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Une improvisation vidéo avec deux Kodak Ektagrahic III E Plus Slide Projector avec pax et transpax ; connexion pour contrôle externe, oscillateur FM avec senseur de lumière, enregistreur numérique et lentilles vidéos dirigés par Maria Blondeel : lampe incandescente verte, différentes ampoules, tube fluorescent, microphones, repiquages et appareillages électriques divers manoeuvrés par Michæl Vorfeld. Enregistré à Hyde Park Art Center, Outer Ear Festival of Sound ESS, Chicago, Illinois, États-Unis, 2002. Produit par Blondeel/Vorfeld 2005.

En tant que duo réalisant des spectacles, BlondeelVorfeld ont été actifs depuis 1996 ; L'un est artiste en sons éléctroniques et l?autre est percussionniste, l'un projetant la lumière, l?autre utilisant les sources de lumières presque comme des objets. Ce que l?on entend et voit est un dialogue en contrepoint entre des ondes carrées de lumière contrôlée et analogues et des sons électriques accompagnant ou accompagnés par des évènements de lumières projetée sur et dans des lumières, blanc éclatant et des couleurs jaunes, bleues ou rouges incandescentes. Maria Blondeel est une artiste intermédia basée à Ghent, en Belgique. Elle a fait des installations de lumière sonique ainsi que des ?uvres spécifiques à certains lieux pour des véhicules, des téléphones et de la radio. Elle a aussi participé à des concerts et des performances en collaboration avec des musiciens et produit des travaux pour des CD et des vidéos. Son travail a été exposé dans des galeries, des musées et des festivals en Europe, aux Etats-Unis et en Asie. Micheal Vorfeld est basé à Berlin. C?est un musicien et un artiste visuel. Il joue des percussions et des instruments à cordes qu´il créé lui-même, et réalise des ?uvres dans le domaine de la musique expérimentale, la musique improvisée et l?art sonore. Il réalise aussi des morceaux sonores électro-acoustiques. Son travail visuel se concentre sur l?utilisation de la lumière. Il crée des installations et des spectacles avec de la lumière, souvent spécifique aux lieux et en combinaison avec dès sons électriques ou instrumentaux. Sa liste d?activités comprend de nombreux concerts, spectacles et performances en Europe, aux États-Unis, en Asie et en Australie.

`CONTINUE PLAY?` est l?un d?une série de projets inspirés par des jeux et qui vous présente des classiques des jeux d?arcade des années 70 : `BREAK-OUT` `ELEKTRAGLIDE` et `PONG` avec une amélioration de l?accompagnement audiovisuel. Les techniques de ?jeux? particulières de JAYGO BLOOM?S apportent la structure et la tempe pour une réponse Audio Visuelle alternative, on répond construite à partir ?tutoriaux personnels musicaux? mal expliqués tout autant que télécharger au hasard.

Glacis The film explores the remnants of the French bourgeoisie, a world slowly but inexorably undermined by the forces of acceleration and globalised finance capitalism. dividing the sequences are still frames taken from the history of French aviation, the developments of which were a particularly bourgeois pastime of the 18th and 19th centuries enabled by family industrial infrastructure. The notions of speed and acceleration associated both with flight and post industrial capital are contrasted to slowness and investment associated with bourgeois values and the old industrial elites. Self professed Bourgeois are filmed in their family (secondary) homes performing role playing games that they themselves have chosen. These sequences are followed by "cinematic" sequences designed by the performers and produced by the film maker. The French aviation threads that bookend the chapters are accompanied by a narrated voice and composed of a single frame image. That image degrades over time. The degradation of the image is a result of algorithmic scripting that obliterates the traditional notion of decay by performing in fast forward, 1,000 years of the opening and closing of a jpeg image until the image itself is degraded to the point of being unrecognisable. This process formally performs the undermining - by technologies - of the temporal weapon of tradition and manners mobilised in the project of bourgeois hegemony. Glacis is an ancient military term that denotes a field of view unimpeded by obstacles where the enemy other is clearly visible, figured against the nothingness.

Ramon Bloomberg: Biography: Born 1971 Sheffield, United Kingdom. French / British nationality. Worked extensively as a film editor and film director on projects from fiction to documentary to music video and commercial. Currently PHD candidate Art Research, Goldsmiths College, London.

