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Strings (3:39): Basé sur la théorie des cordes, qui dit que les particules élémentaires (comme les protons, les nucléons, les quarks...) sont produits par les vibrations de ce que l'on appelle les cordes. La matière sonore est un enregistrement du choc d'origine (la fréquence est multipliée par 100000).

Courte biographie: Je vis et travaille à Vienne, en partie aussi à Londres. Depuis 2000: Etudes de sciences du théâtre, du cinéma et des médias depuis 2003: Etudes à l'académie d'arts plastiques, masterclass de Peter Kogler (art vidéo infographie) également en 2005: séjour d'un semestre à Londres à la Slade School of fine Art, département: "fine art media". Depuis 2001 en parallèle avec une réflexion théorique sur le cinéma, une approche pratique a suivi. De nombreux travaux ont depuis vu le jour (voir la sélection dans la partie filmographie). En-dehors de mes travaux vidéo, je produis aussi entre autres de plus en plus de photographies, des travaux graphiques (sur ordinateur), des dessins et des images. Ci-joint une liste détaillée des mes participations à des festivals de cinéma ainsi qu'à des expositions. En outre je travaille dans le journalisme spécialisé dans le cinéma pour divers médias. En ce moment je travaille à une installation vidéo ainsi qu'à différents projets photographiques, et à un magazine.

Straddling the line between photography and cinema, Interchange is a near-wordless observational depiction of life alongside a stark and imposing Montreal highway. The film weaves portraits, landscapes, architecture and objects in its reflection on the city’s inhabitants, its traffic jams, the shipping of commercial goods and the nature of time itself. The highway portrayed in Interchange is less the subject of the film than its organizing structure: a large concrete heart, whose arteries intersect with the landscape and its residents in often startling ways, and serve as the framework for an extended meditation on the individual and their surroundings in the post-industrial age.

The films of Brian M. Cassidy and Melanie Shatzky have screened at the Berlin, Sundance, Toronto, Locarno and Rotterdam film festivals, The Museum of Modern Art, The National Gallery of Art, Le Musée de la Civilisation, ICA London, The Museum of the Moving Image and Lincoln Center. In 2012, they were nominated for a Gotham Award for Breakthrough Director and won Best New Director from Québec/Canada at the Montreal International Documentary Festival (RIDM). Their feature debut, Francine, was called “a small gem of bleak neorealist portraiture” by The New York Times and was selected as a New York Times Critics` Pick. Their documentary, The Patron Saints, was called "one of the most powerful Canadian documentaries of recent years" by POV Magazine. Cassidy & Shatzky also maintain an active photography practice and have had their work featured in ZeitMagazin, GUP Magazine, Der Greif, It`s Nice That, Wired, and FlakPhoto, among others. In 2015, The Montreal International Documentary Festival (RIDM) invited the duo to guest curate "A Photographer`s Eye: Photography & The Poetic Documentary", a special program about the intersection of photography and documentary film, which was showcased at La Cinémathèque Québécoise. Both Cassidy & Shatzky hold an MFA from The School of Visual Arts in NYC.

And on a Different Note is a navigation of an attempt to carve out a personal space amid an inescapable sonic shield created primarily by prime time political talk shows with their indistinguishable, absurd and at times undecipherable rhetoric/ noises. Equally repulsive and addictive, these noises travel across geographies gradually constituting an integral part of a self-created map of exile.

Mohammad Shawky Hassan studied philosophy, film directing and cinema studies at The American University in Cairo, The Academy of Cinematic Arts & Sciences and Columbia University. His films include balaghany ayyoha al malek al sa’eed/ it was related to me (2011), On a Day like Today (2012) and Wa Ala Sa’eeden Akhar/ And on a Different Note (2015). He presented film programs at the Oberhausen Short Film Festival, Anthology Film Archives, The New York Public Library and UnionDocs, and was running the Network of Arab Arthouse Screens (NAAS)till 2016.

