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Us, humans, the one species present in every latitude of the earth have never really settled, from hunters and gatherers to refugees and expats. Throughout human history reasons for exploration vary; trade, fear, ambition, or curiosity. Still nomads, our quest to chart every reachable corner has been fundamental to the dissemination of symbolic structures growing from wealth and power into different forms around the globe. Fata Morgana balances between that primal urge to explore the unknown and the instinctive need to make a home and belong... Pulling or being pulled? Coming, going or returning? The physicality of struggle, disappearance and emergence within this piece becomes a metaphor reflecting on Poetics and Politics, Geography and Geometry, Dreams and Death, as well as memories of Future and Past. With the uncertainty and hope of new beginnings across the ocean, the transient figures glimmer and nearly blend into their surroundings, flirting with symbolisms of ritual: the platonic geometry, immersion/ascension, and their perpetual journey. These travellers move oblivious of any limits but their own, challenging the very notion of borders; which are, anyway, invisible and futile drawings of power onto an ever-shifting landscape defiant of any divisions. Inspired by the artists own attempts of somehow always carrying home with them, the piece is a video loop meditating on the emotional ebb and flow of the many departures and the inevitability of a return. A return home, that whether it be a place, memory, feeling, or a word it is always a reflection of oneself.

SEBASTIAN BETANCUR MONTOYA: A common conceptual thread legible in his artwork is the constant preoccupation for the body[ies] and its relation with[in] the surrounding space and its limits/conditions; the themes of home, language, migration, belonging and uprooting have become unavoidable for someone as him, who has lived on the move, away from his birth place half of his life. Sebastián´s work has been part of exhibitions, publications, art residencies, and art fairs in Colombia, The Bahamas, Qatar, Russia, and Germany and participated in other events such as The 2015 Oslo Architecture Triennial, the 2015 Kuwait pavilion for the Venice Biennale, NYT art for tomorrow 2016, and the 2018 Istanbul design Biennial. ABI GREEN: Born and raised in London, she was educated at Fine Arts College, Chelsea College of Arts and went on to graduate with a BA (Hons) in Photography from Middlesex University London. Abi’s work has been featured on Vogue and Vogue Italia online, Le Book and It’s Nice That. Nominated to exhibit at the D&AD, New Blood Awards, London, in 2009 and Mother London’s, Open Book in 2015, she has also been published both in the UK and the Middle East, including magazines such as Notion, Crack, Elle and Twenty-six. Driven by interests in colour, light art, and sculptural objects, she is often influenced by surrealism, modern and industrial design, which enhances her contemporary visual style. Her projects carefully balance a minimalist approach with a graphic, colourful aesthetic resulting in a distinctive eye-popping quality. A key part of her image-making is the humorous twist that underpins her creative concepts, with this unique approach she hopes to leave her audience with a taste of her playful nature.

Vicky Betsou a utilisé de la pellicule d?archives d?actualités du XXe siècle dans la vidéo ?6.31 ?, de manière à construire une narration et une interprétation personnelle de l?histoire et de la mémoire. Caractérisée par la fragmentation (qui représente aussi l?origine du matériau) cette vidéo se finit avec un collage de fragments de temps, de parties de la mémoire collective s?élevant en un ordre subjectif et inattendu et que le spectateur est libre d?investir de signification à sa manière.

Vicky Bestou est une artiste visuel qui travaille principalement avec des vidéos (installations vidéos et canal seul).Elle est née à Preveza en 1971 et vit à Athènes, en Grèce. En 1991, elle arrête ses études de biologie (à l?université d?Athènes) et étudie la peinture ainsi que la scénographie à l?École des Beaux-Arts d?Athènes (ASFA). En 1994, elle étudie pendant un semestre à l?École Nationale Supérieure des beaux-arts (Bourse Érasmus) et commence à utiliser la vidéo et l?ordinateur comme médium dans son travail artistique. En 2000, elle est diplômée avec mention du MA Program of Digital Arts de l?ASFA dans le département d?Informatique et Ingénierie du NTUA à Athènes. Depuis 2001, elle enseignante assistante au MA Program In Digital Arts - ASFA, en cours de multimédia et d?art vidéo et ont participé à des programmes de recherche concernant l?art et les nouveaux médias.Elle a présenté son travail (vidéo et installations) lors de plusieurs festivals et expositions en Grèce et à l?étranger. Elle a aussi créé des designs de scènes pour le théâtre et la télévision, a été professeur en animation et vidéo expérimentale pour des enfants et des adolescents.