Dans l’obscurité du désert mexicain, d’étranges lumières apparaissent. Les habitants décrivent celles qu’ils ont vues: une flamme, une boule de feu, une ampoule volante, des rayons qui tombent du ciel, ou une énergie lumineuse. Une histoire commune, racontée à plusieurs voix, de forme chorale, est dessinée par les expériences individuelles. La rencontre avec ce phénomène lumineux peut être surprenante, dangereuse, voire fatale. La nuit n’est pas si noire qu’elle le semble, et le désert est rempli de tous types d’êtres vivants. Le vide appartient à toutes et à tous. "Luces del Desierto | Lumières du désert" est une invitation à ouvrir grand les yeux dans la pénombre, et à écouter les sons cachés dans le noir. Un film d’horreur sonore, dans les ténèbres du désert.

Félix Blume (né en France, en 1984) est artiste sonore et ingénieur du son. Il vit actuellement entre le Mexique, le Brésil et la France. Il façonne le son comme une matière pour créer ses pièces sonores, ses vidéos, ses actions ou installations. Son travail, centré sur l’écoute, nous invite à transformer notre perception de l’environnement. Il utilise l’espace public tant comme lieu d’expérimentation que comme lieu de présentation de ses projets, effectués souvent en collaboration avec des groupes de personnes. Il est intéressé par les mythes et l’interprétation contemporaine que l’on peut en faire, par le dialogue entre les êtres humains et le contexte – naturel ou urbain – qu’ils habitent, par ce que les voix nous racontent, au-delà des mots. Ses pièces sonores ont été diffusées par des radios du monde entier. Il a reçu le prix du “Paysage sonore” pour sa pièce vidéo-sonore "Curupira, bête des bois" (2018), ainsi que le prix “Pierre Schaeffer” pour "Les Cris de Mexico" (2015), au festival Phonurgia Nova Awards, Arles (France). Il a participé à de nombreux festivals et expositions, notamment au LOOP Barcelona, Barcelone (Espagne) [2015]; au CCCB – Centre de Cutura Contemporània de Barcelona, Barcelone (Espagne) [2015]; au Tsonami Arte Sonoro, Valparaíso (Chili) [2015, 2018]; à la Fonoteca Nacional de Mexico (Mexique) [2016]; au Ex Teresa Arte Actual, Mexico (Mexique) [2016, 2018]; au CENTEX, Valparaíso (Chili) [2017]; au festival CTM, Berlin (Allemagne) [2017]; au Belluard Bollwerk Festival, Fribourg (Suisse) [2018]; à Arts Santa Monica, Barcelone (Espagne) [2018]; à la Biennale de Thaïlande, Bangkok (Thaïlande) [2018]; et à la Berlinale, Berlin (Allemagne) [2019].

Une voix annonce : "En Serbie, l'homme le meilleur peut demander ce qu'il veut/Il peut même demander à traverser la rue sur des chaises." L'artiste traverse une rue déserte sur deux chaises.

L'artiste visuel et curator indépendant Florin Bobu est né en 1978 à Tecuci (Roumanie) et vit à Iasi (Roumanie). Il est diplômé de l'Academy of visual arts and design AKI (Pays-Bas) et a participé à plusieurs évènements d'art contemporain à Rotterdam, Munster et Anvers.

Enregistrement de la mise en vente des droits de propriété et d`exploitation du verbe "avoir" à Drouot-Richelieu par Cornette-de-Saint-Cyr.

C?est au travers d?une attitude que l?oeuvre plurielle de Raphaël Boccanfuso trouve sa problématique d?ensemble, une attitude amusée et provocante qui met au défi toutes sortes de schémas référentiels. Son travail n?est pas d?ordre biologique, sa méthode relève pourtant d?un mode de processus viral. S?insinuant dans les failles de codes exigus, elle se plait à forcer les limites toujours trop marquées de systèmes de pensées étriqués. Si sa production peut être dérangeante, il faudrait l?assimiler à une rageante démangeaison plutôt qu?à une fatale pathologie. Car l?artiste n?a d?autre prétention ou revendication que celle d?affirmer sa liberté de création. Un slogan anarchiste clame qu?il faut mordre la main qui vous nourrit, pour sa part Raphaël Boccanfuso sait aussi remercier à outrance, il dit ainsi son indépendance avec une joyeuse dérision.