Ethel Garden, Lucy Mills and Violet Winstone, women of means in 1930?s New Zealand use 16mm film cameras to document their lives and surroundings. Incidental to this act, a psychic tracery is drawn of simultaneous moments. The intimacy of their home movie making has been edited and re- assembled into a study of a landscape - internal, physical, cultural - and these women`s place within it. The addition of sound looks to support a cinematic treatment of the images by drawing on traditional aspects of film sound design but reducing the usual combination of elements (ambience, music, Foley, sound effects, dialogue) to selected singular layers - the musical sequences drawing on silent movie?s tradition of theatre cinema organ music, the emotive devices of gothic film noir, progressively reduced to sound effect gestures, coloured ambience and back to silence, implying a selective listening/remembering of history.

Rachel Shearer is a sound artist based in Auckland, New Zealand. A history in a range of sound practices and their relationship with moving image informs her work. Active as a performing and recording musician since the late 1980?s, Rachel has released material internationally with well-known music labels, (Xpressway (NZ), Flying Nun (NZ), Ecstatic Peace (US), Corpus Hermeticum (NZ), Family Vineyard (US) among them. Rachel trained in Cologne, Germany in live sound engineering, subsequently working freelance in both live sound and in post-production audio for film and television. She has sound designed and composed for a number of NZ award winning features and short films. Her most recent sound art commissions include permanent site-specific sound installations in New Zealand.

"Ovaryange tji veya / Quand les invités arrivent" parle de la relation entre Rina Sherman, réalistrice et éthnographe et une famille Omuhimba avec laquelle elle a vécu pendant sept ans. Elle a filmé et photographié leur quotidien et les rituels rythmant leur vie. Arrivée à mi-chemin dans son exploration, elle présenta une exposition multimédia "The Ovahimba Years : Work in Progress", à Windoek, Namibie. Un groupe appartenant à la société d´Etanga prit part à l´exposition. Le film explore l´évolution des relations qui ont conduit à l´exposition, montre le goupe des jeunes gens découvrant la manière dont leur héritage culturel est représenté à l´exposition, présente des performances faisant partie intégrante du programme, et montre les discussions et conséquences qui sont ressorties de l´exposition une fois que tout le monde était rentré dans le pays Ovahimba. Le film "Ovaryange Tji Veya" parle d´une anthropologue in situ, et évoque des notions clés du travail sur le terrain, comme la nature du lien observateur et observé, l´observateur observé, anthropologie participative et émotion comme vecteurs ou obstacles au travail sur le terrain.

RINA SHERMAN naît en Afrique du Sud. Elle s´exile et en 1984 s´installe en France où elle vit et travaille depuis. Elle obtient la nationalité française en 1988. Musicienne de formation, elle joue au théâtre et travaille à la télévision sur les mélangeurs vidéos avant de se tourner vers la réalisation. En 1990 elle obtient un doctorat à la Sorbonne, supervisée par Jean Rouch. Son premier roman, "Uitreis" (Partir) est publié en Afrique du Sud en 1997 et à reçu les acclamations de la critique. Écrivaine, réalisatrice et anthropologue, Rina Sherman a été à l´origine de plusieurs projets culturels. Elle était directrice audiovisuelle lors de la manifestation "South Africa : Music of Freedom", à la Villette en 1995. Elle à reçu le prestigieux Prix français Villa Medicis Hors Murs qui lui a permis d´entreprendre des recherches dans les archives des films de la région Sud-Africaine. En 1996 elle met en place la visite de Jean Rouch dans les universités Sud-Africaines, en collaboration avec l´institut français en Afrique du Sud et l´ambassade française en Namibie. En 1997 le ministère des affaires étrangères français lui octroie la Bourse de recherche Lavoisier pour son projet "The Ovahimba Years", un programme de recherche multi-disciplinaire et longue durée (art pictural, traditions orales, vidéos, films, photos) dont le but est d´élaborer une trace vivante de l´héritage culturel Ovahimba. Sur une période de sept ans, Rina Sherman a filmé et photographié des aspects du quotidien et des rituels Ovahimba. En 2002, au centre culturel franco-namibien de Windoek, elle présente une exposition multimédia,"Work in Progress". En 2003 elle étend ses recherches vers le Sud-Ouest de l'Angola ; elle a par conséquent couvert la totalité de l´héritage culturel socio-linguistique. Elle se consacre actuellement à l´écriture et monte des films sur ses sept ans passés avec les Ovahimba. Le projet a été emcouragé par le ministère français des Affaires Ètrangères, plusieurs Ambassades de l´Union Européenne, la Fondation Ford et de nombreux sponsors privés.