A man spreads lime on a field in August, to prepare the earth for the autumn sowing. His action recorded and extracted from the surroundings and realistic conditions, becomes a ritual of a human caressing the land at dusk, reminding us of our relation and dependence to earth. The image obscured and slowed down confronts the viewer with an enigmatic time fragment of a ritual dance.

Vicky Betsou is a visual artist, working mainly with video installations. She lives and works in Athens. She studied Biology at Athens University, painting at Athens School of Fine Arts (ASFA) and completed her MA in Digital Arts at ASFA (2000). She has been a teaching assistant in Multimedia and Video-art courses at ASFA since 2001 and in 2006 she was elected a Lecturer and is teaching Video Art in the graduate and postgraduate program at the same Institute. She has participated in research programs concerning Art and new Media and collaborated in E-Learning projects on Art education. Her work mainly addresses the complicated notion of time and memory, blurring the boundaries between objective and subjective time, emphasizing on the construction of temporal structures or the composition of time loops, engaged in the construction of multiple, multilevel narrations. Her work has been presented in solo and group exhibitions and festivals in Greece and abroad.

Une nouvelle enquête de l?inspecteur Rredick. Rien n?est dit, mais tout se sait. Alors il n?y a plus qu?à se regarder, s?écouter en silence et attendre, la vie allant. Quand les paroles ont disparu, on lit sur les visages. Des hommes vivent ensemble côte à côte et c?est tout. Ils rêvent parfois. Un homme meurt, le premier mot est dit. La langue des morts est née.

Né le 13 août 1972 dans le Lot. Après des études universitaires de cinéma, il intègre l?école nationale supérieurs Louis Lumière. Son travail de fin d?étude achevé en 2003 : « Temps atomique » fut projeté lors de la dernière édition du festival Paris Berlin. Il travaille depuis essentiellement sur la manipulation des images extraites de séries télévisées dont « Inspecteur Rredick » est le premier opus.

Three presentable young people in complicated relationships went to a villa deep in the forest on a winter night, experiencing frustration, anger, and loathing, but still, a strange desire to get closer, which will never be satisfied.

Russian dissident. Former architect. Left career to become an independent filmmaker. Currently works in Mongolia. Studied at Saint Petersburg School of New Cinema. Studied at N. Novgorod University of Architecture and Civil Engineering. Has Mongolian origin.

José Costa exerce la profession de « nègre ». Il écrit les histoires de ses commanditaires. Un soir à Recife, il traverse une fête populaire et spirituelle dont l’origine remonte à l’histoire coloniale du Brésil. Lui, l’écrivain fantôme, est l’homme de l’ombre, la plume anonyme et silencieuse. À la faveur des croyances populaires et de leur magie, s’ouvre cette nuit la possibilité d’une histoire réécrite.

Né en France, Grégory Bétend est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon (ENSBA), et de l’école documentaire de Lussas. Il a réalisé "Checkpoint Charlie" et "Nu", qui ont été présentés dans plusieurs festivals comme le FID Marseille, les Etats généraux du documentaire (film d`ouverture), le Festival International du Court-Métrage de Clermont-Ferrand, entre autres. Son travail a également été présenté au Centre Pompidou Paris, au centre d`art Kunstverein Tiergarten de Berlin, entre autres. Il est l’auteur des livres « En 1799 l’entrée était déjà là » et « Ora », et publie aussi en revues (Vacarme, Le nouveau recueil).

"Temporary loss of consciousness" fait référence au déplacement de populations dans le sous-continent indien du temps de la Partition(1947) au présent. Le film explore les notions des frontières, des barrières, des limites et des espaces interdits qui entraînent de vastes étendues de déserts d'émotion et action humaines. Traité comme un essai poétique, le film retrace ces idées à travers les voix de ceux qui vivent en exil dans le sous-continent indien. Il a été tourné à New Delhi loin des frontières de l'Inde ? Pakistan, Inde et Bangladesh. Tombant dans le genre du Documentaire Expérimental, le film construit du sens à travers la juxtaposition de plusieurs éléments comme les scènes de "Independence/Partition", des récits construits énoncés dans les langues respectives des populations touchées et des abstractions des espaces abandonnés ou espaces de refuge. Les personnages de "Toba Tek Singh", une nouvelle de Saadat Hasan Manto s'entrelacent avec la structure, et les récits énoncés sont de nature poétique, parlant de la nostalgie et de l'appartenance, du foyer et de l'honneur, de la perte et de la trahison, des frontières et des passages. Ce film est issu d'un désir, non seulement d'exprimer le traumatisme et la disjonction de personnes subissant les effets des frontières politiques, mais également de les exprimer de la manière avec laquelle j'ai visuellement ressenti que c'était là le plus résonnant des paysages émotionnels.

