Duyvendak)- qui dégringolent du plafond poussant les danseurs vers le quatrième mur jusqu`à ne plus pouvoir danser. Fin. Nous incluant, fin. Comme ces gens -« La fièvre dans le sang » (E. Kazan)- qui en 29, à Wall Street, se jetaient des tours. J`ai pourtant bien essayé de te voir.
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre. Diplômé en 1993 de l’ENSBA de Paris, il continue ses études à l’University of British Columbia dans le programme Master of Fine Arts, à Vancouver Canada, puis poursuit ses recherches à Paris VIII et à l’INA. Stéphane Pichard vit et travaille à Paris.
Catalogue : 2007Comme de jour | Art vidéo | dv | couleur | 1:55 | France, Mali | 2006

Stéphane Pichard
Comme de jour
Art vidéo | dv | couleur | 1:55 | France, Mali | 2006
Commençons par fermer les yeux. L?écran 4/3 partagé verticalement grouille de pixels noir et blanc. Il y a quelque chose d?intense, que l?on distingue confusément dans le souffle, le bruit. Progressivement les pixels vont se résorber, à l?avantage d?une scènette, d?un personnage certainement. C'est un raccourci et une extraction, un zoom numérique devenant optique, toujours arrière. Comme une vaste inspiration, la ville de Bamako grandie de nuit, les poumons chargés de chaleur et de poussière. « ?l?image est le produit d?une opération dont la prise de vue est l?instrument, et non le préalable. »* * Philippe-Alain Michaud, Sketches, p. 67, éditions Kargo et L?Éclat
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre. Diplômé en 1993 de l`ENSBA de Paris, il continue ses études à l`University of British Columbia dans le programme Master of Fine Arts, à Vancouver Canada, puis poursuit ses recherches à Paris VIII et à l'INA. Par la suite, il participe à plusieurs expositions en France et à l'étranger. Professeur d'arts plastiques, il développe un programme de résidence d'artistes « Synapse » à l`Ecole Supérieure d`Arts de Rueil-Malmaison.
Catalogue : 2006Répétition pour caméra et tablas | Art vidéo | 0 | couleur | 3:0 | France | 2005

Stéphane Pichard
Répétition pour caméra et tablas
Art vidéo | 0 | couleur | 3:0 | France | 2005
Stéphane Pichard est né en 1968 à Nanterre (France). Après avoir été diplômé en 1993 de l`Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Art de Paris, il continue ses études à l`University of British Columbia, à Vancouver (Canada), où il obtient un Master of fine Art sous la direction de Ian Wallace. Il poursuit ses recherches à Paris VIII, à l`INA et travaille avec Johan Grimonprez comme assistant réalisateur sur le film " dial H.I.S.T.O.R.Y ". Par la suite, Stéphane Pichard participe à plusieurs expositions en France et à l`étranger : " Pour mon anniversaire ", " Post 68, Demand and Desir " à Vienne, " Kaukolampoa ja muita siirtymi " à Helsinki, " ...east of here... " YYZ Artist`s Outlet à Toronto. Il s`intéresse également à l`organisation d`événements artistiques : à partir de 1999, Stéphane Pichard produit et réalise une dizaine d`émissions télévisuelles intitulées " Contamination continue " diffusées sur Zaléa TV, UHF 35 et Canal Satellite. Parallèlement, il organise plusieurs expositions proposant des installations vidéos et des installations sonores, notamment en 2003 : " Vidéosynchrones " à Rueil-Malmaison et " Bird`s Cofee " à Paris. Ces trois dernières années, il a exposé son travail particulièrement dans la Galerie du Forum St Eustache, à l`ENSCI, au Podewill à Berlin, au Batofar, au Forum des Images et à la Galerie Eof. Il enseigne et développe un programme de résidence d`artistes à l`Ecole d`Arts de Rueil-Malmaison.
Guillermina Pico
Catalogue : 2025Todo nuevo | Fiction | 4k | couleur | 35:0 | Argentine | 2023

Guillermina Pico
Todo nuevo
Fiction | 4k | couleur | 35:0 | Argentine | 2023
Julia is a teenager about to finish school struggling to stay afloat in a sea of expectations and confusion.
Guillermina Pico is a film director and writer. Her work as a director has been exhibited and awarded in national and international film festivals such as BAFICI (Best Short Film and Audience Award), DOCUMENTA Madrid, L'Alternativa, Festifreak, Kinoforum Sao Pablo (Special Mention), Cinemateca Uruguaya, Lima Film Festival, Chile, Quito, Cali, Galicia, TFF Torino, DiBa Festival (Best Short Film) and art venues such as Palais de Glace Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta and Bienal Buenos Aires (Talent Campus Award) among others. Her first feature film "Borrá todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era" was premiered at Torino International Film Festival and was awarded in the audiovisual contest of the Fondo Nacional de las Artes. Among the institutions that supported her work are the Fondo Nacional de las Artes, Talent Campus Buenos Aires, Fundación Proa Cine, Fondo Metropolitano de las Ciencias y las Artes, NOVOS CINEMAS#LAB, Galicia. She is currently developing the documentary Las Galaxias (INCAA) and the fiction Todo Nuevo. She combines her artistic work with teaching and online consulting. Born and raised in Santa Rosa, La Pampa, she lives and works in Buenos Aires.
Leighton Pierce
Catalogue : 2023Lodestar | Vidéo expérimentale | mobile phone | couleur | 13:42 | USA | 2022

