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"The Hustle" est une animation Flash sur un DVD single channel, tirant son titre d'une danse linéaire célèbre de l'époque de l'enfance de l'artiste dans les années soixante-dix. La vidéo comprend l'interaction de différents personnages de sexes opposés de la même époque. Ils vont d'une Patty Hearst violente, Josie and the Pussycats, de la tête agressive et bavasse du Président Nixon, un astronaute perdu flottant sans but à travers l'écran. Ces personnages "dansent" dans des décors tels que la maison de Mr Roger en explorant l'espace entre l'autorisé et l'autorité. La présentation ludique de la vidéo tout comme l'affable bande son contre-balancent la complexe et souvent sombre exploration des politiques des genres(sexes) dans cette oeuvre. Comme l'interaction de ces personnages sexués devient plus compliquée, une tension fine entre l'humour et l'inconfort s'installe. Ce que la vidéo réussit est une vision honnête des relations entres les sexes vues à travers les yeux d'un enfant: les implications et sous entendus cachés derrière le voile joyeux de la culture pop de consommation.

L'artiste multimédia Sandra Bermudez vie et travaille à New-York. Ses travaux, basés sur l'autoportrait, creusent dans les questions de sexes avec un focus sur l'identité, la représentation et la construction du sexe féminin. Elle crée des oeuvre joueuses et séductrices faisant référence a la pornographie comme à l'art corporel contemporain. Bermudez a étudié à l'Instituto Marangoni, Milan et fut diplomée de l'université de Columbia et de New York. Elle fut choisie pour différentes résidences: Château la Napoule Art Fondation, Cannes; Vermont Studio Centre; Artists in the Marketplace, Bronx Museum of Arts; Blue Montain Centre, NY; Skopelos Art Foundation, Grèce. Ses travaux ont été exposé en solo comme en groupe: 20 Years In, International Center of Photography (2006); Arte Americas, Museo del Barrio, New York-Miami (2006); All that you can see, Art Basel-Design District, Miami (2005); Not Only Performance, Museo del Barrio, New York (2004); The Sublime Metaphor, Oxford Museum, Oxford (2003); Rencontres Internationales, Podewil Center for Contemporary Arts, Berlin (2003); Public Responsibility, Art Museum of the Americas, Washington (2003); Freewaves, Iturralde Gallery, Los Angeles (2002); et Socket Saliva, Videotage, Hong Kong, China (2002). Elle reçu en 2005 une mention honorable au Salon Colombien National et prit part à l'Optic Nerve au MOCA, Miami. En 2007 elle exposa dans We Are Your Future, Biennale de Moscou; MACO; la Triennial de Milan; et Wallflowers, Danziger Projects, New York entre autres. Ses expositions solo en 2007 inclurent Luxe, Spinello Gallery, Miami; et Heavyweight, Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles.

Cachée derrière Maharaja Sayajirao University de Baroda, se tenait une jungle vallonnée accessible par un petit muret, comme une miniature Moghol. Muni d?une couronne, d?un portant à oiseaux et d?une lampe torche, j?ai demandé à des amis sculpteurs d?incarner dans ce décor les personnages de la Flûte enchantée, comme un prélude à l?Opéra, comme le temps suspendu d?une nuit à rebours, comme la coulisse d?un mélodrame absurde et grave.

Historien de formation ayant étudié à l?Université Paris I, puis diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2013, Léandre Bernard-Brunel développe un travail en vidéo à la lisière du cinéma. Les questions de la théâtralité, de la voix et de l`objet y tiennent une place centrale. Ses formes brouillent journal filmé, théâtralisation, récits sonores et images hypnotiques. Léandre Bernard-Brunel part toujours d`un document, d`un réel qu?il distord avec une simplicité dans les moyens optiques et acoustiques utilisés. Il recherche des formes au seuil de l`hypnose et de la fantasmagorie, à l`agonie du sommeil. Ses films ont été montrés ces deux dernières années au Palais de Tokyo, à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin, au Salon de Montrouge, à la chapelle des Carmélites à Toulouse, à la Kunsthalle de Mainz ou encore dans les galeries de Jerôme Poggi et de Virginie Louvet à Paris pour sa première exposition personnelle en 2012. Ses recherches plastiques et filmiques ont été soutenues, entre autres, par Jean-Max Colard des Inrok?s pour la Biennale de Belleville en 2012, par la ville de Paris pour son film « Colorature » en 2012, et par le prix Scribe 2013 pour le cinéma.

Dans un parc abritant autrefois une exposition coloniale, des gardiens invisibles s?inquiètent d?une odeur étrange. Des bruits courent dans cette fausse végétation tropicale. Des grognements, des soupirs, des voix résonnent dans les murs des anciens pavillons de foire. Une nourrice malgache, la Ramatou, et un chauffeur, « nègre-bohème » commentent le départ des maîtres, dans un colloque sentimental où se mêlent ironie et vraie-fausse mélancolie.