Monica Bhashin est une réalisatrice/monteuse diplômée du Département de Film Vidéo et Nouveaux Médias à la School of the Art Institute of Chicago, Chicago, USA, en 2004. Elle était déjà diplômée du Mass Communication Research Center, Jamia Millia Islamia University (1992) à New Delhi, Inde. Durant ces douze dernières années, elle a principalement travaillé comme monteuse pour plusieurs documentaires à Delhi, comme "Present Imperfect Future Tense", "Born at Home", "In the Eye of the Fish", "Some Roots Grow Upwards", "Autumn?s Final Country", etc. Monica a commencé à faire ses propres vidéos à la School of the Art Institute of Chicago en 2001. Etudiante, ses deux premières pièces ont été "Room" et "Seams Elsewhere". Elle vient d'achever son premier film non fictionnel intitulé "temporary loss of consciousness". Le film explore le déplacement et la futilité des frontières dans les conditions générées par la Partition du continent Indien pendant et après 1947. Monica vit actuellement à New York.

« If It Rains » est l'histoire de trois générations d'hommes de la famille Bhutia, un fabricant de masques-faiseur de pluie, un fabricant de masque accro à la loto, et un jeune garçon, qui vivent entre la petite ville de Gantgtok et le hameau de montagne Tinjim, dans l'État du Sikkim en Inde, à la frontière du Tibet dans l'est de l'Himalaya. Étalé sur plus de neuf ans (1999-2007), le film tente d'explorer les conflits de la vie contemporaine au Sikkim en imbriquant les récits de ses personnages principaux : Sonam Bhutia, le jeune garçon ; le père du garçon, Duduk Bhutia, un fabricant de masques et joueur compulsif de loto, pris entre une vie équilibrée et une vie ratée ; Sonams le grand-père, le père de Duduk, Dorji Bhutia, un homme réputé pour ses pouvoirs surnaturels.

Nilanjan Bhattacharya est un cinéaste basé à Calcutta qui, depuis quinze ans, s?est engagé dans la réalisation de films et la création au moyen d?autres médias. Nombre de ses films ont été présentés dans des festivals nationaux ou internationaux tels que le Delhi Ethnographic Film Festival en 2008, le MIFF en 2006 et 2008, le British Council Digital Film Festival en 2006, le Himal Film Festival de Katmandou (Népal) en 2001. Il a reçu le National Film Award of India en 2005 pour son documentaire « Under This Sun ». Son dernier documentaire, « Jodi Bristi Ashey », a été réalisé pour NHK, au Japon. Nilanjan s?intéresse également à d?autres types de médias. Il est l'un des principaux initiateurs de l?organisme Khetro, qui s?occupe de la création d'un espace d?interaction ouvert dans le domaine de la culture, des anciens et des nouveaux médias et des modes de vie écologiques. Il est également l?éditeur principal du journal « Khetro Broadsheet ». Il a été artiste en résidence au Bangalore Art Residency Program, où il a réalisé l??uvre vidéo « It?s Open ». Nilanjan est maintenant en train de créer la Interpretative Interactive Archive à Calcutta (Inde).

A lighthouse on the mountains over Brunate, a beam of light incessantly rotating in the dark, shedding light over something which has remained in the shadows. It illuminates one house.  The house contains members of one family, portrayed in they daily life.  The story revolves around a specific moment in time, when Francesco, the eldest son, spends one year in jail. Around that time each one of the relatives exchanges letters with him. The Tyndall effect is a phenomenon of diffusion of light due to the presence of some particles in the air. It manifests itself, for example, when the car lights are turned on in a foggy day. The same effect is visible from the tower of the lighthouse looking towards the home of the Bianchi’s family.

Fatima Bianchi was born in Milano in 1981, she lives between Milano and Marseille. Her research focuses on the understanding of the individual, on his historical memory, his cultural and natural contest. Her artistic production is expressed through the medium of the video, the documentary and the site installation.