Leighton Pierce
Lodestar
Vidéo expérimentale | mobile phone | couleur | 13:42 | USA | 2022
LODESTAR Leighton Pierce Pierce has recently created hundreds of short reflective loops to stimulate subtle alterations in states of mind. He shoots and processes them entirely on his phone in order to bring the active video "meaning-making" process into his daily lived experience. His camera (and NLE) is always in his pocket. Lodestar takes advantage of synergies and leaps among some of these loops and then extends them toward proto-narrative --the moment when an objective narrative is first detected. Sound is integral to the potential for an in-depth experience during this 13 minute video. Slow transformations and repetitions with subtle variations are explicitly invoked through both image and sound to soften the rational sense-making that we are usually immersed in. Lodestar could be an inducement to trance--but not only trance. I suggest watching it with attention and patience and with a minimum of narrative expectation.
Leighton Pierce Bio Leighton Pierce is an artist and a committed educator grounding his work in an examination of how one can use art, or video and sound in his case, to explore the fringes of narrative, the seeds of cognition, and the thresholds of perception. He takes an holistic approach to video making and video installations embracing all aesthetic/technical aspects as an entangled web of symbiotic relationships. His work has been widely screened at over 500 film festivals with numerous awards and accolades. His major multi-channel video installations, designed to de-objectify the video viewing experience, have been presented at the Sundance Film Festival, the Kochi (India) Biennial, the Ann Arbor Film Festival, the University of Iowa Museum of Art, and the Sheldon Museum of Art; his film and video work has also been screened at museums including the Whitney Biennial, Pompidou Museum, and MOMA in addition to hundreds of festival screenings. He is a recipient of grants/fellowships from Creative Capital, the NEA, the Guggenheim Foundation, and the Rockefeller Foundation.
Leighton Pierce
Catalogue : 2022Everything s gonna be OK | Vidéo | 4k | couleur | 6:37 | USA | 2021
Leighton Pierce
Everything s gonna be OK
Vidéo | 4k | couleur | 6:37 | USA | 2021
This is a part of a developing series titles UAP (Unidentified Arial Phenomena). Looking to the sky can reveal both threats and salvation. This was shot and edited on a phone and is intended eventually to be presented on the intimate format of a phone. Shot and edited in summer 2021.
Pierce has been making films, video, and installations for over 3 decades with screenings at Cinematheque francais, Pompidou Center, Sundance, NYFF, Rotterdam, EMAF ad many other venues. Among others, he is recipient of Guggenheim, Rockefeller, and Creative Capital Fellowships. For the past 8 years he has been living in LA where he was dean and is now faculty at CalArts.
Romain Pierre
Catalogue : 2014Taverne Française | Fiction | hdv | couleur | 7:23 | France | 2013
Romain Pierre
Taverne Française
Fiction | hdv | couleur | 7:23 | France | 2013
Taverne Française est d`abord un espace, physique et social, comprenant des murs et des possibles. Son vocabulaire pourrait être d`aujourd`hui, sa musique d`hier, son énergie celle de la jeunesse. Ce n`est pourtant pas l`analyse d`une époque ni le portrait d`une génération. Peu importe la taverne, c`est une taverne : on y sent l`urine, l`alcool et la sueur, on y parle de désir et de mort. Il ne pourrait pas s`agir d`autre chose, car c`est précisément toutes les autres choses qui sont en jeu. Les corps ne connaissent pas d`histoires ; la seule histoire s`inscrit entre les corps. Dès lors qu`il n`y a plus de jugements de valeur, le besoin ne se distingue pas de l`ennui, ni la cruauté de la tendresse, et dans ce délire, sans humour ni gravité, se trame le délire du monde. On ne délire pas sur une affaire personnelle mais, comme le dit Deleuze de l`inconscient, "sur les races, les tribus, les continents, l`histoire et la géographie, toujours un champ social". Et la parole de corps désaffectés, si elle n`est pas la parole des morts, ressemble bien à celle de l`inconscient.
Romain Pierre est né en 1989 à Paris. Il suit une formation de comédien à l`école supérieure d`art dramatique du Théâtre National de Strasbourg. En 2013, il écrit et réalise son premier court-métrage, Taverne Française, inspiré de l`oeuvre de Georges Bataille et des Velvet Underground.
Bartolomeo Pietromarchi
Catalogue : 2007Fluid Cities | Documentaire | dv | couleur | 32:47 | Italie | 2004