Historien de formation, né en 1985, étudiant en dernière année aux Beaux-Arts de Paris et ayant étudié en Inde à la Faculty of Fine de Vadodara, je développe un travail sur l?espace en vidéo à la lisière du cinéma. Les questions de la théâtralité, de la voix et de l`objet y tiennent une place centrale. Inspirés du langage scandé des lanternes magiques et du prècinéma, mes films mettent en jeu une circulation heurtée de signes. Une affaire de foire et de monstration. Je pars toujours d`un document que je distords avec une simplicité dans les moyens optiques et acoustiques que j`utilise. Je recherche des formes au seuil de l`hypnose et de la fantasmagorie, à l`agonie du sommeil. Mon travail a été montré au 57ème salon de Montrouge, à la Chapelle des Carmélites à Toulouse, à l?Alliance Française de Baroda en Inde, à la Biennale de Belleville ou encore au Passage de Retz pour l?exposition d?Emmanuel Saulnier. Mon dernier film, Colorature, sera présenté à la Galerie Jerôme Poggi sous le commissariat de Stéphanie Cottin. Depuis Juin 2011, mon travail est soutenu et diffusé par Arte Créative. Parallèlement à mon travail d?artiste, je collabore avec des maisons de productions de film comme consultant. Pendant plus de trois ans, j?ai été lecteur à Arte France Cinéma auprès de Michel Reilhac.

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À propos de "I Feel Cold Today" : Lente traversée de bureaux désertés où s?engouffre un blizzard. Papiers virevoltants et équipements de bureau d?un autre temps témoignent d`une présence humaine récente mais fantomatique, conférant à la scène une ambiance de féérie apocalyptique.

BIO/CV : - Patrick Bernatchez [www.patrickbernatchez.com] est né en 1972 à Montréal au Québec (Canada). - Depuis 2000, son travail a été présenté au QUébec, au Canada et depuis quelques années en Europe et aux États-Unis. - Après une résidence d`artiste [www.iaab.ch] à Bâle (Suisse) en 2008-2009, Patrick Bernatchez travaille actuellement (2009-2010) au KÜnstlerhaus Bethanien [www.bethanien.de] à Berlin (Allemagne) ; deux résidences soutenues par le Conseil des arts et des lettres du Québec [www.calq.gouv.qc.cq]. - Depuis 2008, l`artiste a fait partie des activités des Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid/... [http://art-action.org]. - En 2009, Patrick Bernatchez a présenté des expositions solo à : PREFIX ? ICA ? Institute of Contemporary Art, Toronto [www.prefix.ca]; EXPRMNTL, Toulouse [www.exprmntl.fr]; Galerie Donald Browne, Montreal [www.galeriedonaldbrowne.com]; Stedelijk museum`s-Hertogenbosch ? SM?S, Hertogenbosch [www.sm-s.nl]; Galerie West, Den Haag [www.galeriewest.nl]; Galerie Bertrand Grimont, Paris [www.bertrandgrimont.com]. - À l`automne 2009, avec la Galerie Bertrand Grimont, il a fait partie de SLICK - Foire d`art contemporain [www.slick-paris.com] au Centre d`art le CENTQUATRE à Paris [www.104.fr]. - Les prochains solos seront présentés à : .e.space généric [http://espacegeneric.blogspot.com], Claye-Souilly (Seine-et-Marne, France) en déc. 2009-janv. 2010 ; .la Galerie Studio Bethanien, Künstlerhaus Bethanien, Berlin [www.bethanien.de] en avril-mai 2010. - Le vidéo "I Feel Cold Today" a été projet dans une scénographique intégrée au Frigidarium du Musée de Cluny - musée national du Moyen Âge à l`occasion de la NUIT BLANCHE, Paris [www.nuitblanche.paris.fr], 8e édition, le 3 oct. 2009. - "I Feel Cold Today" a été ou sera projeté ou exposé à : .Experimenta Utopia Now, Media Art Biennial [www.experimenta.org], Melbourne and then national tour in 2010-2011 ; ."CUE: Artists? Videos" (2010) - Cultural Olympic Games program, Vancouver Art Gallery [www.vanartgallery.bc.ca] ; ."The Boundary Layer" (2009), The Prairie Art Gallery, Grande Prairie, Canada [www.prairiegallery.com]; etc.

Patrick Bernatchez puise son inspiration dans différentes sources - le cinéma, l?imagerie populaire, la musique ? et nous livre une sorte d?opéra postmoderne à la fois merveilleux, exubérant et angoissant.

CHRYSALIDE-EMPEREUR Pellicule 35mm tranférée sur support numérique. Durée : environ 10 min. (2007-2008) La scène se déroule dans l?obscurité du stationnement souterrain d?un immeuble manufacturier. Un personnage, seul dans sa voiture, termine son dernier repas et fume une cigarette d?un air taciturne. Pendant ce temps l?eau s?accumule à l?intérieur du véhicule seulement. La caméra scrute cet instant, dans un mouvement circulaire et inintérompu jusqu?au débordement. Une lente descente abyssale?