An intriguing, well-chosen collage of compelling moments from noir cinema, skillfully attuned to the social fantastic and the oneiric quality of the films. James Naremore, author of More Than Night: Film Noir in Its Contexts. An atlas of film gestures and Pathosformel: the montage - better the disassembly - isolates moments from the narrative and separates bodies from events, opening up to the unthinkable and the invisible of film noir. Ragtag, thus, becomes an immense archive of the imaginary that, far from being sequential and historical, becomes intensive and organic: a film-experience beyond film as such. Federico Rossin, film historian.

Giuseppe Boccassini is an Italian filmmaker mainly working in Germany and Italy. He graduated in film theory at the University of Bologna and film direction at The New University of Cinema and Television, Cinecittà, Rome. His work has been shown in several international film festivals and exhibitions, including the 79th Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, Venice, Italy FID Marseille, France, Edinburgh International Film Festival, Scotland, Ji.hlava International Documentary Film Festival, Czech Republic, Jerusalem IFF, Torino Film Festival, Italy, IndieLisboa, Portugal, FESTACURTAS BH, Brasil, Crossroads SF, USA, Avvistamenti, Italy, Punto de Vista, Spain, Trentino History Museum, Italy, Microscope Gallery, Brooklyn, NY, Pesaro Film Festival, Italy. Light Cone Paris distributes his entire film production. By transforming and manipulating various sources of archival material, his work reflects upon the notion of proximity in contemporary media. The director considers film as "a phallic conquerer that, folding in on itself, now flaccid deus ex machina, observes itself from the inside like a lysergic membrane that slowly founders between the folds of its material." His most recent collaborations include the film editing for Aldo Tambellini's solo exhibition Black Matters at ZKM Karlsruhe, Germany, and he is the artist for Chicago Film Archives' 2018 Media Mixer. He is in charge of programming at Fracto Experimental Film Encounter held yearly at Kunsthaus Acud, in the heart of Berlin.

LA-BAS, c'est partout, et nous sommes ICI. Vidéo en 16 chapitres (111 min.), 2005 Extrait (chapitre 1): ALAMANCI (9 min.) Le film "LA-BAS, c'est partout, et nous sommes ICI" est un documentaire sous forme d'interview consacré au thème du retour en Turquie de jeunes d'origine turque venant d'Allemagne. Les 14 personnes interrogées ont entre 15 et 40 ans, vivent à Berlin, Ankara ou Istanbul, sont turques, kurdes, allemandes ou simplement elles-mêmes. Leur point commun: tous sont les enfants ou les petits-enfants d'immigrés turcs, ont grandi en Allemagne et sont retournés en Turquie entre 12 et 20 ans. Le film montre des systèmes et des points de vue déterminés culturellement, et s'attache à dévoiler les strates politiques, personnelles et géographiques en mettant l'accent sur des mécanismes strcturels, et non individuels. Ceux qui sont rentrés sont confrontés à des questions d'identité, d'intégration, de délimitation, d'exclusion en Allemgne comme en Turquie, que les autres, restés sur place, ne se poseront jamais. Ils parlent dans le film de ce que signifient des mots comme ici et là-bas, partir et arriver, s'adapter et être à l'écart, être entre les deux. Au cours de la conversation, des notions évidentes disparaissent de notre géographie mentale: où est donc ICI? Quand étais-tu LA-BAS? Qui sont les AUTRES? Quel est le lien entre le propre déracinement culturel et le regard stigmatisant du monde extérieur? La dissolution du lieu et de l'appartenance culturelle se répercute dans la forme. Le lieu, la situation et l'individu ne se défninissent que par la parole et la présence d'un interlocuteur, pas par le lieu de tournage. Les 14 personnes parlent en 16 chapitres, chacun étant une clé pour comprendre un autre. Ce travail est comme un livre dont on peut lire indépendamment les chapitres.

Katinka Bock (née en 1976 à Francfort sur le Main) a étudié l'art et la sculpture à Berlin, Dresde et Paris (diplômée en 2002, master avec Inge Mahn en 2004). Elle a obtenu des bourses et des prix comme le Prix Marion-Ermer (2002) et le soutien aux jeunes artistes de la ville de Berlin en 2004. Elle termine actuellement son post-diplôme à l'ENBA de Lyon et sera accueillie en 2006 en résidence à La Box (Bourges). Katinka Bock vit et travaille à Berlin et Paris.