"Maryan et Rahma" est une vidéo de six minutes basée sur une interview avec une famille de réfugiés africains. Leur histoire tragique fait écho à celle de milliers d'autres voyageant entre les zones troubles d'Afrique et la Libye, d'où ils s'échappent dans de petits bateaux bondés après avoir payé à leurs passeurs de grosses sommes d'argent. Les journaux maltais titrent tous les jours sur ses arrivées clandestines, éveillant dans cette petite île surpeuplée des sentiments d'hostilité, des conflits raciaux, économiques et politiques, attisés par l'aide insuffisante des autorités européennes. Cette vidéo conceptualise les "lignes migratoires et territoriales" dans un voyage de conflit humain et de déracinement, lot quotidien de l'Europe d'aujourd'hui. La crudité et la franchise du documentaire proviennent des histoires simples de Maryan et Rahma, une mère somalienne et sa fille qui ont fui leur pays ravagé par la guerre et qui cherchent refuge à Malte. Plus que le récit poignant de la détresse de ces émigrés qui ont risqué leur vie dans la traversée incertaine des frontières africaines à l'Europe continentale, cette oeuvre met l'accent sur les fossés conflictuels entre les aspirations humaines, la fuite, la différence et l'intrusion.

Ruth Bianco fonde son oeuvre sur les questions de territoire et de traversée des frontières. Son approche est interdisciplinaire: elle utilise le numérique, la vidéo, l'installation, le dessin. Elle a obtenu son MA et son PhD au University College for the Creative Arts, à Kent, en Angleterre. Son travail de recherche, 'Ground Erasure", est une interrogation sur la notion de territoire à travers les théories de déterritorialisation et de connexité des machines. Actuellement, elle continue d'explorer les questions de terre-mer, tout en cherchant jusqu'où les processus numériques peuvent informer l'art contemporain et l'expression culturelle d'aujourd'hui. Parmi ses récentes interventions: ZONI (installation vidéo) Bezruc Festival, Dum Umeni (Maison des Arts), Opava, Republique tchèque, European Researchers Night, St James Centre for Creativity, Valletta, Malte.

SPECTACLE est une vidéo qui étudie la dimension de ?l?écran séparé? afin d?aligner les perturbations politiques et visuelles. Cette ?uvre transforme les images documentaires des attentats du 11 septembre à New York en 2001 et son concept repose sur la position du spectateur désorienté. On découvre les événements à travers les media, donc ces événements deviennent une expérience spectrale vécue à travers l?horizon mécanique de nos écrans de télévision. L??uvre représente le téléspectateur et ceux qu?il regarde lors de moments juxtaposés du même événement : le regard fixe et fasciné d?un spectateur terrifié à côté du vortex chaotique des gens qui courent dans tous les sens. Le son est un collage de voix paniquées, d?extraits de reportages et de sirènes entendus dans les minutes qui ont suivi l?événement. L?historique et l?hystérique s?affrontent mutuellement. Cela remet en question la manière dont nous percevons nos réalités, à travers le mélange flou entre deux horizons temporels : le naturel et le virtuel. En tant que spectateurs de la scène à travers les yeux de quelqu?un d?autre, nous nous sentons d?autant plus distants des événements eux-mêmes. Cette distanciation nous soumet à une sorte d?immersion soporifique, passive et cauchemardesque. Comme des spectateurs pétrifiés, nous assistons au spectacle du spectral.

Ruth Bianco est née à Malte. Son travail inclut les media numériques et combinés, l?installation, la vidéo et le dessin. En s?intéressant à ses matériaux en tant que processus, sa pratique provient d?un besoin de ?rendre mobile? (?unfix?), en cherchant des liens de connexion dans les frontières entre l?information et la transformation. Son doctorat des beaux-arts engageait des espaces remplis de machines pour étudier les problèmes de territoire et de déterritorialisation. Son travail a récemment été exposé à Femmes d?Europe à Saint-Tropez. Et on peut citer d?autres expositions comme par exemple Ground Erasure, des projections vidéo simultanées en Grande Bretagne et en Nouvelle Zélande ; Touching Land à la Cathédrale de Canterburry en Grande Bretagne et Breakthrough à La Hague aux Pays Bas. Son livre artistique auto publié If I Just Turn and Run est conservé au Tate et au V & A Museum à Londres.