Patrick Bernatchez vit et travaille à Montréal (Québec, Canada). Il est représenté par la galerie Donald Browne. www.galeriedonaldbrowne.com Depuis quelques années, Patrick Bernatchez a développé une démarche multiforme caractérisée par une esthétique mariant le merveilleux et le monstrueux; il y explore la photographie, l?installation et la vidéo autant que le dessin et la peinture, ses médias de prédilection. Les thèmes du corps, de la mutation, du sexe, de la mort et de la renaissance y sont explorés dans une exubérance et un lyrisme conjuguant le fantasmatique et le cauchemardesque. Son intérêt se situe dans la ?chronique d?une mort annoncée? à travers le défilement immuable du temps: celle des êtres vivants, des individus, des sociétés. Il s?intéresse aux traits d?une certaine schizophrénie sociale entre figuration et abstraction. Ces traits sont traduits tant par des compositions picturales, photographiques, filmiques que sous formes d?installations sculpturales et sonores.

A gravel path on the edge of a village. Between fields, across to a fence. Drawn into the map of former uranium mining areas in Saxony and Thuringia. From 1946 to 1990, the Soviet corporation SAG Wismut mined uranium there for the USSR's nuclear weapons program. Above ground, socialism shines towards the future, below, the ancient rocks radiate through the torn up earth. The GDR environmental movement throws a spotlight on the way. Night. Darkness. A group of people, a flashlight, a shovel. X-ray film is buried in the gravel. The ground exposes the film, leaving a trail of its invisible rays. The film SUN UNDER GROUND follows this trace horizontally through today's landscapes, marked by mining and redevelopment, and vertically through the ground as an archive. Deep drilling through space and time traces the sedimented narratives that surround the element of uranium materially, metaphorically, and geopolitically. How does it haunt the landscape? How does it connect with the ghost of socialism? What stories and biographies surround its excavation sites? How does it radiate into its recording media? How can the spectrum of the visible be shifted to bring its invisible radiation into the image, to make it audible or palpable?

Mareike Bernien is a Berlin based artist, filmmaker and teacher in the field of filmic research and critical archival practices. Since 2018 she has been part of the production platform pong film. 2020-21 she was a fellow in the Berlin Artistic Research Grant Programme/gkfd. With a media-archaeological approach, her artistic works question ideological certainties of representation, their material-technological preconditions and historical continuities. Her current films include: DEPTH OF FIELD (2017) and SUN UNDER GROUND (2022) both co-directed with Alex Gerbaulet. Alex Gerbaulet is a Berlin based artist, filmmaker and producer. Since 2014 she has been part of the production platform pong film. 2020-21 she was a fellow in the Berlin Artistic Research Grant Programme/gkfd. In her artistic work she explores, among other things, the imageability of reality and memory. Her films move between video art, essay and documentary film, between activist impetus and fictionalizing reflection. Her recent films include: THE SLEEPER (2018), as well as DEPTH OF FIELD (2017) and SUN UNDER GROUND (2022) both co-directed with Mareike Bernien.

Die Videoarbeit ?As found? versucht die Bewegung von einer gesellschaftlichen Vorstellung, die sich auf etwas Fernes oder Zukünftiges bezieht, zu einer in der Gegenwart veorteten Inszenierung von Gesellschaft nachzuvollziehen. Die ?As-found-Ästhetik? brutalistischer Architektur in Israel steht dabei im Mittelpunkt des Filmes, wobei deren Prinzipien ? z.B. vorgefundene Markierungen eines Ortes in die Entwurfsplanung miteinzubeziehen ? im Film als Technik der Zitation selbst aufgegriffen werden. Dazu werden insbesondere zwei Filme herangezogen: ?Ortsbesichtigung in Palästina? von Pasolini und ?Ici et ailleurs? von Godard/Miéville, die beide auf der Suche nach Übersetzungen zwischen einem Hier und Anderswo, Projektion und Reflexion sind, um zu einem Ort Beziehungen herstellen zu können und darin Widersprüche formulieren zu können. Zudem werden die in der Architektur vorgegeben / angelegten Blickverhältnisse untersucht. Kamera und Architektur testen sich gegenseitig in ihren Abbildungs- und Repräsentationsstrategien. Die Videoarbeit ist eine essayistische Collage aus akustischem und visuellem Film.

Mareike Bernien,Hamburg, Berlin Kerstin Schroedinger,Hamburg,London

Une voix parle avec le tempo d'un audio-guide comme on en entend dans les visites de galeries, les salons professionnels ou bien les présentations internet. La locutrice décrit avec l'attitude d'une guide aveugle observatrice, répétant sans cesse qu'elle connaît l'endroit dont elle parle. Elle travaille consciemment avec des endroits et des choix que l'on ne peut voir, référant à un potentiel de l'image tout en la laissant fragmentée et incomplète. La bande vidéo jouée parallèlement est inspirée par une procédure de montage dans laquelle une séquence de film donnée est coupée puis agrandie avant d'être re filmée par une caméra simulée. Cette séquence narrative, aussi informative qu'elle soit, expérience un dégorgement de son contenu, dans lequel l'intrigue est fragmentée. Tout comme un écran de veille, le regard de la camera glisse apparemment inflexiblement au loin, au-dessus des scènes. Parfois ce mouvement peut sembler en relation avec le texte parlé tel une offre, une contradiction ou bien un substitut. A travers la répétition et la recombinaison de certaines scènes, des possibilités de liaison inter-textuelles sont offertes. Elles ressemblent cependant à une procédure de test dans laquelle le langage et l'image ne peuvent s'illustrer l'un dans l'autre, mais reçoit un procédé asymétrique.