Endless est une méditation sur l´inévitable détérioration de certaines valeurs traditionnelles qui ont été établies (ou détruites) à travers les civilisations. Ce récit élégiaque utilise la représentation symbolique des éléments naturels pour transmettre l´inévitabilité du souvenir de l´érosion culturelle et sociale, et met en place un niveau de texture qui affronte par contraste les aperçus elliptiques des images, séparant le spectateur du passé. La flamme, image récurrente, n´est pas altérée par le pouvoir d´érosion du réseau mis en place, dans une ultime allusion au pouvoir de la nature.

Wenhua Shi, qui a étudié la médecine en Chine, a abandonné cette discipline et a commencé a travailler pour la radio et la télévision dans sa ville natale de Wuhan. Fin 2000 il part au Colorado pour étudier avec le monstre sacré du film Stan Brakhage et Phil Solomon, en débute la réalisation et commence à explorer le film en tant que medium à l´université du Colorado, Boulder (BA & BFA, correspondant à une licence et un Master), et à l´Université de Californie, Berkeley. Ses films ont été projetés à la Pacific Film Archive, Smithsonian Freer Gallery of Art et la galerie Arthur M. Sackler, le Musée National du Film, de la Photographie and de la Television (GB) , Musée d´Art contemporain de Denver, Académie du Film de Pekin, The Jack Kerouac School of Naropa University et des dizaines de festivals internationaux du film dont Rotterdam, Bradford, Mexico etc., où ses oeuvres ont été distinguées par des prix d´honneur. Il travaille une approche poétique de la réalisation, et traverse la frontière entre style narratif et expérimental. Il est très impliqué dans des projets son (Chinese New Ear / réalisateur: Dajuin Yao), et est également commissaire de FLickercafe, une projection expérimentale mensuelle à Boulder, Colorado, dans son époque post-Stan Brakhage.

The script is written according to a conflagration which happened years ago in Treasure Hill. Through photo documents and interviews with residents, one can relate various images of fire to the past lifestyles of residents, whether it be fire accidents, bonfires, or fires for the purpose of producing light and warmth. These flickers of light can be seen as historical signifiers, linking together all the different people and memories belonging to this land. At present, Treasure Hill has been transformed and regenerated as an Artist Village. How to recollect the historic local memories and let them permeate into the present or even the future through the practice of contemporary art is a major issue that challenges us today. To this date, the flames of Treasure Hill have not yet ceased and are continuing to spread. Through various forms of fire (light) and images, it allows us to "see / illuminate" the different textures of Treasure Hill.

I regard the special textures present in our daily life, seeing them as in Walter Benjamin?s discourse, fragments and reflection of a complete structure, a whole world. My works are organic documents attempting to inquire and contemplate ever-changing warped messages. They do not only focus on one direction. Painting, photography, performance, audio/ video, installation, happenings can all be part of a creation thrown to public arenas awakening its refraction and feedback. Through the process of creating and interacting with spectators and communities, the fragmented, fissured, and forgotten history can be restored or even fictionalized. It is about seeking one?s identity, residence, hometown, and city; those long forgotten, unseen ghosts.

journal intime «Mon travail se base sur des interventions parasitaires dans l`espace public, à travers l?observation, l?expérience et le souvenir des comportements humains. Les actions que je realise en transforment le sens, interrogeant l?usage et les relations des gens à leur environnement. Ce que je réalise est un constat teinté d?humour. Je travaille comme un voyageur, sans atelier fixe. Mon activité artistique dépend de l?endroit où je me trouve et permet d?identifier cet endroit. Je suis autonome, mon atelier est mobile. Il est primordial pour moi d?envisager les villes du monde entier, comme des lieux de création, de jeu et de me confronter aux différents modes de vie et différents codes sociaux.»

