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Au large d’un monde en reconstruction, une voix dont on ignore la source surplombe la ville et sonne comme une injonction. En résistance à cette diction autoritaire, une nouvelle voix émerge. Cheikh Morad Djadja se fraye un chemin au sein de cet univers, il doit se rendre au Taxiphone et y lais- ser son propre message crypté. "Appel masqué" est une chanson composée par Cheb Abdou en 1993, durant la période de la décennie noire en Algérie. Comme plusieurs de ses morceaux, Cheb Abdou les a écrit et interprété sous menaces constantes. À travers ses musiques, il y a ouvert un champ d’expression identitaire etde dictions autour l’extistence d’un autre genres. L’ étymologie du mot RAÏ prend tout son sens. En retournant sur les traces de la naissance du raï, Oran, j’y ai rencontré Cheikh Morad Djadja une personnalité de ce milieu et successeur de Cheb Abdou, c’était une réelle immersion au sein de la communauté de chanteurs(se) et musiciens(ne) raï. Le film s’est construit autour du taxi-phone représentant ce non-lieu de télécommunication anonyme et de l’impossibilité de faire subsister un message, une opinion, un avis au sein d’une société contempo- raine. En écho aux paroles de la chanson "Appel masqué" de Cheb Abdou, #31# (appel masqué) est une ap- proche a mis chemin entre le documentaire, la fiction et la performance, où Cheikh Morad Djadja nous mène vers une quête existentielle, dans un monde en perpétuelle reconstruc- tion, où ce non-lieu lui permet d’y laisser un message vocale masqué sur sa trans-identité.

Ghyzlène Boukaïla est une artiste et réalisatrice multimédia née en 1993 à Alger. Elle vit et travaille entre Alger et Lille. Sa démarche artistique et sa sensibilité se cristallisent dans les seins d'une famille de révolutionnaires algériens. Explorant certaines problématiques liées au post-colonialisme, sa démarche explore de nouveaux récits liés aux (ré)évolutions socio-politiques et numériques en situant sa pratique à l'interface du documentaire/performance et des récits numériques post-humains.

Le sujet central de « 08/26 » est le conflit aérien dans toute l?Europe au temps de la Guerre Froide. Dans un premier temps, le film montre de nombreuses structures à l?arrêt au milieu d?un emplacement soviétique, imprégné d?une ambiance sonore et de souvenirs d'une époque révolue. Par contraste, le film montre alors du personnel militaire engagé dans des exercices de routine, qui représentent le présent, s?entraînant à combattre contre un ennemi moins identifiable. Séparées par près de deux décennies, ces pratiques et procédures sont cependant similaires, l?aviation de la Guerre Froide et les man?uvres de routine restent à peu près les mêmes. Des séquences se chevauchent, en représentant différents lieux et époques et en explorant les similitudes et les différences entre l'occupation et le vide.

Born York, England, 1964.

Une cité aux airs d`amphithéâtre qui s`apprête à accueillir un sacrifice. En 2002, Georges Mondésir, meurt suite à une intervention de police. Il est fou, ou simple d`esprit, face au policier, Mondésir c`est l`Autre. Et ce qui intéresse Alice Colomer c`est ce qui se rejoue d`une lutte ancestrale dans ce duo. Ce n`est jamais un documentaire sur cette mort. C`est le ballet, dont seule la caméra a la liberté de s`échapper. Des ralentis qui défient tout réalisme, de ces points de vues entremêlés, il naît de ce film une impression juste qu`il s`est passé quelque chose.

Alice Colomer est née en 1985 en région parisienne, elle vie et travail à Paris. Elle a été diplômée de l?Ecole Nationale supérieure des beaux arts de Paris en novembre 2011 et a étudié à la centrale academie of fine arts de Pékin (Chine). 2012 Exposition collective à la Saline Royale d?Arc-et-Senans, Tranches de carré sur Tranches de cerles (ENSBA-ENS), présentation de l?installation lekh lekha . 2011 Paris projection de One World One Dream One People, festival « les nuits photographiques ». 2007 CNAM de Paris les visites dessinées.

