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Everybody says is all in your head is a collaboration between Clare Bottomley and Johnny Hourrigan unfolding as a video diary over one year. Encouraged by Clare to make a portrayal of himself, Johnny gets familiarised into the process of filmmaking and participate fully in all the aspects that define such a production from the choice of the camera to the practice of editing. While he acquires the technical knowledge, Johnny gets full agency in testing and controlling the medium of representation. With a camera that mediates his contact with the outside world, Johnny immerses himself into a journey of self-discovery gaining the confidence to address the unaddressed his condition of mild-autism and the challenges he faces. Through a non-hierarchical and non-didactic approach, Clare Bottomley reveals the potential of learning to create an authentic space of participation and empowerment for subjects whose voices have been marginalised.

Clare Bottomley lives and works in London. With a practice that incorporates video and photography, her work investigates self-portrait and performance of the self. She studied for an MA in Photography at the Royal College of Art, London, 2011-2013 and has been working as an art educator for six years. Johnny Hourigan is now a young man studying Media Production at college in south London and developing his independent projects. Johnny sees process of creating the personal view point for the film as ‘...with all the memories remained in the camera, what the camera does not capture are memories in ourselves.’

Voin a grandi dans la Bulgarie communiste. Après vingt ans passés en Europe de l’Ouest, il retourne à Sofia sur les lieux de son enfance et de son adolescence. Son portrait se compose de lieu en lieu, de souvenir en anecdote. Du cou coupé du coq qui voulait l’énucléer aux rites d’initiation sexuelle dans la maison interdite, Voin campe les saynètes d’un roman d’apprentissage bataillien, cru et souverain. En racontant ses travestissements, il revendique aussi l’exercice d’une liberté, d’une agilité à se mouvoir dans le cours de l’Histoire. Voin l’imite, en hérite, et c’est l’Histoire qui transparaît dans une tonalité rafraîchie, une vitalité excentrique et mineure, loin des lieux communs du récit majoritaire. Et quand, penché sur le vide au 19e étage de la tour Tolstoï, le trentenaire contemple les barres d’immeubles du quartier Espoir de son enfance, son vertige est contagieux, et la sensation (dé)grisante. (Cyril Neyrat)

Gaelle Boucand est artiste et cinéaste. Sa pratique se concentre depuis dix ans sur la réalisation de documentaires au sein desquels les questions du portrait et du dispositif filmique tiennent une place centrale. En 2010, son premier film, "Partis pour Croatan", sur une communauté de raveur, est exposé, notamment au Musée d'Art Moderne de la ville de Paris (France). Son deuxième film, "JJA" — premier volet d'une trilogie — dresse le portrait d'un exilé fiscal en Suisse. Il reçoit la mention du Grand Prix de la compétition française au FIDMarseille (France) en 2012, ainsi que le Grand Prix expérimental au festival Coté Court de Pantin (France), et est également diffusé au sein de multiples institutions artistiques internationales (Kunsthalle Mannheim (Allemagne); MAST – Manifattura di Arti, Sperimentazione e Tecnologia Bologna, Bologne (Italie); Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf (Allemagne). Depuis 2014, elle enseigne régulièrement à l'isdaT – Institut supérieur des arts de Toulouse (France) et réalise des films avec différentes écoles. En 2015, elle termine "Changement de décor", deuxième volet de la trilogie initiée avec "JJA", présenté notamment aux États généraux du film documentaire de Lussas (France), et cofonde la société Elinka Films. En 2020, "J.A" — qui vient clore la trilogie — est en compétition à Cinéma du Réel, Paris (France), et son dernier film, "Voin", portrait d'un homme à travers son retour en Bulgarie, reçoit le prix Alice Guy au FIDMarseille (France).

Berliner Bildstörung / Zoologischer Garten est une vidéo construite à partir d`images d`un zoo déserté par ses animaux. Ces images mettent en avant les paysages artificiels du zoo et ses décors spécifiques. Elles surgissent du noir telles des interférences scandées par des réminiscences de sons d`animaux.

Gaëlle Boucand est née en 1980 à Paris. Elle bénéficie actuellement d`un atelier-résidence du BBK à Berlin et participe également au Pavillon, laboratoire de création du Palais de Tokyo à Paris. Son travail a récemment été exposé entre autres au Palais de Tokyo, au Luggage Store de San Francisco, ainsi qu`à Berlin (Air Garten, Kolonie Wedding), à Genève (Attitudes), à Montreuil (Les Instants Chavirés) et à Paris (Kadist Art Foundation, Bétonsalon, La Générale, Première vue, Jeune création). Plusieurs de ses films ont également été programmés dans le cadre de festivals vidéos tels que Les rencontres Internationales Paris-Berlin-Madrid (cinéma l`Entrepôt, Paris), Signes de nuit (cinéma le Balzac, Paris), Bandits-mages (Bourges) et le Kasseler Dokumentarfilm und Videofest (Kassel).