Shingo Yoshida est né le 18 avril 1974 à Tokyo. Il entre en 1999 à la Villa Arson à nice où il se consacre au son ainsi qu`a la vidéo.Il en sort en 2004 avec les félicitations du jury. Puis il emménage à lyon où il fait un post-diplome en Art , suite à quoi il intègre le programme La Seine des beaux arts de Paris (2005). Depuis Shingo Yoshida voyage à travers le monde dont il a fait son atelier, adaptant sa pratique à l endroit où il se trouve, il est pour lui primordial d` envisager les villes du monde entier comme des lieux de création, de jeux et de se confronter à différents modes de vie et différents code sociaux ce dont son travail se nourrit

One lone hand clenched in a fist in the air (Real natural) is part of a series of video and sculptural work exploring how human relationships to nature are actualised through cultural means, in an age of digital, ecology and networks. It is an exploration of the discourse involved in questioning the distinctions between a symbolic relationship and a ?traditionally? meaningful (often read as ?material?) one, or what engagements are truly possible. Simultaneously, it is in dialogue with taste, and the distinctions between ?valid? and poor tastes. It consists of shards of information, processed and reprocessed, hashed and spun together; some heightened, some pushed towards abstraction. Intentionally amateurish, it is part karaoke atmosphere video, part QVC sales pitch, part manifesto, part pop-philosophy.

Takeshi Shiomitsu is an artist living in London, working in video and sculpture.

In memory of ancient humans, God issued commandments to Moses on Mount Sinai and said, "can not kill." However Nietzsche tells us that God has been dead already. Human beings created God, but also exterminated God. We childbirth themselves, but also slay ourselves.

Ding Shiwei was born in Heilongjiang Province and graduated from China Academy Of Art with BFA in 2012. He currently lives and works in Hangzhou, China. Main in Experimental Animation, Experimental Video. His works were presented in Montreal Museum of Fine Arts, Quebec, Canada; Li Xianting Film Fund, Beijing, China; OCAT Contemporary Art Center, Shenzhen, China; A4 Contemporary Art Center, Chengdu, China. His works had been selected out in the international competition section and media art section of Tampere Film Festival; Up and coming Int. Montreal International Film Festival of Films on Art; Image Forum Film Festival in Japan. His works were collected by Li Xianting Film Fund, Beijing, China.

"Dans 'Cabinet', Tim Shore est à la recherche d'un message dérangeant à travers les grands espaces du paysage américain. Un assemblage de photos trouvées, de reconstruction digitale et de textes forme une réflexion sur l'identité, la technologie et le territoire. Les fragments d'images et de sons recueillis par Shore évoquent d'eux-même les mythes de l'Amérique, le souvenir de sa guerre, ses prairies et le chant des oiseaux. Cependant, ce tableau est assombri par l'ombre obscure de l'Unabomber (mathématicien et terroriste américain) dans sa cabane forestière, et par le son répétitif de la machine à écrire, une référence non seulement au manifeste destructeur du personnage mais aussi au progrès dispersé de la technologie". -Lucy Reynolds

Tim Shore a obtenu son diplôme d'animation au Royal College of Art en 2002. Son film de fin d'études, 'Rosabelle Believe', a été projeté à des festivals tout autour du monde, dont celui de Rotterdam, de Los Angeles et à l'European Media Art Festival Osnabruck. 'Keepsake' (2004), qui traite de l'engloutissement de l'Elan Valley, a été commandé par la Channel 4 Wales. Dans son film le plus récent, 'Cabinet' (2006), il s'intéresse à l'évolution du progrès technologique et à son impact souvent ambivalent sur la société et l'individu. Il a été récompensé par le Second Prize à la Transmediale 2007, à Berlin, et les autres centres de projection incluent l'Impakt Festival, à Rotterdam; le Centraal Museum, à Utrecht; le New York Video Festival, au Lincoln Center; la Courtisane, à Ghent; la Media City, à Windsor, Ontario; et l'Alternative Festival, à Belgrade. Les films de Tim Shore sont issus d'une période de recherche consciencieuse, souvent sur des thèmes sociaux et historiques. A travers ce long processus, Shore désire recueillir des récits subtils, précis et engageants sur des événements historiques. Il utilise souvent dans son oeuvre des supports d'archives, dont des photographies, des films et des sons. Tim est Directeur d'Animation au London College of Communication, à l'University of Art de Londres.