Bartolomeo Pietromarchi
Fluid Cities
Documentaire | dv | couleur | 32:47 | Italie | 2004
"Fluid Cities" représente la troisième phase de "Trans" : il s´agit d´un projet de recherche mené dans la zone méditérannéenne. Produit en 2004, il enquête sur les projets d´espaces publics développés par des artistes en activité à Athènes, Istanbul et Chypre qui font preuve d´un intérêt particulier pour les traditions et la culture locale. Cet intérêt se révèle alors que le monde presse à la mondialisation. Le contexte, un espace ouvert où expression artistique et expériences sociales sont étroitement liées, est capital à la compréhension du travail de ces artistes qui sont impliqués dans un territoire qui subit des changements urbains, sociaux et économiques rapides. Les villes sont devenues des laboratoires multiculturels. Les vagues de migration, mémoires collectives et espaces, en subissant des changements rapides, ont donné naissance à un concept de fluidité, une caractéristique commune à divers territoires et qui démontre le processus continu, rapide et grandissant de transformation qui a lieu en contexte urbain. Le concept de société n´est pas ici seulement compris comme un processus d´histoire collective, mais observé d´un point de vue microsocial selon lequel le réseau familial et ses traditions servent de support d´intervention pour la culture contemporaine. L´art contemporain agit au sein d´une sorte d"intimité publique" à partir de laquelle le sujet se représente lui-même. Le concept du "privé" n´y est par conséquent plus considéré comme l´antonyme absolu du "public", mais est plutôt transmis via l´héritage qui sert de moyen d´expression à la société-famille dans le monde extérieur. Dans ces pays, la société multi-culturelle n´est pas une conséquence de la mondialisation mais appartient précisément au code génétique de chaque pays, historiquement parlant. Elle est le résultat de la cohabitation, ainsi que des conflits entre différences culturelles et religieuses indestructibles. Le documentaire a été réalisé dans le cadre du projet culturel européen "Trans:it. Moving culture through Europe", encouragée par la Fondazione Adriano Olivetti en partenariat avec la Fondation Culturelle Européenne, Fondation Evens, Fondation de France et la J.F. Costopoulos Fundation.
BARTOLOMEO PIETROMARCHI Critique et commissaire d´exposition. Né en 1968 à Rome. Depuis 1997, il dirige le programme d´art contemporain pour le Fondazione Adriano Olivetti à Rome. Nommé Secrétaire Général de la Fondation en 2002 Filmographie A dirigé le cycle de films documentaires réalisés dans le cadre le projet "Trans:it. Moving culture through Europe". Ceux-ci incluent : "The Invisible Community" (La Communauté Invisible", documentaire, 2003, Italie "Ruins for the Future" (Des Ruines Pour le Futur", documentaire, 2004. "Fluid Cities" (Villes Fluides), documentaire, 2004, Italie.
Stéphanie Pihery
Catalogue : 2006L'hopital du Dr. Galmo | Documentaire | betaSP | couleur | 3:30 | Canada | 2004

Stéphanie Pihery
L'hopital du Dr. Galmo
Documentaire | betaSP | couleur | 3:30 | Canada | 2004
À Niamey, le Docteur Galmo dirige un hôpital hors du commun. Ses patients en convalescence ne sont pas qui vous croyez.
Vaughan Pilikian
Catalogue : 2009Household Gods | Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 6:30 | Royaume-Uni | 2008

Vaughan Pilikian
Household Gods
Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 6:30 | Royaume-Uni | 2008
Seules à la maison, mais hantées par d'autres voix : six personnes dans six chambres, quelque part à Londres.
Pilikian Vaughan est écrivain, réalisateur et artiste, et vit à Londres. Ses courts-métrages sont projetés dans les festivals du monde entier, et il réalise actuellement son premier long-métrage.
Michael Pilz
Catalogue : 2006Across the river | Documentaire | betaSP | couleur | 151:0 | Allemagne, Zimbabwe | 2004