Mareike Bernien vit et travaille a Hambourg et Berlin

Die Videoarbeit ?As found? versucht die Bewegung von einer gesellschaftlichen Vorstellung, die sich auf etwas Fernes oder Zukünftiges bezieht, zu einer in der Gegenwart veorteten Inszenierung von Gesellschaft nachzuvollziehen. Die ?As-found-Ästhetik? brutalistischer Architektur in Israel steht dabei im Mittelpunkt des Filmes, wobei deren Prinzipien ? z.B. vorgefundene Markierungen eines Ortes in die Entwurfsplanung miteinzubeziehen ? im Film als Technik der Zitation selbst aufgegriffen werden. Dazu werden insbesondere zwei Filme herangezogen: ?Ortsbesichtigung in Palästina? von Pasolini und ?Ici et ailleurs? von Godard/Miéville, die beide auf der Suche nach Übersetzungen zwischen einem Hier und Anderswo, Projektion und Reflexion sind, um zu einem Ort Beziehungen herstellen zu können und darin Widersprüche formulieren zu können. Zudem werden die in der Architektur vorgegeben / angelegten Blickverhältnisse untersucht. Kamera und Architektur testen sich gegenseitig in ihren Abbildungs- und Repräsentationsstrategien. Die Videoarbeit ist eine essayistische Collage aus akustischem und visuellem Film.

Mareike Bernien,Hamburg, Berlin Kerstin Schroedinger,Hamburg,London

Une voix parle avec le tempo d'un audio-guide comme on en entend dans les visites de galeries, les salons professionnels ou bien les présentations internet. La locutrice décrit avec l'attitude d'une guide aveugle observatrice, répétant sans cesse qu'elle connaît l'endroit dont elle parle. Elle travaille consciemment avec des endroits et des choix que l'on ne peut voir, référant à un potentiel de l'image tout en la laissant fragmentée et incomplète. La bande vidéo jouée parallèlement est inspirée par une procédure de montage dans laquelle une séquence de film donnée est coupée puis agrandie avant d'être re filmée par une caméra simulée. Cette séquence narrative, aussi informative qu'elle soit, expérience un dégorgement de son contenu, dans lequel l'intrigue est fragmentée. Tout comme un écran de veille, le regard de la camera glisse apparemment inflexiblement au loin, au-dessus des scènes. Parfois ce mouvement peut sembler en relation avec le texte parlé tel une offre, une contradiction ou bien un substitut. A travers la répétition et la recombinaison de certaines scènes, des possibilités de liaison inter-textuelles sont offertes. Elles ressemblent cependant à une procédure de test dans laquelle le langage et l'image ne peuvent s'illustrer l'un dans l'autre, mais reçoit un procédé asymétrique.

Mareike Bernien vit et travaille a Hambourg et Berlin

'Artifice' stars the only artificial volcano to survive its own eruption: a model replica of Vesuvius from the grounds of a pleasure palace built by an 18th-century German prince. Gardens as models of worldbuilding and empires are the subject of this queer cli-fi that mixes facts with speculation. A media archaeology of how we model earth and atmosphere runs through its images, samples, and sounds—culminating in a dazzling yet foreboding explosion of forms. The film is shot on location in Germany at the Schloss Sanssouci Potsdam, Schloss Solitude Stuttgart, and the Wörlitzer Park Dessau. 'Artifice' is the third episode in the Imaginary Explosions cosmology, which translates aesthetic forms of communication across sensory modalities while being in relation to inhuman alterities and non-normative bodies. How can we understand and interpret the inhuman world? How can we practice other ways of being in a body? Focusing on communication with geologic subjects through technologies and mutual alliances, the cosmology explores how human and mineral subjectivities are entangled, emphasizing moments when the earthly asserts its agency in the political sphere.

Caitlin Berrigan works as a visual artist and writer to explore poetics and queer science fiction as world-making practices through sculptural instruments, moving images, and new technologies. Her extensive speculative cosmology, Imaginary Explosions, blends research science with art and fiction alongside emerging media instruments and new technologies. The episodic series centers geological animacies as transfeminist scientists cooperate with the desires of the mineral earth to simultaneously erupt all volcanoes. The work has been the subject of a book (Broken Dimanche Press, 2018) solo shows at JOAN Los Angeles (2023) and Art in General (2019) reviewed in Artforum, and a world premiere in the Berlinale Forum Expanded Exhibition (2020). Berrigan has presented her work at the Whitney Museum, Henry Art Gallery, Harvard Carpenter Center, Union Docs, Ashkal Alwan, and the European Media Arts Festival among other international venues. Her experimental writings are published by e-flux, Georgia, MARCH, Duke University Press and Broken Dimanche Press. She has received fellowships and residencies from Creative Capital, the Humboldt Foundation, Skowhegan, Graham Foundation, and Akademie Schloss Solitude. She earned a Master’s from MIT’s program for Art, Culture and Technology and a B.A. from Hampshire College.