A dreamer who doesn't sleep at night and builds aquariums at day creates himself a microcosmos at home, so he would never have to go out again.

Daria Shoshani (b. 1998) is a multimedia artist born in Jerusalem and based in Rome. Her practice includes sculpture, video, painting, and printmaking. Her works are a confessional research of how immaterial aspects of existence such as ephemerality, heritage, politics and location interact with the material figure. As the semiotic interaction is retelling narratives by intertwining the mundane with the oneiric. Daria has graduated from the Hebrew University of Jerusalem in the department of general and comparative literature, and has an MFA in sculpture and installation done in Rome University of Fine Arts. She has participated in various exhibitions in recent years (e.g MAXXI museum, Fondazione Pastificio Cerere, Export Gallery), and was published in numerous magazines (e.g Granata, Portfolio magazine, Dito Publishing, Ha’aretz, Institute for Israeli Art).

A land of disaster and death, a land of Mourn, the political domination, social, cultural confliction are extreme , when the tragic events happen one after another and sufferings of people knows no bound , all these issues are never questioned. What are the connection do the people hold with nation?

Rafiqul Shuvo was born in 1982 in Dhaka, Bangladesh. He was from a national cricket academy and initially started his career as a cricketer but later on he moved in the field of visual arts and studied sculpture (B.F.A and M.F.A) in Dhaka University Faculty of Fine Arts .Back in 2012 he curated a major show named “Only God Can Judge Me” an art event in a abandoned factory which ran parallel to the Dhaka Art Summit. In the following year 2013 he curated another collective multimedia and avant-garde show called Mourn. He is the founder of ‘OGCJMart’ a non-organizational collective. He has, over the last ten years, participated in numerous exhibitions at home and abroad. He is a conceptual artist works in various media his practice mainly focusing on paintings, sculptures, videos and photography. Recently he is making several videos and finished working on of his first film.

‘Timelessness’ is the key of this video. The quality is not referring to ignore time rather; it’s capacity to ignore the influence of Time-a vital ruler of our life. Every era carries thousands of master pieces. With the passage of time, number of pieces of a particular era reduces for less occupancy to the people of the following era. It’s because the time changes reality. What can travel more must less influenced by time. From the first human to now, what is still constant? –Human body and Nature. The video is about relationship of body with nature. Figure used in the video represents only body; actions are natural. The actions of figures are in playing mode, the purpose is absent but the pleasure is inevitable. The purposeless is meaningless- The truth that we are here and will not be. The audio exactly carries the screaming of the truth of that we are passing. The video with creates insecurity as it demolishes meaning of security. A very melancholic feeling of death but hints how to face? And finally how it brings color to life? The ending commentary- ‘Body is for usage…..’-depicts how the video is “Optimistic about nothing”.

Rafiqul Shuvo was born in 1982 in Dhaka, Bangladesh. He was from a national cricket academy and initially started his career as a cricketer but later on he moved in the field of visual arts and studied sculpture (B.F.A and M.F.A) in Dhaka University Faculty of Fine Arts. Back in 2012 he curated a major show named “Only God Can Judge Me” an art event in a abandoned factory which ran parallel to the Dhaka Art Summit. In the following year 2013 he curated another collective multimedia and avant-garde show called Mourn. He is the founder of ‘OGCJMart’ a non-organizational collective along with his 12 artist friends. He works with his OGCJMart friends and he helps to develop and promote their works. He has, over the last ten years, participated in numerous exhibitions at home and abroad. He is a conceptual artist works in various media his practice mainly focusing on paintings, sculptures, videos and photography. Recently he is making several videos and finished working on his first film.