Michael Pilz
Across the river
Documentaire | betaSP | couleur | 151:0 | Allemagne, Zimbabwe | 2004
Across the river est un documentaire qui s?intéresse à l?échange culturel qui s?est produit lorsque les musiciens du groupe ?Simonga? originaires des Tonga et les habitants du village de Siachilaba qui se trouve près du Lac Kariba au Zimbabwe ont rencontré des musiciens et compositeurs australiens. Ce documentaire met en lumière la force et la résistance culturelle du peuple des îles Tonga.
Joana Pimenta
Catalogue : 2015AS FIGURAS GRAVADAS NA FACA COM A SEIVA DAS BANANEIRAS | Doc. expérimental | 16mm | couleur | 16:30 | Portugal | 2014
Joana Pimenta
AS FIGURAS GRAVADAS NA FACA COM A SEIVA DAS BANANEIRAS
Doc. expérimental | 16mm | couleur | 16:30 | Portugal | 2014
The rapid turning of a light draws a circle. In the space bound by its line unravels an archive of postcards sent between the island of Madeira and the former Portuguese colony of Mozambique. The figures carved into the Knife by the Sap of the Banana Trees circulates between a fictional colonial memory, and science-fiction.
Joana Pimenta (b. 1986, Lisbon) works in film and video installation. Her work has been recently presented at the Carpenter Center for the Visual Arts, Fundacion Botin, Galeria da Boavista, R4, and The Pipe Factory. Her short film "The Figures Carved into the Knife by the Sap of the Banana Trees" received the Pixelbunker Award for Best Short Film in the National Competition at Indielisboa `14, where it premiered, and has been selected for the Toronto International Film Festival (Wavelenghts)and the New York Film Festival (Projections, former Views of the Avant-Garde). She is a Teaching Fellow and PhD candidate in the Department of Visual and Environmental Studies at Harvard University, a fellow at the Film Study Center, and is pursuing her MFA in Film/Video at the Milton Avery School of the Arts at Bard College. She lives and works in Lisbon and Brooklyn, NY.
Antoni Pinent
Catalogue : 2010FILM QUARTET / POLYFRAME | Film expérimental | 35mm | couleur et n&b | 9:0 | Espagne | 2008
Antoni Pinent
FILM QUARTET / POLYFRAME
Film expérimental | 35mm | couleur et n&b | 9:0 | Espagne | 2008
en PDF dans le dossier catalogue 2009-2010
en PDF dans le dossier catalogue 2009-2010
Pink Twins
Catalogue : 2011Defenestrator | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 8:30 | Finlande | 2008
Pink Twins
Defenestrator
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 8:30 | Finlande | 2008
A spectacle of grandiose spaces, monumental halls and majestic architecture. Overpowering architectural constructions disintegrate, deform and transform into a flowing stream of lava, creating new distorted spaces as building blocks of a new order.
Pink Twins, brothers Juha (b.1978) and Vesa Vehviläinen (b.1974) are Helsinki-based visual artists and musicians working with digital music and video. The video works by Pink Twins are usually processed on Framestein, a video software developed by Juha, and combined to a soundtrack of Pink Twins music. Live Pink Twins deliver improvised digital soundscapes, often with video screenings.
Catalogue : 2007Live Paris Villette | Performance | 0 | couleur | 40:0 | Finlande | 2006

Pink Twins
Live Paris Villette
Performance | 0 | couleur | 40:0 | Finlande | 2006
Pink Twins est un duo d'artistes musiciens et vidéastes, constitué par les frères Juha et Vesa Vehviläinen, originaires d?Helsinki, en Finlande. Actifs depuis 1997, les Pink Twins se sont produits en Europe et en Asie, dans des festivals, des clubs, des musées, des églises et des manifestations en plein air. Fondée sur l?improvisation et la collaboration symbiotique des deux frères, la musique des Pink Twins est un ensemble chaotique d?explosions sonores, de mélodies et sons très élaborés. Dans leurs concerts, les Pink Twins créent un mur de sons, complexe, en perpétuelle mutation, et visent une expérience à la fois physique, mentale et spatiale. Les Pink Twins introduisent souvent des projections vidéo dans leurs concerts. Créées la plupart du temps à partir d?un logiciel qu?ils ont eux-mêmes inventé, leurs vidéos sont abstraites et picturales, oscillant entre des compositions formelles et de violentes tempêtes informelles de pixels.
Pink Twins is a duo of musicians and video artists, brothers Juha and Vesa Vehviläinen from Helsinki, Finland. Active since 1997, Pink Twins have displayed their video works and played their music to audiences in Europe and Asia, in festivals, art spaces, clubs, churches, and outdoor events. Mostly created with their self-made software, Pink Twins' video works are abstract and painterly, from formal compositions to extremely fast shapeless pixel storms. Music of Pink Twins, based on improvisation and the brothers' symbiotic collaboration, is a chaotic whole of intense soundbursts, melodies, and infinitely detailed sounds. In their concerts, Pink Twins create a constantly changing multi-layered wall of sound, and aim for a physical, mental, and spatial experience. The live music is normally accompanied by video projections. During 2005 and 2006 Pink Twins performed actively in Europe and Asia. Their most notable performances have been the Venice Biennial Music Festival and a tour in China. Pink Twins has also had several solo and group exhibitions, for example, in Sweden, Luxembourg, China, and Mongolia. Pink Twins have released five CDs on their own label Pink Twins Media. A double DVD compilation will have been released in late 2006.
Catalogue : 2007Splitter | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:0 | Finlande | 2006

Pink Twins
Splitter
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:0 | Finlande | 2006
"Splitter" est un macrocosme de flots de couleurs entremêlées, l'univers numérique d'une surface en perpétuelle transformation. Créé à partir de simples photos de satellite et transformé en un paysage complexe et richement détaillé, le mouvement statique de "Splitter" donne naissance à un espace sacramental qui joue avec les différents niveaux de notre perception et de notre conscience.
Pink Twins est un duo d?artistes musiciens et vidéastes, constitué par les frères Juha et Vesa Vehviläinen originaires d?Helsinki, en Finlande. Actifs depuis 1997, les Pink Twins ont montré leurs vidéos et joué leur musique en Europe et en Asie, dans des festivals, des espaces dévolus à l'art, des clubs, des églises et des manifestations de plein air. Créées la plupart du temps à partir d?un logiciel qu?ils ont eux-mêmes inventé, les vidéos sont abstraites et picturales, oscillant entre des compositions formelles et de violentes tempêtes informelles de pixels. Fondée sur l?improvisation et la collaboration symbiotique des deux frères, la musique des Pink Twins est un ensemble chaotique d?explosions sonores, de mélodies et sons très élaborés. Dans leurs concerts, les Pink Twins créent un mur de sons, complexe, en perpétuelle mutation, et visent une expérience à la fois physique, mentale et spatiale. La musique est généralement accompagnée de projections vidéo. En 2005 et 2006, les Pink Twins se sont produits en Europe et en Asie. Les évènements les plus importants furent le Festival de Musique de la Biennale de Venise et une tournée en Chine. Les Pink Twins ont aussi participé à plusieurs expositions personnelles et expositions de groupe, notamment en Suède, en Chine et en Mongolie. Ils ont sorti 5 CD sous leur propre label Pink Twins Media. Une compilation en double CD sortira fin 2006.
Catalogue : 2007Splitter 2 | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 10:0 | Finlande | 2006