Listening, to Kins is a performance of listening to 279 vultures. Seated on a chair, dressed in a brown suit, one member from HP (Hillside Projects) actively listens to a wake of vultures' tumultuous feast on a carcass, a macabre yet tender act of eating and being eaten, a recycling of life. The performance took place on 25 January 2023 at Jatayu Vulture Restaurant, a vulture conservation project located in Kawasoti in southern Nepal. The sounds from the feast: hissing, kicking and flapping have, in turn, been transcribed as words that phonetically imitate, resemble, or suggest the sound that they describe, also known as onomatopoeia. The transcribed onomatopoetic words are then presented as subtitles accompanying the video, creating a playful and slightly absurd narration of the act of eating the dead. T?his video was produced through generous support during an artist residency in 2023 with PhotoKTM5 at Jatayu Vulture Restaurant in Kawasoti, Nepal, organised by photo.circle Nepal, a platform for photography based in Kathmandu founded in 2007. *Since the 1980s, the vulture population in Nepal and India has declined by 98% due to unintentional poisoning through the consumption of carcasses containing Diclofenac, a painkiller given to cattle to work harder and longer and increase milk production. Jatayu Vulture Restaurant is a local community conservation project in Kawasoti, Nepal, working to increase the vulture population. Old animals (not treated with Diclofenac) are taken care of and served to wild vultures upon their natural death.

HP (Hillside Projects) is an artistic entity formed by Emily Berry Mennerdahl (1980) and Jonas Böttern (1977). HP is based in Stockholm. HP’s main interest is in performance and the role of the performer, with an emphasis on the discursive possibilities of telling tales and the resisting of single narratives. Through a conceptual approach and a performative methodology, HP creates works where birds, most often, serve as the main protagonists. The works take their form as video and public performances alongside text, sound and imagery. In their making, the tales of birds expand into larger narratives where socio-political layers and existential emotions unravel alongside notions of life’s many cycles, transition, eating and being eaten, and dust. We are all stardust. At times, the tales HP tells appear tragic, yet HP believes that absurdities, humour and intimacy are all essential elements in telling the tragic. Quite recently, HP has begun to shift its gaze upon itself, questioning its members’ roles in telling tales. Who are they to tell a story, and which stories are theirs to tell? How do they tell the stories in relation to each other and in relation to their audience? HP also actively explores the concept of an audience. An audience in movement, an audience that is not alive, an intimate audience, a large audience, and one not physically present. HP asks what an audience is and what it can be. HP intermittently collaborates with others as part of its artistic vision and occasionally engages in smaller curatorial spurs. It aims to create works that can unravel in environments such as, but not limited to, an ambulating stage, participatory walks, research contexts, screenings, community halls and exhibitions. HP’s videos are distributed by FilmForm - The Art Film and Video Archive and Vidéographe Montréal. HP has taken part in artist residencies such at IASPIS (SE),Clark House Initiative-Mumbai, Box Autumn Studios at Galleri Box-Gothenburg, Banff Centre Canada, TCG Nordica Kunming-China as well as shown their works in exhibitions and screenings at amongst others Röda Sten konsthall, Dazibao Montréal, Galleri54 Gothenburg, Oberhausen Film Festival Germany, Bonniers Konsthall etc. RThey have been awarded grants from the Swedish Arts Council, Konstakademin as well as private stipends.

Lors d`un pique nique, deux femmes sont réunies. L`une d`elle partage avec l`autre des notions sur les questions de l`argent et de l`amour.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Avant le changement d`équipe. Au travers d?une circulation d?argent, du produit de larcins et de présents entre trois personnages, « Avant le changement d?équipe » est un regard porté sur la notion de valeur, d?économie, d?asservissement et de désir. Dans un appartement, trois personnages (Véra, Alex, Sylvain) vont interagir sous la forme d`un huis clos. Dans ce trio, chacun est interdépendant des autres. Le trio évolue autour de l`échange, et de la valeur attribuée à ce qui est échangé. Véra, vit dans un appartement avec Alex, qui lui tient lieu d?amie/domestique. Les deux femmes se livrent à un commerce étrange avec un homme, Sylvain, qui chaque jour vient leur donner une enveloppe contenant l?argent d?un méfait. Alex doit raconter chacun des larcins en détail à Véra qui rémunère Sylvain deux fois le montant de ce qu?il a volé. Dans ce trio, chacun est lié à l`autre, les individus ne sont là que pour servir le système, prisonniers de leur avidité ou de leur désir. Mais Sylvain en sortant de cette organisation, produit un intervalle, une légère interruption mettant en difficulté le système.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Lors d`un pique nique, deux femmes sont réunies. L`une d`elle partage avec l`autre des notions sur les questions de l`argent et de l`amour.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Avant le changement d`équipe. Au travers d?une circulation d?argent, du produit de larcins et de présents entre trois personnages, « Avant le changement d?équipe » est un regard porté sur la notion de valeur, d?économie, d?asservissement et de désir. Dans un appartement, trois personnages (Véra, Alex, Sylvain) vont interagir sous la forme d`un huis clos. Dans ce trio, chacun est interdépendant des autres. Le trio évolue autour de l`échange, et de la valeur attribuée à ce qui est échangé. Véra, vit dans un appartement avec Alex, qui lui tient lieu d?amie/domestique. Les deux femmes se livrent à un commerce étrange avec un homme, Sylvain, qui chaque jour vient leur donner une enveloppe contenant l?argent d?un méfait. Alex doit raconter chacun des larcins en détail à Véra qui rémunère Sylvain deux fois le montant de ce qu?il a volé. Dans ce trio, chacun est lié à l`autre, les individus ne sont là que pour servir le système, prisonniers de leur avidité ou de leur désir. Mais Sylvain en sortant de cette organisation, produit un intervalle, une légère interruption mettant en difficulté le système.