Il s`agit d`une correspondance entre deux individus, l'un est enfermé et l`autre est en prison. Tout le film se construit sur cet échange de texte (sms), d`images et de paroles. Le film commence par la mise en place du processus filmique (d`une certaine manière, le début film raconte la réalisation de l`objet filmique) pour devenir petit à petit un film qui questionne les notions de liberté et d`enfermement.

Mohamed Bourouissa est né en 1978 à Blida en Algérie. Il vit et travaille à Paris. Il suit actuellement la formation du Studio National des Arts ? Le Fresnoy. Il est diplômé de l?Ecole nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en photographie et a suivi un cursus en Art plastiques à la Sorbonne Paris 1 où il a soutenu un DEA. Des expositions personnelles se sont tenues notamment au Centre culturel de Correios, à Rio de Janeiro au Brésil, à la Galerie des filles du Calvaire, à Breda Photo 2008, Pays-Bas, à la Site Gallery, Sheffield en Angleterre, à la Pauza Galerie, à Cracovie en Pologne. Son travail a fait partie de nombreuses expositions dans le monde, notamment récemment de la Biennale Photographie et Architecture à La Cambre, Bruxelles, Belgique, à la biennale d?art contemporain d?Alger, Algérie, au New Museum of contemporary art, New York, et aux Deutsches Historisches Museum, Berlin, Allemagne. Son travail fait parties de plusieurs collections publiques : la Cité nationale de l?Histoire de l?immigration, Paris, le Fonds national d?art contemporain, France, la Galerie du Château d?Eau, Toulouse, France, le Finnish Museum of Photography, Helsinki, Finlande.

Dawn spreads its luminous rays across the coast of Iceland, revealing a sorcerer standing between wine-dark sea and mountainous black rock. It is Tempestarii, a figure of medieval lore, undertaking a primitive rite manifested to conjure a storm. The tides of the deep ocean breathe heavily, rising and falling across the cinema screen with amplifying power as the weather-maker beats a mysterious sack against the monolithic cliffs with powerful repetition. As a magical tool, this sack contains forceful winds pulled from each corner of world. As an analogy, it is aligned with the revolutionary transformations of nature by water, air, solar radiation, and geological shifts and filled with the vast potential of man’s will in alliance with Nature. As an omen, the tempestarii signals profound change in both physical and metaphysical realms. (Amelia Ishmael)

Gast Bouschet & Nadine Hilbert were both born in Luxembourg and are currently based in Brussels, Belgium. They have worked together since 1990s, using a combination of photography, video, and sound to create potent social, political, and institutional critiques which they have exhibited at major international venues including The Wall Taipei, Taiwan; Cube Space Taipei, Taiwan; Philharmonie, Luxembourg; Muzeum Sztuki Lodz, Poland; Casino Forum d`Art Contemporain, Luxembourg; Trienal de Luanda, Angola; Busan Biennale of Contemporary Art, South-Korea; Camouflage Johannesburg, South Africa; MUHKA Antwerp Belgium, CCA Glasgow, Scotland among others. Gast Bouschet & Nadine Hilbert represented Luxembourg at the Venice Biennale in 2009.

"Zone of Initial Dilution" s?intéresse à la transformation urbaine de la région des Trois-Gorges en Chine bouleversée par la mise en oeuvre du plus grand barrage hydraulique au monde. Avant la fin du chantier prévu en 2008, la vidéo dresse un état des lieux des villes et des berges du Yangtze, de celles en ruines ou disparues aux autres en plein essor, et tente de cerner les conséquences sur le paysage et les populations dans la perspective planifiée de l?ultime montée des eaux.

Antoine Boutet est né en 1968. Diplômé de l`Ecole des Beaux-Arts de Pau et de l`Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, il réalise des bandes vidéo expérimentales et documentaires et des installations exposées en France et à l`étranger, dont Conservation-conversation, en 2005. Antoine Boutet vit et travaille actuellement à Paris.