Kraft, Herrlichkeit (force, magnificence) est le produit d?une recherche sur les sujets et l?idéologie néo-conservateurs. La vidéo commente un récit de l?auteur contemporain Georg Klein en utilisant les éléments de ce récit et en opérant une rupture. Le résultat est une fiction bouleversante d?une exaltante efficacité, des hiérarchies transparentes et une foi inébranlable en la grâce de la compétition. Sur la page web consacrée au film www.kraft-herrlichkeit.de on peut lire les textes de base dans une optique comparative.

Sebastien Bodirsky (né en 1981) vit à Berlin; il étudie actuellement dans la masterclass « film expérimental » du professeur Heinz Emigholz à l?Université des Arts de Berlin. Son travail cinématographique développe une réflexion sur la connaissance, l?observation et l?intervention.

"New Heifei" enstand 2007/08 nach einem mehrmonatigen Aufenthalt in Hefei, China. Der 10 minütige in schwarzweiß gedrehte 16mm Film verhandelt die Darstellung von radikaler wirtschaftlicher Prosperität und der von Ihr geformten Räume. Dabei gelangt ein filmästhethischer und erzählerischer Kanon zur neuerlichen Anwendung, wie er im europäischen Kino ¬ über den italienischen Neorealismus hinaus ¬ etwa in Antonionis 1961 gedrehten Film "La Notte" die scheinbaren Ränder der städtischen Landnahme und ihre BewohnerInnen zu ebenbürtigen Protagonisten eines sich abzeichnenden kapitalistischen Dramas machte. "New Heifei" ist ein Experiment, bei dem Ordnung und Funktion von Drehorten und Figuren im Film und die an sie verantworteten Informationen getauscht werden. Der für eine Ausstellung konzipierte Film besteht auf die Konventionen realistischer Bildsprache um die ¬ in diesem Fall zeitlich und räumlich versetzt stattfindenden ¬ gesellschaftlichen Aufbrüche zu beschreiben.

Hannes Böck wurde am 19. 12. 1974 in Wien geboren. Nach einer Ausbildung zum Fotografen studierte er Konzeptuelle Kunst bei Renée Green an der Akademie der Bildenden Künste, Wien, und Experimentelle Filmgestaltung bei Heinz Emigholz an der Udk Berlin. Er ist freischaffender Künstler und lebt in Wien.

Happy 100, Romania. You`re old today, yet younger than most of Europe`s countries. Why linger on the past, since you let it be destroyed by ignorance and carelessness? Why dream of a bright future since you keep birthing corrupted leaders and let them pollute you? Why didn`t I leave you when all left? Maybe because you would have felt a little emptier without me? Or I would without you? I slap myself 100 times for your inability to become what I want you to become, my sad backward country. Would you slap yourself for me too?

Radu B. Boeru Date of birth: 30. 09. 1977 E-mail: radu.boeru@gmail.com Studies: 1996 - 1998: Graphics Dept. at the National Art Institute in Kishinev, Republic of Moldova. Specialisation: classical graphics, engraving techniques. 1998 - 2002: Graphics Dept. at the National University of Arts in Bucharest. Specialisation: digital graphics & advertising. I worked since 1999 in advertising, first as a copywriter then as an art director and creative director. Since 2013 I work at my own studio and experiment with different art genres, video being by far my favourite. I also experiment with painting and sculpture, audio recordings and poetry. At the moment I work on two lyrical journals and a whole series of short experimental films, hopefully will rise some funds to start a long feature film in the near future.

Bruxelles, 2019. Nous proposons à quatre amies de vingt ans de se placer dans un espace de fiction pour réfléchir à comment ébranler la société capitaliste. Elles décident de faire exploser un centre commercial du centre de Bruxelles et se retrouvent confrontées à la difficulté de faire groupe sans trahir ses idées, de passer à l’acte sans douter. Quels rôles doivent-elles jouer pour s’imaginer agir? Le changement viendra-t-il d’un attentat? La vie et l’amitié sont-elles conciliables avec l’acte radical qu’elles imaginent?