En complément de "Mbuji-Mayi (RD Congo) : les comptes d?Anderson", documentaire radiophonique d?une heure sur l?extraction du diamant aux alentours de Mbuji-Mayi (République démocratique du Congo) diffusé en avril 2009 sur France Culture (émission "Sur les docks"), ce "diapocast" d?une durée de 3?30 donne à entendre mais aussi à voir l?univers physique et psychique dans lequel les mineurs artisanaux ou "creuseurs" sont plongés. Il voudrait transmettre une compréhension perceptive, plutôt qu?explicative, du sujet. La prise de son et les interviews ont été réalisées à Mbuji-Mayi et dans ses alentours par Emmanuel Chicon et Benjamin Bibas en novembre 2008. L?assemblage sonore est de Jean-Philippe Navarre, chargé de réalisation du documentaire radio "Mbuji-Mayi : les comptes d?Anderson". Il a été effectué postérieurement à cette réalisation. Les photographies sont de Samuel Turpin / Gamma, ancien rédacteur en chef de Radio Okapi Mbuji-Mayi (la station radio locale de la Mission des Nations unies en RD Congo) qui a passé deux ans dans la capitale diamantifère de RD Congo. L?assemblage visuel, réalisé postérieurement à l?assemblage sonore, est de Sébastien Lecordier. "Mbuji-Mayi : l?ordre du polygone" est une coproduction Radiofonies Europe / "Sur les docks"

Benjamin Bibas est documentariste radio et vidéo, co-fondateur de l?association de production documentaire Radiofonies Europe. Il est co-producteur, pour l?émission "Sur les docks" (France Culture), de la série radiophonique de cinq heures "La Mondialisation en 57 facettes : un grand voyage dans la petite famille du diamant" (diffusée fin avril 2009). "Mbuji-Mayi : l?ordre du polygone" est un complément multimédia associé à cette série. Emmanuel Chicon, documentariste radio, collabore régulièrement à France Culture (« La Fabrique de l?Histoire », « Sur les docks »?). Il est co-fondateur de Radiofonies Europe et co-producteur de la série « La Mondialisation en 57 facettes : un grand voyage dans la petite famille du diamant ». Jean-Philippe Navarre est chargé de réalisation à l?émission « Sur les docks » (France Culture) Samuel Turpin est journaliste et photographe indépendant. Il a dirigé pendant deux ans la station de Radio Okapi à Mbuji-Mayi (RD Congo) Sébastien Lecordier est « metteur en son », réalisateur documentaire et enseignant à l?Ecole des métiers de l?information (Paris). Il travaille sur le rapport texte-image-son.

"In Iterations (2014), a sequence from Hitchcock’s Rear Window (1954) is sliced into nineteen columns, each moving at a slightly different speed, getting progressively faster from left to right. Only at one instant do all nineteen columns briefly align. This film invites us to experience different instants of the scene simultaneously, invoking our desire for time to cohere into a single instant but only briefly allowing for this satisfaction." — Jaimie Baron

“In this work Gregg Biermann has taken head-on some of the supreme moments of classical cinema and subjected them to a dazzling transformation in the digital domain. The results are exhilarating, surprising tours de force. They also have a zany quality that shows the artist to have a witty imagination. He is a prober into the hidden corners of cinema, and a master of computer-based wizardry.” — Larry Gottheim

One of the most iconic sequences in the history of Hollywood cinema (from Hitchcock?s North by Northwest) is deconstructed and reassembled to illuminate the patterns, rhythms and choreography of the original so as to break through and make for an eight banded kinetic tour de force. As the piece progresses the temporal displacement of each band gets closer and closer until they all unite into a remarkable grand finale. --John Columbus, Black Maria Film and Video Festival

Gregg Biermann is a video and multimedia artist whose work comes out of the avant-garde filmmaking tradition. His work takes advantage of digital technologies to advance rigorous compositional strategies.

This is a recent piece in my series of computational transformations of iconic scenes taken from classic Hollywood films. Forty-one separate shots that have been appropriated and excised from the Hitchcock classic Vertigo are repeated and re-sequenced into a composite sequence of concentric rectangles. Each rectangle appears over the last and grows larger over time. The narrative of the original is all but lost and in its place is a hypnotic and meditative display of forms and sounds.