Sur quels fondements les sociétés se construisent-elles? Pourquoi créons-nous des règles et pourquoi les suivons-nous? Quels risques lorsque les systèmes s’effondrent? Ce sont les questions que posent les deux protagonistes du film Hérésies; un juge ecclésiastique luttant contre le protestantisme en 1689 et un scientifique du 20ème siècle reconnu pour sa contribution aux recherches sur le chaos. Le prêtre et le scientifique progressent dans le récit comme nous circulons dans un rêve. Ils nous ouvrent leurs mondes, nous proposent leurs visions faites de mouvements célestes et de mécaniques naturelles, de paysages hostiles et fascinants, d’animaux mystérieux et inquiétants. Un récit à la fois historique, scientifique, et métaphorique se tisse dans un réseau d’images et de voix pour créer ce qui pourrait s’appeler une fable documentaire .

Née le 28 juin 1983 à Reims, Ludivine Sibelle a étudié la photographie et la vidéo entre 2004 et 2009 à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, à Bruxelles. En 2012, elle entre au Fresnoy, Studio national des arts contemporains, où elle réalise son premier film, un court-métrage entre documentaire et fiction qui s’intitule « Le sacrifice des géants ». Ce film peut se voir comme le premier chapitre d’une vaste réflexion entreprise par l’artiste sur la question des croyances et des fondements mythologiques de nos sociétés contemporaines. Cette recherche se prolonge à travers la réalisation d’un second court-métrage, Hérésies. Le film s`appuie sur deux récits, l`un scientifique, l`autre religieux et historique, créant une dialectique comme prétexte à s`interroger sur la complexité des systèmes, ceux de la nature, des planètes, mais aussi et surtout, ceux des hommes.

Un crépitement léger accompagné d`une voix muette, nous emmènent à travers une série de paysages froids et désolés, au sein desquels se regroupent des silhouettes portant des torches. Ils accomplissent des rituels dont on ne distingue ni le sens ni l`objet. Lorsque la lumière du jour revient, il ne reste que des débris. Le sacrifice des géants est une fable documentaire qui traite de la disparition des mythes dans nos sociétés contemporaines, à travers l`observation de rites populaires.

Après trois années d`études à l`Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués Duperré, à Paris, Ludivine Sibelle a étudié la photographie et la vidéo à l`Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, à Bruxelles, entre 2004 et 2009. Sa pratique artistique oscille du dessin à la vidéo, en passant par la photographie, et plus récemment l`installation. En 2012, elle entre au Fresnoy où elle réalise son premier film, un court-métrage entre documentaire et fiction qui s`intitule Le sacrifice des géants.

Il y a une table rouge pliante avec autour, des soldats vêtus de noir. La table rouge est le personnage principal du film. Les soldats en sont les accessoires. Il n?y a pas d?armes, mais des tubes noirs. Pas de corps, mais des housses noires à fermeture éclair. Le film se déploie et se déplie autour de la table, et la forme M., quelque part, est forcément quelque chose.

Raphaël Siboni est né en 1981. Il est diplômé des Beaux Arts de Paris. Il travaille et vit quelque part entre Paris et Roubaix. Entré en résidence au Fresnoy, Studio National d?Arts Contemporains, il travaille actuellement sur plusieurs projets, tel que le Kant Tuning Club.