Baptiste Bogaert (1990) et Noëlle Bastin (1991) sommes un duo de réalisateur.trice.s belges résidant à Bruxelles. Le cinéma nous permet de réfléchir au monde d’aujourd’hui. À travers la forme propre à chaque film, nous cherchons à voir et à entendre ce qui fait notre époque, ce qui la travaille, comment elle nous modèle. Nous aimons travailler à cheval entre la fiction et le documentaire - où la fiction est un outil permettant de montrer le réel, ce qui a lieu. Pour les mêmes raisons, nos films sont souvent marqués par le travail en plan séquence et la collaboration régulière avec des acteurs non-professionnels. En parallèle aux films, nous concevons des installations vidéos.

J´avais depuis longtemps prévu de faire quelque chose avec la légendaire scène de danse du film "la fièvre du Samedi Soir". J´ai décidé de créer une boucle dans laquelle on voit le danseur aller et venir, encore et encore, comme une sorte de dervishe occidental. J´ai ressenti le besoin de dessiner le danseur, comme pour créer une figure plus universelle; il m´est donc apparu comme logique d´utiliser les techniques d´animation classiques. 1700 dessins ont été nécessaires afin de représenter le danseur argenté aussi précisément que l´original. Lorsque je colorie le danseur d´une couleur argentée opaque, je ne garde que l´essentiel, les mouvements. Car au final, l´élan iconographique du film ne tient qu´à sa fantastique chorégraphie. J´ai gardé la bande-son originale, mais passée à l´envers. De ce fait, je décale la synchronisation, sans pour autant perdre le rythme ni le son délirant des Bee Gees. Les taches et les points sur l´image font partie du jeu. Le tout résulte en la création de nouveaux accents. Parfois des lettres apparaissent, épelant la phrase titre "je suis une star et je vais et viens" (I am a star and I come and I go). Ma vidéo peut servir de point de départ d´une discussion sur le sens du succès, ou alors vous pouvez juste la regarder et apprécier ...

Bogaerts utilise souvent ses propres archives vidéo comme point de départ pour ses films. Parmis elles il choisit et créé des vidéos et des boucles en 16mm. Ces dernières années il a beaucoup basé ses films sur les icônes de son enfance, qu´il examine et définit par rapport au présent, comme dans "the Superfast Series", "A Study for Bruce", et "I am a star, I come and I go". Les films conduisent essentiellement à une série de dessins ou d´objets qui sont montrés en même temps que le film. Concernant sa technique, il s´efforce toujours d´utiliser de nouvelles combinaisons et applications de dessin et de peinture, de même que des techniques de filmage. Dans sa dernière oeuvre il a souvent recours à la technique d´animation.

The installation consists of two black and white video images, one video projector and two thin (2 mm) illuminated fibre lines. A large projection shows images of moving objects or people that are fixed in one place on the wall by means of a sophisticated tracking technique. This technique continuously shifts the frame of the video image in a way that the chosen object stays in one place. Thus, all movements are neutralized. Directly behind the projector a very small 4,7 inch screen shows a close-up of a moving eyeball, of which the pupil is fixed in the middle of the screen. A luminous wire is stretched across the exhibition room, between the fixed point of the projected image and the centre of the small eye pupil. The wire is a physical and stationary element in the exhibition room.

Peter Bogers’ (Netherlands, 1956) work engages the interplay of sound and image to create installation works dealing with questions around the understanding and perception of sound. Working with the themes of music, speech and sound Bogers questions the boundaries of these fields and their limits and access to communication. Through his constant interaction with sound, Bogers also examines the visual, spatial and conceptual understanding of the human body and its place within the moving image and experiential installation. Bogers was one of the first artists in the Netherlands to integrate moving image into his work. He began working with video in the 1980’s as a methodology to accompany and assist his performance work and has since developed a keen approach to the medium that functions as a tool to illuminate the otherwise imperceptible. Peter Bogers studied at the sculpture department at St. Joost Academy, Breda. He has exhibited widely and had solo exhibitions both in The Netherlands (at the Netherlands Media Art Institute and the Central Museum Utrecht, among other places) and internationally (including solo shows in Bremen, Marseille, Osnabrück, Pittsburgh and Stuttgart).

Glued Eye 2-channel installation Peter Bogers, The Netherlands, 2019 www.peterbogers.com The installation consists of two black and white video images, one video projector and two thin (2 mm) illuminated fiber lines. A large projection shows images of moving objects or people that are fixed in one place on the wall by means of a sophisticated tracking technique. This technique continuously shifts the frame of the video image in a way that the chosen object stays in one place. Thus, all movements are neutralized. Directly behind the projector a very small 4,7 inch screen shows a close-up of a moving eyeball, of which the pupil is fixed in the middle of the screen. A luminous wire is stretched across the exhibition room, between the fixed point of the projected image and the center of the small eye pupil. The wire is a physical and stationary element in the exhibition room.