Gregg Biermann?s work is in the collection of FRAC Limousin has been exhibited internationally at Nam Jun Paik Art Center, Seoul, Korea; Museum of Modern and Contemporary Art Strasbourg; Festival Images Contre Nature, Marseille; Film Festival of Experimental and Different Cinemas of Paris; Rencontres Internationales, Paris; Electrochoc Festival, Rhones-Alpes; Centre Images, Vendôme, France; Osterreiches Filmmuseum, Vienna, Austria; European Media Art Festival, Osnabruek, Hamburg Film Festival, Germany; The Caracas Contemporary Art Museum; The National Cinematheque, Venezuela; Media Art Friesland, IMPAKT Panorama, Noordelijk Film Festival, The Netherlands; Optica International Festival of Video Art, Gijon, Spain;VIDEOEX, Zurich, Switzerland and INVIDEO, Milan, and Abstracta, Rome, Italy. His work has also been exhibited in the USA at the Yerba Buena Center for the Arts/San Francisco Cinematheque; Baltimore Museum of Art; Corcoran Gallery; Hunter Museum of American Art; National Gallery of Art; Cleveland Institute of Art; Anthology Film Archives; U.C. Berkeley Art Museum/Pacific Film Archive; Centraltrak Gallery, Univ. of Texas at Dallas; Weisman Art Museum, Univ, of Minnesota; California Institute of the Arts; Los Angeles Filmforum/Echo Park Film Center; ArtPace San Antonio; Hallwalls Contemporary Art Center; Visual Arts Center of New Jersey and the Jersey City Museum.

Dans "The Hills Are Alive" (Les collines sont vivantes), une scène iconique tirée de la comédie musicale Hollywoodienne à succès "The Sound of Music" subit une transformation par des effets d´écran fractionnés progressant en contrepoint. La mosaïque qui en résulte révèle des mélodies inoubliables et des dissonances retentissantes.

Gregg Biermann was born in 1969 in Brooklyn, New York. He graduated with Honours in Cinema from Binghamton University in 1991, and subsequently received an M.F.A. from the San Francisco Art Institute. He has been making films, videos, and multi-media pieces since 1988. These works have been exhibited internationally including exhibitions at Anthology Film Archives, Millennium, the San Francisco Cinémathèque, the Pacific Film Archive, the Documentary Film Society at the University of Chicago, Chicago Filmmakers, the Massachusetts College of Art Film Society, the Ontario Cinémathèque, and the Deutsches Filmmuseum. His works and activities have received critical attention in the San Francisco Bay Guardian, The Chicago Reader, and The Chicago Sun-Times. He has been collaborating with electronic music composer/performer Ron Mazurek for the past several years on a series of real-time music/video performances. He was a member of the Chicago x-film group, which mounted many programs of avant-garde films in and out of Chicago. More recently, he has done programming for the Robert Beck Memorial Cinema in New York. He has also written an avant-garde film including an article for the Millennium Film Journal on Nathaniel Dorsky's films, which was co-authored with his wife, Sarah Markgraf. Mr. Biermann has taught at Barat College, Horizons: the New England Craft Program, and is currently a Professor of Art at Bergen Community College.

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Education: 1983 Pompano Beach High School, Florida. 1981-83 played Varsity Football. 1983-85 Palm Beach Junior College, Florida, studied Fine Arts. 1985-88 Military service U.S. Army. 1991-94 Cook apprenticeship, Bergiusschule, Frankfurt, Germany. 1995-2000 Staatliche Hochschule für Bildende Kunst Städelschule, Film and Cooking, Master student of Peter Kubelka.

?Summer Drone Noir 2013 for Wolfgang von Eschenbach? is a collage film. Originally, I made this film in 2005, but I didn?t like it, so I chopped it up into little pieces. After much processing I?ve made a film in which consists; the original footage 8mm, the optical sound track, the composite print, the 16mm negative blow up and the 16mm work print. I also confectioned some of the film in a way that you can see what you are hearing, the optical sound track and the perforation holes-at times for composition purposes. The footage I shot in 2004 at a Hermann Nitsch action, which was dedicated to the book by Wolfgang von Eschenbach, Parsival. The soundtrack is an original composition from Bernhard Schreiner made for the film called ElectricMagnetic Impluse Drone, or EMI Drone. The title for this film I got from the soundtrack and added Noir to it. This film is an original, there are no prints. It is a tribute to Owen Land, Stan Brakage, Joseph Cornel, Hermann Nitsch and Peter Kubelka.

Education: 1983 Pompano Beach High School, Florida. 1981-83 played Varsity Football. 1983-85 Palm Beach Junior College, Florida, studied Fine Arts. 1985-88 Military service U.S. Army. 1991-94 Cook apprenticeship, Bergiusschule, Frankfurt, Germany. 1995-2000 Staatliche Hochschule für Bildende Kunst Städelschule, Film and Cooking, Master student of Peter Kubelka.