Pink Twins
Splitter 2
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 10:0 | Finlande | 2006
"Splitter 2" est une épopée de science-fiction abstraite, dans laquelle des photos de satellite prises à partir de la surface de la Terre sont transformées en un courant cosmique. "Splitter 2" donne à voir un espace statique, gelé, mouvant et se transformant, dans lequel la matière, la lumière et la couleur s'entremêlent avec l'obscurité du néant pour faire émerger un nouvel univers.
Pink Twins est un duo d?artistes musiciens et vidéastes, constitué par les frères Juha et Vesa Vehviläinen originaires d?Helsinki, en Finlande. Actifs depuis 1997, les Pink Twins ont montré leurs vidéos et joué leur musique en Europe et en Asie, dans des festivals, des espaces dévolus à l'art, des clubs, des églises et des manifestations de plein air. Créées la plupart du temps à partir d?un logiciel qu?ils ont eux-mêmes inventé, les vidéos sont abstraites et picturales, oscillant entre des compositions formelles et de violentes tempêtes informelles de pixels. Fondée sur l?improvisation et la collaboration symbiotique des deux frères, la musique des Pink Twins est un ensemble chaotique d?explosions sonores, de mélodies et sons très élaborés. Dans leurs concerts, les Pink Twins créent un mur de sons, complexe, en perpétuelle mutation, et visent une expérience à la fois physique, mentale et spatiale. La musique est généralement accompagnée de projections vidéo. En 2005 et 2006, les Pink Twins se sont produits en Europe et en Asie. Les évènements les plus importants furent le Festival de Musique de la Biennale de Venise et une tournée en Chine. Les Pink Twins ont aussi participé à plusieurs expositions personnelles et expositions de groupe, notamment en Suède, en Chine et en Mongolie. Ils ont sorti 5 CD sous leur propre label Pink Twins Media. Une compilation en double CD sortira fin 2006.
Catalogue : 2006Pink Twins Live | performance | | | 35:0 | Finlande | 2005

Pink Twins
Pink Twins Live
performance | | | 35:0 | Finlande | 2005
PINK TWINS est un duo d'artistes multimédias parmi les plus novateurs actuellement. Invité à la Biennale de Venise cette année où ils ont donné un concert exceptionnel au Théâtre de la Fenice début octobre, PINK TWINS est formé par les frères Juha et Vesa Vehviläinen, nés en 1978 et 1974. Ils vivent et travaillent à Helsinki. Ils collaborent depuis 1997. Artistes plasticiens s?exprimant au travers d?entités sonores et, parallèlement, artistes sonores qui s?expriment au travers du visuel, les PINK TWINS ont construit un tissu de connections entre leur travail sonore et leur travail visuel, essayant de joindre intimement des fragments du quotidien a priori disjoints. Ils partent de fragments d?images, de sons, de sensations auxquels notre existence est soumise quotidiennement, pour les décomposer en petites particules, et les réunir à nouveau dans des constructions audacieuses qui partent du chaos, le pulvérise et le rende abstrait, selon une sensibilité artistique unifiée. Les particules multiformes sont insérées dans des combinaisons chromatiques étonnantes et des collusions sonores fascinantes, qui, à la différence du chaos auquel nous sommes soumis quotidiennement, est abouti, et correspond à une profonde nécessité, sans aucun superflu. Ils travaillent sur l?expérience physique de perception des sons, et la sensibilité temporelle, fabriquent des sons abstraits, des bruits, qui ont une part active dans l?acte d?écoute. Ces dernières années, grâce au développement des technologies numériques, l?assemblage des sons a dépassé les limites du médium audio, pour déborder sur des espaces et des visions, modifiant ainsi la perception de l?espace lui-même. Le background des PINK TWINS dans les arts visuels, et la création du logiciel Framestein par Juha, les a certainement aidés à se déplacer vers une organisation visuelle du temps, du son et de l?espace.
Pink Twins (brothers Juha and Vesa Vehvilainen from Helsinki) have been working together since 1997. Working as computer musicians and video artists, Pink Twins perform live as well as show video and sound installations in exhibitions.
Pink Twins
Catalogue : 2009Pink Twins Live | 0 | 0 | | 30:0 | Finlande | 2008