Valérie Bert a d`abord été présente dans le champ de l`art contemporain sous la forme de performances, de pratique multimédia, ou de vidéos. Depuis quelques années, elle travaille plus particulièrement autour de projets de films de format courts et longs. Son travail questionne les notions d`économie, de politique et d`utopie.

Un Semblant de Monde est un sous-programme inédit d?une durée de 1 heure et 11 minutes, regroupant 4 épisodes parmi les derniers réalisés à ce jour de la série Le Dispositif. Le Dispositif est un programme vidéo d?orientation, d?explicitation et de conditionnement qui sera composé d?un corpus de 52 films à son achèvement en 2012 formant une totalité d?une durée de plus 8 heures (50 épisodes sont réalisés à ce jour). Le projet d?un « homme reconstitué » a maintes fois été évoqué dans l?Histoire : il serait le fait de la voix divine bicamérale ? représentée tour à tour par le visage du Renard, du Papillon et de l?Hippocampe ? et celle-ci s?épiphaniserait sous la forme des Hommes-Oiseaux, lointains représentants d?une humanité de souche aux origines mal établies (Fravartis mazdéens, Anges, Petite Reines?). Tout récemment, les concepteurs des Villes Nouvelles, ignorant la Connaissance, confondirent le monde en suspend des Hommes-Oiseaux avec leur réalité d?ici-bas et en expérimentèrent les sinistres conséquences. Dans le monde contemporain, un homme n?apparaît jamais que par morceaux. Le Dispositif produit un courant électrique et une fréquence vibratoire qui se propose de réagencer la multitude éparpillée de morceaux d?hommes pour faire jaillir en vous, La Seconde Mémoire.

Thomas Bertay fonde, anime et dirige la maison de production Sycomore films depuis sa création en 1999. À la fois auteur, réalisateur et artiste vidéo, il se spécialise en post-production et travail sur de nombreux projets depuis lors (fictions, documentaires, art vidéo). Il co-produit et signe le montage du dernier film de Nico Papatakis, Gloria Mundi qui sort en salles en 2005. Il collabore avec les réalisateurs et artistes Jean-Jacques Beineix, Mickael Raeburn, François Lunel, Manuel Pradal, Valérie Pavia, ZEVS, Philippe Meste, Anne Jaffrenou, Marie Cuisset, Aude Py, Nicolas Nakamoto, Frédéric Nicolas? Il est le co-auteur avec Pacôme Thiellement de la collection Le Dispositif, une série de vidéos expérimentales ayant fait l?objet de nombreuses monstrations (Centre Pompidou, Espace Ricard, Le Denfert-Rochereau, Beaux-Arts de Toulouse, La Gaîté Lyrique?) et de deux rétrospectives, l?une au Palais de Tokyo en hiver 2009, et l?autre, au PCF dans le cadre du festival Politiques 0 en octobre 2010. Parallèlement à ces activités, il est en charge de la rubrique Médias dans la revue Musica Falsa dirigée par Bastien Gallet entre 1998 et 2002, et auteur de plusieurs courts essais dans la revue d?Art et Littérature Spectre entre 1999 et 2002. --------------------------- Pacôme Thiellement s?est d?abord illustré dans le milieu de la bande dessinée, en dirigeant, de 1987 à 1991, le fanzine Réciproquement, Alph?art Fanzine à Angoulême en 1990. Il fonde et dirige la revue littéraire Spectre de 1998 à 2003. Trois films ont été co-réalisé avec Thomas Bertay dans le cadre de cette revue expérimentale (DVD édité chez Sycomore films J?apporte la Guerre en 2005). Il est l?auteur de sept livres d?inspiration exégétique, herméneutique, théophanique et burlesque : Poppermost ? Considérations sur la mort de Paul McCartney (MF, 2002), Economie Eskimo ? Le Rêve de Zappa (MF, 2005), Mattt Konture (L?Associaton, 2006), L?Homme électrique ? Nerval et la vie (MF, 2008), Cabala ? Led Zeppelin occulte (Hoëbeke, 2009), La Main gauche de David Lynch (P.U.F., 2010) et Les Mêmes yeux que Lost (Léo Scheer, 2011). Il a publié des textes dans de nombreuses revues (R de Réel, Vertige, L?Eprouvette, Le Tigre), magazines (Rock & Folk, Chronic?art, Standard, Les Cahiers du Cinéma), ouvrages collectifs (Fresh Théorie, Ecrivains en série, Le Ciel vu de la Terre), donné des conférences ou participé à des débats au Palais de Tokyo, au Centre Pompidou, au Grand Palais, aux Beaux Arts de Lyon, à l?Espace Ricard? Ses livres ont été salué par la critique (Fluctuat.net, Les Inrockuptibles, Les Cahiers du Cinéma, Positif, France Culture, France Inter, France 3, Le Magazine des Livres, Artpress?). Chronic?art lui a consacré la couverture d?un de leurs numéros et son avant-dernier essai, La Main gauche de David Lynch a été considéré par le magazine Technikart comme le meilleur livre non-romanesque publié en 2010. Il est le co-auteur avec Thomas Bertay de la collection Le Dispositif, une cinquantaine de vidéos expérimentales ayant fait l?objet de nombreuses projections (Centre Pompidou, Espace Ricard, Le Denfert-Rochereau, Beaux-Arts de Toulouse, La Gaîté Lyrique?) et de deux rétrospectives, l?une au Palais de Tokyo en hiver 2009, et l?autre, au PCF dans le cadre du festival Politiques 0 en octobre 2010.