Firedive is a short documentary about La Vallette Bathing Pools on the east coast of the Island of Guernsey. The film describes the Island`s collective memory of the tidal pools, focusing on the floodlit swimming galas and `firedives` that once made the pools a central part of the local community. Bowditch?s mother relayed the almost mythical personal tales of her childhood, which inspired the film. Contributors include locals who all have their own complimentary and contrasting tales adding to the visual portrait presented of the pools. The narrators talk about the decline in usage of the pools before going on to describe the ritualistic ceremony of the torch light processions and ?firedives? that once took place. The film is not a recreation of events but rather documents Bowditch?s own experience and involvement in adding to the collective memory of the location. By staging a floodlit torchlight procession based on the tales and accounts of the inhabitants he adds to the islands history and represents it for a new generation. Production dialogue, filming equipment and crew are therefore included in the edit, showing it was an exploration based on intertwined memories rather than a factual straight re-enactment.

Tim Bowditch (b.1986 Guernsey, Channel Islands) graduated from the University of Portsmouth in 2008 with a BA Hons Degree is Photography. Bowditch moved from his childhood home of Guernsey to begin a career as a photographer in London in the Autmn of 2008. He has kept his ties with Guernsey by annually applying and receiving funding to make new work incorporating the Island in someway. The last two years have been spent working on a project entitled Firedive (submitted as a multimedia piece). Firedive saw Bowditch follow the current trend of the digital SLR film makers to shoot a short documentary about the about La Vallette Bathing Pools on the east coast of the Island. The film describes the Island`s collective memory of the pools, focusing on the floodlit swimming galas and `firedives` that once made the pools a central part of the local community. This year the film was premiered at a special open air screening at the pools accompanied by a swimming gala and torch light procession. Three Artists were invited to the Island to make work in response to the screening and gala. The third phase of the project is a proposed exhibition at the greenhouse gallery in Guernsey next Spring. I will curate an exhibition from the work made at the screening.

Le vice-président des Etats-Unis Dick Cheney dit enfin la vérité.

L'indien de San Francisco Bryon Boyce est un réalisateur-vidéaste dont les oeuvres ont parcouru le monde entier mais aussi dans des lieux tels que le Sundance, NY Underground, Cinematexas, RESfest, MTV et le Pacific Film Archive.

My Prisoner is a video work that reconstructs the event that occurred on 3 April 1994 in war-torn Bosnia by intermixing archival footage with contemporary reimagining of the occasion. It shows a young man being escorted by an army intelligence officer to visit his imprisoned father. As the men travel side-by-side in the back seat of a car Shine on You Crazy Diamond by Pink Floyd begins to play on the car radio. The young man acknowledges the music and tries to make conversation but the officer does not even recognize the track. A composite of autobiography, documentary and fiction, My Prisoner navigates through the space where the historical, the personal and the fictional simultaneously interfere with and enhance one another.

Velibor Božović grew up in Sarajevo, Bosnia-Herzegovina. When he was in his twenties, the country of his youth became a war zone and he spent the duration of the siege of Sarajevo honing his survival skills. In 1999, Velibor moved to Montréal where he worked, for eight years, as an engineer in aerospace industry until he gave up his engineering career to devote his time fully to art practice. Subsequently, Velibor completed a Master of Fine Arts degree in Studio Arts at Concordia University. He is the recipient of the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art (2015), Concordia International Mobility Award (2014), the Bourse de Maîtrise en Recherche from FRQSC - Fonds de recherche sur la société et la culture Quebec (2012) and Roloff Beny Foundation Fellowship in Photography (2011). His work has been exhibited in the United States, Cuba, Canada, and Bosnia-Herzegovina. His images appeared in The New York Times, The Paris Review, Descant, International Herald Tribune, Chicago Tribune, Granta, BH Dani and others.

An attempt on aesthetic-technological-ideological objectivity in non-objective reality. How can we see today, the monuments of the NOB (National Liberation War), what they represent to us in the context of the new division of fashion as well as changes in paradigm and ideology in the former Yugoslavia. Is a new reading possible without a nostalgic undertone? How to think about architectural and concrete structures in the 2000s? What is the relationship between monument and human, what is the relationship between monument and unbridled nature. What is the relationship between monuments and contemporary technology and contemporary art today? How much contemporary and how much tech addiction? How to reinterpret the artifacts of the anti-fascist struggle, but so that the monument of the NOB remains at the denotative level of meaning of the monument, that new meanings do not endanger the given basic meaning, the one that is. Creating narratives as a new reading and a new "seeing" and seeing of monuments and creating new visual realities.