Le 10 septembre 1992, leurs Majestés le Roi Juan Carlos et la Reine Sofia ont inauguré la collection permanente du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS). Ce qui n?avait été jusqu'alors qu?un endroit où se tenaient des expositions temporaires est devenu un véritable musée où les collections devaient être d?entretenues, développées et d?exposées. Le bâtiment dans lequel se trouve le MNCARS a été construit des années auparavant. En 1556, lors du règne de Felipe II, on a décida de rassembler tous les différents centres et hospices, éparpillés dans la ville de Madrid, en un même endroit, et trente ans plus tard, pendant le règne de Felipe III, le premier refuge fut ouvert Place Sainte Isabelle. D?autres installations furent ensuite ajoutées à ce refuge, comme l?Hôpital de Santa Catalina et l?Hôpital de la Pasión et on appela le complexe qui en résulta Hôpital General. Durant la deuxième moitié du 18ème siècle, après quelques difficultés, Carlos III chargea l?architecte Fransisco Sabatini de reprendre un projet d?hôpital qui initié par Hermosilla et conçu sous le règne de Fernando VI. Cependant, Sabatini ne parvint pas à terminer le projet et ne réussit à construire qu?une partie de ce qui avait été prévu dans les plans d?origine. Depuis cette époque, l?hôpital a subi différents ajouts et modifications et a été épargné de démolition grâce à un Décret Royal de 1977 qui l?a classé parmis les monuments historiques et artistiques nationaux. En 1980, Antonio Fernández Alba commenca les travaux de restauration et à la fin de l?année 1988, José Luis Iñiguez de Onzoño et Antonio Vásquez de Castro mirent la touche finale aux modifications, dont trois tours d?ascenseur de verre et d'acier qui avaient été conçues en collaboration avec l?architecte britannique Ian Ritchie particulièrement intéressantes. Deux ans auparavant, en 1986, certaines parties du bâtiment, qui était alors connu sous le nom de Centro de Arte Reina Sofia, furent ouvertes et seulement utilisées à cette époque pour accueillir des activités temporaires sous l??il vigilant de Carmen Giménez, directrice du Centre National des Expositions du Ministère de la Culture. Peu après, en 1988, un Décret Royal transforma le centre en musée national afin de remplacer l?ancien Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC). Le premier directeur de l?institution, qui occupa ce poste de juin 1988 à décembre 1990, fut Tomás Llorens. Le 28 décembre 1990, Maria del Corral prit la relève en tant que directrice. En septembre 1994, un nouveau directeur fut nommé : José Guirao Cabrera dirigea le centre jusqu?en mai 2000, date à laquelle il fut remplacé par Juan Manuel Bonet qui fut lui-même remplacé en juin 2004. Depuis le 7 juin 2004, c?est Ana Martinez de Aguilar qui occuppe le poste de directrice du musée.

Berta Sichel dirige le département audiovisuel du Museo Nacional Centre de Arte Reina Sofia (MNCARS) qui se trouve à Madrid, en Espagne.

Installation Synopsis: Great Bear Money Rock traces how the land and the life of local Indigenous communities overlap. The Lake Is a Cup (16mm film, 2021) considers the material memories retained by the lake: What stories may be told by these waters if we become attuned to this more-than-human body? Made collaboratively, views of the ghost mine, Dél?n?, and the lake, are splintered by projection through a water bottle balanced on a long, narrow prism. Like water, but also like bodies, the film accumulates radioactivity. The installation is permeated by the mechanical sounds made by the projector in an almost-organic cadence that constantly brings us back to our own bodies. Retracing the narratives conserved in the waters of the lake and in the rocks strewn around the landscape, Great Bear Money Rock exposes the imperceptible—that which evades our senses but whose effects are nonetheless profoundly physical. Other installation elements of Great Bear Money Rock include a garden of crystals from the site of the mine, enclosed in glass bubbles to contain the weak radioactivity they emit. Even though the glass is fragile, it plays a doubly protective role: it keeps us from contact with the ore, and it preserves the territory in its translucent showcase—territory threatened by human activity. Large-format prints placed on structures show the heaps of stones that cover the abandoned mine. Assembled field recordings, in sync with the projection, inundate these rubbly landscapes.

Erin Siddall (lives in Vancouver, Canada) is a visual artist whose work encourages the viewer into thinking about the embodied experience of looking, beyond the subject at which they are looking. Erin’s practice also considers the photographic representation of the unrepresentable through invisible environmental hazards, hidden histories and traumatic events. She holds an MFA from the University of British Columbia and a BMA from Emily Carr University, both Vancouver, and has shown at venues including the Toronto Biennial of Art; Momenta Biennale, Montreal, the Vancouver Art Gallery; Gallery 44, Toronto; the Burrard Art Foundation Studio, Vancouver; and Nuit Blanche Saskatoon. Ts??m? Igharas (Tahltan First Nation, born in Smithers, Canada) is an interdisciplinary artist. She uses a potlatch methodology to create conceptual artworks and teachings influenced by her mentorship in Northwest Coast formline design at K’saan, her studies in visual culture and her time in the mountains. Ts??m? attended Emily Carr University of Art and Design (ECUAD), Vancouver, and received an MFA from OCAD U, Toronto. She won the 2018 Emily Award for outstanding ECUAD alumni and is one of the twenty-five 2020 Sobey Award winners. She has shown and performed in various places in Canada and internationally in Sweden, Mexico, USA and Chile.