Pink Twins
Pink Twins Live
0 | 0 | | 30:0 | Finlande | 2008
Les Pink Twins travaillent au croisement de l'art visuel et de la musique. Leur traitement par ordinateur des images et du son, qui procède souvent grâce à des logiciels qu?ils ont développés eux-mêmes, se concentre sur la perception humaine, sur ses fonctionnalités et ses limites. Dans leurs exécutions publiques, les Pink Twins mélangent de la musique électronique live à un mixage live d??uvres vidéo. La musique des Pink Twins est basée sur l'improvisation de sons, constitués de sonorités concrètes et électroniques, de bruits et d?éléments musicaux. Le mixage des sons et des projections vidéo provoque une expérience du temps et l'espace hyperactive, extrêmement minutieuse et en constante évolution.
Les Pink Twins sont formés des frères Juha et Vesa Vehviläinen. Ces musiciens et artistes vidéo, qui vivent à Helsinki , construisent un tissu de liens entre leur travail sonore et leur travail visuel, en essayant de joindre de façon intime des fragments quelconques, habituellement disjoints. Ils travaillent à partir de fragments d'images, de sons et de sensations auxquels est soumise notre vie quotidienne, afin de les décomposer en petites particules et de les réunir à nouveau dans des constructions audacieuses formées à partir du chaos, en les pulvérisant et les rendant abstraits, selon une sensibilité artistique unifiée. Leurs concerts sont de surprenantes combinaisons chromatiques, avec de fortes collusions sonores qui correspondent à un besoin profond, et ne sont en rien superflues. Actifs depuis 1997, les Pink Twins ont donné des concerts en Europe, en Asie et dans le continent américain, dans des festivals, des musées d'art, des clubs, des églises et des manifestations en plein air. Ils ont présenté leurs travaux vidéo dans tous les continents.
Catalogue : 2006Box | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 8:0 | Finlande, Fidji (Îles) | 2004

Pink Twins
Box
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 8:0 | Finlande, Fidji (Îles) | 2004
Box is based on photographs from Tunguska, Siberia, where a large area of land was destroyed when a huge meteorite exploded above the ground in 1908. The video is a slow composition, where landscape images go through several stages of transformation. The video material which was further developed into "Box" was originally made for a stage version of Stalker, produced by Circus Maximus at Helsinki City Theater in 2003.
The Finnish duo Pink Twins, the brothers Vesa and Juha Vehviläinen, started to work together in 1997. Since then they have been exploring visual and sonic noise combined in a most physical experience. Sampling the everyday images and tearing them apart to pixels then putting them together again to a chaotic and blasting unity. In Pink Twins` music and video works "the logical and analytic thematic developments surrender to the frenetic and non-repetitive information overflow.
Jörg Piringer
Catalogue : 2006SIG/B | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:0 | Autriche | 2005