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Education: 1983 Pompano Beach High School, Florida. 1981-83 played Varsity Football. 1983-85 Palm Beach Junior College, Florida, studied Fine Arts. 1985-88 Military service U.S. Army. 1991-94 Cook apprenticeship, Bergiusschule, Frankfurt, Germany. 1995-2000 Staatliche Hochschule für Bildende Kunst Städelschule, Film and Cooking, Master student of Peter Kubelka.

?Summer Drone Noir 2013 for Wolfgang von Eschenbach? is a collage film. Originally, I made this film in 2005, but I didn?t like it, so I chopped it up into little pieces. After much processing I?ve made a film in which consists; the original footage 8mm, the optical sound track, the composite print, the 16mm negative blow up and the 16mm work print. I also confectioned some of the film in a way that you can see what you are hearing, the optical sound track and the perforation holes-at times for composition purposes. The footage I shot in 2004 at a Hermann Nitsch action, which was dedicated to the book by Wolfgang von Eschenbach, Parsival. The soundtrack is an original composition from Bernhard Schreiner made for the film called ElectricMagnetic Impluse Drone, or EMI Drone. The title for this film I got from the soundtrack and added Noir to it. This film is an original, there are no prints. It is a tribute to Owen Land, Stan Brakage, Joseph Cornel, Hermann Nitsch and Peter Kubelka.

Education: 1983 Pompano Beach High School, Florida. 1981-83 played Varsity Football. 1983-85 Palm Beach Junior College, Florida, studied Fine Arts. 1985-88 Military service U.S. Army. 1991-94 Cook apprenticeship, Bergiusschule, Frankfurt, Germany. 1995-2000 Staatliche Hochschule für Bildende Kunst Städelschule, Film and Cooking, Master student of Peter Kubelka.

Un mouvement de caméra comme un balancement de tête, de gauche à droite. Si bien qu’il y a toujours ce qui sort et ce qui entre dans le champ. Dans ce trajet, l’œil caméra croise un papier, du papier peint, et plus loin encore, un miroir dans lequel se reflètent papier-peint et papier.

Marine Bikard est née en 1988 et diplômée de l’ENSBA - École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (France) en juillet 2020. Avant et en parallèle de ce cursus artistique, elle a travaillé comme sociologue et poursuit la réalisation d’enquêtes de terrain. Pendant ces cinq années passées à l’ENSBA de Paris, elle a travaillé dans les ateliers de Pascale Martine Tayou, Emmanuelle Huynh, Aurélie Pagès et Jean-Michel Alberola, et a régulièrement participé à des workshops de danse qui ont marqué son parcours, notamment sa rencontre avec la chorégraphe américaine Lisa Nelson. Depuis 2019, elle imagine des rencontres collectives pour explorer par le dessin différentes manières d’être avec ce qui nous entoure. En 2021, elle a été artiste en résidence à l’Embac – École municipale des beaux-arts de Châteauroux (France).

The film touches on some historical facts about the largest refugee camp El Shatt in the Sinai desert in Egypt during the WWII, based on materials from Croatian and international archives and intertwined with the visuals of this desert non-place now. An attempt to reconstruct a fragmented memory of unknown history about migration in the Mediterranean as a transtemporal filmic journey.

Ana Bilankov (Berlin/Zagreb) is visual artist and filmmaker working in the media of experimental film, photography and video installation. She studied Art History and German Language and Literature at the Universities of Zagreb and Mainz and completed postgraduate studies „Art in Context“ at the University of the Arts in Berlin. She has shown her work in many exhibitions, won numerous international scholarships and participated in film and video festivals, where she has won several awards.

Une journée dans la vie d'une famille. Une histoire de mains: des mains qui agissent, des mains qui assistent, des mains qui dansent jusqu'à la fin de la journée.

Manuel Billi vit et travaille à Paris. Critique cinéma et réalisateur, il est l'auteur de plusieurs essais sur le cinéma contemporain. Depuis 2000, il collabore avec différents magazines de cinéma italiens et français. En 2014, il réalise son premier film court expérimental, "Battre, enlever". Son premier film court de fiction, "Ghosts of Yesterday" (2017) a été présenté en avant-première à la Mostra de Venise (Italie). Par la suite, il a alterné entre fiction ("Enter", 2018, sélectionné dans plus de vingt festivals internationaux ; "Ten Times Love", 2020) et documentaire ("Guardarla negli occhi - La Regarder dans les yeux", sélection officielle 2020 à la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro, Italie).