Igor Bošnjak (b. 1981 in Sarajevo, Yugoslavia) lives and works in Trebinje (Bosnia & Herzegovina). He is mainly working within the fields of contemporary art: moving images, video, installation, objects, drawing & photography. From 2009 works as a professor at Academy of Visual Arts in Trebinje, University of East Sarajevo on courses Intermedia art, Video art, Digital art. From 2019 works as visiting lecturer on Faculty of Fine Arts, Cetinje, University of Montenegro.

?It is not the literal past that rules us, it is images of the past...? George Steiner Hotel Balkan is meditative and ambiental video which defines borders between futuristic memory of past and present thinking of future. I?ve been wondering about something: Why is it that images from the past - the actual past - often feel more futuristic than our current images of an imagined future? But if the future doesn?t look much like the future, the past often does. There are pictures from the past that, while you immediately recognize them as being from the past, nevertheless feel futuristic. It?s as though there?s something in your brain that wants to read them as images from the future. In this concept there is an idea that Tito?s nuclear bunker is equivavelnt for some kind of motel, or maybe even a hotel. Nowadays, Tito?s nuclear bunker wants sunshine instead of fluorescent lights, the sound of wind blowing through trees instead of the dull noise of its massive air-conditioning unit. It looks forward to the chatter of people and the sound of their footsteps instead of the noise produced by the closing of its steel antinuclear doors.

Born 1981 in Sarajevo, former Yugoslavia. Lives & work in Trebinje, Bosnia & Herzegovina. He is mainly working within the fields of film, video, concept, installation & photography. Also works as a video curator & freelance theoretician. Curently works as a asistant professor at Academy of Visual Arts in Trebinje. Education 2005 Academy of Visual Arts (BA) in Trebinje, Department of Painting 2006 Founder and the curator of the international namaTREba project biennial 2008 Interdisciplinary master (MA) studies at the University of Arts in Belgrade, Theory of Art & Media Department 2011 Interdisciplinary (PhD) studies at the University of Arts in Belgrade / Theory of Art & Media Department His works shows and exhibited at Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen, Moscow Museum of Modern Art, Moscow, Atopia Film & VideoKunst Gallery, Oslo, CAM Casoria, Contemporary Art Museum, Naples, Kunst Museum, Bonn, Galleria d? Arte Moderna Palazzo Forti, Verona, Museum of Contemporary Art RS, Banja Luka, Point Ephemere, Paris, Contemporary Music Centre, Dublin, Espacio Center Canarias, Tenerife, Fabbrica del Vapore, Milan, Center of Contemporary Art, Plovdiv, Budapest Art Fair Mucsarnok, Budapest, Spazio Monitor, Museum of Contemporary Art, Rome, Tapetenwerk Halle C, Leipzig, A+A Galerie, Art Verona, Venice, Gallery Remont, Belgrade... more info: www.igorbosnjak.com

Commençant avec un plan séquence de deux minutes sur le cadran d?une horloge, la vidéo a été réalisé en temps réel, dans un environnement conçu pour la vidéo. Les cadres furent imprimés individuellement sur papier et postérieurement redessinés, images par images au fusain et à la peinture à l?huile, scannées à nouveau, pour être enfin animées dans la vidéo finale. Cette vidéo a été commandé pour la compilation "Essays on Radio : Can I have 2 minutes of your time?" produite par le label media Crónica et qui proposa à tous les artistes de l'audio et du visuel de refléter la technologie et la culture de la radio dans le début de la pellicule 21ème siècle. Le but de cette vidéo fut ensuite d?explorer l?idée de temps dans l?analogie croisant les techniques digitales : en commençant en deux minutes, réduisant la vidéo à 6 images et les étirant à nouveau sur deux minutes, restaurant la perte de qualité induite par le procédé de recréation numérique/mécanique et par l?utilisation de diverses recréations analogues/manuelles dans chaque image, discrète. À la fin, la représentation symbolique du temps n?est plus lisible, mais les mécanismes qui le représentent et le capturent se font sentir tout au long du morceau.