Une série de quatre portraits de jeunes garçons est filmée en gros plan. La caméra, flottante, passe de visage en visage, suscitant ainsi, de l'un à l'autre, une sensation de proximité, presque d'intimité partagée. Puis le plan s'élargit en une vue d'ensemble finale. Le groupe apparaît alors dans sa globalité, assis sur le parvis d'une église. L'image ne forme plus qu'un unique portrait commun.

Gaëlle Boucand est née en 1980 à Paris où elle vit et travaille actuellement. Elle est diplômée de l'École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris en 2005. La même année, elle participe notamment aux expositions collectives « Attentifs ensemble » organisée par Christian Bernard à l'espace d'art contemporain Attitudes, à Genève (Suisse), à « Première vue », sur une invitation de Michel Nuridsany au Passage de Retz à Paris, ainsi qu`à « Nomad`s land » à La Poudrière de Bayonne. En 2004, elle reçoit la Bourse Colin-Lefranc pour une résidence de six mois à la Cooper Union School à New York (USA). Elle y participe à l`exposition « Tracks » à la Hewitt Gallery. En 2003, elle collabore à l'exposition « Stade de France » organisée par Jean-Marc Bustamante à la Fondation Italo-suédoise de Venise (Italie), en résonance avec la Biennale. Plusieurs de ses films ont également été programmés dans le cadre de festivals vidéos tels que « Signes de nuit », au cinéma le Balzac à Paris, « Bandits-mages », à Bourges et « Kasseler Dokumentarfilm und Videofest » à Kassel (Allemagne).

Ce film se situe à mi-chemin entre pièce de danse contemporaine et film expérimental. Lors de cette deuxième collaboration avec la danseuse Hava Hudry, je souhaitais questionner la place du corps féminin dans l’espace public, et dans ce cas précis celui de la nuit et de la fête qui peut être très ambivalent (à la fois brave space et lieu dangereux, particulièrement pour les femmes ou personnes perçues comme femmes). La relation qu’entretient la danseuse avec le sol est primordiale ; elle choit, se redresse, se cambre, casse ses mouvements, rampe. C’est à la fois une transe libératrice et une expression primaire de la violence intériorisée qui finit par exploser. L’interprétation d’Hava renvoie le / la spectateur.ice la relation qu'iel entretient avec son propre corps, et au jugement qu’iel a pu émettre sur celui d’autrui, notamment celui de personnes sexisées (femmes ou perçues comme femmes). La projection est accompagnée d’un parfum dont les notes salines et métalliques rappellent des odeurs corporelles aussi attractives que répulsives. Ce mélange multisensoriel permet d'occuper la totalité de l’espace et emmener le spectateur à prendre part à la fête.

Après une licence de Lettres à Paris-Sorbonne et un Bachelor en Photographie et Vidéo à l'Ecole des Gobelins, Emma Boudon étudie à l’École des Beaux-Arts de Paris où elle articule sa pratique artistique entre vidéo, installations et photographie. Elle développe son travail autour de la question de la présence des femmes, ou perçues comme femmes, dans l’espace public. Dans son dernier film/installation RAGE THEY DESERVE, elle témoigne des violences qui se manifestent dans différents espaces collectifs, en particulier celui du monde de la nuit. Elle le caractérise comme un « brave space » transgressif où se confrontent violence et liberté. Cette ambiguïté est retranscrite à la fois dans une chorégraphie qui combine transe libératrice et colère explosive, mais aussi par l'environnement lui-même, espace de défoulement, qui peut rapidement basculer de la joie à l’insécurité, de la lumière à l'obscurité. Cette obsession pour la fête l'a mené, présentement, à réaliser un film autour de la scène underground séoulite.

Dans le film « Des intégrations» , La mémoire collective officielle et la mémoire politique se figent, à la limite de l’amnésie voire de la négation. C’est par le biais d’un univers poétique mais désenchanté que le film se propose de soulever des enjeux touchant à la jeunesse contemporaine. Les personnages jouent sur une série de correspondances qui érigent le film au rang de transfert visuel.