`Her Name is Herman` is a film about longing, masculinity and desire. It follows the true story of a farmer who, in 1976, through a definitive premonition discovered a huge unexploded WWII ‘Herman’ bomb buried deep beneath the ground on the Gower Peninsular in Wales. Weighing one ton and with a length of 2.5 meters this buried and alienated relic of history is seen as an archetype of trauma and the pursuit to reach and defuse it a masculine principle of conquest.

Abigail Sidebotham (b. 1985, Wales) is a multi media artist living in Brighton, UK. Her practice includes works with drawing, text, performance, photography and artist film. She earned her Bachelor of Arts in Photography at Brighton University in 2008 and Fine Art Masters from the Royal College of Art in 2013. Her work has been exhibited internationally in exhibitions such as; HotShoe Gallery, London, Altitude 1000+ Festival, Switzerland, DOX Centre for Contemporary Art, Prague and MART Galleria Civica, Trento, Italy. She has been awarded a number of prizes and residencies, including the Red Mansion residency programme in Beijing, China (2013) and received an honorary mention for her work exhibited at the DOX centre for Contemporary Art with the prize of a residency in Prague, Czech Republic (2014).

Souvenir explores the deserted inside of contemporary 36-hour- minicruise ferry ships between the Netherlands, Germany, Norway and the UK. As a low-budget replica of luxurious Caribbean cruises, the ship is in a constant state of transit, never arriving at a final destination. On board settings and décor bear reference to a European history of seafaring and trade while the actual ocean remains distant – in surveillance monitors, the on-board cinema and panoramic window fronts. A female voiceover is composed out of different interviews with seamen’s widows somewhere in between dialogue and inner monologue, circling around topics of distant love, fake luxury, colonial artifacts and a departure from society’s expectations. Starting from a documentary observation of the inside space, the limits of outer and inner reality become blurred over the course of the film. Single souvenirs as fetishized objects turn into a unified ornament as the point of view shifts from the individual to the collective. The film as a souvenir itself opens up memories of a colonial past, drawing a connection between the ship as the largest arsenal of imagination and the nautic space of the cinema.

As a directors duo they have produced several short films on 16-mm film, in which urban and private architecture, hyper-staged environment, subcultural individuals and the notion of desire are examined – combining documentary imagery with fiction and found footage.Their works are characterised by the depth of research and contact with communities and individuals, as well as by the clear lines in their approach to architecture and the worlds which shape desire, fear, anxiety, and alienation. There films have been awarded with numerous grants and scholarships and are shown internationally on film festivals and in art institutions, among them International Film Festival Rotterdam, Edinburgh International Film Festival, International Short Film Festival Oberhausen, Anthology Film Archives New York City, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart Berlin, MoMa Antwerp, Julia Stoschek Collection)

PHANTOM (Luke Sieczek, 6:20 min., Digital Video, Color/Sound, 2007) PHANTOM recomposes two scenes from Jacques Tourneur`s film Cat People, reanimating the words and images of its heroine, played by the actress Simone Simon. Her voice reverberates a feeling of intense restlessness, while luminous specters emanate from all sides, surrounding her in a pulsing, phosphorescent glow. PHANTOM re-imagines a half-remembered midnight movie: the dying rays of a television screen are re-absorbed into a spectral, volatile afterimage.

Originally from Poland, Luke Sieczek is an independent film and video artist, whose films have been exhibited at numerous international film festivals and venues. His films and videos have shown at Museum of Modern Art, the New York Film Festival`s "Views from the Avant-Garde," the European Media Art Festival, and the Rotterdam International Film Festival, among others. While varying in genre and technique, his films and videos continue to explore concerns that include the investigation of place, memory, the status of the - immigrant - outsider, and the shifting and unstable relations of audio-visual time and space. Luke Sieczek studied at Bard College and received an MFA from the University of Wisconsin. He currently lives in Seattle, WA.