Née en 1972, elle travaille et vit à Vienne, en Autriche où elle est étudiante en critique du théâtre et des médias mais aussi artiste et photographe. Videojockey et DJ, elle enseigne pour le moment la manipulation vidéo dans l?école multimédia privée de Vienne. En 1999, son travail est exposé pendant 3 mois, par "Cinemasonic-Lounge", un festival de vidéos expérimentales. Elle met de côté la photographie analogique pour se tourner vers la vidéo numérique. Avec son travail elle repense la géométrie et l?anatomie qui dominent les images de collection en un processus de composition récursif qui utilise un ensemble de vidéos. Avec ses vidéos elle essaie de produire des séquences émotionnelles provenant d?images fixes rassemblées (photographies, images, graphiques, sketches, etc..) en des trajectoires animées derrière leur contexte original.

Of Stains, Scrap & Tires is a calm, documentary miniature that chooses the auto export business of three young Nigerians in the Erzberg region as a point of association and departure for formulating something more fundamental about the first and third worlds, movement and standstill, business, space, and freedom.

Sebastian Brameshuber studied scenography at the Vienna University of Applied Arts and contemporary arts at Le Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains in France. His earlier films are in the tradition of Austrian avant-garde cinema and examine the nature of the moving image. In his documentary works, he maintains a strong interest in form, while emphasising human relationships and sociopolitical issues. His work has been presented at major film and media art festivals such as the Berlinale, Viennale, FID Marseille, BAFICI, Karlovy Vary Film Festival, Sarajevo Film Festival, EMAF Osnabrueck, Impakt Utrecht, Media Art Friesland, etc. He currently lives and works in Vienna.

La relation qu'entretiennent Tom et Jerry n'est pas claire. Sont-ils amis, ennemis, ou forment-ils un couple ? Peu importe, la vidéo montre l'amour, la haine, la tristesse et la tendresse qui existent dans leur relation si particulière.

Nicolas Branca Rosse est un artist visuel, un photographe, un artiste vidéo et un réalisateur né en 1972 à Montevideo en Uruguay. Parmi ses oeuvres les plus récentes on trouve "OVNI", une fiction de 21 mn, réalisée en 2002-2003. "Panamericano" est une oeuvre expérimentale, une boucle d'une minute exposée au Centre Culturel d'Espagne de Montevideo en 2004. En 2005 il fait "Victima", une oeuvre expérimentale de trois minutes exposée au Bar Tasende, une entreprise artistique. Il réalise également "Las Nuevas Aventuras de Tom y Jerry" (les nouvelles aventures de Tom et Jerry), une vidéo expérimentale de 18 mn montrée au Festival de Cine y Video Latino de Buenos Aires en 2005 où elle remporte le premier prix dans la catégorie "expérimental". En 2006, il est sélectionné pour l'exposition Zemos98 au Festival ACCION PARALELA et il réalise "El Teorico", une installation vidéo composée d'une boucle de 2 mn et exposée au Centre Culturel Ex Teresa, à Mexico au Mexique.

"Causality and Meaning" consiste en une séquence rapide de 635 fichiers images, qui - isolés sur fond blanc - montrent des logos, des symboles, des graphiques, des mèmes Internet, des illustrations et des images de produits. Sur le plan du contenu, cette œuvre questionne des sujets tels que le transhumanisme, la culture de droite liée à Internet et aux mèmes, le suprémacisme blanc, l'antiféminisme et le mouvement pour les droits des hommes, la culture machiste et le chauvinisme, des stéréotypes de masculinité ininterrompus, la consommation néolibérale et la culture du divertissement axée sur la violence. Sur le plan sonore, on peut entendre une composition du tromboniste et musicien expérimental originaire de Cologne Matthias Muche, accompagnée de mots du compositeur britannique Anthony Moore. Les sons produits par le trombone, combinés avec la voix masculine de Moore, distordue et parfois incompréhensible, semblent commenter la séquence d'images ou même en illustrer le contenu; parfois les sons y opposent à leur manière une résistance et s'affirment comme une partie autonome de l'œuvre.