Artiste française et Algérienne . Anciennement diplômée de L’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris et du programme d’échange de la SVA section cinéma à New York jusqu’en 2005. Halida Boughriet explore un large éventail de médias à travers ses oeuvres . Elle accorde une place centrale à la performance, dont les structures de son langage artistique lui donne une variété de formes. Au carrefour d’une préoccupation esthétique, sociale et politique, ses pièces s’efforcent de saisir les tensions dans les relations humaines mis en évidence par la société . Le corps est omniprésent , comme un instrument de geste poétique.

La vidéo Pandore se concentre sur un groupe social, enfants en marge du reste de la société française. Portant un regard sombre et inquiétant sur la réalité des rapports humains et aussi du système médiatique à la violence qui en découle. Les protagonistes sont invités à se dévoiler, témoignant de leurs histoires qui renvoient à l’image d’un passé et d’un présent "Mythe ou Réalité". Ils se mettent en scène dans des positions et postures artificielles, filmées par des séquences au ralenti extrêmement fluides. Enfin, La lumière travaille à inviter le spectateur à une curieuse contemplation dans l’intimité d’un espace clos et artificiel, dégageant une atmosphère irréelle et anormale.

Halida Boughriet est une artiste française d’origine algérienne. Anciennement diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et du programme d’échange de la SVA section cinéma à New York jusqu’en 2005. Halida Boughriet explore un large éventail de média à travers ses œuvres. Elle accorde une place centrale à la performance, dont les structures de son langage artistique lui donne une variété de formes. Au carrefour d’une préoccupation esthétique, sociale et politique, ses pièces s’efforcent de saisir les tensions dans les relations humaines mises en évidence par la société. Le corps est omniprésent, comme un instrument de geste poétique expérimental. Ses œuvres font partie de la collection «Nouveaux Médias» du Centre Pompidou (Paris) et du musée MAC / VAL (Vitry -sur-Seine). Ses travaux ont été présentés dans de nombreuses expositions dont Elles@centrepompidou (2011, Paris), y compris au FIAC d’Alger (2011, Algérie), à l’Institut du Monde Arabe, (2012, Paris) pour l’exposition «Le corps découvert». En 2013, au Musée d’Art et d’Histoire de Saint-Denis (Seine-Saint-Denis) pour «Chapelle vidéo # 4». Plus récemment, elle participe à «Vidéo et après» au Centre Pompidou et à la Biennale internationale de Dak’Art 2014 (Dakar, Sénégal).

Au large d’un monde en reconstruction, une voix dont on ignore la source surplombe la ville et sonne comme une injonction. En résistance à cette diction autoritaire, une nouvelle voix émerge. Cheikh Morad Djadja se fraye un chemin au sein de cet univers, il doit se rendre au Taxiphone et y lais- ser son propre message crypté. "Appel masqué" est une chanson composée par Cheb Abdou en 1993, durant la période de la décennie noire en Algérie. Comme plusieurs de ses morceaux, Cheb Abdou les a écrit et interprété sous menaces constantes. À travers ses musiques, il y a ouvert un champ d’expression identitaire etde dictions autour l’extistence d’un autre genres. L’ étymologie du mot RAÏ prend tout son sens. En retournant sur les traces de la naissance du raï, Oran, j’y ai rencontré Cheikh Morad Djadja une personnalité de ce milieu et successeur de Cheb Abdou, c’était une réelle immersion au sein de la communauté de chanteurs(se) et musiciens(ne) raï. Le film s’est construit autour du taxi-phone représentant ce non-lieu de télécommunication anonyme et de l’impossibilité de faire subsister un message, une opinion, un avis au sein d’une société contempo- raine. En écho aux paroles de la chanson "Appel masqué" de Cheb Abdou, #31# (appel masqué) est une ap- proche a mis chemin entre le documentaire, la fiction et la performance, où Cheikh Morad Djadja nous mène vers une quête existentielle, dans un monde en perpétuelle reconstruc- tion, où ce non-lieu lui permet d’y laisser un message vocale masqué sur sa trans-identité.

Ghyzlène Boukaïla est une artiste et réalisatrice multimédia née en 1993 à Alger. Elle vit et travaille entre Alger et Lille. Sa démarche artistique et sa sensibilité se cristallisent dans les seins d'une famille de révolutionnaires algériens. Explorant certaines problématiques liées au post-colonialisme, sa démarche explore de nouveaux récits liés aux (ré)évolutions socio-politiques et numériques en situant sa pratique à l'interface du documentaire/performance et des récits numériques post-humains.