1965 Born in Dordrecht, The Netherlands 1981 Graduated from Art Academy St. Joost, Breda, The Netherlands at the sculpture department. Lives and Works in Amsterdam, The Netherlands In the early eighties Bogers was heavily involved in performance art, but gradually started to use the video camera as an intermediary between himself and the public. In the nineties he started to approach sound and image more and more as self-contained, flexible media that give him access to the element of time and thus can be transformed in an attempt to make a statement about the complexity and incomprehensibility of human nature. Bogers has had solo exhibitions in international museums and galleries in Amsterdam, Utrecht, Bremen, Stuttgart, Osnabrück, Beijing, Tokyo, Marseille, Split and Pittsburgh. Among others his work is in the collection of the Stedelijk Museum, Amsterdam, Museum of fine arts, Taipei and Harvard University, USA.

Le code Napoléon, qui a influencé une grande partie de la législation européenne, sanctionne le corps privé de vêtements. Tandis que tout semble permis pour les média, dans la vie quotidienne, en Italie comme partout, on en est encore aux « atti osceni in luogo pubblico ». Même trente ans après les performances d?Abramovitz le corps nu ne peut être considéré comme naturel. Voilà ce dont un petit groupe d?étudiants de Brera discutait en mars-avril 2004 au café Victoria de Milan, (bar choisi naturellement à cause de son nom). Ils étaient stimulés par Foed Ben Affane, un jeune artiste qui commence à s?intéresser au monde conceptuel. L?occasion d?une grande expo sur le nu à Bologne (Il nudo fra ideale e realtà sous la direction de Peter Weiermeier) fit naître l?exigence de se confronter et de rencontrer, de chercher un contact du moins, avec le monde de l?art et surtout avec son public. Et c?est ainsi que le 8 juin Foed circule nu parmi les tableaux et les sculptures de Bologne, parmi un public partagé entre l?indifférence (feinte?) et la participation enjouée. Et le 9 juin l?opération se répète avec une demi autorisation du directeur non sans quelques problèmes à la garde-robe où Foed voulait laisser ses habits. La vidéo présente un montage de ces 2 journées et 2 bribes d?interview de Foed au Bar Victoria.

Kika Bohr est née à Genève en 1956 et grandit à Milan. Fille d?artistes, elle achève d?abord des études de lettres et travaille comme traductrice. Dès 1988, elle réalise des portraits à l?huile, puis des sculptures en différents matériaux (notamment en cuivre). Elle s?inscrit au cours de sculpture de l?Académie de Brera.

Surfaces troubles est une projection vidéo élargie à deux écrans. L?artiste procède à une succession de passages devant un miroir recouvert de poussière. Le regard du spectateur est tiraillé entre la douceur opaque et mystérieuse de l?image de gauche et son attirance irrésistible pour l?image de droite déformée, caricaturée par des effets spéciaux. La musique électronique stridente de David Perchey s?ajoute de manière lugubre et efficace à ce binôme inquiétant.

Mes performances respirent à travers la vidéo sa dimension plastique et lumineuse. Le plus souvent je suis seule devant ma caméra, contrainte à évoluer dans son cadre fixe. Dans cette intimité je me prête à un exercice étrangement préoccupant : la relation physique avec un objet. Lâchant l?objet dans sa fonction première, je me laisse surprendre et construis une chorégraphie sexuelle de la manipulation. Mon corps est sculpté par la matière de l?objet qui se pose sur l?épaule, s?imbrique dans mon cou, se jette à ma figure, déforme mon expression, me fouette violement. Au montage j?utilise des effets spéciaux comme l?envers et le ralenti, des coupes surréalistes, le son propre de l?objet ou bien une musique fortement présente afin de pénétrer très directement dans l?univers lyrique et poétique qui m?habite. Dépassée par mes sens et leurs doubles sens, l?humour surgit. Je suis la marionnette de mon inconscient. Dans ce travail je me dédouble en femme-objet et égérie porteuse de messages.