?Walperloh? shows three young men situated in Estern Germany amongst a pre-fabricated housing development. The historical inscriptions of the landscape connect with the characters.The situation and the relationship between the men refer to a semantic field that refuses concrete attributions. Quiet, sparce takes creat personal closeness without any real determination: a non-space full of undefined melancholy and tenderness. The density of the description creates an open space of association that doesn?t terminate into narration and allows for distance despite ist closeness.

Markus Bertuch, born 1974 in Arnstadt, lives and works in Berlin; 1999 ? 2001 studied design at Werkakademie Kassel, studied Fine Arts and Visual Communications at School of Art Kassel. Since 2003 several participations in international exhibitions and festivals (selection): Kunstfilmbiennale - Köln 2007, Lucas-Cranach-Preis für Video Kunst - Kunstverein Kronach 2007, 60° Festival del film Locarna - Locarna 2007, ?To be continued - Was macht Video Anders?? Galerie Anita Beckers - Frankfurt/Main 2007

Us, humans, the one species present in every latitude of the earth have never really settled, from hunters and gatherers to refugees and expats. Throughout human history reasons for exploration vary; trade, fear, ambition, or curiosity. Still nomads, our quest to chart every reachable corner has been fundamental to the dissemination of symbolic structures growing from wealth and power into different forms around the globe. Fata Morgana balances between that primal urge to explore the unknown and the instinctive need to make a home and belong... Pulling or being pulled? Coming, going or returning? The physicality of struggle, disappearance and emergence within this piece becomes a metaphor reflecting on Poetics and Politics, Geography and Geometry, Dreams and Death, as well as memories of Future and Past. With the uncertainty and hope of new beginnings across the ocean, the transient figures glimmer and nearly blend into their surroundings, flirting with symbolisms of ritual: the platonic geometry, immersion/ascension, and their perpetual journey. These travellers move oblivious of any limits but their own, challenging the very notion of borders; which are, anyway, invisible and futile drawings of power onto an ever-shifting landscape defiant of any divisions. Inspired by the artists own attempts of somehow always carrying home with them, the piece is a video loop meditating on the emotional ebb and flow of the many departures and the inevitability of a return. A return home, that whether it be a place, memory, feeling, or a word it is always a reflection of oneself.

SEBASTIAN BETANCUR MONTOYA: A common conceptual thread legible in his artwork is the constant preoccupation for the body[ies] and its relation with[in] the surrounding space and its limits/conditions; the themes of home, language, migration, belonging and uprooting have become unavoidable for someone as him, who has lived on the move, away from his birth place half of his life. Sebastián´s work has been part of exhibitions, publications, art residencies, and art fairs in Colombia, The Bahamas, Qatar, Russia, and Germany and participated in other events such as The 2015 Oslo Architecture Triennial, the 2015 Kuwait pavilion for the Venice Biennale, NYT art for tomorrow 2016, and the 2018 Istanbul design Biennial. ABI GREEN: Born and raised in London, she was educated at Fine Arts College, Chelsea College of Arts and went on to graduate with a BA (Hons) in Photography from Middlesex University London. Abi’s work has been featured on Vogue and Vogue Italia online, Le Book and It’s Nice That. Nominated to exhibit at the D&AD, New Blood Awards, London, in 2009 and Mother London’s, Open Book in 2015, she has also been published both in the UK and the Middle East, including magazines such as Notion, Crack, Elle and Twenty-six. Driven by interests in colour, light art, and sculptural objects, she is often influenced by surrealism, modern and industrial design, which enhances her contemporary visual style. Her projects carefully balance a minimalist approach with a graphic, colourful aesthetic resulting in a distinctive eye-popping quality. A key part of her image-making is the humorous twist that underpins her creative concepts, with this unique approach she hopes to leave her audience with a taste of her playful nature.