Le sujet central de « 08/26 » est le conflit aérien dans toute l?Europe au temps de la Guerre Froide. Dans un premier temps, le film montre de nombreuses structures à l?arrêt au milieu d?un emplacement soviétique, imprégné d?une ambiance sonore et de souvenirs d'une époque révolue. Par contraste, le film montre alors du personnel militaire engagé dans des exercices de routine, qui représentent le présent, s?entraînant à combattre contre un ennemi moins identifiable. Séparées par près de deux décennies, ces pratiques et procédures sont cependant similaires, l?aviation de la Guerre Froide et les man?uvres de routine restent à peu près les mêmes. Des séquences se chevauchent, en représentant différents lieux et époques et en explorant les similitudes et les différences entre l'occupation et le vide.

Born York, England, 1964.

Une cité aux airs d`amphithéâtre qui s`apprête à accueillir un sacrifice. En 2002, Georges Mondésir, meurt suite à une intervention de police. Il est fou, ou simple d`esprit, face au policier, Mondésir c`est l`Autre. Et ce qui intéresse Alice Colomer c`est ce qui se rejoue d`une lutte ancestrale dans ce duo. Ce n`est jamais un documentaire sur cette mort. C`est le ballet, dont seule la caméra a la liberté de s`échapper. Des ralentis qui défient tout réalisme, de ces points de vues entremêlés, il naît de ce film une impression juste qu`il s`est passé quelque chose.

Alice Colomer est née en 1985 en région parisienne, elle vie et travail à Paris. Elle a été diplômée de l?Ecole Nationale supérieure des beaux arts de Paris en novembre 2011 et a étudié à la centrale academie of fine arts de Pékin (Chine). 2012 Exposition collective à la Saline Royale d?Arc-et-Senans, Tranches de carré sur Tranches de cerles (ENSBA-ENS), présentation de l?installation lekh lekha . 2011 Paris projection de One World One Dream One People, festival « les nuits photographiques ». 2007 CNAM de Paris les visites dessinées.

Il s`agit d`une correspondance entre deux individus, l'un est enfermé et l`autre est en prison. Tout le film se construit sur cet échange de texte (sms), d`images et de paroles. Le film commence par la mise en place du processus filmique (d`une certaine manière, le début film raconte la réalisation de l`objet filmique) pour devenir petit à petit un film qui questionne les notions de liberté et d`enfermement.

Mohamed Bourouissa est né en 1978 à Blida en Algérie. Il vit et travaille à Paris. Il suit actuellement la formation du Studio National des Arts ? Le Fresnoy. Il est diplômé de l?Ecole nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en photographie et a suivi un cursus en Art plastiques à la Sorbonne Paris 1 où il a soutenu un DEA. Des expositions personnelles se sont tenues notamment au Centre culturel de Correios, à Rio de Janeiro au Brésil, à la Galerie des filles du Calvaire, à Breda Photo 2008, Pays-Bas, à la Site Gallery, Sheffield en Angleterre, à la Pauza Galerie, à Cracovie en Pologne. Son travail a fait partie de nombreuses expositions dans le monde, notamment récemment de la Biennale Photographie et Architecture à La Cambre, Bruxelles, Belgique, à la biennale d?art contemporain d?Alger, Algérie, au New Museum of contemporary art, New York, et aux Deutsches Historisches Museum, Berlin, Allemagne. Son travail fait parties de plusieurs collections publiques : la Cité nationale de l?Histoire de l?immigration, Paris, le Fonds national d?art contemporain, France, la Galerie du Château d?Eau, Toulouse, France, le Finnish Museum of Photography, Helsinki, Finlande.

Saluant de la main le caméraman, les sujets offrent d’une certaine façon au prochain spectateur la reconnaissance d’un au revoir, à un moment fugace, qui se renouvelle. Pourtant, quand le film est projeté et que le geste saisi est vu, c’est comme si ces sujets nous saluaient, depuis le passé, dans le moment présent de la projection. Ce film est un hommage à l’homme derrière la caméra, celui qui a constitué ces archives familiales personnelles : le père de l’artiste, qui lui a laissé, au-delà de la mort, cet héritage fait de traces de vies passées.

Après un exil de 30 ans aux États-Unis et ailleurs, la cinéaste Louise Bourque est récemment revenue s’établir à Montréal. Ses films ont été projetés dans une cinquantaine de pays et diffusés sur les ondes de PBS et de Sundance Channel aux États-Unis, ainsi qu’à Télé-Québec au Canada et SBS en Australie. Son œuvre a été présentée dans des musées prestigieux et des galeries dans le monde entier, notamment au Musée de la Civilisation et au Musée national des beaux-arts du Québec à Québec, à la National Gallery of Art à Washington, au Museum of Modern Art et au Whitney Museum of American Art à New York.