Alibi is a map of hidden evidence. Alibi is a map of regret. Alibi is a physical map through frozen landscapes where the darkness in human nature is revealed. In a small Irish midland town a woman is brutally murdered while returning to her family for Christmas. When questioned by police, Paddy gives his workmate John a cover story. Twenty years later John is charged with murder and Paddy?s lie is now an alibi.

Darren Bolger & Caroline Campbell have been directing and producing collectively on projects since 2008.

- Vous ne saviez pas que vous lui donniez du poison ? - Je ne le savais pas. - Mais vous étiez au courant que le papier tue-mouches peut tuer un chat, n’est-ce pas ? Vous n’avez pas pensé qu’avec ça on peut même tuer un homme ? - Oui, je savais que c’était du poison, mais pas si fort que ça. Mots et paroles, fragments d’un procès : l’affaire des empoisonneuses. Des paysannes tuent leurs hommes. Sur les routes de Hongrie, un juge hanté par sa propre voix. Jacques Nolot est le juge itinérant obsédé et rattrapé par les griffes du passé. Un film noir et fantastique en base d’un fait divers.

Andreas Bolm, réalisateur né à Cologne (Allemagne). Après avoir travaillé comme ingénieur du son et musicien à Manchester (Grande-Bretagne), il se consacre à la photographie et la vidéo. En 1999, Andreas est engagé au département documentaire de l’Université du Film et Télévision de Munich. Andreas vit et travaille entre l’Allemagne, la Hongrie et la France. Ses films Ròzsa (2000), The Sleepers (2003), Jaba (2006), Tous les enfants sauf un (2008) et School Files (2012) ont été sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux. Son film Jaba est présenté à la Cinéfondation à Cannes en 2006 et a reçu le prix "Golden Mikeldi" pour le meilleur film documentaire au festival international Zinebi de Bilbao. En 2009 Andreas est résident à la Cinéfondation Résidence du Festival de Cannes où il développe l’écriture de son film Die Wiedergänger/The Revenants (2013). Le film est projeté en première à la 63ème Berlinale, section Perspektive deutsches Kino et présenté au MoMa, New-York. Son deuxième long métrage Le Juge (2017) avec l’acteur français Jacques Nolot est inspiré d’un fait divers, l’affaire des empoisonneuses, qui a eu lieu dans un village en Hongrie.

Northern Germany. An ageing hippie couple endures an isolated, ghostly existence in an old country house. A boy wanders aimlessly through a forest, building a lair for himself. And a story about a never-ending escape from catastrophe. The Revenants - a film about desire, loss, and endlessly returning. A ghost story.

Andreas Bolm was born in Cologne in Germany. As a musician and sound technician he was drawn to Manchester, UK, where he started to experiment with photography and video. He began studying film at FAMU, Prague and at HFF in Munich. Following invitations to Cannes and other festivals, he was granted a bursary by the Cinefondation Residence Festival de Cannes in 2009 which allowed him to develop DIE WIEDERGÄNGER.

Zoli gagne sa vie à l'étranger en écorchant des chinchillas dans une fabrique danoise de fourrures. Le film s'ouvre sur le retour de Zoli. Un retour en périphérie, dans un petit village hongrois, Jaba. La famille de Zoli, des Roms sédentarisés, peinent à s'en sortir en se louant à la journée. Pour Zoli, il n'y à Jaba aucun trvail, aucune perspective, alors il tue le temps et attend. Trêve. "Jaba" parle de la survie dans l'une des régions les plus pauvres d'Europe. Un film sur la marginalité. Les acteurs jouent leur propre rôle. Un film à la poésie aussi âpre que ses protagonaistes.

Né le 11.11.1971 à Cologne d'une mère hongroise et d'un père allemand. Séjours réguliers en Hongrie depuis l'enfance. 1977 déménagement à Scheessel, Basse-Saxe. Baccalauréat en 1991. 1991-1993 Service civil à l'association d'informations sur la drogue DropInn à Hambourg De 1993 à 1994 séjour à Manchester, Angleterre. Travaille comme musicien et ingénieur du son 1995 Etudes de sciences du théâtre, du cinéma et de la télévision à la FU de Berlin 1997 Année d'étude à la Filmakademie FAMU à Prague Depuis 1999 études à la Hochschule für Fernsehen und Film (école supérieure de télévision et de cinéma) à Munich, section médiologie et film documentaire Depuis 1994 divers travaux dans le domaine du cinéma, auteur et réalisateur de travaux cinématographiques personnels, collaboration comme caméraman et ingénieur du son. En Juillet 2004 création de la maison de production pour le cinéma et la vidéo pickpocket production avec Markus Nechleba.