Jörg Piringer
SIG/B
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:0 | Autriche | 2005
Jörg Pringler est né en 1974, et vit actuellement à Vienne en Autriche. Pringler est membre de l´institut pour la recherche trans-acoustique et du vegetable orchestra (l´orchestre de légumes/das erste Wiener gemüseorchester). Il a étudié à la Schule für Dichtung à Vienne, et a obtenu un Mastère en informatique. On peut le considérer comme un poète du son.
Sasha Pirker, Lotte Schreiber
Catalogue : 2016Exhibition Talks | Doc. expérimental | 16mm | noir et blanc | 9:0 | Autriche | 2014
Sasha Pirker, Lotte Schreiber
Exhibition Talks
Doc. expérimental | 16mm | noir et blanc | 9:0 | Autriche | 2014
Wenn, wie Walter Benjamin behauptet hat, Gebäude auf doppelte Art, durch Gebrauch und Wahrnehmung rezipiert werden, d.h. taktil und optisch, dann könnte man Sasha Pirkers und Lotte Schreibers Exhibition Talks als Versuch verstehen, diese doppelte Rezeptionsweise ein Stück weit zu entkoppeln. Während auf der Tonspur vom Gebrauch der Ausstellungsräume des Tiroler Architekturforums aut die Rede ist, von den Gegebenheiten der einzelnen Räume und den Möglichkeiten, sie für eigene Bedürfnisse zu adaptieren, liefert die Bildspur fragmentarische, statische und in Schwarzweiß gehaltene Ansichten derselben Räume, die allein schon deshalb im optischen Register verharren, weil sie über die Montage zu keinem kohärenten Raumganzen verbunden werden. Anstatt die Größe der Räume und ihre gebaute Anordnung etwa über einen Rundgang durch das Gebäude zu "erzählen", fängt die Kamera Details der Fassade und der Innenräume ein, die zum einen mit ihren klar gezogenen Linien und den vielfältigen Gelegenheiten zu Ein-, Aus- und Durchblicken von der Formensprache der klassischen Moderne zeugen, zum anderen diese Formensprache einem optischen Spiel von Licht und Schatten, von Grauwerten und Schwarzweiß aussetzen, das die drei Dimensionen des Bauwerks grafisch auflöst. Bestand die Pointe der doppelten Rezeptionsweise von Gebäuden bei Benjamin in der Übertragung auf die Wahrnehmungsbedingungen am Ort des Kinos (Zerstreuung statt Kontemplation), scheint die experimentelle Entkopplung von optischer Wahrnehmung und taktilem Gebrauch in Exhibition Talks einer anderen Logik zu folgen. Obwohl vom Bild strikt getrennt, suchen die Möglichkeiten des Gebrauchs nach Wegen ins Sichtbare. "Normalerweise ist der Eingang hier": Zu sehen ist eine Öffnung, durch die Licht auf eine Wand fällt, während der übrige Raum im Schatten versinkt. Die Öffnung ist ein Fenster, sie könnte aber auch eine Tür sein bzw. ist sie gerade im Begriff, zu einer solchen zu werden. Von solchen Übergängen handelt Exhibition Talks: vom Offenen, vom Beweglichen und Veränderlichen des gebauten Raums. (Vrääth Öhner)
Sasha Pirker was born in Vienna, Austria in 1969 and works there as an artist and filmmaker. She studied Linguistics in Vienna and Paris. From 1995-2000 she worked as a curator of contemporary architecture at the Architecture Center Vienna (Az W). Since 2006 she has been a teaching member in the Video and Videoinstallation department at the University of Fine Arts in Vienna, Austria. Her films are distributed by sixpackfilm Vienna. She had a retrospective “The Thinking Form” at the VIENNALE – International Film Festival in Vienna in 2011 and she is represented in “Breaking Ground – 60 years Experimental Cinema in Austria “, which has toured as a film programme internationally since 2012. In 2010 her film “The Future will not be Capitalist” was part of the competition Orrizonti at the 67th Film Festival in Venice, Italy (Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, Venice/I). Other screenings and exhibitions include: Centre Georges Pompidou “HORS PISTES 2011 – Un Autre Mouvement des Images”, the opening exhibition of 21er Haus/Belvedere Vienna “Greater Prospects”, Anthology Films Archives, New York/USA, Image Forum Festival, Tokyo/JPN, International Documentary Film Festival, London/UK, IFFR International Film Festival Rotterdam/NL, Antimatter Film Festival, Victoria, BC/CDN, Diagonale – Festival of Austrian Film, Graz/A, Istanbul International Short Film Festival, Corona Cork Film Festival/IRL, 25 FPS International Short Experimental Film and Video Festival, Zagreb/HR, VIS Vienna Independent Shorts/A (Audience Award 2008), Iowa City Documentary Film Festival, Iowa/USA, Nashville Film Festival, Tennessee/USA, Dortmund/Köln – Internationales Frauenfilmfestival/D, Cinéma du Réel, Paris/F, Transmediale, Berlin/D, Denver International Film Festival, Colorado/USA, Uppsala – International Short Film Festival/S, and Leeds – International Film Festival/UK.
Sasha Pirker
Catalogue : 2014Paperwork | | | | 15:0 | Autriche | 2013
Sasha Pirker
Paperwork
| | | 15:0 | Autriche | 2013
Factory and office?these two architectural poles characterize Sasha Pirker?s Paperwork. On the one hand is the paper factory in the Italian town of Verzuolo whose largely automated processes the film captures in its first and final thirds in mainly static takes. On the other hand, Paperwork leads us into, around, and through the company headquarters of the Burgo Group, located in San Mauro near Turin, whose production sites include the aforementioned paper factory. The administrative building, which has largely been preserved in its original state, was built in the late 1970s according to plans drawn up by Oscar Niemeyer, a star architect in today?s terms. The building sits in the landscape like an elegant, curved, circular space ship, bearing witness to an era in which the administrative and service sector began to overtake industrial work.
Born in Vienna in 1969. Studied Linguistics. Artist and Filmmaker.Born in 1969 in Vienna, studied linguistics. Teaches at the Academy of Fine Arts Vienna. Video and video installation THINKING THE FORM at the Viennale in 2011. Sasha Pirkeris not just a filmmaker but a philosopher of space: Her architectural explorations of public and private buildings by eminent architects, such as Lautner, Schindler and Niemeyer aren?t documentaries on buildings but dialogues with these structures? social, political and societal dimensions. Pirker?s close look at detail speaks for the whole: with a downright affectionate understanding of space, she looks out from the inside (less often the other way round), foregoes the big picture of overall views for a gaze into interiors, as if into the bowels of utopias and sanctuaries cast in stone. The power of her films is frequently due to the interplay of images and sounds, when, for instance, the weird and wonderful stories told by people off camera make the architectural space come alive with astonishing tales.
Sasha Pirker
Catalogue : 2013THE FACE - Storefront for Art & Architecture | Vidéo | 16mm | couleur | 4:30 | Autriche, USA | 2011
Sasha Pirker
THE FACE - Storefront for Art & Architecture
Vidéo | 16mm | couleur | 4:30 | Autriche, USA | 2011
The face is usually the expressive surface which marks a person`s identity. "Face" does not, however, just refer to the human face, but could also mean the face of a building: the façade that "adorns" a building. In Sasha Pirker`s so-named short film, shot on 16 mm using a hand-held camera, these two meanings come at one another from diametrically opposed positions. On one hand Pirker is trying to show the building as a whole, plucking out individual fragments in an entirely subjective manner; fragments which the viewer then has to piece together. One clue to this interpretation is a quote by the artist Birgit Baldasti which flashes up right at the start: "If I was a poet I?d say that pleasure lies in other people refining your own imagination." On the other hand Pirker selects the clips of the building such that the individual faces of the passers-by remain hidden. In THE FACE all entities, both architectural and human, exist without their primary identifying feature: their face. Metaphorically only the eyes, mouth, nose and ears of the architecture can be seen, while people are generally cut off, or are filmed in silhouette from behind. The framing means that each image in the film just shows a clipping: here, there is no longer any suggestion of anything being shown as a whole. In Sasha Pirker`s view, the architectural elements are also given sculptural accents. At the same time, Pirker juggles with views from within and without, bringing out the limited, snippet-like view and precisely thus firing the imagination. Almost incidentally she also succeeds in connecting the gallery space and the street ? the primary aim of the two men of action Vito Acconci and Steven Holl when they renovated the façade of the Storefront for Art and Architecture (NYC) in 1993. (Dietmar Schwärzler) Translation: Anne Koth
Sasha Pirker, artist/filmmaker, born 1969 in Vienna, Austria. Studies in Linguistics in Vienna/Austria. From 1995-2000 she worked as a curator of contemporary architecture at the Architecture Center Vienna (Az W). Since 2006 she is a teaching member at the department ?Video and Videoinstallation? at the University of Fine Arts in Vienna, Austria. Her films are distributed by sixpackfilm Vienna, www.sixpackfilm.com (selection) 2011 Retrospective ?Philosopher of Space? at the VIENNALE - Vienna International Filmfestival 2010 67. Mostra Internazionale d?Arte Cinematografica, La Biennale di Venezia/I
Catalogue : 2012The future will not be Capitalist | Documentaire | 0 | couleur | 19:16 | Autriche, France | 2010
Sasha Pirker
The future will not be Capitalist
Documentaire | 0 | couleur | 19:16 | Autriche, France | 2010
At the end of the 1960s, when there was still a future, Oscar Niemeyer, living in France, designed the headquarters of the French Communist Party. Sasha Pirker`s film studies the relationships between this building, with its futuristic qualities, and the contemporary situation of political projects, economic realities and aesthetic attitudes. The cinematic means employed are chosen so as to provide various ways of viewing this unusual building as a physical space, an institution or a historical document, thus looking into its aesthetic effect, its practical use or its political and symbolic meaning. The Future will not be Capitalist alternates between sober insights into the everyday working life of those employed at the party headquarters and shots which make reference to the modernist effect of the shapes and materials of Niemeyer`s building. Off-camera, comments and memories related by the administrator of the headquarters lead the viewer through the building, painting a picture of the current politics of a shrunken party constantly reminded of its ideal state by its magnificent headquarters. Text: Christian Kravagna (Translation: Anne Koth)
Born in Vienna in 1969. Studied Linguistics, Artist and Filmmaker.
Catalogue : 2010Once at Miracle Mile | Doc. expérimental | dv | couleur | 9:10 | Autriche | 2009