A seemingly disembodied voice reflects on what it takes to survive, in a world modeled after a perception of reality far from what the one it experiences on a daily basis.

Nelson Bourrec Carter is a French-American filmmaker and visual artist. His practice combines photography, film, installation and performance while his research revolve around the links woven between real territories and fantasized landscapes, whether they be urban, peri-urban, or rural, influenced by the weight of popular imagery. His work focuses mainly on the influence of American iconography on identity construction and racial awareness, and operates from places whose hybridity, history or architecture lend themselves to a new interpretation. He demonstrates that these visual tropes are more interconnected than they appear and that they articulate questions of gender, race, and class, while raising the issue of which bodies - whether they are embodied or inscribed in a ghostlike manner within the architecture - occupy the spaces of representation in the American cultural economy. Nelson’s films have been shown in festivals such as New Directors/New Films, Entrevues Belfort, Vila do Conde or within institutions like the Cinémathèque Française or the Jeu de Paume.

Dawn spreads its luminous rays across the coast of Iceland, revealing a sorcerer standing between wine-dark sea and mountainous black rock. It is Tempestarii, a figure of medieval lore, undertaking a primitive rite manifested to conjure a storm. The tides of the deep ocean breathe heavily, rising and falling across the cinema screen with amplifying power as the weather-maker beats a mysterious sack against the monolithic cliffs with powerful repetition. As a magical tool, this sack contains forceful winds pulled from each corner of world. As an analogy, it is aligned with the revolutionary transformations of nature by water, air, solar radiation, and geological shifts and filled with the vast potential of man’s will in alliance with Nature. As an omen, the tempestarii signals profound change in both physical and metaphysical realms. (Amelia Ishmael)

Gast Bouschet & Nadine Hilbert were both born in Luxembourg and are currently based in Brussels, Belgium. They have worked together since 1990s, using a combination of photography, video, and sound to create potent social, political, and institutional critiques which they have exhibited at major international venues including The Wall Taipei, Taiwan; Cube Space Taipei, Taiwan; Philharmonie, Luxembourg; Muzeum Sztuki Lodz, Poland; Casino Forum d`Art Contemporain, Luxembourg; Trienal de Luanda, Angola; Busan Biennale of Contemporary Art, South-Korea; Camouflage Johannesburg, South Africa; MUHKA Antwerp Belgium, CCA Glasgow, Scotland among others. Gast Bouschet & Nadine Hilbert represented Luxembourg at the Venice Biennale in 2009.

"Zone of Initial Dilution" s?intéresse à la transformation urbaine de la région des Trois-Gorges en Chine bouleversée par la mise en oeuvre du plus grand barrage hydraulique au monde. Avant la fin du chantier prévu en 2008, la vidéo dresse un état des lieux des villes et des berges du Yangtze, de celles en ruines ou disparues aux autres en plein essor, et tente de cerner les conséquences sur le paysage et les populations dans la perspective planifiée de l?ultime montée des eaux.

Antoine Boutet est né en 1968. Diplômé de l`Ecole des Beaux-Arts de Pau et de l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, il réalise des bandes vidéo expérimentales et documentaires et des installations exposées en France et à l`étranger, dont Conservation-conversation, en 2005. Antoine Boutet vit et travaille actuellement à Paris.

Firedive is a short documentary about La Vallette Bathing Pools on the east coast of the Island of Guernsey. The film describes the Island`s collective memory of the tidal pools, focusing on the floodlit swimming galas and `firedives` that once made the pools a central part of the local community. Bowditch?s mother relayed the almost mythical personal tales of her childhood, which inspired the film. Contributors include locals who all have their own complimentary and contrasting tales adding to the visual portrait presented of the pools. The narrators talk about the decline in usage of the pools before going on to describe the ritualistic ceremony of the torch light processions and ?firedives? that once took place. The film is not a recreation of events but rather documents Bowditch?s own experience and involvement in adding to the collective memory of the location. By staging a floodlit torchlight procession based on the tales and accounts of the inhabitants he adds to the islands history and represents it for a new generation. Production dialogue, filming equipment and crew are therefore included in the edit, showing it was an exploration based on intertwined memories rather than a factual straight re-enactment.