« Maintenant, je suis partout » « Maintenant, je te suis partout ». Des paupières qui s’ouvrent et se ferment en battant le rythme d’une rencontre amoureuse. Des captations de téléphone portable qui enlèvent au réel le sentiment du vécu. "Battre, enlever" est un compte-rendu vraisemblable de faits qui n’ont pas eu lieu ou qui ont eu lieu autrement, le récit d’un amour qui bride et élève à la fois.

Manuel Billi est écrivain, scénariste et producteur. Co-fondateur du collectif d'artistes Le Gauche, il a réalisé plusieurs courts-métrages à partir de captations de téléphone portable. Depuis 2013, il travaille avec Christian Merlhiot sur le scénario d'un long-métrage de fiction.

Un panorama extrêmement lent sur des arbres sombres, contre un ciel au crépuscule. Tourné avec deux images par seconde, les mouvements des arbres semblent davantage être une photographie animée. Dans un silence complet, les arbres sont secoués par un vent fort, qui remue les couches et les textures de la forêt alors que, presque imperceptiblement, la caméra fait un panoramique de droite à gauche. C?est seulement lorsque la forêt s?éloigne que l?on prend conscience du mouvement de l?image, à la fois lentement et soudainement, juste comme la nuit qui prend la relève du jour et le calme qui succède à l?agitation. SWEEP possède certaines des qualités spatiales et temporelles habituellement associées à la peinture de paysage, de Ruysdael, Claude ou Poussin, Turner ou Constable, et manifeste du sentiment intense de l?environnement et de la nature de Richard Billigham. Il effectue une réappropriation contemporaine du paysage, dans ce mouvement de forêt lors d?une tempête. SWEEP a été projeté au festival de Locarno, et présenté au New Forest Pavilion à la biennale de Venise cette année

Richard Billingham est né en 1970. Il grandit dans une zone industrielle de Birmingham, alors très touchée par la crise économique. Il suit des cours à la fondation d?art de la ville et à l?université de Sunderland. Il prend des photographies de sa famille, et de son environnement immédiat. Ce travail photographique, intitulé « Who`s looking at the family », a été présenté à la Barbican Gallery, et dans de nombreuses expositions consacrées à l?art anglais. Billingham réalise aussi des vidéos, la plus connue est FISHTANK, qui reprend les mêmes éléments tirés de son environnement immédiat, et présente sa famille. FISHTANK est de type documentaire, mais avec des spécificités propres à un travail de plasticien, notamment l?utilisation que Billigham fait des très gros plans pour étudier le mouvement. Présenté en 1997 à la Anthony Reynolds Gallery, à Londres, il gagne en 1997 le prix de la Citybank, et est présent à Londres, Berlin, New York dans l?exposition de la collection Saatchi consacrée aux jeunes artistes britanniques. Il est nominé en 2001 pour le Turner Prize, avec sa vidéo RAY IN BED. Richard Billingham réalise actuellement des photographies de paysages non habités : terrains semi ruraux en déréliction, à l?arrière de murs de briques rouges, aire de jeux désertées dans les banlieues entre des blocs d?habitats sociaux, mais aussi des paysages infinis en pleine campagne, aux ciels orageux.

Everyone knows it, everyone has it. No pressure in the kettle means deadlock. Nevertheless it always seems to strong. Pressure is not tangible, pressure ist mostly transparent. But if it is high enough it is noticeable. OVER PRESSURE (ÜBER DRUCK) cinematically searches for its manners in our everyday life. It shows truth, personality and surprise. A colourful atmospheric picture to think about.

Sebastian Binder. Born 1983 in Frankfurt am Main. Studied Media Design at Bauhaus- University in Weimar with emphasis on directing and postproduction from 2004 to 2009. After that postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne. Winner, amongst others, of the Screenplay Award at the Kurzundschön Festival 2013, the MDR Unicato Award, the Award for Media Design of Bauhaus-University Weimar and the Jury Prize of the 5e Courts dans la Vallee. Sebastian Fred Schirmer was born 1981 in Filderstadt and raised in Lahr/Black Forest, Sebastian Fred Schirmer has been working as a camera assistant for Film and Televsion since 2002. He obtained his engineering degree from the Hochschule Offenburg in 2009. Between 2011 and 2015 he studied at the Academy of Media Arts in Cologne where he majored in Visual design/Camera. He lives and works in Cologne as a freelancing cameraman.