Un vieux bâtiment de Venise accueille une exposition, un visiteur traverse des pièces vides et découvre un espace architectural fictif qui fonctionne comme un décor de théâtre abandonné. Alors qu'une ville qui se noie lentement vous inonde de sa présence obsessionnelle sur et hors champ, l'imagination ne peut dépasser la réalité. Inspiré par l'œuvre d'Alexander Kluge et sa constellation de réalisations filmiques et vidéo, le cadre métanarratif de cette exploration tente de déconstruire l'expérience subjective et de libérer l'énergie filmique de l’horror vacui de l’écran.

Pia Bolognesi (PhD, née en 1981) est conservatrice indépendante, historienne de l'art et artiste. Elle vit à Berlin. Ayant de l’expérience en arts du spectacle, théorie du cinéma et études visuelles et environnementales, elle a organisé des installations à grande échelle, des expositions et des projets multidisciplinaires pour des institutions telles que la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); le MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA); le Centre Pompidou, Paris (France); le FNC – Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada) et la 56e Biennale de Venise (Italie). Ses œuvres et installations ont été présentées, entre autres, au Wiels, Bruxelles (Belgique); au Musée des Beaux-Arts de Montréal (Canada); à la Kyoto University of Art and Design (Japon); à la Tokyo University of the Arts (Japon); à la Deutsche KunstHalle, Berlin (Allemagne) et à la Triennale de Milan (Italie). Giulio Bursi (PhD, né en 1978) est curateur indépendant de films, dramaturge et cinéaste. Il vit à Berlin. Formé en théorie du cinéma, il a été assistant réalisateur de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet. Il a réalisé un long métrage documentaire ("J'écoute!", 2007) et différents films courts et installations en collaboration avec des institutions internationales et des festivals de cinéma tels que le Austrian Film Museum, Vienne (Autriche); la 56e Biennale de Venise (Italie); le festival international To Save and Project du MoMA, New York (USA); le Torino Film Festival, Turin (Italie); Il Cinema Ritrovato Bologna, Bologne (Italie); la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada); GAM – Galleria d’Arte Moderna, Turin (Italie). Pia Bolognesi et Giulio Bursi travaillent ensemble sous le nom d'Atelier Impopulaire depuis 2012. Leurs installations ont été exposées au Centre Pompidou, Paris (France); à la Triennale de Milan (Italie); à la Kunsthaus Bregenz, Bregenz (Autriche); au GAM – Centro Gabriela Mistral, Santiago (Chili); à The Mix Place, Shanghai (Chine); au West Bund Art Space, Shanghai (Chine); à la Power Station of Art Shanghai (Chine); à la Volksbühne Berlin (Allemagne); au ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne); à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au Gallery Weekend Berlin (Allemagne); au Festival du film de Rotterdam. L'Atelier Impopulaire a développé des projets in situ à l’international, en collaboration avec des artistes comme Aldo Tambellini, Dries Van Noten, Morgan Fisher, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, Peter Tscherkassky, Margaret Honda, Experimental Jetset, Christopher Williams, Alexander Kluge.

BEFORE WE LOVE is an installation and a performance in three acts: CROSSCURRENTS, 12 GATES, and THE SHADOW SOCIETY. Inspired by the legendary UMBRA Poets Workshop (1961-63), it completes Atelier Impopulaire’s trilogy about the birth of underground artistic movements and civil rights activism in the African-American, Italian and Latino communities that had migrated to New York City’s Lower East Side by the early 1960s. 12 GATES is a large-scale multi-screen installation that integrates rare archival material with new Atelier Impopulaire’s footage, drawing on UMBRA’s literature to explore the fight against cultural oppression by the movements that advocated for social justice through multidisciplinary practices.

Pia Bolognesi is an artist, cultural activist and art historian based in Berlin with a background in Performing Arts, Film Theory and Visual and Environmental Studies. Giulio Bursi is a dramaturg, film-maker, independent film curator and professor based in Berlin. Educated in Film Theory, he was assistant director of Jean-Marie Straub and Danièle Huillet. Pia Bolognesi and Giulio Bursi have worked together as Atelier Impopulaire since 2012. Their practice involves moving-image, writing, installation, sculpture.