Tim Bowditch (b.1986 Guernsey, Channel Islands) graduated from the University of Portsmouth in 2008 with a BA Hons Degree is Photography. Bowditch moved from his childhood home of Guernsey to begin a career as a photographer in London in the Autmn of 2008. He has kept his ties with Guernsey by annually applying and receiving funding to make new work incorporating the Island in someway. The last two years have been spent working on a project entitled Firedive (submitted as a multimedia piece). Firedive saw Bowditch follow the current trend of the digital SLR film makers to shoot a short documentary about the about La Vallette Bathing Pools on the east coast of the Island. The film describes the Island`s collective memory of the pools, focusing on the floodlit swimming galas and `firedives` that once made the pools a central part of the local community. This year the film was premiered at a special open air screening at the pools accompanied by a swimming gala and torch light procession. Three Artists were invited to the Island to make work in response to the screening and gala. The third phase of the project is a proposed exhibition at the greenhouse gallery in Guernsey next Spring. I will curate an exhibition from the work made at the screening.

Supercharger-blown collective offers ‘Easy Asylum Booth ‘Bundu Edition’’, a satirical and situation specific, modular presentation which interrogates European asylum policies, (and attitudes to immigration as a whole) by inverting hegemonic narratives. The collective uses provocative spectacle as a vehicle to facilitate social engagement, partying, shisha smoking, music and political dialogue. Easy Asylum Booth ‘Bundu Edition’ is another chapter in the shifting, magical-real vision derived from the fictitious nation of Botrovia. The booth is a ‘pop up embassy’ offering instant refugee status to anyone seeking asylum in Botrovia. Applicants just need to demonstrate their loyalty by offering 7 x 7cm of their skin for a tattoo specially chosen for them by Skin of our Skin (SooS®), the Botrovian Ministry of Immigration and executed by a flying robotic tattoo gun. Benefits to refugee status include a direct telephone connection with the Botrovian Leader (‘Our Leader is Available’); Training in ‘DASHT (Drone Asylum Seeker Herding Techniques)’ with a fully featured computer game; a lifetime subscription to ‘Botrovian Seeker (Your Guide to Asylum Success)’ plus access to numerous helpful and supportive infographics, interviews and seminars. The project and multicultural collective are formally partnered with Oasis Cardiff, an asylum seeker and refugee charity.

Supercharger-blown collective is a group of artists, scientists and thinkers from a range of cultural backgrounds. Formed and led by the artist Ric Bower their knowingly complex, multi-disciplinary practice often assumes the appearance of an elaborate practical joke and usually explores issues relating to European asylum policy through magical-real narratives. Supercharger-blown collective’s influences include the magical-realism of Murakami and Bulgakov: the satirical illustrator Heath Robinson and the 19th century history painter Thomas Cole. Bower says of Supercharger-blown collective’s approach: ‘...we do not want to make work that sits quietly, meekly waiting to be observed. We mean to make madness that follows you out of the gallery space, slithers into the back seat behind you and shanks you as you drive home.’

Le vice-président des Etats-Unis Dick Cheney dit enfin la vérité.

L'indien de San Francisco Bryon Boyce est un réalisateur-vidéaste dont les oeuvres ont parcouru le monde entier mais aussi dans des lieux tels que le Sundance, NY Underground, Cinematexas, RESfest, MTV et le Pacific Film Archive.

My Prisoner is a video work that reconstructs the event that occurred on 3 April 1994 in war-torn Bosnia by intermixing archival footage with contemporary reimagining of the occasion. It shows a young man being escorted by an army intelligence officer to visit his imprisoned father. As the men travel side-by-side in the back seat of a car Shine on You Crazy Diamond by Pink Floyd begins to play on the car radio. The young man acknowledges the music and tries to make conversation but the officer does not even recognize the track. A composite of autobiography, documentary and fiction, My Prisoner navigates through the space where the historical, the personal and the fictional simultaneously interfere with and enhance one another.

Velibor Božović grew up in Sarajevo, Bosnia-Herzegovina. When he was in his twenties, the country of his youth became a war zone and he spent the duration of the siege of Sarajevo honing his survival skills. In 1999, Velibor moved to Montréal where he worked, for eight years, as an engineer in aerospace industry until he gave up his engineering career to devote his time fully to art practice. Subsequently, Velibor completed a Master of Fine Arts degree in Studio Arts at Concordia University. He is the recipient of the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art (2015), Concordia International Mobility Award (2014), the Bourse de Maîtrise en Recherche from FRQSC - Fonds de recherche sur la société et la culture Quebec (2012) and Roloff Beny Foundation Fellowship in Photography (2011). His work has been exhibited in the United States, Cuba, Canada, and Bosnia-Herzegovina. His images appeared in The New York Times, The Paris Review, Descant, International Herald Tribune, Chicago Tribune, Granta, BH Dani and others.