Vicky Betsou a utilisé de la pellicule d?archives d?actualités du XXe siècle dans la vidéo ?6.31 ?, de manière à construire une narration et une interprétation personnelle de l?histoire et de la mémoire. Caractérisée par la fragmentation (qui représente aussi l?origine du matériau) cette vidéo se finit avec un collage de fragments de temps, de parties de la mémoire collective s?élevant en un ordre subjectif et inattendu et que le spectateur est libre d?investir de signification à sa manière.

Vicky Bestou est une artiste visuel qui travaille principalement avec des vidéos (installations vidéos et canal seul).Elle est née à Preveza en 1971 et vit à Athènes, en Grèce. En 1991, elle arrête ses études de biologie (à l?université d?Athènes) et étudie la peinture ainsi que la scénographie à l?École des Beaux-Arts d?Athènes (ASFA). En 1994, elle étudie pendant un semestre à l?École Nationale Supérieure des beaux-arts (Bourse Érasmus) et commence à utiliser la vidéo et l?ordinateur comme médium dans son travail artistique. En 2000, elle est diplômée avec mention du MA Program of Digital Arts de l?ASFA dans le département d?Informatique et Ingénierie du NTUA à Athènes. Depuis 2001, elle enseignante assistante au MA Program In Digital Arts - ASFA, en cours de multimédia et d?art vidéo et ont participé à des programmes de recherche concernant l?art et les nouveaux médias.Elle a présenté son travail (vidéo et installations) lors de plusieurs festivals et expositions en Grèce et à l?étranger. Elle a aussi créé des designs de scènes pour le théâtre et la télévision, a été professeur en animation et vidéo expérimentale pour des enfants et des adolescents.

A man spreads lime on a field in August, to prepare the earth for the autumn sowing. His action recorded and extracted from the surroundings and realistic conditions, becomes a ritual of a human caressing the land at dusk, reminding us of our relation and dependence to earth. The image obscured and slowed down confronts the viewer with an enigmatic time fragment of a ritual dance.

Vicky Betsou is a visual artist, working mainly with video installations. She lives and works in Athens. She studied Biology at Athens University, painting at Athens School of Fine Arts (ASFA) and completed her MA in Digital Arts at ASFA (2000). She has been a teaching assistant in Multimedia and Video-art courses at ASFA since 2001 and in 2006 she was elected a Lecturer and is teaching Video Art in the graduate and postgraduate program at the same Institute. She has participated in research programs concerning Art and new Media and collaborated in E-Learning projects on Art education. Her work mainly addresses the complicated notion of time and memory, blurring the boundaries between objective and subjective time, emphasizing on the construction of temporal structures or the composition of time loops, engaged in the construction of multiple, multilevel narrations. Her work has been presented in solo and group exhibitions and festivals in Greece and abroad.

Une nouvelle enquête de l?inspecteur Rredick. Rien n?est dit, mais tout se sait. Alors il n?y a plus qu?à se regarder, s?écouter en silence et attendre, la vie allant. Quand les paroles ont disparu, on lit sur les visages. Des hommes vivent ensemble côte à côte et c?est tout. Ils rêvent parfois. Un homme meurt, le premier mot est dit. La langue des morts est née.

Né le 13 août 1972 dans le Lot. Après des études universitaires de cinéma, il intègre l?école nationale supérieurs Louis Lumière. Son travail de fin d?étude achevé en 2003 : « Temps atomique » fut projeté lors de la dernière édition du festival Paris Berlin. Il travaille depuis essentiellement sur la manipulation des images extraites de séries télévisées dont « Inspecteur Rredick » est le premier opus.

Three presentable young people in complicated relationships went to a villa deep in the forest on a winter night, experiencing frustration, anger, and loathing, but still, a strange desire to get closer, which will never be satisfied.

Russian dissident. Former architect. Left career to become an independent filmmaker. Currently works in Mongolia. Studied at Saint Petersburg School of New Cinema. Studied at N. Novgorod University of Architecture and Civil Engineering. Has Mongolian origin.

José Costa exerce la profession de « nègre ». Il écrit les histoires de ses commanditaires. Un soir à Recife, il traverse une fête populaire et spirituelle dont l’origine remonte à l’histoire coloniale du Brésil. Lui, l’écrivain fantôme, est l’homme de l’ombre, la plume anonyme et silencieuse. À la faveur des croyances populaires et de leur magie, s’ouvre cette nuit la possibilité d’une histoire réécrite.

Né en France, Grégory Bétend est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon (ENSBA), et de l’école documentaire de Lussas. Il a réalisé "Checkpoint Charlie" et "Nu", qui ont été présentés dans plusieurs festivals comme le FID Marseille, les Etats généraux du documentaire (film d`ouverture), le Festival International du Court-Métrage de Clermont-Ferrand, entre autres. Son travail a également été présenté au Centre Pompidou Paris, au centre d`art Kunstverein Tiergarten de Berlin, entre autres. Il est l’auteur des livres « En 1799 l’entrée était déjà là » et « Ora », et publie aussi en revues (Vacarme, Le nouveau recueil).