Sasha Pirker
Once at Miracle Mile
Doc. expérimental | dv | couleur | 9:10 | Autriche | 2009
?Once at Miracle Mile? The Pearl M. Mackey Apartment House in Los Angeles, built in 1939 by Rudolph M. Schindler, is completely compelling to Sasha Pirker. In her work, she doesn?t strive to merely capture architecture on film, nor to simply record and document what she sees, but rather to work with the building itself (albeit in a restrained and respectful way), indeed to map it. Intriguingly, Sasha Pirker takes what would seem awkward in a conventional feature film and makes it her own: the idiosyncratic use of cross dissolves in this short film becomes in fact its main stylistic principle, and ? stunningly ? it works. In ?Once at Miracle Mile,? several calm, steady and yet at times even hesitant circular camera pans are intertwined, playing with the gaze and the expectations of the audience. Into the background of one pan enters a second, although this one refuses to displace the first ? at least not initially ? but rather, the two camera pans exist simultaneously, allowing the viewer?s attention to move between the coming and going of the images, jumping ? no, gliding ? back and forth. A slow-motion dance through the building, a dance with the building, a fusion of inside and out, a simultaneity of views ? as if we were passing the house and just happened to catch a glimpse of ourselves in one of the windows. Why not? Everything is possible at Miracle Mile on this mild Californian afternoon. This film is a declaration of love, made with solemn and tender affection for the house it?s also a remembrance of: Once ? (Bernhard Seiter) Translation: Janet Grau
Sasha Pirker, artist, born 1969 in Vienna/Austria. Studied linguistics and architecture in Vienna. She lives in Vienna. Since 2006 she is a teaching member of the department ?Video and Videoinstallation? at the University of Fine Arts in Vienna.