Memory Gate shows desolated Herzegovinian landscape with a forgotten monument dedicated to pilots of Yugoslav National Army during the Second World War. Critical deserted landscape followed by weird sound and music called ganga* which is typical for that region of the south part of Bosnia and Herzegovina. This video confronts utopian modernistic Yugoslavian architecture with a traditional sound and landscape, creating a very disturbing and eerie cinematic experience. *Ganga - stands for old traditional folk music and singing which is usually played by a group of old men.

Igor Bošnjak (b. 1981 in Sarajevo, Yugoslavia) lives and works in Trebinje (Bosnia & Herzegovina). As an interdisciplinary artist, he works on visual, cinematical, geographical and documentary research addressing archives, maps, migrations, monuments, history and image-time relations as key refference in the experience of contemporary society. He is mainly working within the media fields of contemporary art: moving images, video, 3d animation, installation, objects, drawing & photography. In 2005 he finished Academy of Visual Arts (BA) in Trebinje, Department of Painting. From 2007 to 2008 he finished (MA) Interdisciplinary studies, Theory of Art & Media Department at the University of Arts in Belgrade, Serbia. From 2006 to 2016 he was founder and curator of namaTRE.ba project biennial. From 2009 works as a professor at Academy of Visual Arts in Trebinje, University of East Sarajevo on courses of Intermedia art, Video art, Digital art. From 2019 to 2021 he was working as visiting lecturer on Faculty of Fine Arts, Cetinje, University of Montenegro.

An attempt on aesthetic-technological-ideological objectivity in non-objective reality. How can we see today, the monuments of the NOB (National Liberation War), what they represent to us in the context of the new division of fashion as well as changes in paradigm and ideology in the former Yugoslavia. Is a new reading possible without a nostalgic undertone? How to think about architectural and concrete structures in the 2000s? What is the relationship between monument and human, what is the relationship between monument and unbridled nature. What is the relationship between monuments and contemporary technology and contemporary art today? How much contemporary and how much tech addiction? How to reinterpret the artifacts of the anti-fascist struggle, but so that the monument of the NOB remains at the denotative level of meaning of the monument, that new meanings do not endanger the given basic meaning, the one that is. Creating narratives as a new reading and a new "seeing" and seeing of monuments and creating new visual realities.

Igor Bošnjak (b. 1981 in Sarajevo, Yugoslavia) lives and works in Trebinje (Bosnia & Herzegovina). He is mainly working within the fields of contemporary art: moving images, video, installation, objects, drawing & photography. From 2009 works as a professor at Academy of Visual Arts in Trebinje, University of East Sarajevo on courses Intermedia art, Video art, Digital art. From 2019 works as visiting lecturer on Faculty of Fine Arts, Cetinje, University of Montenegro.

?It is not the literal past that rules us, it is images of the past...? George Steiner Hotel Balkan is meditative and ambiental video which defines borders between futuristic memory of past and present thinking of future. I?ve been wondering about something: Why is it that images from the past - the actual past - often feel more futuristic than our current images of an imagined future? But if the future doesn?t look much like the future, the past often does. There are pictures from the past that, while you immediately recognize them as being from the past, nevertheless feel futuristic. It?s as though there?s something in your brain that wants to read them as images from the future. In this concept there is an idea that Tito?s nuclear bunker is equivavelnt for some kind of motel, or maybe even a hotel. Nowadays, Tito?s nuclear bunker wants sunshine instead of fluorescent lights, the sound of wind blowing through trees instead of the dull noise of its massive air-conditioning unit. It looks forward to the chatter of people and the sound of their footsteps instead of the noise produced by the closing of its steel antinuclear doors.