Martin Brand est né à Bochum (Allemagne) en 1975, et a étudié l'art et la philologie allemande à Bochum et Dortmund (Allemagne) jusqu'en 2002. Il vit et travaille à Cologne. Dans son œuvre, il traite de questions sociales et politiques, qu'il explore par le film et la photographie. Le point de départ est souvent un phénomène qu'il trouve dérangeant, irritant et déstabilisant, mais qui, dans le même temps, l'attire et le fascine. À partir de la surface, il tente de révéler liens et structures, de regarder derrière la façade et, finalement, de confronter le spectateur à sa contrepartie, le mettant au défi d'une analyse critique. Des thèmes tels que la jeunesse et les subcultures, la quête d'identité, la violence, les stéréotypes de genre, le fait de s’orienter d’après des modèles, l'influence des médias et de la publicité, les hiérarchies et mécanismes de groupe sont au cœur de son travail. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions et festivals et font partie de diverses collections d'art telles que la collection Goetz à Munich (Allemagne), celle du musée Ostwall à Dortmund (Allemagne) ou celle du Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Allemagne). Il a reçu des bourses de projet et des bourses d’étude, et a été récompensé à plusieurs reprises pour son travail.

Westcoast is a panorama-video consisting of interweaved scenes mounted on a coastline - somewhere between Rotterdam and Sydney. Starting from a bubbling primordial soup the view pans along a waterfront in the style of a late transnational financial eclecticism and passes mystical spots such as a giant hippo eating carrots and hectically spinning rubber boats. After a dark spiritual waterway recalling Hieronymus Bosch atmospheres, the panorama ends in a cave with refuse-Jacuzzi in which a white woman gazes about herself melancholically.

Ulu Braun (1976) is belonging to a new generation of artists that entered the field of digital film with a background in visual arts and street art. In his works he integrates various production methods to form sceneries that play between Hollywood, Prado and periphery. In most of his works he observes the tragic of reality from different angles. Braun exhibits internationally including recent solo shows in Germany, Belgium, USA and group shows in Germany, Spain, France, Finland, Estonia and Greece. His works have been screened at the major experimental Film and Media Art Festivals. Collaborations with Roland Seidel as BitteBitteJaJa and finnish artist group YKON. He is currently living in Berlin. www.ulubraun.com

Südwest est une construction détaillée et utopique d'un paysage, qui unit des aspects de la tradition et de la globalisation. La vidéo combine des scènes idylliques de la culture européenne avec les promesses cataloguées de l'industrie du tourisme moderne pour créer un panorama qui recréé la mystique poétique de choses pourtant si courantes à nos yeux.

Bio: geboren 1976 in Schongau. Lebt in Berlin und Helsinki. 1996-2000 Studium der Malerei und Grafik an der Universität für angewandte Kunst in Wien. 2001-2006 Filmstudium an der HFF-Potsdam 1999 & 2007 Stipendium am Time & Space Department, University of Fine Arts Helsinki, seit 1997 Zusammenarbeit mit Roland Seidel als BitteBitteJaJa.

On connait cet art du détour que Sophie Roger pratique pour nous mener par des chemins inattendus avec l’amitié comme fil, déplié avec Le Point aveugle (FID 2012) ou Les Jardiniers du petit Paris (FID 2010). Ici ce sera, tissée tout en délicatesse à l’écran, l’amitié avec Mohamed, réfugié soudanais au Havre. Faite de partage, d’attention, d’écoute et de rire, et de vagues en vagues, celles du texte éponyme de Virginia Woolf qu’elle lui lit, à celle de Courbet au musée du Havre, qu’il animera de son regard. (FIDMarseille)

"April" est un film court expérimental inspiré par la vie d'April Ashley, l'une des premières Britanniques à avoir subi une chirurgie de réattribution sexuelle, réalisée à Casablanca (au Maroc) le 12 mai 1960 par le docteur Georges Burou. Après son retour en Grande-Bretagne, elle a commencé à utiliser le nom d'April Ashley, et a eu du succès comme mannequin, apparaissant dans des publications telles que Vogue (photographié par David Bailey), et a décroché un petit rôle dans le film "The Road to Hong Kong" de Norman Panama. Après qu'un ami ait vendu son histoire aux médias, en 1961, sous le titre "'Her' secret is out", le Sunday People a révélé qu'Ashley était une femme transgenre. Elle est au centre de l’attention et de la controverse, et son nom est instantanément supprimé du générique. Le scandale la contraint à vivre à l'étranger pendant plusieurs années. Ce n’est qu’en 2006 qu’elle a été reconnue légalement comme femme.

Pamela Breda est artiste et cinéaste. Elle vit entre Londres (Royaume-Uni) et New York (USA). Elle a reçu plusieurs prix et bourses d'art, dont la bourse Sirovich Family Fellowship, au Pratt Institute, New York (USA), le Simultan Art Prize (Pologne); le Cantica21 (Italie); le prix du Conseil italien (Italie); le prix Moving'Up (Italie); et le prix Italian Institute of Culture (Russie). Ses films ont été projetés à l’international, et présentés dans divers festivals et lieux d’art notamment au ECRÃ Film Festival, Rio de Janeiro (Brésil); au Revolutions Per Minute Festival, Boston (USA); à la Digital Film Library; au Festival international du court métrage de Clermont-Ferrand (France); à la Cité Internationale Des Arts, Paris (France); à Vision Du Réel, Nyon (Suisse), au Hazel Eye Film Festival, Nashville (USA); au The Bomb Art Factory Film Festival, Londres (Royaume-Uni); au Sohonya Art Center, Bangalore (Inde); à la Francesco Fabbri Foundation for Contemporary Art, Pieve di Soligo (Italie); et à la Fondation Bevilacqua La Masa, Venise (Italie).

Dust is a story about two women living in an old district earmarked for demolition. Since their building is due to be demolished soon, all the neighbours have already left. Yet, the women decide to stay in their flat. The protagonists spend time in the abandoned multi-storey building and observe through the window bulldozers working around. Four out of five films were made in collaboration with Ms. Zou and Ms. Huang from Daguan in Taipei. When the project was in production, their houses in Daguan were bound for demolition while Ms. Zou, Ms. Huang together with their neighbours kept fighting against the evictions in the district. The first two films are a fictive story staged with Ms. Zou and Ms. Huang in an empty building awaiting demolition in central Taipei. I entered the building, cleaned up and furnished one chosen flat to turn it into a friendly liveable space and used it as a film location. Another two films are a conversation between Ms. Zou and Ms. Huang, Ms. Huang singing a sad song which reminds her of home and an image of a Daguan streets. The last film is a documentation of the demolition of the house where the first two films were made. One month after the films were done, Ms. Zou and Ms. Huang were forced to move away and Daguan was demolished.

Karolina Bregu?a (b. 1979) is a visual artist, a graduate of the National Film School in ?ód?. She creates films, photographs, installations and performance. Her work explores the problems of the status of the artwork and the materiality of art objects. She critically scrutinises contemporary art and its reception. She creates stories about art and architecture, which are a field of her anthropological and sociological observations. She is interested in the connection between art and reality – the favourable and detrimental effect of artists’ work, the remedial and destructive force of artistic activity, rituals connected to art and art’s social role. Many of her works are co-created with their protagonists and participants, blurring the border lines between professional and amateur artistic activity. Her works have been exhibited at institutions such as National Museum in Warsaw, Jewish Museum in New York and MOCA Taipei and at international events such as Venice Art Biennale and Singapore Biennale. She is the winner of the second prize in the Views 2013 Deutsche Bank Foundation Award, the third Samsung Art Master 2007 award and the 2016 Golden Claw at the Gdynia Film Festival. Her works are included in collections such as Tokyo Photographic Art Museum, Zach?ta National Gallery of Art, Wroclaw Contemporary Museum and ING Polish Art Foundation. She is an associate professor at Academy of Art in Szczecin, she collaborates with lokal_30 Gallery. She lives in Warsaw.

`The Tower` is an opera musical about a group of people who live in the same concrete block of flats and who plan building a sugar tower together. Full of absurd and anxiety, the story of the utopian project is addressing the history of post war housing architecture analysing it from the position of its user, the inhabitant of a modernist city. The dreams and desires are juxtapositioned with difficult reality of life in the blocks and contradictions inscribed in the modernists` plans.

Karolina Bregula(born 1979) is a visual artist and filmmaker. She has performed and exhibited in places such as “the VeniceArt Biennale” the Jewish Museum in New York and the National Museum in Warsaw.She has received numerous awards including The Golden Claw at Gdynia Film Festival, the Views 2013 and Videobrasil 2015. She has been awarded multiple scholarships including the Polish Ministry of Culture Scholarship, the Visegrad Scholarship and the UNESCO scholarship. She lives and works in Warsaw.