Born 1981 in Sarajevo, former Yugoslavia. Lives & work in Trebinje, Bosnia & Herzegovina. He is mainly working within the fields of film, video, concept, installation & photography. Also works as a video curator & freelance theoretician. Curently works as a asistant professor at Academy of Visual Arts in Trebinje. Education 2005 Academy of Visual Arts (BA) in Trebinje, Department of Painting 2006 Founder and the curator of the international namaTREba project biennial 2008 Interdisciplinary master (MA) studies at the University of Arts in Belgrade, Theory of Art & Media Department 2011 Interdisciplinary (PhD) studies at the University of Arts in Belgrade / Theory of Art & Media Department His works shows and exhibited at Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen, Moscow Museum of Modern Art, Moscow, Atopia Film & VideoKunst Gallery, Oslo, CAM Casoria, Contemporary Art Museum, Naples, Kunst Museum, Bonn, Galleria d? Arte Moderna Palazzo Forti, Verona, Museum of Contemporary Art RS, Banja Luka, Point Ephemere, Paris, Contemporary Music Centre, Dublin, Espacio Center Canarias, Tenerife, Fabbrica del Vapore, Milan, Center of Contemporary Art, Plovdiv, Budapest Art Fair Mucsarnok, Budapest, Spazio Monitor, Museum of Contemporary Art, Rome, Tapetenwerk Halle C, Leipzig, A+A Galerie, Art Verona, Venice, Gallery Remont, Belgrade... more info: www.igorbosnjak.com

Commençant avec un plan séquence de deux minutes sur le cadran d?une horloge, la vidéo a été réalisé en temps réel, dans un environnement conçu pour la vidéo. Les cadres furent imprimés individuellement sur papier et postérieurement redessinés, images par images au fusain et à la peinture à l?huile, scannées à nouveau, pour être enfin animées dans la vidéo finale. Cette vidéo a été commandé pour la compilation "Essays on Radio : Can I have 2 minutes of your time?" produite par le label media Crónica et qui proposa à tous les artistes de l'audio et du visuel de refléter la technologie et la culture de la radio dans le début de la pellicule 21ème siècle. Le but de cette vidéo fut ensuite d?explorer l?idée de temps dans l?analogie croisant les techniques digitales : en commençant en deux minutes, réduisant la vidéo à 6 images et les étirant à nouveau sur deux minutes, restaurant la perte de qualité induite par le procédé de recréation numérique/mécanique et par l?utilisation de diverses recréations analogues/manuelles dans chaque image, discrète. À la fin, la représentation symbolique du temps n?est plus lisible, mais les mécanismes qui le représentent et le capturent se font sentir tout au long du morceau.

Née en 1972, elle travaille et vit à Vienne, en Autriche où elle est étudiante en critique du théâtre et des médias mais aussi artiste et photographe. Videojockey et DJ, elle enseigne pour le moment la manipulation vidéo dans l?école multimédia privée de Vienne. En 1999, son travail est exposé pendant 3 mois, par "Cinemasonic-Lounge", un festival de vidéos expérimentales. Elle met de côté la photographie analogique pour se tourner vers la vidéo numérique. Avec son travail elle repense la géométrie et l?anatomie qui dominent les images de collection en un processus de composition récursif qui utilise un ensemble de vidéos. Avec ses vidéos elle essaie de produire des séquences émotionnelles provenant d?images fixes rassemblées (photographies, images, graphiques, sketches, etc..) en des trajectoires animées derrière leur contexte original.

Soft voices and soothing sounds will take the audience on a sensory audiovisual journey through a dystopian near future. The resulting work is based on the collaborative composition and exploration of intimate fears and tribulations related to current climate change narratives, and represented through the implementation of the experimental ASMR methods presented at the “ASMR for earthly survival” workshop held by the artists. “ASMR for Earthly Survival” explores the potential of ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response) as a tool for the creation of intimate science fiction storytelling narratives.

S()fia Braga is an Italian transmedia artist who lives and works between Vienna and Linz, conducting artistic research that combines digital and post-digital practices. Her work is focused on exploring new technologies to create speculative fabulations that delve into themes such as transhumanism, human and non-human collaboration and non-human agency. S()fia’s identity constantly changes and goes hand in hand with the narratives she creates: over the last years she has been an artist, a transhumanist entrepreneur, an AI auteur, a cyberstalker, and has mutated several times into a monstrous creature. Matthias Pitscher works as an artist, designer, meditation teacher, barista, researcher, entrepreneur and bad influencer. The artifacts he produces deal with the constant changes we face in our transition to a technologically connected society. Analytical yet humorous, he demonstrates how digital media transforms our perception of reality. Fabricio Lamoncha is an artist, designer and researcher from Spain, currently based in Austria. Since 2018 he is lecturer and PhD researcher at the Kunstuniversität Linz. Also member of the Art|Sci Center at UCLA (Los Angeles) and co-founder and organizer of the Leonardo Laser Talks Linz. His practices explore the entanglements of media ecology and bioethics.